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Sunn O))) adelanta canción en miras a su nuevo disco lanzado vía sub Pop

Durante casi tres décadas, Sunn O))) —el dúo conformado por Stephen O’Malley y Greg Anderson— ha redefinido lo que entendemos por música pesada. Más que una banda, su proyecto funciona como un dispositivo sonoro que habita entre la vanguardia, el drone, el doom y el arte contemporáneo, construyendo un lenguaje inmediato y profundamente reconocible. Desde sus inicios, SUNN O))) ha llevado el volumen, la duración y la repetición a un plano casi arquitectónico. Su música no se organiza en canciones tradicionales, sino en masas de sonido, donde el tiempo se dilata y el espacio se convierte en un elemento compositivo más. En este contexto, el silencio, la resonancia y la saturación adquieren un peso equivalente al de cualquier nota ejecutada. Tras el aclamado Pyroclasts (2019), el dúo regresa con su décimo álbum de estudio, un lanzamiento homónimo que marca además su debut en el sello Sub Pop el próximo 03 de abril de 2026. Lejos de funcionar como un reinicio, este nuevo trabajo confirma la madurez de un proyecto que continúa evolucionando sin renunciar a su identidad. El disco evidencia el dominio absoluto de SUNN O))) sobre los contrastes: luz y oscuridad, densidad y apertura, estatismo y movimiento. La grabación tuvo lugar en Bear Creek Studios, en Woodinville, Washington, bajo la co-producción de Brad Wood. El entorno fue determinante para el proceso creativo. La amplitud del estudio, sus grandes ventanales y la cercanía con el bosque influyeron directamente en la manera en que el sonido fue concebido y registrado. Como señala O’Malley, la posibilidad de salir al exterior, caminar entre árboles y reconectar con lo natural se integró orgánicamente al desarrollo del álbum, aportando una dimensión contemplativa que atraviesa la obra. A nivel conceptual y estético, el proyecto mantiene su estrecha relación con el arte visual y la literatura. El álbum cuenta con arte de portada de Mark Rothko, cuyas exploraciones cromáticas dialogan con la profundidad emocional del sonido; notas de libreto de Robert Macfarlane, que expanden la lectura del disco hacia lo poético y lo filosófico; dibujos de Élodie Lesourd y fotografías de Charles Peterson, reforzando la idea de , Sunn O))) como una experiencia multisensorial. Sunn O))) si duda representa una práctica radical de la escucha. Su música no busca entretenimiento inmediato ni comodidad: exige presencia, entrega y tiempo. En una era de consumo acelerado, el dúo propone lo contrario: detenerse, habitar el sonido y permitir que la vibración transforme la percepción. Este nuevo álbum no solo reafirma la relevancia de SUNN O))) dentro de la música experimental contemporánea, sino que confirma su capacidad para seguir expandiendo los límites del drone y la música pesada, demostrando que la evolución no siempre implica moverse rápido, sino profundizar.

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Agriculture — The Spiritual Sound, Luz y disonancia en el black metal contemporáneo

The Spiritual Sound marca un punto decisivo en la trayectoria de Agriculture, una banda que ha redefinido los límites del black metal al desplazarlo de la misantropía y el nihilismo hacia un territorio inesperado: la búsqueda espiritual, la trascendencia y la luz. Lejos de la iconografía tradicional del género, este álbum se presenta como un manifiesto sonoro donde la intensidad extrema funciona como vehículo de fe, comunión y catarsis. Desde su concepción, el disco plantea una inversión conceptual: utilizar el lenguaje del black metal —distorsión abrasiva, blast beats, voces desgarradas— no para negar el mundo, sino para afirmar la experiencia humana. En ese gesto reside su potencia. Agriculture no suaviza el género; lo expande desde adentro, manteniendo su crudeza mientras redefine su carga simbólica. Musicalmente, The Spiritual Sound se sostiene sobre una base de black metal atmosférico y post-metal, donde las guitarras crean muros de sonido luminosos y expansivos. Los riffs no buscan agresión directa, sino elevación; las progresiones se despliegan de manera hipnótica, generando una sensación de apertura más que de encierro. La batería, precisa y persistente, actúa como pulso ritual, mientras las voces se integran como un instrumento más, suspendidas entre el grito y la plegaria. Uno de los aspectos más distintivos del álbum es su manejo del espacio y la dinámica. Agriculture permite que las composiciones respiren, alternando pasajes de intensidad extrema con momentos de contemplación casi etérea. Esta tensión constante entre lo terrenal y lo trascendente es el eje emocional del disco, reforzando su narrativa espiritual sin recurrir a discursos explícitos. En términos de producción, The Spiritual Sound apuesta por una mezcla clara y expansiva, poco común dentro del black metal más ortodoxo. Cada capa instrumental encuentra su lugar, permitiendo que el oyente perciba la complejidad armónica y la riqueza textural del álbum. El resultado es un sonido que envuelve más de lo que agrede, que invita a sumergirse en lugar de resistir. Para Depósito Sonoro, este álbum representa una exploración valiosa sobre cómo los géneros extremos pueden convertirse en espacios de reconstrucción emocional y espiritual. The Spiritual Sound no reniega de la oscuridad inherente al black metal, pero la utiliza como punto de partida para alcanzar algo más amplio: una experiencia de comunión sonora, intensa y profundamente humana. Agriculture entrega aquí un disco que desafía expectativas y abre nuevas posibilidades dentro de la música extrema. The Spiritual Sound no es un refugio ni una respuesta; es un proceso. Uno que se atraviesa con los oídos abiertos y la disposición a dejar que el ruido, paradójicamente, ilumine.

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La calidez del hard bop como lenguaje universal

Song for My Father no es solo uno de los discos más reconocibles del Horace Silver Quintet, es también una de las piezas fundamentales del hard bop y del jazz moderno de los años sesenta. Publicado en 1965 por Blue Note Records, el álbum funciona como un punto de equilibrio entre sofisticación armónica, groove accesible y una profunda carga emocional que ha trascendido generaciones y géneros. Desde sus primeros compases, el disco establece una identidad clara: un jazz rítmico, melódico y profundamente humano, donde el blues, el soul y las raíces afrocaribeñas se integran con naturalidad al lenguaje bebop. Horace Silver, pianista y compositor, construye aquí un repertorio que privilegia la composición tanto como la improvisación, marcando una diferencia frente a otros enfoques más virtuosistas de la época. El tema que da nombre al álbum, Song for My Father, se ha convertido en un estándar contemporáneo. Inspirada en los orígenes caboverdianos de su padre, la pieza despliega un motivo hipnótico y circular, sostenido por una base rítmica contagiosa y un piano que equilibra sencillez y profundidad. Su influencia se extiende mucho más allá del jazz, siendo sampleada y reinterpretada en múltiples contextos de la música popular. El quinteto —conformado por Horace Silver (piano), Joe Henderson (saxofón tenor), Carmell Jones (trompeta), Teddy Smith (contrabajo) y Roger Humphries (batería)— opera con una química precisa y sin excesos. Joe Henderson aporta un fraseo elegante y narrativo, mientras la sección rítmica sostiene un pulso firme que permite que cada tema respire con naturalidad. No hay urgencia por impresionar: hay claridad, intención y diálogo. A lo largo del álbum, composiciones como The Natives Are Restless Tonight, Que Pasa y The Kicker refuerzan la capacidad de Silver para integrar influencias latinas, swing y estructuras memorables sin sacrificar complejidad. Cada pieza parece diseñada para invitar al oyente a entrar, permanecer y volver. En el contexto de Depósito Sonoro, Song for My Father representa un recordatorio del poder del groove como vehículo emocional. Es un disco que se puede analizar desde la teoría musical, pero que también funciona en un plano inmediato y sensorial. Su vigencia radica en esa dualidad: ser profundamente accesible sin ser superficial, sofisticado sin ser distante. Escuchar este álbum hoy es volver a un momento donde el jazz dialogaba con el mundo cotidiano, donde la innovación no estaba peleada con la calidez. Song for My Father sigue siendo un punto de encuentro entre tradición y modernidad, una obra que invita a detenerse, escuchar y dejar que el tiempo avance al ritmo del piano de Horace Silver.

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DOS, del artista 409: Arquitecturas audiovisuales de la obsolescencia digital

DOS es el nuevo álbum audiovisual de 409, un proyecto que se sitúa en la intersección entre la música electrónica experimental, el arte digital y la narrativa audiovisual contemporánea. Concebido como una obra integral, este lanzamiento —próximo a estrenarse— articula sonido, imagen y concepto en un mismo sistema expresivo, alejándose del formato tradicional de álbum para operar como una experiencia audiovisual secuencial. 409 es el alias de Jaime Juárez, un artista digital interesado en la estética de la disfunción como forma de arte y en la despersonalización como método de trabajo. Un ethos numerológico cuya musicalización evoca caracterizaciones abstractas. Sus personajes y elementos, más que ser protagonistas convencionales, son entidades simbólicas que narran una historia de manera metafórica y, a la vez, figurativa. DOS cuenta la historia intrínseca de una realidad cyberpunk que va más allá de lo evidente, aunque no demasiado lejos del contexto actual. La música funciona como una especie de micro-utopía dentro del caos contemporáneo. Esto se refleja en el segundo álbum de 409, y en el lanzamiento más aterrizado de su trayectoria hasta ahora, portador de un mensaje críptico, listo para ser descifrado gradualmente. El disco está compuesto por 8 tracks, a estrenarse de manera completa el 21 de enero, lo que permite que la obra se despliegue como una narrativa continua. No se trata de piezas independientes, sino de módulos interconectados que construyen un relato coherente, tanto a nivel sonoro como visual. Actualmente, cuatro adelantos ya se encuentran disponibles, funcionando como puntos de acceso a este universo conceptual. Escuchar: https://otonolabel.bandcamp.com/album/dos Concepto: cyberpunk, obsolescencia y reescritura El eje conceptual de DOS gira en torno a un imaginario cyberpunk, entendido no como estética futurista vacía, sino como una reflexión crítica sobre la obsolescencia tecnológica, simbólica y emocional. 409 aborda el desgaste de los sistemas —operativos, sociales, narrativos— y los reinterpreta desde una lógica de reconstrucción digital. La obsolescencia aquí no representa un final, sino un estado fértil: aquello que ha quedado fuera de uso se convierte en material creativo. En este sentido, el glitch funciona como recurso central, no solo como efecto sonoro o visual, sino como lenguaje estructural. El error, la interrupción y la fragmentación operan como mecanismos de significado. Lenguaje sonoro: IDM, experimentación y diseño de capas Desde el plano sonoro, DOS se inscribe en territorios del IDM, la electrónica experimental y los beats no convencionales, con una atención meticulosa al diseño sonoro y a la construcción de texturas complejas. Las composiciones están trabajadas a partir de capas multiprocesadas, donde síntesis digital, manipulación rítmica y procesamiento detallado generan paisajes sonoros densos pero precisos. El álbum evita estructuras predecibles, apostando por: Dentro de esta arquitectura electrónica, emergen elementos orgánicos y melódicos que remiten sutilmente al folk, introduciendo un contraste cálido frente a la frialdad digital. Este gesto no suaviza el discurso, sino que lo humaniza, aportando un optimismo contenido que atraviesa la obra sin caer en lo ingenuo. Narrativa audiovisual: imagen como extensión del sonido El componente visual de DOS no opera como complemento decorativo, sino como extensión conceptual del audio. Cada videoclip dialoga directamente con su track correspondiente, amplificando la narrativa y reforzando la idea de sistema audiovisual completo. La estética visual recurre a: Esta relación estrecha entre sonido e imagen permite que DOS funcione como un archivo audiovisual, una especie de bitácora especulativa sobre el presente tecnológico y sus fallas. Contexto y relevancia En un entorno donde la música suele consumirse de manera fragmentada y acelerada, DOS propone una experiencia que exige tiempo, atención y recorrido. El proyecto se alinea con prácticas contemporáneas del arte digital y la electrónica de vanguardia, donde el álbum vuelve a entenderse como obra conceptual, no solo como colección de tracks. Desde Depósito Sonoro, reconocemos en DOS un trabajo que expande los márgenes de la escucha y plantea preguntas relevantes sobre el estado actual de la creación digital. 409 no busca soluciones ni discursos cerrados; propone una exploración crítica donde la obsolescencia se convierte en materia prima y el error en posibilidad creativa. Links relevantes

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Zu: Ferrum Sidereum, un cosmos sónico que desafía las fronteras del sonido

Ferrum Sidereum, el nuevo álbum doble de Zu, se presenta como una de las propuestas instrumentales más audaces y fascinantes de este inicio de 2026. Publicado el 9 de enero vía House of Mythology, el proyecto reafirma al trío italiano —formado por Massimo Pupillo (bajo), Luca T. Mai (saxo barítono, sintetizadores) y Paolo Mongardi (batería)— como una fuerza creativa singular dentro de la música experimental contemporánea. Desde su título en latín —Ferrum Sidereum, “hierro de las estrellas”— el álbum construye un universo sonoro denso, visceral y expansivo, inspirado en la simbología de los elementos cósmicos y el impacto de metales siderales en artefactos antiguos. Esta metáfora no es solo conceptual: se refleja en la propia textura del sonido, que mezcla lo primordial y lo celestial en una experiencia auditiva total. Musicalmente, Ferrum Sidereum sigue la trayectoria de Zu como encrucijada de géneros donde convergen el rock progresivo, el metal, la energía del punk, la crudeza industrial y la libertad del jazz. La banda ancla gran parte de su fuerza en el bajo distorsionado de Pupillo, que asume el rol rítmico y melódico tradicional de una guitarra eléctrica, mientras que las ráfagas de saxofón barítono de Mai añaden color, tensión y un carácter impredecible que define gran parte del lenguaje sonoro del grupo. El desarrollo de Ferrum Sidereum se extiende por casi 80 minutos de música instrumental, donde las piezas raramente se ajustan a estructuras convencionales y en cambio exploran construcciones largas, cambios de ritmo audaces y texturas complejas que pueden parecer a la vez desafiantes y orgánicas. Canciones como Charagma, Golgotha o A.I. Hive Mind nos llevan desde riffs irregulares y grooves densos hasta climas más progresivos y atmosféricos, sin perder una sensación de impulso visceral. La producción, a cargo del tres veces ganador del Grammy Marc Urselli, equilibra esa intensidad cruda con una claridad sorprendente, permitiendo que cada instrumento respire dentro de una mezcla rica y precisa. Esta combinación de energía primitiva y detalle técnico convierte al álbum en un puente entre la improvisación libre y la composición meticulosa, algo que no solo caracteriza a Zu, sino que también los posiciona como referentes actuales de la música experimental instrumental. Ferrum Sidereum no es un álbum accesible en el sentido convencional: exige atención, resistencia y un oído dispuesto a dejarse llevar por la intensidad sonora. Sin embargo, su audacia y ambición hacen de él una obra imprescindible para quienes buscan experiencias que trascienden la categorización tradicional de géneros y amplían los límites de lo que la música puede ser en 2026.

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Bahidorá 2026: actos imperdibles

Del 13 al 15 de febrero de 2026, el santuario natural de Las Estacas, Morelos, volverá a convertirse en uno de los espacios más inspiradores para la escucha en vivo en México. La edición 2026 del Festival Bahidorá presenta un mapa sonoro que atraviesa géneros, geografías y generaciones, reafirmando su estatus como un encuentro donde la música contemporánea se vive desde la diversidad, la naturaleza y la comunidad misma. En el escenario principal, Sonorama, nombres que han marcado la música electrónica y más allá encabezan una programación que combina introspección y euforia: Four Tet, cuyo enfoque experimental y orgánico sigue redefiniendo la electrónica moderna; Daphni (alias de Caribou), un maestro de la pista que mezcla cultural club con sensibilidad melódica; y VTSS, energía techno pura que renueva el pulso de la música de baile. Otros actos en vivo como Kings of Convenience, celebrados por su folk íntimo y sereno, BB Trickz con su híbrido de rap y atmósferas etéreas, Kid Francescoli y Paloma Morphy redondean un lineup que se siente a la vez emocional y expansivo. La electrónica global encuentra su epicentro en El Cubo, con figuras legendarias como Ricardo Villalobos (marca histórica con su primera presentación en México), The Blessed Madonna, Helena Hauff, Roza Terenzi, Cinthie y DJ Seinfeld. A su lado, el talento local como Bluecommand aporta brillo propio a una escena club vibrante y en constante evolución. Bahidorá también reconoce el presente y futuro de la música latina en La Estación, donde ecos urbanos, alternativos y tropicales se entrelazan. Artistas como Crudo Means Raw, Ela Minus, Ruzzi, PabloPablo, Macario Martínez, Rosas, Los Pirañas, Los Thuthanaka y Chico Sonido constituyen una muestra potente de creatividad emergente, mostrando que la música latina contemporánea no se limita a un solo sonido, sino que abraza múltiples identidades y ritmos. Además, la edición 2026 celebra conexiones culturales únicas con presentaciones de colectivos internacionales como Rainbow Disco Club (Japón) y Giegling (Alemania), así como colaboraciones con colectivos nacionales como Boyanza, Diáspora, Fünk Club y Noche Negra, reforzando el espíritu colaborativo del festival. El cierre del domingo promete ser inolvidable con Mad Professor & Ariwa All Stars, Sonido La Changa, Rio Kosta, Desiree, un DJ Set de Ry X y un esperado B2B sorpresa para coronar el fin de semana. Más que un simple cartel, Bahidorá 2026 es una invitación a reconectar con la música como experiencia orgánica y colectiva, donde cada escenario se convierte en una oportunidad para descubrir sonidos que desafían categorías, para escuchar con atención y para sentir el arte como parte integral del entorno natural que lo abraza. Adquiere tus accesos en este link: https://www.bahidora.com/boletos

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50 discos internacionales sobresalientes del 2025

En un año marcado por contrastes, excesos y búsquedas profundas, 2025 dejó un mapa sonoro tan diverso como revelador. Entre regresos inesperados, obras de madurez absoluta y exploraciones que desdibujan los límites de género, estos discos funcionan como puntos de referencia para entender el pulso musical del presente. Más que una lista definitiva, este recorrido propone una escucha atenta: un archivo de álbumes que dialogan con el ruido, el silencio, la memoria y la experimentación, y que confirman que la música sigue siendo un espacio fértil para pensar el tiempo que habitamos. 1. Anthony Braxton – Four PiecesUn ejercicio radical de abstracción y forma abierta. Braxton plantea composiciones donde la improvisación no es adorno, sino estructura, exigiendo una escucha activa que se involucra con el riesgo, la tensión y la libertad total del lenguaje sonoro. 2. Bitchin Bajas – TotalityRepetición hipnótica y calidez analógica definen este flujo continuo. El trío construye un minimalismo expansivo donde el tiempo se dilata y el detalle se vuelve experiencia sensorial prolongada. 3. Brian Eno – LateralAmbient entendido como pensamiento y entorno. Eno regresa a la música que no reclama atención directa, pero transforma sutilmente el espacio, la percepción y el estado mental del oyente. 4. Chat Pile – In The Earth AgainNoise rock como catarsis contemporánea. Riffs opresivos, ritmos asfixiantes y una voz quebrada construyen un retrato visceral del colapso emocional y social, donde el malestar se convierte en lenguaje directo. 5. Chip Wickham – The Eternal NowJazz contemporáneo de espíritu contemplativo. Las composiciones avanzan con serenidad, priorizando el diálogo colectivo y la respiración natural de cada instrumento dentro de un pulso constante. 6. China Crisis – Autumn in the NeighbourhoodPop sofisticado y melancólico. Canciones que privilegian la atmósfera y la introspección, construyendo paisajes emocionales suaves, lejos del impacto inmediato y la urgencia comercial. 7. Deafheaven – Lonely People With PowerUna obra expansiva que equilibra agresión y belleza. El disco profundiza en la soledad contemporánea, alternando pasajes extremos con momentos de vulnerabilidad emocional y lirismo. 8. Deftones – Private MusicTexturas densas y emociones contenidas. Deftones apuestan por la atmósfera y la madurez, alejándose del golpe frontal para explorar capas, silencios y tensión emocional sostenida. 9. Djrum – Under Tangled SilencePrecisión rítmica y profundidad emocional. Un álbum que conecta club, jazz y electrónica abstracta desde una lógica de escucha atenta, detallada y profundamente humana. 10. Floating – Hesitating LightsAmbient etéreo y suspendido. Sonidos frágiles que trabajan el silencio y la resonancia como materia principal, generando un espacio introspectivo de calma y contemplación. 11. Fonki Porcini – Modern Hymns for Modern ThingsDowntempo urbano y sofisticado. Pequeños himnos electrónicos cargados de groove discreto y melancolía nocturna, pensados para el movimiento lento y la deriva. 12. Ghaals Wyrd – Braiding the StoriesBlack metal atmosférico que prioriza la narrativa y la textura. El extremismo se diluye en favor de paisajes densos, rituales y profundamente inmersivos. 13. GoGo Penguin – Necessary FictionsJazz contemporáneo con pulso electrónico. Un disco cinematográfico que equilibra técnica, emoción y movimiento, expandiendo el formato del trío hacia territorios narrativos. 14. Honningbarna – Soft SpotPunk visceral y emocional. Intensidad directa que combina rabia, vulnerabilidad y honestidad, sin adornos ni filtros, manteniendo un pulso crudo y urgente. 15. Hyperglyph – Chicago Underground DuoImprovisación mutante y energía impredecible. Electrónica, viento y percusión dialogan en estructuras abiertas que aparecen y desaparecen, priorizando el riesgo y la espontaneidad. 16. James Holden – The Universe Will Take Care of YouElectrónica orgánica y cósmica. Holden difumina fronteras entre secuencias, improvisación y exploración sonora, apostando por desarrollos largos y una escucha paciente. 17. John Scofield & Dave Holland – Memories of HomeEncuentro cálido y reflexivo entre dos maestros. Un disco donde la experiencia se siente en cada nota, privilegiando la musicalidad y el diálogo sin artificios. 18. Just Mustard – We Were Just HerePost-punk nebuloso y opresivo. Texturas densas y una tensión constante construyen un clima emocional cargado, donde la contención es tan importante como el estallido. 19. Karate – If You Can Hold Your BreathRegreso sobrio y maduro. Post-rock y emo jazz ejecutados con precisión, espacio y contención emocional, demostrando una evolución natural del lenguaje de la banda. 20. Little Simz – LotusNarrativa íntima y poderosa. Simz consolida su voz como una de las más claras del rap contemporáneo, combinando honestidad lírica con producción sofisticada. 21. Loscil – Lake FireAmbient profundo y textural. Capas sutiles que transforman el espacio en un paisaje emocional, donde la repetición y el detalle construyen calma y profundidad. 22. Marc Ribot – Map of a Blue CityJazz urbano y disonante. Improvisación con fuerte carácter narrativo, donde cada gesto sonoro construye identidad y tensión expresiva. 23. Maruja – Pain to PowerJazz-punk urgente y político. Energía cruda convertida en discurso sonoro, con una intensidad que oscila entre el caos controlado y la catarsis colectiva. 24. Mary Halvorson – About GhostsJazz contemporáneo de complejidad accesible. Estructuras abiertas y melodías fragmentadas conviven en un equilibrio entre rigor compositivo y libertad expresiva. 25. Matt Berry – Heard NoisesPsicodelia ligera y humor sutil. Un disco cálido y relajado que privilegia la atmósfera, el encanto y la cercanía por encima de la grandilocuencia. 26. Matthew Herbert – ClayEl sonido como materia política. Herbert transforma lo cotidiano en discurso crítico a través de la manipulación sonora, cuestionando los procesos de producción y escucha. 27. McKinley Dixon – Magic, Alive!Jazz-rap luminoso y comunitario. Un disco vitalista que celebra la memoria, la resistencia y la conexión humana desde una sensibilidad profundamente espiritual. 28. Mobb Deep – InfiniteOscuridad urbana y narrativa cruda. Un documento esencial del hip hop como crónica social, donde el realismo y la tensión dominan cada track. 29. Mogwai – The Bad FirePost-rock emotivo y expansivo. Crescendos pacientes que priorizan la sensación y la intensidad emocional sobre la urgencia o el impacto inmediato. 30. Natural Information Society – Perseverance FlowMinimalismo hipnótico y trance colectivo. Música que avanza lentamente, recompensando la permanencia y la atención prolongada del oyente. 31. Nels Cline – Consentrik QuartetImprovisación sofisticada y diálogo constante. Jazz moderno en movimiento continuo, donde cada músico

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E-ENFOQUE: doce ejercicios audiovisuales para desacelerar la mirada y la escucha

E-ENFOQUE es una iniciativa multiplataforma desarrollada por Edgar Mondragón junto a IMGN (Erik López) que propone un gesto poco común en la vida digital actual: hacer una pausa. Frente a la avalancha constante de estímulos, el proyecto construye un territorio de calma a través de 12 piezas audiovisuales creadas a lo largo de 2025. Cada una de ellas se articula desde drones sonoros y visuales, concebidos como espacios de suspensión donde el tiempo parece expandirse y la atención puede reposar. En el plano musical, el drone opera como una práctica de continuidad. Son sonidos sostenidos, capas que se transforman de forma casi imperceptible y texturas que privilegian la duración sobre el impacto inmediato. No hay narrativas evidentes ni momentos culminantes: la escucha se desplaza hacia lo microscópico, hacia el cambio lento y la presencia. E-ENFOQUE retoma esta lógica y la conecta con imágenes minimalistas en constante mutación, generando un diálogo donde la quietud y la repetición funcionan como herramientas para reorganizar la percepción. Aunque cada pieza puede experimentarse de manera independiente, el conjunto traza un recorrido contemplativo que pone en cuestión nuestra relación diaria con la tecnología, la velocidad y el exceso de información. El proyecto se despliega en distintos soportes —presentaciones en vivo, video, canal de YouTube e instalación inmersiva— con la intención de crear contextos diversos para la escucha profunda y la observación atenta. Más que plantear conclusiones, E-ENFOQUE propone una práctica: desacelerar como forma de resistencia, detenerse para volver a enfocar. Desde el drone, tanto en lo sonoro como en lo visual, el proyecto abre un espacio para habitar el presente, recuperar la concentración y explorar otras formas de relación con el tiempo y la atención.

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