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Vans Warped Tour México revela sus bandas por día: dos jornadas de punk, emo, hardcore y rock en el Autódromo

El festival llegará por primera vez a Ciudad de México los próximos 12 y 13 de septiembre con más de 90 bandas. La preventa Banamex para comprar boletos por día, comienza el 13 de agosto. Después de tres décadas construyendo una de las comunidades más reconocibles alrededor de la música alternativa, el Vans Warped Tour finalmente está a punto de hacer escala en México. Los próximos 12 y 13 de septiembre, el Autódromo Hermanos Rodríguez será escenario de la primera edición del festival en Ciudad de México, con un cartel que atraviesa distintas generaciones y ramificaciones del punk, emo, hardcore, pop punk, rock alternativo, ska y rap. Tras sus primeras fechas de 2026 en Washington, D.C. y Long Beach, California, el festival ya reveló cómo estará distribuido su enorme cartel mexicano. La pregunta ahora es inevitable: ¿qué día elegir? SÁBADO 12 DE SEPTIEMBRE La primera jornada reúne algunos de los nombres más reconocibles de la historia reciente del punk y el rock alternativo. Entre ellos aparecen Papa Roach, Rise Against, Taking Back Sunday, The All-American Rejects, Yellowcard, Story of the Year, Dropkick Murphys, Less Than Jake, Saosin, Finch, Anberlin, Atreyu, Chiodos, Glassjaw, The Devil Wears Prada, Of Mice & Men, Goldfinger, Bowling for Soup y The Aquabats! El día también tendrá una fuerte presencia latinoamericana y mexicana con Allison, Don Tetto, Here Comes the Kraken, Insite, Cardiel, BLNKO, Muérete Tú, Perras Bravas, Say Ocean, San Venus, Pedro y el Lobo, Raue y Segundos Auxilios, entre otros. DOMINGO 13 DE SEPTIEMBRE La segunda jornada se mueve hacia terrenos que van del hardcore al emo, pop punk y post-hardcore, con una alineación que incluye a Simple Plan, Jimmy Eat World, The Story So Far, New Found Glory, Pennywise, Underoath, Thrice, Alexisonfire, Agnostic Front, Alkaline Trio, All Time Low, Black Veil Brides, Escape the Fate, Motion City Soundtrack, The Starting Line, The Maine, MXPX, State Champs, The Casualties, Four Year Strong y Save Ferris. También habrá una importante representación mexicana con División Minúscula, Elli Noise, Los Blenders, Tungas, Sgt. Papers, Thermo, Delux, Flores y Fuego, Bloody Benders, 13 Anclas, Yuno y Sace6, entre otros proyectos. Una de las particularidades que ha definido históricamente al Warped Tour es precisamente su capacidad para convertir un festival musical en un punto de encuentro para toda una comunidad. Desde sus primeros años, el evento ha funcionado como plataforma para bandas emergentes, sellos independientes, organizaciones civiles y distintas expresiones vinculadas con la cultura alternativa. El skate también forma parte esencial de esta identidad, con Vans como uno de sus principales aliados desde la segunda edición. Pero existe otra tradición que llegará a México: los horarios y escenarios no se conocen hasta que las puertas abren. La famosa pizarra gigante del Warped Tour se convierte así en uno de los primeros rituales de cada jornada, obligando al público a descubrir sobre la marcha qué está sucediendo en cada escenario. En una época dominada por festivales con horarios perfectamente calculados y experiencias cada vez más predecibles, recuperar ese elemento de incertidumbre resulta casi subversivo: llegar sin saber exactamente qué vas a ver y terminar descubriendo una banda que no conocías. Y esa es precisamente una de las ideas que el Warped Tour ha defendido durante 30 años: la música como descubrimiento y como comunidad. Con más de 90 proyectos distribuidos durante ambas jornadas, el Vans Warped Tour México se perfila como uno de los encuentros más grandes dedicados a la música alternativa que se hayan realizado en el país. Para quienes crecieron escuchando punk, emo y pop punk durante las últimas décadas, el festival representa además la posibilidad de ver reunidos en un mismo espacio a varios de los nombres que definieron una época. Para las nuevas generaciones, puede convertirse en una puerta de entrada a una escena mucho más amplia de lo que permiten las playlists y los algoritmos. La preventa Banamex para compra boleto por día, comenzará el jueves 13 de agosto a las 2:00 p.m., mientras que la venta general iniciará el viernes 14 de agosto a las 2:00 p.m., a través de Ticketmaster y las taquillas del inmueble, dando clic aquí. Vans Warped Tour México📍 Autódromo Hermanos Rodríguez, CDMX📅 12 y 13 de septiembre de 2026🎟️ Preventa Banamex: 13 de agosto, 2:00 p.m.🎟️ Venta general: 14 de agosto, 2:00 p.m.

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Enjambre tras agotar su primer Estadio GNP Seguros, anuncia segunda fecha en Ciudad de México

La banda originaria de Zacatecas anunció una segunda fecha en el Estadio GNP Seguros, luego de agotar los boletos para el concierto del 29 de agosto, convirtiendo este momento en uno de los capítulos más importantes de su trayectoria. Durante una conferencia de prensa en la que Depósito Sonoro estuvo presente, los integrantes de Enjambre compartieron su emoción por alcanzar un nuevo hito en una carrera construida durante más de dos décadas a partir de canciones que han encontrado un vínculo profundo con distintas generaciones de seguidores. La respuesta del público fue contundente: el primer concierto se agotó por completo, motivo por el cual el grupo ofrecerá una nueva presentación el 30 de agosto en el mismo recinto. Más allá del récord de asistencia, el doblete representa un punto de inflexión para una agrupación que siempre ha privilegiado la evolución artística sobre las tendencias. Aunque Enjambre ya había participado anteriormente en festivales realizados en este escenario, será la primera ocasión en que conquiste el Estadio GNP Seguros con un espectáculo propio, reafirmando el lugar que ocupa dentro del panorama del rock mexicano contemporáneo. El anuncio llega en un momento especialmente significativo para la banda. En marzo de este año publicaron Daños Luz, un álbum que amplía el universo sonoro de Enjambre sin perder la esencia melancólica y cinematográfica que los ha distinguido desde sus primeros discos. El lanzamiento fue acompañado por presentaciones en festivales como Vive Latino y Tecate Pa’l Norte, además de una gira que ya supera las 60 fechas con localidades agotadas entre México y Estados Unidos. Durante los últimos meses, Enjambre también ha consolidado una presencia internacional cada vez más sólida. Con una comunidad que supera los 3.8 millones de seguidores en plataformas digitales, la agrupación se prepara para llevar Daños Luz a Europa con conciertos en ciudades como Barcelona, Madrid, Bilbao y La Coruña, antes de regresar al continente americano para continuar una extensa gira por México y visitar países como Colombia, Perú y Guatemala. Lejos de responder a una fórmula pasajera, el crecimiento de Enjambre parece ser consecuencia de una relación construida con paciencia entre la banda y su público. Canciones que exploran la nostalgia, el desamor y la memoria han permitido que su repertorio trascienda generaciones, mientras una identidad sonora inspirada en el rock clásico, el bolero, la psicodelia y el pop barroco continúa diferenciándolos dentro de la escena nacional. Los conciertos del 29 y 30 de agosto no sólo celebran el éxito de un nuevo álbum, sino también la consolidación de un proyecto que ha sabido mantenerse vigente sin renunciar a su personalidad. En un contexto donde pocas bandas de rock mexicano logran convocar a decenas de miles de personas en un espectáculo propio, Enjambre demuestra que la conexión con el público puede construirse desde la constancia, la autenticidad y las canciones. Con el 29 de agosto completamente agotado, la nueva fecha del 30 de agosto representa una nueva oportunidad para quienes buscan ser parte de uno de los momentos más importantes en la historia reciente del rock mexicano. Todo apunta a que Enjambre está escribiendo un capítulo que difícilmente será olvidado, no sólo por la magnitud del recinto, sino por el significado que tiene para una banda que ha convertido la emoción en su lenguaje más poderoso. Boletos: https://www.ticketmaster.com.mx/enjambre-boletos/artist/957148

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Chapterhouse traerá Whirlpool a México: la leyenda del shoegaze celebrará 35 años de su álbum debut

Whirlpool, el debut de Chapterhouse, se convirtió en una de las obras esenciales del shoegaze británico gracias a su mezcla de guitarras envolventes, melodías etéreas y una sensibilidad que sigue influyendo a nuevas generaciones de músicos. Ahora, la banda originaria de Reading, Inglaterra, llegará por primera vez a México como parte de una gira por América Latina con la que celebra el 35 aniversario de Whirlpool. La cita será el 24 de septiembre en Bajo Circuito, Ciudad de México, en una presentación que promete recorrer íntegramente el álbum que los consolidó como una de las agrupaciones fundamentales del movimiento shoegaze. Aunque el nombre de Chapterhouse suele aparecer junto al de My Bloody Valentine, Slowdive, Ride o Lush, la agrupación siempre mantuvo una identidad propia. Desde sus primeros sencillos como “Pearl” y “Falling Down”, el quinteto construyó un sonido donde la distorsión y las texturas psicodélicas convivían con melodías pop, alejándose poco a poco de las etiquetas para explorar territorios cercanos al ambient, el dream pop e incluso la electrónica. Con el paso de los años, Whirlpool dejó de ser únicamente un clásico de culto para convertirse en un referente imprescindible de la música alternativa de los noventa. Canciones como “Pearl”, “Breather”, “Treasure” o “Autosleeper” continúan apareciendo en listas de los mejores discos del género y mantienen intacta su capacidad para envolver al escucha en un paisaje sonoro hipnótico. La gira también marca uno de los regresos más importantes de la banda en años recientes. Después de una actividad esporádica desde la década de 2010, Chapterhouse volvió a los escenarios para interpretar Whirlpool de principio a fin, ofreciendo a sus seguidores la posibilidad de escuchar el disco tal como fue concebido hace más de tres décadas. Para el público mexicano, esta visita representa una oportunidad largamente esperada. Pocas bandas del shoegaze original han mantenido el aura de culto que rodea a Chapterhouse, y su debut en el país llega en un momento donde el género atraviesa una nueva ola de popularidad entre audiencias jóvenes y veteranos por igual. Los boletos ya se encuentran disponibles a través de Passline y el concierto se realizará el jueves 24 de septiembre en Bajo Circuito, en la Ciudad de México. Consigue tu acceso en el siguiente link: https://www.passline.com/eventos/chapterhouse-whirlpool-35?srsltid=AfmBOoq5HRr0jOIMtUy8TjY4TZzmEGUVEYOu6usBbmci7_7F7tnG_sAF

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Pentagram volverá a descargar su legado de doom metal en la Ciudad de México

Más de cinco décadas después de sembrar las bases del doom metal, Pentagram regresará a la Ciudad de México para ofrecer una noche dedicada a los riffs densos, las atmósferas oscuras y el legado de una de las bandas más influyentes del heavy metal estadounidense. La cita será el próximo 27 de agosto en Foro Veintiocho, donde la agrupación encabezada por el inconfundible Bobby Liebling volverá a encontrarse con el público mexicano. Hablar de Pentagram es hablar de uno de los proyectos que ayudó a definir el sonido del doom metal antes incluso de que el género recibiera ese nombre. Formada a inicios de la década de los setenta en Virginia, la banda construyó una identidad marcada por guitarras pesadas, tempos pausados y una influencia evidente de Black Sabbath, aunque con una personalidad propia que terminaría inspirando a generaciones de músicos dentro del metal extremo, el stoner y el sludge. Durante años, Pentagram fue considerada una de las grandes bandas de culto del underground estadounidense. Su historia estuvo marcada por constantes cambios de alineación, oportunidades perdidas y la turbulenta vida de Bobby Liebling, cuya figura alcanzó una nueva dimensión tras el documental Last Days Here, estrenado en 2011. La película mostró el difícil camino personal del vocalista y el inesperado resurgimiento de una agrupación que, lejos de desaparecer, encontró una nueva generación de seguidores. En vivo, Pentagram continúa siendo una experiencia donde el peso de canciones como “Forever My Queen”, “Relentless”, “Sign of the Wolf (Pentagram)”, “Be Forewarned” o “20 Buck Spin” demuestra por qué la banda sigue siendo un referente absoluto dentro del doom. Sus presentaciones conservan la crudeza y la intensidad que caracterizaron sus primeros años, apoyadas por la presencia escénica de Liebling, una de las figuras más singulares del metal. La presentación en la capital mexicana forma parte de la gira “Last Daze Here”, un recorrido que celebra la trayectoria de una agrupación cuya influencia continúa expandiéndose más de cincuenta años después de su formación. El concierto se realizará el jueves 27 de agosto en Foro Veintiocho, ubicado en la colonia San Rafael de la Ciudad de México. Las puertas abrirán a las 19:00 horas y el evento será exclusivo para mayores de edad. Los boletos ya se encuentran disponibles en preventa a través de Passline. Para los seguidores del heavy metal más oscuro, la visita de Pentagram representa mucho más que un concierto: es la oportunidad de presenciar a una de las bandas que ayudó a construir los cimientos de un sonido que sigue influyendo a incontables proyectos alrededor del mundo. Una cita obligada para quienes entienden que el doom no es una tendencia pasajera, sino una tradición que continúa escribiendo su historia. Boletos para su show en CDMX: https://www.passline.com/eventos/pentagram-27-de-agosto-foro-veintiocho-cdmx?srsltid=AfmBOor337nFtK3Ngff3hCr1eYkHIuZyU8mNAR6khl103NSdNDbW2lnh 📍 Puntos físicos: Venas Rotas, Grindestroy, Hellfire y Necrosis.

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Aphex Twin celebra los 25 años de Drukqs con una esperada reedición

A 25 años de su lanzamiento original, Warp Records anunció una nueva edición conmemorativa del álbum que llegará el próximo 30 de octubre, devolviendo a circulación uno de los trabajos más complejos y fascinantes de Richard D. James. Publicado originalmente en 2001, Drukqs representó un momento singular dentro de la trayectoria de Aphex Twin. Después de cinco años sin un álbum de estudio, James entregó una obra monumental de 30 composiciones que desafiaba cualquier expectativa: frenéticos ejercicios de drill’n’bass convivían con delicadas piezas para piano preparado, pasajes ambientales, experimentación electroacústica y estructuras que parecían oscilar constantemente entre el caos y la contemplación. Durante años, el disco dividió opiniones. Algunos críticos lo interpretaron como una colección dispersa de ideas, mientras que otros encontraron en él una de las expresiones más libres del productor británico. Con el paso del tiempo, esa percepción cambió considerablemente. Canciones como “Vordhosbn”, “Mt Saint Michel + Saint Michaels Mount”, “Avril 14th” o “QKThr” terminaron convirtiéndose en piezas fundamentales dentro del catálogo de Aphex Twin, llegando incluso a nuevas generaciones gracias a plataformas como TikTok. La reedición del 25 aniversario estará disponible en vinilo, CD y casete, marcando la primera vez que el álbum vuelve a editarse oficialmente en estos formatos desde su lanzamiento original. Además de las ediciones estándar, Warp lanzará una versión especial de cuatro LP que incluirá un póster desplegable de seis paneles y un esténcil con el icónico logotipo AFX. Aunque no incorpora material inédito, la publicación completa un importante proceso de recuperación del catálogo físico de Aphex Twin, que ahora vuelve a encontrarse íntegramente disponible. Más allá de su importancia musical, Drukqs también representa una de las facetas más impredecibles de Richard D. James. El álbum alterna composiciones extremadamente agresivas con piezas de una sensibilidad casi clásica, reforzando la idea de que Aphex Twin nunca ha entendido la música electrónica como un género, sino como un territorio donde cualquier lenguaje puede coexistir. Incluso The Quietus destaca cómo el álbum reforzó la relación de James con sus raíces celtas, incorporando títulos en lengua córnica, referencias a Gales y a lugares emblemáticos de Cornualles y Bretaña, elementos que amplían el universo conceptual de un disco tan inclasificable como influyente. Veinticinco años después, Drukqs sigue sonando como una obra adelantada a su tiempo: un álbum capaz de pasar del frenesí digital a la intimidad del piano en cuestión de segundos, manteniendo intacta la capacidad de sorprender. Su regreso en formato físico no solo celebra un aniversario, sino que confirma el lugar que ha terminado ocupando dentro de la historia de la música electrónica: el de un clásico que necesitó tiempo para ser comprendido. En este link puedes conocer y comprar el material y mercancia del disco.

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Ibeyi encuentra una nueva forma de sanar en Offering, su álbum más libre e independiente

Después de cuatro años sin publicar un álbum de estudio, Ibeyi regresa con Offering, un trabajo que marca una nueva etapa creativa para las hermanas gemelas Lisa-Kaindé y Naomi Díaz, quienes dejan atrás los hechizos de Spell 31 para abrazar una idea más íntima y espiritual: la de ofrecer, en lugar de controlar. El cuarto álbum del dúo franco-cubano llega con un simbolismo especial. No solo representa su primer lanzamiento desde 2022, sino también el inicio de una nueva independencia artística al publicarse bajo su propio sello, IBEYI Records, después de cerrar un ciclo con XL Recordings. Desde sus primeros trabajos, Ibeyi construyó un lenguaje único donde convergen la herencia yoruba, la música afrocubana, el soul, la electrónica, el jazz y el R&B contemporáneo. En Offering, esa identidad permanece intacta, pero ahora se siente menos preocupada por las etiquetas y mucho más abierta a la transformación. El propio título del disco resume ese cambio de perspectiva. En la canción “Offerings”, las hermanas declaran: “Ya no hago hechizos; ahora hago ofrendas”, una frase que funciona como manifiesto del álbum y que surge de una experiencia espiritual vinculada con Yemayá, la orisha asociada al mar y a los ríos dentro de la tradición yoruba. Más que intentar modificar el destino, la propuesta consiste en aceptar el cambio y encontrar libertad en el acto de soltar. Musicalmente, Offering es quizá el trabajo más inquieto de Ibeyi hasta la fecha. Las percusiones afrocubanas conviven con sintetizadores brillantes, arreglos de cuerdas, texturas electrónicas y una producción que no teme acercarse al pop experimental ni al R&B industrial. Canciones como “Moshpit” sorprenden por su energía rítmica, mientras que piezas como “Olokun”, “The Process” o “Good Life” recuperan el carácter contemplativo y espiritual que siempre ha distinguido al proyecto. El álbum también mantiene uno de los rasgos más reconocibles del dúo: la convivencia de distintos idiomas dentro de una misma obra. Inglés, francés, español y yoruba aparecen de manera natural, reflejando la identidad multicultural de las hermanas Díaz y la manera en que entienden la música como un espacio donde convergen distintas tradiciones. Entre los momentos más destacados se encuentra “Aset”, primer sencillo del disco, cuyo videoclip fue filmado en La Habana y funciona como una declaración de principios para esta nueva etapa. A ello se suma “La tendresse d’un mot”, colaboración con el pianista francés Sofiane Pamart, que aporta una dimensión más íntima y cinematográfica al recorrido sonoro. Con apenas doce canciones y poco menos de treinta minutos de duración, Offering evita cualquier exceso. Cada composición parece construida para transmitir una emoción específica, sin perder la capacidad de sorprender mediante cambios de textura, percusiones hipnóticas y armonías vocales que siguen siendo el sello más inconfundible de Ibeyi. Más de una década después de su debut, Lisa-Kaindé y Naomi Díaz demuestran que continúan evolucionando sin renunciar a las raíces que las convirtieron en una de las propuestas más singulares de la música contemporánea. Offering no pretende repetir las fórmulas del pasado; por el contrario, reafirma que la transformación, la memoria y la espiritualidad siguen siendo el centro de una obra que encuentra belleza precisamente en la incertidumbre. Con este lanzamiento, Ibeyi entrega un álbum que no busca imponer respuestas, sino abrir un espacio para la introspección. Una colección de canciones que, como su nombre lo indica, funciona como una ofrenda: a sus ancestros, a sus propias experiencias y a la posibilidad de seguir cambiando sin perder la esencia.

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Mala Fama reúne a Siete Catorce, Kelman Duran, Omaar y más en NDXLLI / Río Cayápas. Tenemos el adelanto del Remix de Siete Catorce

El productor ecuatoriano Mala Fama regresa con uno de los proyectos más ambiciosos de su trayectoria. NDXLLI / Río Cayápas no es únicamente una colección de remezclas: es un punto de encuentro entre la experimentación sonora, la música ritual y los ritmos de club latinoamericanos, donde productores de distintas latitudes reinterpretan una obra profundamente arraigada en la memoria, el territorio y la identidad. Escucha el adelanto dando clic en la imagen: El lanzamiento adopta la forma de un EP doble, dividido entre dos universos complementarios. Por un lado, el sello Otono explora las posibilidades del ambient, la electrónica de vanguardia y los paisajes sonoros contemplativos. En contraste, el subsello Ekō, dedicado a los ritmos periféricos y alternativos de la pista de baile, presenta versiones orientadas al club, al global bass y a las nuevas mutaciones de la música electrónica latinoamericana. Ambos trabajos llegarán también en una edición limitada en casete, reforzando el carácter de pieza de colección del proyecto. Detrás de Mala Fama se encuentra Esteban Farinango, productor indígena originario de Ecuador cuya obra ha llamado la atención internacional por su capacidad para dialogar entre las tradiciones sonoras andinas y la experimentación electrónica contemporánea. Su trabajo fue reconocido hace algunos años por Pitchfork, que lo incluyó entre sus Artists to Watch, consolidándolo como una de las voces más singulares de la nueva electrónica latinoamericana. La pieza original, NDXLLI / Río Cayápas, funciona como el eje conceptual del proyecto. A partir de ella, una generación de productores provenientes de distintos países construye nuevas lecturas que expanden el universo sonoro de la composición sin perder de vista su esencia espiritual. Entre los nombres más destacados aparece Siete Catorce, productor mexicano cuya obra ha sido fundamental para redefinir la relación entre la música electrónica experimental y los ritmos latinoamericanos. También participa Kelman Duran, una de las figuras más influyentes de la electrónica deconstruida contemporánea, reconocido por borrar las fronteras entre el ambient, el dancehall, el reguetón experimental y la música de club. El recorrido continúa con la participación de Viiaan, además de dos referentes del ambient y el IDM ecuatoriano: Entrañas y Quixosis, quienes aportan reinterpretaciones que profundizan el carácter atmosférico del material original. Desde Tlaxcala llegan M8n y DNZA, este último también encargado de la masterización de los remixes, incorporando nuevas aproximaciones al tribal, el global bass y las percusiones digitales. La lista de colaboradores se completa con Omaar, uno de los productores mexicanos más interesantes de la escena bass contemporánea, y The Hissed, cuyas aportaciones exploran territorios donde convergen el drum & bass, el jazz y las estructuras electrónicas más libres. Más allá de la diversidad estilística, el proyecto encuentra cohesión en una misma idea: construir un puente entre las raíces musicales de Ecuador y las múltiples escenas electrónicas que hoy dialogan desde América Latina. El lanzamiento será presentado de manera escalonada durante las próximas semanas, revelando cada reinterpretación como parte de un álbum que terminará de completarse hacia mediados de julio. Esta estrategia permite apreciar la personalidad de cada productor mientras el conjunto adquiere forma como una obra colectiva. En ese sentido, NDXLLI / Río Cayápas trasciende el formato convencional del disco de remixes. Es una declaración sobre el presente de la electrónica latinoamericana, una escena donde los sonidos ancestrales, los paisajes naturales, la experimentación digital y la música de baile ya no se entienden como universos separados, sino como lenguajes que conviven y se transforman mutuamente. Inspirado en los paisajes fluviales de Esmeraldas y en las raíces culturales que atraviesan la región de Ibarra, el proyecto amplifica un mensaje de paz, memoria y unión latinoamericana, recordando que la música electrónica también puede convertirse en un espacio para preservar identidades, reinterpretar tradiciones y construir nuevos imaginarios desde el sur global.

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Napalm Death lleva cuatro décadas de furia al Tiny Desk de NPR con una presentación histórica

El mismo espacio donde se escriben y editan historias sobre música fue tomado por una de las bandas más influyentes y radicales del metal extremo: Napalm Death. El resultado fue uno de los Tiny Desk Concerts más insólitos, intensos y memorables. Mientras un pequeño circle pit se abría entre escritorios, cámaras y empleados vestidos de negro, la agrupación británica demostró que la potencia del grindcore no depende del volumen de un escenario gigantesco ni de una producción monumental. Bastaron unos cuantos metros cuadrados, una batería, amplificadores y la inconfundible voz de Mark “Barney” Greenway para convertir la oficina de NPR en un auténtico campo de batalla sonoro. Con más de cuarenta años de trayectoria, Napalm Death continúa siendo mucho más que una banda extrema. Desde mediados de los años ochenta, el grupo redefinió los límites del punk y el metal al convertirse en uno de los principales arquitectos del grindcore, un género que llevó la velocidad, la agresividad y la intensidad a territorios inexplorados. Sin embargo, detrás de su brutalidad sonora siempre ha existido un discurso profundamente político y humanista, utilizando el ruido como una herramienta para denunciar la opresión, la desigualdad y la deshumanización. Lejos de suavizar su propuesta para adaptarse al ambiente íntimo del Tiny Desk, Napalm Death hizo exactamente lo contrario: trasladó toda la energía de sus conciertos a uno de los escenarios más particulares del mundo. El resultado fue una presentación que demuestra que la violencia sonora de la banda nunca ha sido gratuita; cada explosión de riffs, cada blast beat y cada grito funcionan como vehículos de protesta y reflexión. El recorrido musical funcionó como un resumen de una carrera que sigue evolucionando. La banda abrió con “Instinct of Survival”, una de las piezas fundamentales de Scum (1987), álbum considerado piedra angular del grindcore. A partir de ahí, el repertorio transitó por distintas etapas de su discografía, mostrando cómo Napalm Death ha sabido expandir constantemente su lenguaje musical sin perder identidad. Temas como “Strong-Arm” y “Scum” conectaron directamente con sus raíces más abrasivas, mientras que “Everyday Pox” exhibió el lado más técnico y cercano al death metal disonante que la agrupación ha desarrollado en las últimas décadas. Por su parte, “Throes of Joy in the Jaws of Defeatism”, proveniente de Throes of Joy in the Jaws of Defeatism (2020), confirmó que el grupo sigue encontrando nuevas formas de combinar ferocidad con experimentación. Uno de los momentos más inesperados llegó con “Amoral”, una composición escrita por el bajista Shane Embury, quien no pudo participar en esta gira por Estados Unidos. La canción introduce una atmósfera cercana al post-punk y evidencia la amplitud estilística que Napalm Death ha incorporado con el paso del tiempo, alejándose de cualquier etiqueta simplista sobre el grindcore. La presentación concluyó con dos auténticos manifiestos de la música extrema: “Dead” y “Scum”, antes de cerrar con la legendaria “You Suffer”, considerada una de las canciones más cortas de la historia. Aunque su duración apenas supera un segundo, su interpretación dentro del Tiny Desk funcionó como un guiño a la propia historia de la banda y, al mismo tiempo, como un recordatorio de que incluso los gestos más breves pueden contener un poderoso mensaje sobre la desesperanza y la condición humana. Más allá de la curiosidad que representa ver a una banda de grindcore en un formato tradicionalmente asociado con el folk, el jazz o el indie, la aparición de Napalm Death confirma la apertura que el proyecto Tiny Desk Concert ha mostrado durante los últimos años hacia propuestas cada vez más diversas. El contraste entre la violencia controlada de la banda y la serenidad habitual de las oficinas de NPR genera una experiencia tan surrealista como fascinante. La alineación para esta sesión estuvo conformada por Mark “Barney” Greenway en la voz, John Cooke en la guitarra y coros, Matt Sheridan en el bajo y Danny Herrera en la batería, quienes demostraron por qué Napalm Death sigue siendo una referencia absoluta dentro del metal extremo contemporáneo. Con esta presentación, el grupo británico no solo celebra más de cuatro décadas de trayectoria; también reafirma que su música continúa siendo tan relevante, incómoda y necesaria como cuando ayudó a fundar el grindcore a finales de los años ochenta. Incluso en un espacio reducido y con el volumen contenido por las circunstancias, Napalm Death logró recordar que la verdadera intensidad nunca ha dependido de los decibeles, sino de la convicción con la que se transmite un mensaje. Setlist:

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