Depósitio Sonoro

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Juan Pablo

Reseña del nuevo y último disco de Shellac, titulado “To All Trains”

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Como fanático de la música, no hay nada mejor que un grupo independiente con los recursos suficientes para hacer el disco que ellos realmente quieren hacer. Este ha sido (por alrededor de 30 años), el caso de la banda norteamericana Shellac, conocida por ser un poderoso trío inclinado a las guitarras pero no por ello cayendo en los convencionalismos de lo que generalmente conocemos como rock o noise rock. To All Trains es el nuevo material de la banda de Chicago, y a la vez un disco póstumo de Steve Albini, ingeniero, guitarrista y vocalista con Shellac. El sexto disco de estudio en su carrera fue lógicamente grabado y mezclado en Electrical Audio en Chicago, compuesto entre diferentes años: 2017, 2019, 2021 y marzo de 2022, lo cual tampoco es el común denominador de una banda que tiene un lanzamiento de estudio tradicional, pasando poco tiempo en el estudio y grabando todo el mismo mes o año. To All Trains presenta estructuras poco convencionales, un sonido de guitarra y de batería muy definido, que lleva siendo el sello de la banda desde 1994. Momentos de “spoken word” contrastado con gritos exaltados provenientes de la voz de Steve Albini. Letras dispares, algunas con más sentido que otras pero siempre coherentes dentro del Universo Shellac. Diez temas en menos de treinta minutos, lo que es conocido en la industria como un all killer, no filler, este álbum no tiene desperdicio alguno, y si bien uno puede tener canciones favoritas la realidad es que todo el disco es emocionante, haciendo (quizá sin querer), una pequeña retrospectiva a otros materiales de la banda hechos en el pasado. Quizá lo más complicado / extraño de este material de estudio es que no son canciones que vamos a poder escuchar ejecutadas en vivo. En una industria plagada por los números, inmediatez y otros males ¿Cuántas veces tenemos la oportunidad escuchar un disco que sólo tiene la intención de presentar el sonido real y crudo de una banda? Alejados de cualquier tipo de sencillo, alguna intención de pegar en la radio. Escucha To All Trains también en la página oficial de bandcamp de la banda, y mientras lo haces piensa que este es su primer disco de estudio desde hace 10 años, el último material de Shellac (al menos con esta alineación), y el último disco de Steve Albini como músico… y por si eso fuera poco y para terminar, piensa que el último track de álbum lleva por título I Dont’ Fear Hell, tema donde el mismo Albini canta la palabras “If there’s a heaven I hope they’re having fun, ‘cause if there’s a hell I’m gonna know every one”.

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UNTS UNTS UNTS reúne algunos de los proyectos musicales contemporáneos más interesantes

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Este 19 y 20 de abril, Showcase presenta uno de los eventos más atractivos de este 2024:UNTS UNTS UNTS, un festival multidisciplinario dedicado a propuestas nacionales e internacionales que reúne géneros como la electrónica, rap y rock entre muchos otros. Este festival se llevará a cabo en la Villas Arqueológicas de Cholula en Puebla, y algunos de los actos que más nos emocionan son: Soccer 96, Belafonte Sensacional, Demencia Infantil, Las Pijamas, Mengers, Ikonika, The Gaslamp Killer, Jubilee, Amotken, Classic Park, Zerena Morena, La Veinte Uñas, Cholula Dans Division entre muchos, muchos otros artistas por anunciar. UNTS reúne algunos de los proyectos musicales contemporáneos más interesantes, algunos con mayor popularidad que otros pero todos de alta calidad. Uno de los aspectos más importantes de este festival es que se siente hecho por humanos, por gente que escucha y disfruta de la música, que va más allá de las obvias recomendaciones de algoritmo que actualmente dominan otros festivales. UNTS es una gran oportunidad para pasar un fin de semana lleno de música y diferentes actividades, salir de la ciudad y apostar no sólo por otras propuestas musicales si no por otros festivales fuera de lo predecibles. Consulta toda la información y adquiere tus boletos aquí.Puedes seguir a UNTS UNTS UNTS en su Instagram.

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¿Qué hace diferente a Aliencraft XYCLOPS del resto de los audífonos en el mercado?

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Actualmente existen una gran cantidad de audífonos en el mercado por lo que es importante encontrar los que más se ajusten a tus necesidades. Si realizas actividad física que involucra mucho movimiento y diversas condiciones meteorológicas te recomendamos Aliencraft XYCLOPS. ¿Qué hace diferente a Aliencraft XYCLOPS del resto de los audífonos en el mercado? Son audífonos inalámbricos open type que están especialmente diseñados para todas tus actividades dentro y fuera de casa, ya sea que prefieras: senderismo, caminata, atletismo o algo más extremo como skate o BMX podrás hacerlo con comodidad. Aliencraft XYCLOPS cuenta con un diseño único en forma de anillo que se ajusta perfectamente bien a tu oído, garantizando que ambas piezas permanezcan en su lugar sin importar la actividad que estés disfrutando. Algunas de las características que destacan de XYCLOPS es que cuenta con un chip Bluetooth (version 5.3), que te dará una conexión estable y con sólo 60 metros de latencia, que funcionan perfecto para descansar o cualquier actividad. Hoy en día es importante disfrutar de nuestra música sin perder la noción de nuestro alrededor, por lo que Aliencraft XYCLOPS te permite estar alerta del medio que te rodea, tener una conversación, sin necesidad de quitarte los audífonos o pausar la música. Por si eso fuera poco, vienen equipados con micrófonos omnidireccionales duales para que puedas realizar llamadas con la mayor claridad y nitidez posible. Tampoco tendrás que preocuparte de la lluvia, ya que XYCLOPS cuenta con la certificación IPX5, que garantiza el funcionamiento correcto de tus audífonos a pesar de las condiciones húmedas. Estos audífonos son compatibles con los asistentes de voz más populares como Siri y Google Assistant para tu mayor comodidad y funcionalidad. Conoce más de Aliencraft XYCLOPS y de todos los productos que Aliencraft tiene para ti en su sitio oficial. ¡Siente la música, siente la libertad! En los siguientes 2 links de aquí abajo puedes adquirir los tuyos: https://aliencraft.mx/ XYCLOPS – Audífonos Deportivos True Wireless Open Air

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¿El fin de bandcamp?

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Desde 2007 Bandcamp ha sido una de las mejores alternativas para una infinidad de bandas que lanzan su música a través de esta plataforma, la cual es conocida por tener un trato más justo con creadores de música así como consumidores, evitando intermediarios, incentivando a la música independiente y ofreciendo un fabulosa opción para aquellos que van más allá del algoritmo, que prefieren una recomendación música hecha por un humano. Si bien el modelo de Bandcamp no es perfecto funcionaba y cumplía su objetivo de manera exitosa habiendo pagado alrededor de 1.7 billones de dólares a creadores independientes. Hace más de un año la plataforma fue comprada por Epic Games quien a su vez la vendió a Songtradr y con esto anunciando el despido del 16% de su fuerza laboral. Sin embargo, la semana pasada el 50% del staff de bandcamp fue despedido dejando sólo las áreas más fundamentales a nivel operativo y desapareciendo por completo a muchas otras. La decisión claramente llevó al descontento, el cual se manifestó a través de redes sociales… para muchos, el final de Bandcamp (al menos como lo conocíamos), es inevitable. Los cambios en la plataforma afectan principalmente a los músicos y consumidores pero también para editores, escritores, programadores, artistas visuales y todo lo que conforma un modelo de este tipo. Personas que dedicaban su dinero a la plataforma obteniendo a cambio buenos textos editoriales (desde recomendaciones de bandas poco conocidas pero relevantes, hasta escenas contemporáneas), música y mercancía. Es increíble pensarlo en los tiempos que vivimos pero esa comunidad que se había formado de manera digital aún paga (dinero de verdad, no criptomonedas), por música en formato físico y digital. Si hay algo que diferenciaba a bandcamp de otras plataformas no sólo eran sus políticas frente a los músicos y la manera de distribución si no la parte editorial / periodística que fue creciendo con colaboradores de diferentes latitudes, perspectivas globales que fomentaban a la lectura acompañada de la música. Bandcamp iba mucho más allá que otras plataformas que se conforman con un breve resumen de la banda. Era periodismo musical, independiente y bien hecho. Aunado a la situación de bandcamp, esta semana, su contraparte Spotify ha decidido cambiar sus políticas de regalías afectando directamente a todos los artistas que no poseen grandes números por medio de hacer que cumplan con una “cuota” mínima de streaming. Si bien la situación de bandcamp (y por consiguiente de la música independiente), es desfavorecedora la realidad es que también es un espacio de oportunidad para otras plataformas, creadores y la necesidad de mantener esta comunidad vida, a la cual le importa la música más que cualquiera de otros intereses. El éxito de bandcamp está probado, ¿por qué no construir otro bandcamp con las lecciones aprendidas? ¿por qué no hacer varias plataformas de este tipo? Existe el know how, tecnología y gente dispuesta a construir desde cero. Quizá esta sea la única opción viable ante un mundo que no está dispuesto a pagar lo que la música realmente vale, devaluando el trabajo de los que empiezan, de los que proponen cosas diferentes, de los que nos están preocupados por “pegar”, ni tener muchos números… Por más complicado que se vea el panorama, me gusta pensar que la música independiente siempre encuentra un camino. Gracias a Marcos Hassan, periodista de bandcamp por el apoyo para esta nota.  

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“Siempre habrá nichos para todo”, entrevista con Timoti La Moto Casco

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Con un sonido potente, enfocado a las texturas, distorsión y una mezcla de géneros que van desde el garage hasta psych y kraut llega desde Guadalajara Timoti La Moto Casco. ¿De dónde viene el nombre de la banda? Es curioso por que no se nos ocurrió a ninguno de nosotros, se lo ocurrió a mi papá: una vez en Estados Unidos me dijo que me iba a poner un nombre en inglés, dijo que iba a ser Timoti, y yo tenía un casco de motociclista azul. A mi papá siempre se le ocurrían un montón de cosas, entre ellas ese nombre. Nos quedamos con el mismo ya que no te habla de un género en específico. Cuando le conté a Rodrigo le latió, queremos que Timoti sea un personaje y la música envuelta en el mismo. ¿Cómo definirían su sonido sin utilizar géneros? Es una recopilación de texturas, de las cosas que nos gustan y lo que cada quien aporta. Hay viajes, adrenalina, gasolina, cosas que te hacen disfrutar. Nos encanta ir a conciertos a los cuales la gente se la pasa brincando y haciendo slam. Queríamos provocar la misma sensación y hacer que la gente se sintiera emocionada por la pared de guitarras. ¿Antes de encontrar su sonido ya tenían idea de cómo querían sonar o fue algo que encontraron en el camino? Todo empezó en la pandemia, estaba escuchando a muchas bandas como Oh Sees y similares, queríamos algo inclinado al garage. Empezamos a hacer maquetas y a enviarselas a Rodrigo, quien se convirtió un poco en el curador de ideas. Una vez que esto estaba claro comenzamos a jammer entre los dos en Guadalajara. Nos encontramos con el garage pero es algo que se ha ido transformando ya que hemos pasado por un buen de etapas, algunos temas han ido evolucionando desde la pandemia. En tiempos donde la música de guitarras no es la más popular ¿cómo se enfrentan a esto? Siempre habrá nichos para todo. Sentimos que en Guadalajara se está armando un buen ambiente de tocadas en venues, más profesionales, con audio fijo. Entendemos que aún hay gente que escucha cierta música como la nuestra. Sí tenemos muchas cosas de guitarra pero también jugamos con texturas, syntes y pedales. Sentimos que los guitarrazos se están poniendo nuevamente de moda, aunque no es el sonido que predomina en sí, pero sentimos que el mismo género ha tenido su evolución y a la gente le está gustando más. ¿Qué música sienten que los influenció? Curiosamente de chicos no escuchábamos nada de lo que hacemos ahorita como Robbie Williams. Querían que empezara a tocar el piano pero preferí la batería. Cosas como el rock band de los Beatles y ahí cambió todo. Comencé a escuchar un montón de cosas. Viendo a bandas en vivo conocimos los pedales, fuzzes y pensamos que podíamos hacer algo así. También nos ha influenciado el punk norteño el cual siento que tiene mucho que ver ahorita, bandas de Sonora siento que han sido relevantes para otros estados. ¿Cómo sienten la escena actual? En Guadalajara sentimos que hay bastante apoyo entre amigos y que también entre todos nos vamos abriendo camino con el apoyo de nuevos foros. Hemos tocado en la Ciudad de México aunque somos un tanto ajenos a esa escena. Nos gustaría pasar más tiempo por allá en un futuro cercano. Nos encantaría tocar en festivales como Hipnosis y similares. ¿Qué sigue para la banda? Lanzar un nuevo sencillo y posteriormente un EP que recopila los sencillos y agrega un track más. De igual manera una pequeña gira al menos en un par de ciudades como Querétaro o León, Guadalajara y Ciudad de México y qué mejor si agregamos una del norte. Nos gusta tocar en lugares pequeños, sentimos que tienen su encanto, todo es más frontal. Otra meta es hacer esto un proyecto redituable ya que hay una inversión de varios factores. No queremos en este punto vivir del proyecto pero sí crecerlo. Tratamos de hacerlo casi todos nosotros, es un proyecto sobre comunicación. Nos ha ayudado estudiar carreras afines a la música. Nos encanta tocar en vivo y fue uno de los principales motivos por los que iniciamos una banda. ¿Cuál es el disco en el que toda la banda coincide? Nonagon Infinity de King Gizzard and The Lizard Wizard.  

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Houdini de Melvin, disco influyente que cumple 30 años

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Este mes celebramos 30 años de uno de los discos más importantes para la cultura alternativa de la década de los 90: Houdini de Melvins. Un material demasiado pesado para ser grunge y demasiado grunge para ser metal. Cualquier intento de clasificar a los Melvins queda descartado conforme pasa cada disco, e incluso Houdini, el álbum más popular de una banda que no se considera tan popular es una mezcla de sonidos, géneros y experimentos. Un gran porcentaje (si no es que todas), de bandas cuyo su sonido se desenvuelve alrededor del stoner, doom, sludge y sus variantes tienen una fuerte influencia de la banda. Incluso aquellos que no conocen a Melvins, de alguna u otra manera ese sonido y está impregnado en todas ellas, esa tensión que logran por medio de desacelerar los tiempos de las canciones, una herramienta que desde el principio la banda fue perfeccionando. Estoy seguro que antes de haber escuchado a esta banda vi primero la portada, del mítico Fran Kozik, el rey Midas del art poster, de las portadas alternativas y lo gráficamente subversivo (al menos para esos tiempos). La portada sugiere una cosa y suena completamente a otra, y para ser sinceros ese es un truco difícil de lograr con elegancia. Una combinación perfecta entre arte y música. A pesar de su popularidad el disco únicamente contó con tres sencillos: Hooch, Lizzy y Honey Bucket, que ha sido sin duda alguna el sencillo más sonado de la banda en MTV, en aquellos lejanos ayeres en los cuales la cadena aún había música. Sin embargo canciones como Night Goat o Goin’ Blind, son clásicos entre los seguidores. Es curioso que Melvins hiciera un cover a KISS en uno de sus momentos menos afortunados de la banda liderada por Gene Simmons, quien al escuchar el cover de Melvins pensó que la cinta que había llegado estaba descompuesta ya que la canción sonaba demasiado lenta a comparación a la original.También algunas versiones de este disco (la the Third Man Records siendo de todas la más fácil de conseguir), incluyen un cover a MC5, Rocket Reducer No.62. Lo cual habla de las amplias referencias que Melvins ha utilizado como inspiración. Houdini forma parte de la trilogía Atlantic Records, la primera y única vez que la banda trabajó con una disquera grande. Atlantic Records en 1993 apostaba por el nuevo Nirvana, sin darse cuenta de que en Melvins sólo encontraría la parte menos comercial de esa oleada. El disco fue producido por la banda, Garth Richardson y el mismo Kurt Cobain, quien debido a un problema de drogas fue despedido por la misma banda, participando sólo en una parte de la producción, grabando guitarras para Sky Pup y complementando baterías en Spread Eagle Beagle. Mismo caso para Lori Black, mejor conocida como Lorax (quien no sólo aparece en los créditos si no en el arte del disco), bajista de la banda quien no tocó casi ninguna parte de bajo en el disco, prácticamente todo fue hecho por King Buzzo y Dale Crover. A 30 años de su lanzamiento sigue siendo un disco con mucho misticismo alrededor, el momento “más comercial” de la banda, no por ello malo pero sí el que dio más popularidad a Melvins y un estandarte para buena parte de la música contemporánea. Pensemos en todas las cosas que no habría sin este disco o peor aún sin Melvins.

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30 años del disco Siamese Dream

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“Siamese Dream” de Smashing Pumpkins cumple sus primeros treinta años y es innegablemente uno de los discos más importantes de su generación así como una pieza clave para entender la música “alternativa” de la década de los años 90. Un cliché popular que el segundo disco para cualquier banda es uno de los más difíciles y para los Smashing Pumpkins lo fue en términos de tensión y dificultades en la grabación, pero resultó ser un éxito ante la crítica y el público en general.  El 2º material de estudio de la banda vino acompañado de cuatro sencillos: “Cherub Rock”, “Today”, “Disarm” y “Rocket”, el último quizá el menos popular de los cuatro, pero probablemente el de mejor video. Más allá de los sencillos este es un álbum que puede (o mejor dicho debería), disfrutarse de principio a fin para entender la obra completa, sus momentos agresivos, melancólicos, enojados y los pocos esperanzadores que vienen a lo largo de un material que en el cual fácilmente cualquier track podría ser un gran sencillo, incluso canciones como “Geek U.S.A” o “Mayanoise” se han vuelto canciones emblemáticas de la banda a pesar de que nunca figuraron como sencillos estrictamente.  Para este disco Billy Corgan tenía muy claro el sonido del álbum por lo que en diferentes tracks, grabó overdubs de instrumentos como bajo y guitarra. Se dice que algunos tracks como “Soma” incluyen más de 100 guitarras apiladas, también existen dos ingredientes claves para el sonido de este disco, ambos con nombre y apellido. El primero de ellos es el trabajo de mezcla, ingeniería y co-producción de Butch Vig y el segundo es Alan Moulder quien fue reclutado por Corgan gracias a su trabajo en “Loveless” de My Bloody Valentine. Tanto Corgan como Vig no participaron en la mezcla de “Siamese Dream” debido al exhausto emocional que la grabación les dejó. Alan Moulder tardó alrededor de 36 días en terminar la mezcla del disco, el cual se salió por mucho de presupuesto bajo los estándares de otros materiales populares de la época.  Quizá las nuevas generaciones no estén familiarizadas con este segundo disco de la banda pero muy probablemente han visto la icónica portada de dos niñas abrazadas y sonriendo tomada originalmente por Melodie McDaniel quien ya había trabajado con artistas como Suzanne Vega o Mazzy Star. Es difícil explicar por qué esta es una gran portada, pero se alinea completamente con el concepto del disco y con la dualidad que él mismo maneja. Más fotos de esta sesión se pueden ver en el interior del álbum así como en otras ediciones especiales y extendidas que han salido recientemente. Hay quienes aseguran, de una manera muy tajante y hasta cierto punto desproporcionada que es el último gran disco de Smashing Pumpkins, ya que “Mellon Collie & The Infinite Sadness” es un álbum concepto en el cual la banda tenía otro enfoque, otro objetivo y fue el material que los llevó a una popularidad global, dando a conocer por medio de un disco doble todas las posibilidades que en ese momento la banda podía lograr sónicamente. Demasiado esto, demasiado el otro para algunos fans que se enamoraron del sonido de los primeros dos discos: Gish siendo el más psicodélico de ellos.  Si tú estás familiarizado con este disco quizá es buen momento para volver a escucharlo completo, con más bagaje emocional, cultural, tratando de imaginar que es 1993 y Smashing Pumpkins aún era una banda joven y no tan diferente a lo que se presenta hoy en día. Si tú nunca has escuchado este disco o mejor aún a Smashing Pumpkins te vas a encontrar con una pieza increíble. 

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Bandas que nunca tocan en vivo (o dejaron de hacerlo)

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Quizá la primera pregunta que tendríamos que hacernos es: ¿por qué? ¿por qué una banda / o proyecto musical no tocaría en vivo? ¿por qué esas canciones / piezas que pasaron seguramente meses componiendo, grabando y perfeccionando no deberían ser presentadas frente a un público? Hay una gran cantidad de respuestas: las diferencias creativas entre miembros de las banda, la complejidad o imposibilidad de recrear ciertas piezas (parcial o totalmente), así como las complejidades técnicas y/o económicas que un show / gira representa para el artista, o simplemente que la música en cuestión nunca estuvo pensada para ejecutarse en directo. Cualquier de esos motivos, desde personales hasta artísticos son completamente válidos, aunque como consumidores generalmente queremos “vivir la experiencia” del show en vivo y tenemos una falsa expectativa de que todo (aunque no sea en nuestro país), debería presentarse en un escenario. Quizá uno de los casos más conocidos a los cuales nos podemos remontar es el de The Beatles en 1966 cuando simplemente dejaron de hacer presentaciones en vivo debido a cansancio tras exhaustivas giras, falta de buen sonido (con fans que gracias a sus entusiasmo opacaban los entonces precarios amplificadores), y también que los discos del ‘66 en adelante comenzaron a incluir más piezas creadas en y para el estudio. Temas como “Tomorrow Never Knows” (Revolver), o “Revolution 9” (White Album), son entendidos más como ejercicios experimentales / piezas conceptuales que como melodías para una presentación pública. Este no sólo es el caso de The Beatles, David Bowie también dejó las giras en 2006, cuando aún seguía lanzando discos de estudio. Caso similar con bandas como Queen, Nirvana y R.E.M. Hablando de proyectos más contemporáneas se encuentra Boards Of Canada quienes han tocado en vivo menos de 15 conciertos de 1996 a al año 2002, algunos de ellos apoyando a Seefel, Autechre y en festivales como All Tomorrow ‘s Parties (2001), pero siendo casos muy especiales. Otro caso es el de Low Flying Hawks, una gran banda de stoner / doom que cuenta con varios discos de larga duración sin embargo nunca han tocado en vivo, y si llegaran a hacerlo (dicho por ellos) tendría que ser en un show sumamente especial con todos los músicos disponibles y bajo las condiciones correctas. Y es aquí donde también podríamos comentar sobre la romantización de la falta de presentaciones en vivo, que inevitablemente da cierto “misticismo” a la banda y que verles sea algo sumamente único y privilegiado (lo cual personalmente creo que tratándose de música debería ser todo lo contrario). Hoy en día los avances tecnológicos y recursos en general hacen que casi cualquier artista pueda salir de gira o presentarse en vivo por más compleja que sea su música. Aquí podemos recordar la canción “The Perfect Drug” de Nine Inch Nails, track que durante mucho tiempo Trent Reznor de se rehúso a tocar por que siempre fue una pieza pensada para la película de David Lynch, “Lost Highway”, además de tener baterías y voces complejas; sin embargo, esto se volvió una realidad (con Ilan Rubin), en 2018 como parte de la gira norteamericana “Cold Black and Infinite”. Sólo les tomó 21 años encontrar la manera de cómo solucionarla en vivo. Una gran parte de todo lo que involucra la música tiene que ver con los actos en vivo, para muchos esto es la culminación de una obra, el intercambio que sucede en una escenario, chico o grande, frente a un público contemplativo o completamente desquiciado; sin embargo, habrá bandas / proyectos que tengan propósitos diferentes y por ello mismo nunca toquen en vivo o hayan dejado de hacerlo. Por otro lado, esto es prácticamente imposible para una banda independiente que gana dinero de la mercancía y de los shows en vivo en una época en la cual los discos se venden poco y las ganancias por stream (a menos de que sea artista de seis dígitos), son casi nulas. No tocar en vivo es un privilegio que pocos pueden darse o alcanzar. UPDATE. Algunas más que se añaden gracias a las respuesta de nuestros lectores en redes sociales: -Bigod20 -Haus arafna -Burzum -Suffocate for fuck sake -Darkthrone -Wumpscut

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