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Pantha Du Prince – Black Noise: La Naturaleza y el Minimalismo en la Electrónica

Lanzado en 2010 bajo el prestigioso sello Rough Trade Records, Black Noise de Pantha Du Prince es un álbum que fusiona minimal techno, ambient y elementos orgánicos para crear una experiencia sonora envolvente y contemplativa. Este trabajo se ha convertido en un referente dentro de la música electrónica por su riqueza textural y su enfoque en la relación entre el sonido y la naturaleza. Contexto y Concepto Hendrik Weber, el hombre detrás de Pantha Du Prince, venía de trabajar con sellos como Dial Records, donde había desarrollado un sonido profundo y melancólico en discos como Diamond Daze (2004) y This Bliss (2007). Sin embargo, Black Noise supuso un punto de inflexión en su carrera, al integrar influencias de la música concreta y el paisajismo sonoro, inspirándose en la acústica de los Alpes suizos. El concepto del álbum gira en torno a la idea de “ruido negro”, un fenómeno que representa el sonido residual del colapso y regeneración de la naturaleza. Esta exploración se materializa a través de paisajes sonoros que evocan bosques, montañas y espacios abiertos, combinados con ritmos hipnóticos y melodías etéreas. El Sonido de Black Noise El álbum se construye sobre capas de sintetizadores, campanas, percusión detallada y bajos profundos. Pantha Du Prince logra un equilibrio perfecto entre lo electrónico y lo orgánico, utilizando samples de sonidos naturales junto con estructuras de house y techno minimalista. Algunas características clave del sonido de Black Noise incluyen: Pistas Destacadas Recepción y Legado El álbum recibió elogios de la crítica especializada y fue considerado uno de los mejores lanzamientos electrónicos de 2010. Publicaciones como Pitchfork, Resident Advisor y The Quietus destacaron su enfoque innovador y su capacidad para trascender los límites del techno tradicional. En retrospectiva, Black Noise se mantiene como un hito dentro de la electrónica ambiental y el minimal techno, influyendo en artistas posteriores dentro de la escena experimental y deep house. Su combinación de naturaleza y tecnología sigue resonando en la música contemporánea, consolidando a Pantha Du Prince como una figura clave en la evolución del género. Conclusión Black Noise no es solo un álbum de techno; es una exploración auditiva de la relación entre el ser humano y su entorno. Con su producción meticulosa y su estética única, Pantha Du Prince creó una obra que sigue siendo relevante más de una década después de su lanzamiento. Es un disco imprescindible para quienes buscan una experiencia sonora profunda, emocional y trascendental.

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Björk sobre spotify: “probablemente es lo peor que le ha pasado a músicos”

La reconocida artista islandesa Björk ha expresado recientemente una crítica contundente hacia las plataformas de streaming, en particular Spotify, calificándola como “probablemente lo peor que le ha pasado a los músicos”. En una entrevista con el medio sueco Dagens Nyheter, Björk reflexionó sobre el impacto del streaming en la industria musical y el costo que esta significó para los músicos. Según la cantante, el modelo de negocio de plataformas como Spotify transformó no solo la manera en que se consume música, sino también el modo en que los músicos deben operar para sobrevivir. “La cultura del streaming ha cambiado a toda una sociedad y a toda una generación de artistas”, afirmó. Estas declaraciones se producen en un contexto donde la compensación económica que reciben los artistas por parte de las plataformas de streaming ha sido objeto de debate. Aunque Spotify ha informado que en los últimos 10 años ha pagado 60.000 millones de dólares a los artistas, con 10.000 millones solo en 2024, informes indican que Spotify paga menos por reproducción que Amazon Music, Apple Music y YouTube Music. El vicepresidente de Negocio Musical de Spotify, David Kaefer, defiende que la empresa ha incrementado significativamente los ingresos de los artistas y que el streaming ha restablecido el valor de la música. Björk no es la única artista que ha expresado su descontento con las plataformas de streaming. En noviembre de 2024, el baterista de la banda Anthrax, Charlie Benante, describió al streaming como “el lugar donde la música va a morir”. es.rollingstone.com La discusión en torno al modelo de negocio de las plataformas de streaming y su impacto en la sostenibilidad económica de los músicos continúa siendo un tema relevante en la industria musical actual.

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se aproxima el estreno del nuevo documental de the Mars Volta y el lanzamiento de su nuevo disco

The Mars Volta, la influyente banda de rock progresivo originaria de El Paso, Texas, ha anunciado el lanzamiento de su próximo álbum titulado “Lucro sucio; Los ojos del vacío”, programado para el 11 de abril de 2025. Este nuevo trabajo promete ser una adición significativa a su discografía, conocida por su complejidad y experimentación sonora. Aunque aún no se han revelado detalles específicos sobre el contenido temático o estilístico del álbum, los seguidores de la banda esperan con entusiasmo la continuación de su legado musical innovador. El álbum estará disponible en formato de doble LP, lo que sugiere una colección extensa de nuevas composiciones. Los fanáticos pueden anticipar una experiencia auditiva profunda y envolvente, característica distintiva de The Mars Volta. Para aquellos interesados en adquirir “Lucro sucio; Los ojos del vacío”, el álbum ya está disponible para preordenar en varias tiendas en línea especializadas en música. Con este próximo lanzamiento, The Mars Volta continúa su trayectoria de innovación y creatividad en la escena musical contemporánea, reafirmando su posición como una de las bandas más vanguardistas de su generación. Por otro lado, “Omar and Cedric: If This Ever Gets Weird” es un documental que explora la profunda relación artística y personal entre Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala, los fundadores de The Mars Volta. Dirigido por Nicolas Jack Davies, el filme ofrece una mirada íntima a su amistad, desafíos y triunfos a lo largo de su carrera musical. El documental se estrenará en México el 6 de febrero de 2025, con proyecciones en diversas salas del país. En Guadalajara, por ejemplo, se exhibirá en Cinemex Plaza Patria y Cineteca FICG. La película ha sido reconocida en festivales como South by Southwest y ha ganado el premio a Mejor Documental de Música en los IDA Documentary Awards. A través de imágenes y testimonios, se abordan temas como la adicción, la traición y la redención, ofreciendo una visión completa de la trayectoria de estos músicos. Para más detalles sobre las proyecciones y disponibilidad en otras ciudades, se recomienda consultar las carteleras locales y los sitios web oficiales de los cines participantes. Cines donde se proyectará el documental en CDMX

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Jazz Is Dead: La Revolución del Jazz en la Era Moderna

En los últimos años, el concepto Jazz Is Dead ha cobrado una relevancia única dentro de la música contemporánea. Lo que comenzó como una declaración provocadora, desafiante y casi herética dentro de la comunidad jazzística, se ha convertido en un movimiento musical y sello discográfico que redefine lo que significa el jazz en el siglo XXI. Desde sus inicios, el jazz ha sido un género en constante evolución. Aunque muchos críticos han declarado su “muerte” en diferentes épocas, el jazz ha demostrado ser un estilo resiliente, siempre encontrando nuevas formas de expresión. En este contexto surge Jazz Is Dead, un proyecto musical y sello discográfico que busca redefinir el jazz contemporáneo al fusionarlo con elementos de hip-hop, soul, funk y música electrónica. Creado por Adrian Younge y Ali Shaheed Muhammad (A Tribe Called Quest), Jazz Is Dead no solo es una provocadora declaración de intenciones, sino también una plataforma de colaboración intergeneracional que reúne a leyendas del jazz con productores modernos, creando un puente entre el pasado y el presente del género. Origen y Filosofía del Proyecto El concepto de “Jazz Is Dead” no es nuevo. A lo largo de la historia, se ha utilizado para describir períodos en los que el jazz parecía perder relevancia comercial o creativa, ya sea con la llegada del rock en los años 60, el auge del pop en los 80 o el dominio del hip-hop en los 90 y 2000. Sin embargo, lejos de ser una sentencia de defunción, la frase es una provocación que invita a cuestionar lo que significa el jazz en la actualidad. Adrian Younge y Ali Shaheed Muhammad decidieron apropiarse de esta expresión para demostrar que el jazz sigue vivo, aunque en una forma diferente. Su enfoque es claro: El proyecto nació en 2019, cuando Younge y Muhammad comenzaron a trabajar con artistas legendarios, grabando sesiones en su estudio Linear Labs en Los Ángeles. Lo que empezó como un experimento pronto se convirtió en una serie de álbumes que revitalizaron la escena jazzística con un sonido fresco y atemporal. El Sonido de Jazz Is Dead Jazz Is Dead es un laboratorio sonoro en el que el jazz se mezcla con diferentes influencias, creando una identidad única. Entre sus principales características destacan: Discografía y Artistas Clave Desde su primer lanzamiento en 2020, Jazz Is Dead ha publicado una serie de álbumes en los que colaboran con algunos de los músicos más influyentes del género. Entre los discos más representativos se encuentran: 1. Jazz Is Dead 001 (2020) Este primer volumen sirve como introducción al concepto, con colaboraciones de varios artistas, incluyendo Roy Ayers, Gary Bartz y Marcos Valle. Es un álbum lleno de grooves funky, melodías envolventes y texturas cinematográficas. 2. Roy Ayers JID002 (2020) El legendario vibrafonista Roy Ayers, pionero del jazz-funk, se une a Younge y Muhammad en un álbum que combina soul, jazz y electrónica con una atmósfera hipnótica y cálida. 3. Marcos Valle JID003 (2020) El maestro brasileño Marcos Valle aporta su inconfundible estilo bossa nova a la serie, resultando en un disco que fluye entre el jazz y los ritmos tropicales. 4. Azymuth JID004 (2020) La icónica banda brasileña Azymuth, conocida por su mezcla de jazz, funk y samba, entrega uno de los discos más vibrantes de la serie, con una instrumentación enérgica y llena de groove. 5. Doug Carn JID005 (2021) Este álbum recupera la esencia del jazz espiritual de los años 70, con una producción moderna que le da un nuevo brillo a la voz y teclados de Doug Carn. 6. Jean Carne JID006 (2021) Uno de los nombres más importantes del jazz vocal y el soul de los 70, Jean Carne ofrece una obra llena de emotividad y elegancia. 7. Tony Allen JID007 (2021) Uno de los últimos proyectos del legendario baterista de Fela Kuti antes de su fallecimiento. En este álbum, el afrobeat y el jazz se entrelazan en una fusión rítmica impresionante. Impacto y Recepción Crítica Desde su lanzamiento, Jazz Is Dead ha sido ampliamente elogiado por la crítica especializada, recibiendo reconocimiento en medios como Pitchfork, The Guardian y NPR. El proyecto ha demostrado que el jazz no está limitado a la nostalgia, sino que puede seguir evolucionando y dialogando con los sonidos contemporáneos. A través de sus álbumes y presentaciones en vivo, Jazz Is Dead ha logrado acercar el jazz a una nueva audiencia, incluyendo a fanáticos del hip-hop y la música electrónica. Además, ha dado nueva visibilidad a músicos veteranos que, aunque fundamentales en la historia del género, no siempre han recibido el reconocimiento que merecen. Jazz Is Dead en Vivo y el Futuro del Proyecto Uno de los aspectos más emocionantes de Jazz Is Dead es su dimensión en vivo. El colectivo ha realizado giras y presentaciones especiales, llevando la experiencia de estos discos a escenarios de todo el mundo. En cuanto al futuro, Younge y Muhammad han expresado su deseo de seguir expandiendo el proyecto, explorando nuevos sonidos y colaboraciones con más artistas icónicos. Se espera que nuevos volúmenes de Jazz Is Dead sigan apareciendo en los próximos años, consolidando esta serie como un movimiento esencial dentro del jazz contemporáneo. Conclusión: ¿Está Realmente Muerto el Jazz? La respuesta es clara: No, el jazz no está muerto, pero ha cambiado de forma. Jazz Is Dead no es un epitafio, sino un renacimiento, una prueba de que el género sigue vivo, evolucionando y fusionándose con nuevos sonidos sin perder su esencia. El trabajo de Adrian Younge y Ali Shaheed Muhammad ha demostrado que el jazz no es un estilo del pasado, sino una fuerza creativa en constante transformación. En un mundo donde los géneros musicales se diluyen y las influencias se mezclan, Jazz Is Dead es un testimonio de cómo la historia y la modernidad pueden coexistir en armonía. Si aún no has explorado este fascinante universo sonoro, Jazz Is Dead es el punto de entrada perfecto para redescubrir el jazz con una nueva perspectiva

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La tristeza de la fauna nocturna: Blue Monday celebró entre el caos su aniversario número 7

Por Monserrat Arias  ¿Qué fuerzas se desencadenan cuando dejamos que la tristeza nos atraviese por completo, sin evasivas ni consuelos fáciles? El lunes 20 de enero no fue un día cualquiera. En el Pasagüero, bajo la curaduría del artista y curador Erick Diego, se tejió un ritual colectivo que desafió la inercia del día más triste del año. Durante once años, Erick Diego ha dado rienda suelta a su instinto curatorial influido por la magia del caos, construyendo line-ups que cruzan generaciones, donde artistas consolidadxs se encuentran con las voces emergentes, como nuevas cicatrices que se han ido sumando en la escena del ruido. La noche comenzó como todas las grandes noches comienzan: con un murmullo que crecía en las esquinas, con el eco de pasos ansiosos cruzando la calle Motolinia, con la promesa de que algo estaba por suceder. Era el Blue Monday, el día más triste del año, pero aquí, en el Pasagüero que celebra 21 años de resistencia en el centro histórico, esa tristeza se transformaba en otra cosa: en una vibración, en un lenguaje común, en un espacio donde la melancolía se volvía combustible sin frenos. En su onceavo aniversario, el Club de la Tristeza demostró que incluso el día más gris puede llenarse de intensidad creativa y conexiones humanas. Desde las primeras horas, con Ricardo Pandal y Esoetheric abriendo la noche, el ambiente en Pasagüero se cargó de una melancolía suave y cálida para empezar la noche. Alfredo Martínez aka Mexican Rarities nos recordó que la nostalgia tiene un ritmo propio y, además, nos hizo bailar con propuestas puramente Mexicanas editadas en VINILO. Su propuesta sonora, que mezcla nostalgia y energía, hizo que los cuerpos empezaran a moverse casi sin permiso. Era imposible resistirse. Entre el ritmo y la atmósfera, lograron transformar la tristeza en un impulso físico, en un baile que parecía un conjuro colectivo contra el peso del día. Mientras tanto, Nayeli Santos presentó una proyección de video que sumergió a los asistentes en un universo introspectivo y visualmente cautivador. Había algo profundamente íntimo en su acto, como si nos recordara que, al final, todos estamos solos frente a nuestras emociones. Pero el Blue Monday no es un evento que permita comodidad por mucho tiempo. Hay algo en este ritual que parece invocar fuerzas invisibles, un misticismo que flota en el aire y que, tarde o temprano, golpea. Este año, las bocinas cayeron durante el acto de Manuel Rocha, como si una maldición se hubiera desatado. No fue solo un accidente técnico; fue un recordatorio físico de que el caos siempre está al acecho, de que la tristeza, cuando se acumula en un espacio tan cargado de energía, puede romper cualquier estructura, física o emocional. Alguien comentó que no era la primera vez que algo así ocurría en un Blue Monday. “Siempre pasa algo”, dijeron. ¿Sería la acumulación de tensiones, de expectativas, de emociones sin procesar? O tal vez era simplemente la noche reclamando su cuota de desorden.  Manuel Rocha llevó la experiencia al límite; con una mezcla de sonidos procesados, Rocha no se detuvo pese a la caída de los monitores; continuó, y en ese gesto de insistencia, de seguir a pesar del colapso, hubo algo profundamente humano, casi heroico; creó un paisaje sonoro que oscilaba entre la tensión y la calma, dejando a la audiencia en un estado de hipnosis compartida. El acto de Thelma Ascencio y Monserrat Coltello, acompañadas por los visuales oníricos de Ipsh fue un espacio para la poesía. Su intervención, entre palabra y performance, fue un golpe directo al pecho: una exploración cruda y honesta de la vulnerabilidad, la ficción y el erotismo que arrancó con suspiros y sonidos modulares. La energía que emanaron fue visceral y envolvente, transformando la tristeza en un acto de resistencia poética. Enrique Ježik, fiel a su estilo, presentó una propuesta que desbordaba fuerza y precisión. Utilizando una sierra circular y metales, creó una sinfonía industrial que era tanto un desafío como una invitación. Cada corte, cada chispazo de metal, parecía tallar la energía del espacio, convirtiéndola en una presencia tangible. Su acto fue una confrontación directa con el peso de las emociones, llevándolas al límite de lo físico y lo sonoro. Las chispas iluminaban brevemente los rostros del público, bañándonos en destellos que parecían cristalizar la tensión del momento. Sin miedo a ser lastimados, algunos asistentes se acercaron para sentir en su cuerpo un acto de confrontación y belleza industrial, donde la tristeza se convirtió en algo tangible y luminoso. Finalmente, Thelema cerró la noche con una explosión melódica y oscura, que dejó a los asistentes en un estado de catarsis colectiva. No era un cierre para disipar la melancolía, sino para abrazarla, para convertirla en un canto de resistencia compartida. Aunque Ulalume, quien sería la emblemática vocalista de Casino Shanghai, no pudo presentarse, su ausencia fue sentida por todos. La extrañamos y esperamos escuchar su set próximamente, porque su energía es una parte fundamental del espíritu del Blue Monday. Lo que ha hecho emblemático al Blue Monday es que no solo es un evento; es un ritual, un espacio donde las energías se desatan, donde reina la irreverencia y donde todas esas emociones de las cuales huímos se convierten en resistencia; que la depresión, la nostalgia y nuestras frustraciones son también un impulso creativo. Durante todos estos años, los eventos organizados por Castillos en el aire y ahora adoptados por El circuito artístico del centro histórico INFRLEVE, han sido un refugio para quienes han estado ahí desde el principio, para quienes vuelven año tras año, y para quienes llegan por primera vez buscando algo que no sabían que necesitaban. En un día tan simbólicamente cargado, el Blue Monday nos recuerda que no estamos solos, que incluso en el caos hay belleza.

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Guía de la psicodelia en Japón: Un viaje sonoro a través del tiempo y el espacio

La música psicodélica en Japón ha evolucionado de manera única, absorbiendo influencias del rock occidental y fusionándolas con elementos tradicionales japoneses, noise, avant-garde y electrónica. Desde el rock psicodélico de los años 60 y 70, pasando por el noise experimental, hasta la neopsicodelia contemporánea, Japón ha desarrollado una escena vibrante y original que ha influenciado a músicos de todo el mundo. En esta guía, exploraremos los principales movimientos, bandas y discos esenciales de la psicodelia en Japón. 1. Los orígenes: Psicodelia y rock experimental en los años 60 y 70 Influencias y contexto A finales de los años 60, Japón vivió un auge del rock impulsado por la influencia de The Beatles, The Rolling Stones y Jimi Hendrix. Sin embargo, las bandas japonesas pronto comenzaron a desarrollar un sonido propio, mezclando la psicodelia occidental con escalas modales japonesas, el jazz y elementos progresivos. Bandas y discos clave 2. Noise, Avant-Garde y la expansión del sonido (Años 80 y 90) En los años 80 y 90, la psicodelia japonesa tomó rumbos más radicales, explorando el noise, la música industrial y el shoegaze. Bandas y discos clave 3. Neopsicodelia y sonidos contemporáneos (2000 – actualidad) Hoy en día, la psicodelia japonesa sigue evolucionando con propuestas que van desde el dream pop y shoegaze hasta la electrónica experimental. Bandas y discos clave Conclusión: Japón y su legado psicodélico Desde la intensidad de Les Rallizes Dénudés hasta la suavidad etérea de Kikagaku Moyo, la psicodelia en Japón ha tomado diversas formas, pero siempre manteniendo una esencia única. Si bien sus raíces se encuentran en el rock de los 60 y 70, su evolución ha abarcado el noise, la experimentación avant-garde y la neopsicodelia contemporánea. Japón sigue siendo un epicentro de sonidos psicodélicos que desafían las normas y transportan al oyente a otros mundos.

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Explorando la abstracción sonora: Loop-Finding-Jazz-Records de Jan Jelinek

Lanzado en 2001, Loop-Finding-Jazz-Records es uno de los discos más emblemáticos dentro de la música electrónica experimental. Creado por el artista alemán Jan Jelinek, este álbum es una obra maestra que combina glitch, minimalismo y elementos del jazz, creando una experiencia auditiva profundamente introspectiva y futurista. Reconocido como un hito en el género, este trabajo trasciende etiquetas, desafiando las nociones tradicionales de la composición musical y el significado del jazz en la era digital. ¿Quién es Jan Jelinek? Jan Jelinek es un productor y compositor originario de Berlín, conocido por su habilidad para descomponer géneros musicales y reconstruirlos en formas abstractas. A lo largo de su carrera, ha trabajado bajo varios alias, como Farben y Gramm, explorando estilos que van desde el deep house hasta el ambient. Sin embargo, es con Loop-Finding-Jazz-Records que logró consolidar su reputación como uno de los pioneros del minimalismo electrónico. Jelinek es un maestro en el uso de samplers, procesadores y herramientas digitales para manipular fragmentos de audio, transformándolos en texturas rítmicas y melódicas. Su enfoque se centra en la deconstrucción: toma microfragmentos de grabaciones antiguas, muchas veces de jazz, y los reorganiza hasta convertirlos en algo completamente nuevo. El concepto detrás de Loop-Finding-Jazz-Records El título del álbum es una declaración de intenciones. Jelinek se sumerge en grabaciones de jazz de antaño, no para replicarlas, sino para desconstruirlas y reinterpretarlas mediante loops, glitches y texturas minimalistas. Sin embargo, lo que destaca en este proyecto es cómo el jazz deja de ser un género musical convencional para convertirse en una referencia difusa, presente en el espíritu pero transformado por completo en la forma. El disco reflexiona sobre la relación entre la música analógica y digital, y cómo la tecnología puede recontextualizar sonidos tradicionales en algo completamente nuevo. La esencia del jazz —la improvisación, el ritmo y la emoción— se mantiene viva, pero fragmentada y reinterpretada bajo el lente de la modernidad. El sonido de Loop-Finding-Jazz-Records El álbum se caracteriza por una atmósfera cálida y envolvente, construida a partir de bucles repetitivos y texturas granulares. Jelinek utiliza técnicas como la manipulación de vinilos, el procesamiento digital y el sampling microscópico para crear paisajes sonoros hipnóticos. A lo largo de los nueve temas del disco, el oyente se encuentra con: Canciones destacadas Cada pista del álbum ofrece una exploración única de las posibilidades del sonido y el espacio. Algunas piezas destacadas incluyen: Cada pista parece diseñada no solo para ser escuchada, sino para ser experimentada, ofreciendo diferentes emociones dependiendo del contexto y el estado de ánimo del oyente. Recepción crítica y legado Desde su lanzamiento, Loop-Finding-Jazz-Records ha sido aclamado por la crítica y los fanáticos como una obra revolucionaria dentro de la música electrónica. Es un álbum que no solo ha resistido la prueba del tiempo, sino que ha ganado relevancia en un mundo donde las fronteras entre los géneros son cada vez más borrosas. Medios como Pitchfork y Resident Advisor lo han elogiado por su innovación y por cómo redefine la relación entre lo digital y lo orgánico. También es considerado una referencia dentro del microhouse y el glitch, influyendo a artistas como Fennesz, Oval y Christian Fennesz. La vigencia de Loop-Finding-Jazz-Records En un mundo musical dominado por la inmediatez y la producción masiva, el trabajo de Jan Jelinek sigue destacando por su paciencia y atención al detalle. Loop-Finding-Jazz-Records invita al oyente a sumergirse en un espacio de contemplación, donde cada escucha revela nuevos matices y detalles. La vigencia del disco radica en su capacidad para trascender géneros y épocas, ofreciendo una experiencia que sigue siendo innovadora y emocionante más de dos décadas después de su lanzamiento. Conclusión Loop-Finding-Jazz-Records no es solo un álbum, sino una obra de arte que explora las posibilidades del sonido y la memoria. Es un testimonio del talento de Jan Jelinek para crear música que desafía las convenciones y redefine lo que entendemos por jazz y electrónica. Para quienes buscan una experiencia auditiva profundamente inmersiva y desafiante, este álbum es una joya que nunca pierde su brillo.

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M Jazz Festival 2025: Una celebración del jazz en el corazón de la CDMX

El M Jazz Festival Internacional de la Ciudad de México regresa en su edición 2025 con un cartel de talla mundial que promete consolidar al evento como uno de los más importantes de América Latina. Este próximo 22 de febrero de 2025, el Parque Bicentenario será el epicentro del jazz global, reuniendo a leyendas del género, innovadores contemporáneos y un público diverso en un entorno vibrante y cultural. Las entradas para el M Jazz Festival 2025 están disponibles en este link: https://www.passline.com/eventos/m-jazz-edicion-2025 Un espacio para celebrar la riqueza del jazz Desde su creación, el M Jazz Festival ha buscado destacar la riqueza y diversidad del jazz, celebrando tanto sus raíces tradicionales como sus vertientes más modernas y experimentales. Este festival no solo reúne a algunos de los nombres más influyentes del género, sino que también se convierte en una plataforma para el descubrimiento de nuevos talentos y la convergencia de sonidos provenientes de diferentes rincones del mundo. Para la edición 2025, la curaduría del evento refleja un compromiso por ofrecer una experiencia inolvidable, con un enfoque que combina música, cultura y comunidad. El cartel: grandes nombres y diversidad sonora La alineación de este año es una mezcla de íconos del jazz, artistas de vanguardia y propuestas emergentes. Además, el festival contará con talentos mexicanos como Iraida Noriega, Alex Mercado Trío y Troker, quienes demostrarán que el jazz en México sigue evolucionando con una identidad propia. Más que música: una experiencia cultural completa El M Jazz Festival 2025 no solo se trata de música, sino también de vivir el jazz como un movimiento cultural. El Parque Bicentenario: un escenario ideal Ubicado en la alcaldía Miguel Hidalgo, el Parque Bicentenario es el lugar perfecto para recibir un festival de esta magnitud. Sus amplios jardines, áreas verdes y capacidad para albergar múltiples escenarios lo convierten en un espacio ideal para disfrutar de música al aire libre, con una vista espectacular de la ciudad. Las entradas para el M Jazz Festival 2025 están disponibles en este link: https://www.passline.com/eventos/m-jazz-edicion-2025 El M Jazz Festival Internacional de la Ciudad de México 2025 es mucho más que un evento musical: es un espacio para la celebración del jazz en todas sus formas. Con un cartel de primer nivel, actividades culturales y un escenario emblemático como el Parque Bicentenario, esta edición promete ser una experiencia inolvidable para los asistentes. Si eres amante del jazz o simplemente buscas disfrutar de una jornada de música y cultura, el 22 de febrero de 2025 es una fecha que no puedes dejar pasar. ¡Prepárate para vivir el jazz como nunca antes en la Ciudad de México! Actividades paralelas Actividades sin costo de entrada, y si cuentas ya con tu boleto de M Jazz 2025, podrás ingresar a todas sin costo: Las entradas para el M Jazz Festival 2025 están disponibles en este link: https://www.passline.com/eventos/m-jazz-edicion-2025

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