Depósitio Sonoro

Erika de la Rosa

Africa Express en Festival Bahidora 2024: un ecosistema musical multicultural

Hace 18 años nace Africa Express con una intención: expandir el trabajo de músicos africanos y realizar una conexión con otras latitudes de occidente. Cofundado por Damon Albarn e Ian Birrell, el ensamble actualmente reúne a artistas, músicos y DJs de diferentes países del mundo, presentándose como un evento con una serie de actos irrepetibles. Por primera vez en México, vivimos la experiencia de este ecosistema musical en el festival Bahidora del 2024, un espectáculo de aproximadamente cinco horas de duración que integró el setlist de cada propuesta invitada y una selección de ritmos inéditos que rompen con fronteras convencionales. En esta ocasión, Africa Express también contó con la presencia de artistas latinos, destacando a La Bruja de Texcoco, quien retoma la estética muxe, los sones y los huapangos. A esta colaboración se sumó El Instituto Mexicano del Sonido, en donde se pudo ver a Camilo Lara acompañado de trompetas y guitarras al ritmo del ska. Sin olvidar a Mare Advertencia y la profundidad de sus rimas, ni a los monstruos de la marimba Son Rompe Pera, que protagonizaron su sonido con percusiones acompañado del rap de M.anifest. Albarn estuvo presente en cada presentación, ya sea tocando el piano o su melódica, incluso, tras bambalinas. De esta forma hizo presencia con Fatoumata Diawara y a Moonchild Sanelly, quienes se desenvuelven dentro wassoulou, un género popular africano que combina instrumentos tradicionales y modernos. Lo mismo ocurrió con Imarhan, quien nos dejó un camino con pólvora y elementos sonoros que provienen de las penínsulas arábigas. Finalizando así con Jupiter & Okwess, un proyecto con una explosiva e inagotable reserva de ritmos provenientes de las etnias del Congo. La mente maestra de Albarn cerró con una estampa carnavalesca con los músicos participantes en estado de ebullición y bajo la hipnosis polirítmica de los instrumentos en el escenario. La diversidad y multiculturalidad son dos palabras que definieron a este show, pues encarnó la hibridación de las sociedades tribales y las invocaciones melódicas del world music, como símbolo de la apertura musical y del espíritu comunitario.

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Mercury Rev, 3 décadas de música presentes en México

Mercury Rev realizó un tour con varias presentaciones que incluyen la visita a nuestro país. Así es, los norteamericanos estarán en Guadalajara en el C3 Stage el próximo 16 de junio y en la Ciudad de México el 17 de junio en las instalaciones del Frontón, México; eventos que aún tienen entradas a la venta. Parte de lo que se podrá escuchar durante su visita en nuestro país, es su más reciente disco Bobbie Gentry’s The Delta Sweete Revisited (2019), que es una reinterpretación del registro de country de Bobbie Gentry titulado “The Delta Sweete (1969). Cabe mencionar que en este material colaboran diferentes artistas, entre las que destacan Beth Orthon, Marissa Nadler, Rachel Goswell y Letitia Sadier. El éxito de esta obra se atribuye a que los músicos logran reelaborar el sonido, y al mismo tiempo, traslucir la excentricidad de la cantautora estadounidense. De acuerdo con algunas entrevistas realizadas, la banda que es conocida por haber incursionado en la escena de la música psicodélica, el dream pop y el shoegaze durante los años 90, tendrán un show que además nos permitirá recorrer parte de la discografía que han desarrollado por más de 30 años. Han transcurrido 3 décadas del lanzamiento de su disco debut Yerself is Steam (1991) y un poco menos del Deserter’s Song (1998), los cuales le dieron la visibilidad necesaria debido a su nivel de composición instrumental como a nivel lírico alcanzado por piezas como Holes, Tonite It Shows y Opus 40. A pesar de que la banda a atravesado por diversos cambios de alineación a lo largo de su carrera, mismos que han modificado parte de su sonido y discurso, dentro de su larga trayectoria también se suma el álbum All Is A Dream (2001), el cual fue producido por Tony Visconti y destacó por tracks como The Dark Is Rising, Tides OfThe Moon y Hercules. Por otro lado, los músicos que también han incursionado en el mundo del cine con el desarrollo de la banda sonora de la película Hello Blackbird, nos dejan un álbum de larga duración que contiene diversos elementos circenses y arreglos orquestales. Sin duda la lista continúa. Y si bien no son menos importantes, The Secret Migration (2005), Snowflake Midnight (2008) y The Light in You (2015), son obras que estuvieron más apagadas dentro de la trayectoria de la banda. Si quieren escuchar parte de estos álbumes que les ha otorgadoel estatus de banda de culto, tienen una cita el 16 y 17 de junio. Boletos a la venta en este link: http://hipnosismx.com/event-item/hipnosis-presenta-mercury-rev-en-fronton-mexico/ Presentados por Hipnosis. Si quieres ganar un pase doble comparte el post de Facebook y dinos cómo se llama su primer disco. Envía el screenshot del post y la respuesta correcta a la pregunta al correo: [email protected]

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Entrevista a Backxwash tras el lanzamiento de su más reciente material

Ashanti Mutinta, conocido profesionalmente como Backxwash, es una rapera y productora de Zambia-Canadá con sede en Montreal, Quebec. Dentro del metal uno puede encontrarse con todo tipo de contenido lírico, hay quienes hablan de quemar iglesias, sexo con cadáveres, pactos con satán, hasta llegar a temas más políticos. Sin embargo, existen asuntos que aún hieren susceptibilidades dentro de ciertos nichos y audiencias de mecha corta. Uno de esos temas es hablar de la comunidad queer dentro del metal. A pesar de eso existe una ola de artistas progresistas que rompen con el fundamentalismo basado en el sexismo, el racismo y homofobia que alimenta esta escena. Pienso en la transición de género de la cantante de black metal, Liturgy; en el dúo no binario de doom Vile Creature que hace un fuerte énfasis en contra de la opresión y la intolerancia contra la comunidad LGBTQ+; o en la banda de grindcore Pupil Slicer, que en su álbum Mirror hablan sobre los derechos de la salud de mujeres transexuales. Backxwash forma parte de esta resistencia a nivel estético, visual y discursivo dentro de la escena del horrorcore y el metal industrial. Originaria de Zambia, Africa, se mudó a una edad muy temprana a Canadá, en donde comenzó parte de su carrera como rapera y su transición identitaria. La artista ha logrado cierto reconocimiento tras el lanzamiento de los álbumes Blak Sailor Moon (2018), God Has Nothing to Do with This Leave Him Out of it (2020). Tuvimos contacto con ella desde Ottawa y hablamos sobre el comienzo de su carrera: “El proyecto Backxwash surgió cuando comencé a rapear cuando tenía 20 años. También estaba descubriendo mucho sobre mí y esto se debía a mi impulso para comenzar a hacer música nuevamente.” Comparada con Death Grips y Ghostemane, la rapera lanzó recientemente su nuevo material titulado I lie here buried with my rings and my dresses (2021) a través de Ugly Hag Records, que a diferencia de su producción anterior, nos ofrece su particular visión sobre sus ancestros, su cosmovisión como mujer transgénero, lo que significa lidiar con el consumo de sustancias y su ruptura conlos cultos religiosos, en compañía de un sonido más crudo: “El sonido ha cambiado drásticamente, en gran parte por los cambios que hizo Charlie XCX. Antes mi sonido era un poco más simple y dócil en términos de frecuencias. A lo largo de mi carrera siento que el sonido se ha vuelto más agudo, más áspero, simplemente más industrial.” En este álbum colaboró Speedy Ortiz, Ada Rook y Lauren Bousfield, quienes intercambiaron ideas a distancia debido a la pandemia de COVID-19 que experimentamos a nivel global: “En su mayoría, solo averiguaba cómo iba a ser el sonido, experimentaba y luego me sumergía en él. Me sentí honrada de tener todos a estos amigos en el proyecto, les enviaba los ritmos o ideas y veía si vibraba con ellos. Fue un trabajo principalmente hecho de manera virtual y durante el proceso pude obtener ritmos de Clipping y Code Orange”. Este trabajo se inspiró en el trabajo de la DJ y productora escocesa Sophie Xeon, quien recientemente falleció de manera inesperada en un accidente y quien además instó a que se abandonaran los esencialismos así como también la desinformación que existe alrededor de la experiencia transgénero. Aquí lo trascendente es su trabajo y Backxwash nos explica: “Sophie era una maestra en diseño de sonido y poder conseguir su batería y moldearlo es algo que me hace sentir muy afortunada”. Finalmente Backxwash nos habló de los samples que se tomaron de Static de Godspeed You! Black Emperor para la creación de su material, que por medio de una grabación nos habla sobre lo que implica traspasar el más alto orden de los dioses a través del camino de la disidencia: “En realidad, no había muchos samples para este álbum, con Godspeed, tenía sentido por lo que significaba la canción para mí y era así cómo quería cerrar el álbum”.

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The Telescopes estrena Songs of Love and Revolution, una oda al noise y al rock espacial

The Telescopes estrenó su duodécimo material titulado Songs of Love and Revolution. En la década de los 80 el sello discográfico Creation Records vio nacer a The Telescopes, un proyecto inglés que lograría influir ambientalmente a bandas como Ride, Catherine Wheel y Medicine. Desde entonces su producción ha sido intermitente, pero concisa, gracias al trabajo de Stephen Lawrie y al guitarrista recién fallecido David Fritzergald. The Telescopes, ahora nos trae Songs of Love And Revolution, un álbum que representa la basta exploración que la banda ha hecho dentro del noise, el rock espacial y el slowcore a lo largo de su carrera musical. El concepto de este nuevo álbum mantiene su antigua naturaleza caótica y oscura, sin embargo, contiene tracks realmente brillantes como Mesmerised, This train y You’re never alone with despair que inevitablemente nos recuerdan a Velvet Underground o a la banda neoyorkina Suicide. Sin duda Songs of Love and Revolution es una propuesta auditiva imperdible que, por su mismo nombre, concatena al amor y a la resistencia como ejes de su creatividad musical, donde la distorsión y la desarticulación convencional de sonidos seguirán formando parte de la vena estética de su obra.

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Wax Tailor estrena su nuevo álbum, The Shadow of Their Suns

Wax Tailor estrenó el pasado 8 de enero su nuevo álbum llamado The Shadow of Their Suns. Wax Tailor es un productor francés que creció durante el apogeo de la cultura del hip hop durante los años noventa, de manera que refleja la influencia del grafiti y el rap en gran parte de su obra. Igualmente, el artista forma parte de una generación de músicos como Chinese Man, RJD2 y DJ Shadow, que se han dedicado a explorar registros musicales antiguos para samplearlos y configurar piezas únicas. Recientemente Wax Tailor lanzó The Shadow of Their Suns, un trabajo que incluye la colaboración de Gil Scott-Heron, Mark Lenegan, Yugen Blakrok, entre otros. El álbum contiene trece tracks, de los cuales destacan “Just a Candle”, “Misery”, S”hining Underdog”, “Dusk to Dusk” y “Déjà vu”. El concepto del trabajo sugiere el fin de la civilización occidental y el ocaso de la sociedad moderna dado el contexto de la crisis mundial que vivimos, mientras la ambientación tiene algunos pasajes orquestales, así como también, sonoridades que se inscriben dentro del trip hop, el downtempo y el soul. The Shadow of Their Suns es un álbum que mantiene la esencia del Hope & Sorrow y el Dusty in Rainbow; sin duda, es un trabajo que propone un buen preludio auditivo para arrancar el 2021.

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Doreem estrena Nocturnina, una ópera gótica ambiental

Doreem es el proyecto de la mexicana Tania Pomar, quien también ha participado en Sonido Continental, Melamina Ponderosa y The Fashion Group. Tania Pomar debutó en mayo de este año con Seelen, un trabajo que se caracterizó por musicalizar la presentación “Sin título” de la compañía de danza de Pilar Gallegos, asimismo, por mantener una narrativa que se vincula al mundo de las hadas y la ciencia ficción. La artista ahora nos trae una nueva propuesta para fin de año llamada Nocturnina, un EP que se divide en cinco actos que nos atan de un hilo para contarnos una historia que nos ofrece caminar por un bosque, en el que habitan rostros ocultos entre los árboles durante una noche sombría. De acuerdo con el sello discográfico tijuanense Static Discos al cual pertenece dicho EP, es una ópera gótica que podría fungir como la banda sonora del solsticio de invierno de un año tan incierto como lo fue este 2020. Se trata de una obra que define la carrera de Doreem y que se proyecta como una pauta a seguir dentro del ambient neoclásico en nuestro país.

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Escucha Secundaria Técnica 2001, el nuevo Álbum de Lasser Drakar

El pasado 21 de noviembre se liberó en plataformas streaming el álbum Secundaria Técnica 2001, una producción hecha por el proyecto de música electrónica Lasser Drakar. El productor Emilio Acevedo, quien ha colaborado con Gary Numan y Egyptian Lover, e igualmente, quien forma parte de las bandas mexicanas de culto TITÁN y María Daniela y su Sonido Lasser, está detrás de este nuevo lanzamiento. Se trata de la masterización de un viejo demo que se realizó a finales de los años noventa y que ahora está bajo el sello discográfico Estelaris Records. El trabajo tiene siete tracks e inicia con Who are you? Una canción con toques de high energy y solos de guitarra expansivos que alcanzan tonalidades que se enmarcan dentro del funk. Una pieza interesante es Usted, la cual contiene un soliloquio que nos invita a romper con la inercia de lo cotidiano y a ser nosotros mismos en un mundo que se rige por las imposturas sociales. Por otro lado, Guitar, banjo, piano, se proyecta como un viaje cósmico construido de partículas de vida, acompañado de una base que asciende y desciende con sugestivos beats de batería. Otro gran track es Alucinado, ya que tiene un speed interesante que te da la sensación de estar en un estado alterado de conciencia, incluso, se escucha decir por medio de un diálogo jocoso y a modo de sentencia: “no quiero que vuelvas hacer eso, primero está la escuela”, seguido de la respuesta “cállate”; haciendo alusión a la desobediencia de alguien con una biografía que transita por terrenos movedizos. El material termina con Dulce o Truco, un tema con distorsiones de guitarra de baja fidelidad, que logran producir una atmósfera musical oscura y decadente. Secundaria Técnica 2001 es una obra que, en palabras de Emilio Acevedo, “estaba pendiente” y se reconstruye de la selección de piezas del pasado para finalmente darles una producción de calidad. El valor de este álbum radica en la trayectoria de un artista que nos reafirma de qué está hecha la escena de la música electrónica mexicana al ofrecernos una opción sonora bien lograda y al expandir de nuevo nuestro radar musical.

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La contra ola del synth wave y el post punk español: Entrevista a Jordi Serrano fundador del sello Domestica Records

Después de la caída de la dictadura franquista, España vivía cambios políticos importantes a principios de la década de los ochenta. El foco de atención se centró en Madrid: las revueltas sociales, los movimientos culturales, la estética de la moda y el espíritu de la música. El movimiento contracultural La Movida Madrileña fue el más mitificado, pero sólo fue un punto de intersección con otras escenas que ocurrían al mismo tiempo: El Rock Radikal Vasco y la contra ola del synth wave y el post punk. Esta es una entrevista con Jordi Serrano, fundador del sello Domestica Records. De hecho hay un sello en Suiza llamado Bongo Joe que hizo un recopilatorio en la misma línea de lo que hago que se llama La Contra Ola, entonces es un término muy apropiado – explica en entrevista Jordi Serrano fundador de Domestica Records. Desde mi punto de vista en España ocurrieron eventos importantes, por una parte, el país tenía poco que salía de una dictadura y se produjo un efecto de foco hacia Madrid, entonces todo lo que no sucedía en aquella zona geográfica tenía muchas dificultades para, no solamente ser escuchado, sino respetado incluso. El hecho de no haber formado parte de ese contexto me ha permitido romper con los prejuicios y he intentado nivelar tanto lo que fue producido en Madrid, como también rescatar y normalizar los movimientos musicales que surgieron fuera de ese lugar. Se trata de romper con los prejuicios y hacerles un poco de justicia cultural a esas bandas. De hecho muchos grupos que no eran de Madrid, se fueron hacia allá para seguir con su carrera musical. Por ejemplo, la banda TodoTodo era alicante de una población alejada de la costa del mediterráneo del sur de Cataluña que se fueron Madrid justamente porque veían que ahí si tenían posibilidades, pero claro, esta lectura es con este grupo. Hay otros con los que pasa precisamente lo contrario, o sea, me han transmitido algunos de ellos que hubo una especie de marginación, porque culturalmente si formabas parte de un territorio como Cataluña, País Vasco, etcétera, influía, entonces tenías que romper varias barreras en su momento. Eran artistas que se encontraban un poco aislados a nivel de escenas, entonces bueno, producían su música de manera bastante solitaria. ¿Qué mensaje intentaban transmitir las bandas de la periferia española que rescatas para tu sello? JS: Con las bandas que yo he trabajado, el mensaje político va implícito por el mismo hecho de producir la música de forma independiente sin la necesidad de tener a terceras personas grabando sus maquetas en sus casas. Esto de por sí es muy reivindicativo en asociación con el do it yourself del movimiento punk, aunque con la música electrónica. A nivel de mensaje obviamente los grupos tenían sus conceptos y a veces no eran tan concretos, tenían sus propias ideas, asimismo, emulaban la estética New Wave y el sonido de ciertas bandas europeas que llegaban aquí, fue lógico para aquel tiempo. ¿Cómo empiezas a armar el proyecto de Domestica Records? JS: Comencé a recopilar material junto a Carlos Paneque en 2008, quien dejó el proyecto al año y medio. Había un creciente interés en descubrir música que quedó relegada por muchos años, estuvo relacionado con la aparición de internet y de los blogs de ese momento. Mucha gente de manera totalmente altruista empezaba a digitalizar cassettes y se empezó hacer una especie de archivo virtual que en ese momento era accesible para todo mundo, incluso hay blogs que siguen activos aunque los links han desaparecido. En España no había nadie dispuesto a recuperar ese material y editarlo en vinilo; yo en ese momento estaba estudiando diseño y justo antes de terminar ya teníamos en la cartera unos diez proyectos: Aviador Dro, Funeraria Vergara, Kremlyn, Línea Vienesa, Interacción, Mosgaten, Modern Art, el recopilatorio Non Plus Ultra. Sé que trabajas toda la parte visual de las portadas de los vinilos ¿en qué te inspiras para hacerlos? JR: Tengo un estudio de diseño, esto ha sido para mí un aprendizaje y a la vez una vía de escape para poder experimentar. Creé un universo visual que iba asociado a la música, yo me inspiré mucho en la obra de Neville Brody y a la vez también tomé muchas referencias de diseños underground publicados en los ochenta. Iba cogiendo aleatoriamente lo que me interesaba y poco a poco se fue generando una estética muy peculiar con Domestica. El hecho de trabajar con ediciones muy limitadas permite ocuparte con sistemas de impresión más artesanales y esto es una cosa que le puede dar un valor añadido importante. Entonces si conjuntas el elemento musical, que es el fundamental, e incorporas algo a nivel de envoltorio, bueno, pues ahí tienes algo que es diferente de lo común. Yo creo que ahora cualquier sello discográfico tiene que tener en cuenta estas dos facetas, para diferenciarse y aportar algo nuevo. Editas a bandas españolas de los ochenta ¿qué tan importante es rescatar esta música en nuestro idioma? JS: Yo creo que es muy importante. El mercado que ha dominado a la industria musical es el anglosajón y esto quizá ha hecho que muchas bandas piensen que van a tener mucho más visibilidad, lo cual es comprensible. Quizá esto lo digo de una manera muy valiente, pero en los mercados anglosajones si detectan cierto acento extranjero no son muy receptivos. Yo creo que es muy importante dejar un lado los prejuicios y este sentimiento de no sé si sea inferioridad de cantar en castellano, pues el hecho de que el idioma sea minoritario puede ser interesante. Precisamente la banda TodoTodo, intentaba que la fonética de las palabras sonara al ritmo de las canciones. Yo creo que hay que romper un poco con esto y saber que en cada país, aunque quisieran emular a otras bandas, el encanto de ser genuinos, de cantar en su propio idioma y hacer canciones sin ningún tipo de complejo, es una magia y un valor cultural importante que deberíamos

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