Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Los iconos del shoegaze, Ride, examinan el mundo cambiante en su nuevo álbum, This Is Not A Safe Place

Ride, la icónica banda shoegaze de los noventas junto a otros grandes como Slowdive, My Bloody Valentine y Cocteau Twins, lanzaron cuatro álbumes de rápida sucesión de 1990 a 1996, consolidando un buen lugar en los corazones de muchos durante esos años. Poco antes del lanzamiento de su álbum Tarantula en 1996, las relaciones de la banda comenzaron a fracturarse. Pasando el tiempo rápidamente, casi dos décadas después, en el 2014 la banda anunció un nuevo álbum, Weather Diaries que fue lanzado en el 2017, manteniendo esa emoción, Ride ha lanzando un nuevo álbum a través de Wichita Recordings llamado, This Is Not A Safe Place. Género: Shoegaze | Rock | Alternative | Label: Wichita Recordings ★★ La música posterior al reencuentro de Ride ha sido más introspectiva, dando tiempo a la banda para reflexionar sobre su música y su lugar en la sociedad. This Is Not A Safe Place juega con esos temas mientras la banda intenta entender en dónde se equivocaron y examinar cómo la sociedad ha cambiado drásticamente a su alrededor.  Desde la burla de quienes buscan la fama mediática y viral, hasta mirar en su pasado para tratar de entender en dónde tuvieron errores en el pasado, Ride muestra una evolución sonora destacable sin dejar sus raíces continuando con los amplificadores difusos y las guitarras distorsionadas cubiertas con voces nebulosas. Ride puede comportarse un poco melancólico en este regreso al mundo musical pero todavía se divierten en su trabajo. Sin embargo, el nuevo álbum de Ride puede a veces ser un poco monótono, demostrando que no siempre las largas ausencias pueden ser buenas para todos. Pero se siente en el una gran energía que sugiere que Ride podría llegar a la gloría sonora que tuvo algún día.   

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Saldrá película que habla de la inclusión de las mujeres en la música electrónica

Marc Collin, integrante de la influyente banda new wave Nouvelle Vague, rendirá homenaje a las pioneras de la música electrónica de los años 70 y 80 en su debut como director. La trama va de lo siguiente: París, 1978, en una industria musical predominantemente masculina, Ana usa nuevas máquinas electrónicas para hacerse oír, creando un nuevo sonido que marcará las décadas por venir: la música del futuro. Con una gran actuación principal de Alma Jodorowsky, la brillante película de Marc Collin trata sobre la música electrónica y el patriarcado cultural”.   “La película rinde homenaje a pioneras de la electrónica como Delia Derbyshire, Daphne Oram, Suzanne Ciani o Laurie Spiegel. La BSO incluye temas de Suicide, Throbbing Gristle, Cerrone y algunos de los trabajos de Marc Collin”. Se estranará el 13 de septiembre”. Mira el tráiler:

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El hito de Kind of Blue, la obra por excelencia de culto del jazz de Miles Davis

Kind of Blue de Miles Davis, es una de las obras improvisadas de jazz que se convirtieron en trascendentales e importantes con el paso del tiempo y en el disco más vendido en la historia de su género, donde participaron John Coltrane, Cannonball, Bill Evans y Jimmy Cobb, baterista que ha fallecido hoy 25 de mayo del 2020 a los 91 años de edad. Miles Davis durante su carrera también colaboró con artistas como John Coltrane, Cannonball Adderley o Wes Montgomery, es decir, el mundo de la improvisación y el jazz siempre fue su fuerte, pero su participación en Kind of Blue es sin duda por lo que más vamos a recordarlo. En este legendario disco se llevó a terrenos inimaginables el jazz y probablemente siga siendo inalcanzable en nuestros días. El álbum no sólo ha tenido una gran repercusión en el jazz si no que influenció muchas cosas de rock & roll de aquellas décadas posteriores, un disco máximo en su totalidad que quizá nunca más vuelva a repetirse en el globo terráqueo de sonoridades por conocer. Siempre es un gran día para revisitar esta obra de culto de la historia de la música. Lanzado el 17 de agosto de 1959, “el álbum estuvo basado en formas modales, que permitían amplias posibilidades de tránsito por escalas a partir de alguna nota predeterminada en lugar de la secuencia lineal de acordes que desarrollaba el jazz hasta entonces, contrastando con sus primeros materiales caracterizados por un estilo hard bop e improvisaciones. Se convirtió en un gran éxito comercial, convirtiéndose en el disco más vendido de la carrera de Davis y el más vendido de la historia del jazz. Está considerado como la obra maestra del género y por su gran influencia en diversos géneros como el rock y la música clásica.​ Es apreciada como una de las producciones más grandes de todos los tiempos”.

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Reseña de las oscilaciones ochenteras de Vince Clarke en Pasagüero

Foto por: Isabel Palacios Vince Clarke se presentó en Pasagüero con una amabilidad sutil y un lenguaje musical fluido para simpatizar con los asistentes. La presencia de el en el escenario explotó desde la primera canción, temas 80s llenos de colores muy conectados entre ellos mismos, guiados con un característico estilo de synth pop que evidentemente lo llevó a la fama con el primer disco de Depeche Mode.   Vince comanda la velada, lanza las pistas, sonríe y agradece con las manos y también se da tiempo para bailar en ocasiones muy disimuladamente. Quizás la gente esperaba temas más de la vieja escuela como centro de la noche, pero también se tomó la osadía de explorar temas más nuevos o icónicos como “Born Slippy” de Underworld, himno de la electrónica noventera y “Emerge” de Fischerspooner ya entrados en los 2000.   Y así, logrando esa conexión, consiguió arrancar los gritos de un público que se ha entregado a la música que escucha y siente, haciendo hincapié en que los más emocionantes y aplaudidos fueron para temas que el compuso en Yazoo, Erasure o Depeche.   El broche y atmósfera final de la velada es positiva con la mayoría de los fans. Vince parece disfrutar de esta faceta más de lo que uno podría imaginarse, y se esmera que no solo trata de abarcar las oscilaciones ochenteras que son muy representativas de aquella época sino que explora música más actual e importante, pero está claro que lo suyo es manejar máquinas en vivo, es su esencia, su fuerte, aunque fiestas y ejercicios musicales como este siempre se van a agradecer.

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La visión avant garde/noise de Yoko Ono con Kim y Thurston de Sonic Youth

En 2012 surgió el proyecto YokoKimThurston, una colaboración entre la artista Yoko Ono y Thurston y Kim de Sonic Youth.   Entre acordes distópicos. Ella, Ono, grita, experimenta y se centra como la figura de resonancias atonales que la describe perfectamente y en conjunto con los integrantes de la juventud sónica se crea un centro expansivo de improvisaciones juntos, y cada uno de ellos depende de viejos trucos, de la escuela avant-garde en sí misma.   Es un disco que en su momento pareció estar llegando a algún lado, que se centraba en una idea pero a la vez no. El álbum en su conjunto de maremotos circulares que van evolucionando hasta crear composiciones de 14 minutos, tienen un final grande y brutal, las guitarras minimalistas de un climax explosivo de colaboraciones que no deben olvidarse.    

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Escucha la colaboración entre SUMAC y Keiji Haino, un triunfo para el metal experimental

Haino aceptó la solicitud de Turner y el resultado es el nuevo álbum American Dollar Bill: Keep Facing Sideways, You Are Too Hideous To Look At Face On. Con los años, Haino ha demostrado un apetito voraz por la exploración, lo cual es evidente aquí. El japonés tiene una discografía que se acerca a los 200 títulos, incluidas colaboraciones con artistas como Boris, Merzbow, John Zorn, Jim O’Rourke, Stephen O’Malley y otros, dejando en claro que Haino está tratando de crear algo sin precedentes. Discos de culto y de escucha compleja. Keiji Haino apareció por primera vez en la escena musical experimental de Japón en 1970 como líder del grupo de improvisación audazmente de Noise Lost Aaraaff. Su voz chillona y su estilo de guitarra frágil lo establecieron rápidamente como una de las voces más intransigentes del género, y su sonido finalmente resultó demasiado indomable incluso para el marco supuestamente ilimitado del free jazz. Luego, en su debut en solitario de 1981, Watashi Dake, Haino aplicó su fraseo abrasivo al folk medieval y al blues de la era de los años 20, sesgando las estructuras tradicionales de ambas formas de la manera en que los pintores cubistas invertir relaciones espaciales. Incluso cuando se compara con la música cada vez más extrema que se ha seguido desde entonces, Watashi Dake se destaca como un trabajo audaz y desafiante, a la par con Trout Mask Replica, el trastorno igualmente impenetrable del Captain Beefheart a la psicodelia y el blues. Fue en gran parte por estas razones que Aaron Turner, guitarrista y vocalista del equipo de metal SUMAC, y miembro de Old Man Gloom e ISIS, antes de separarse, decidieron llamar en frío al gerente de Haino con la esperanza de que el artista aceptara una colaboración. “Una de las cosas que me atrajo a su música”, dice Turner, “que también es una de las fuerzas impulsoras detrás de nuestra música, es esta idea de que las cosas que pueden parecer duras o abrumadoras son igualmente capaces de transmitir pasión e incluso alegría. Aunque la música de Haino puede parecer siniestra o incluso sombría, también es increíblemente humana. Una de las cosas que es tan importante para nosotros en nuestra música es transmitir un sentido de nuestra propia humanidad”.

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i, i, de Bon Iver, su nuevo álbum nostálgico y ecléctico

Parece que Bon Iver compone solo discos clásicos, a lo largo de una década ha sido el centro de atención de los fanáticos del folk, ha sido un creador de música prolífico, un colaborador impecable y un intrépido explorador sonoro. Ha creado música bajo muchas formas, en varias configuraciones y con una gran variedad de personas. Su discografía es amplia y profunda, y en gran parte gratificante. Género: Folk | Indie | Rock | Label: Jagjaguwar ★★★ Hasta ahora, Justin Vernon ha creado tres álbumes como Bon Iver, cada uno brillante y especial a su manera.  Ahora, tres años después de su último disco, Bon Iver ha regresado con un su cuarto álbum, i, i. Tal vez sea coincidencia, pero el intermedio más corto entre los álbumes de Bon Iver ha producido el cambio menos radical de su historia musical. En lugar de reinventar su sonido, en este nuevo álbum, Vernon ha ido recogiendo fragmentos de todo su camino por la música, resultando un álbum que suena más familiar que nuevo.  En  i, i, Vernon y su elenco de colaboradores muestran el lenguaje musical que han desarrollado y han convertido en propio durante años. Como compositores, productores e interpretes, Bon Iver continua trabajando en un alto nivel musical, en todos los ámbitos, por lo que su música nunca se siente estancada, incluso cuando hacen eco en su pasado. Sus canciones, creadas a partir de los ingredientes más convencionales pueden ser cautivadoras cuando nacen de la inspiración y se elaboran con cuidado. Incluso cuando se respiran con el dolor celestial de For Emma, las canciones de Bon Iver desarrollan un esplendor terrenal que enriquecen los nootrópicos radioactivos de 20, A Million.  Muchos de los amigos de Vernon se reunieron con él para crear i, i. James Blake, Jenn Wasner, Moses Sumney, Marta Salogni, etc. Todos ellos dejaron su propia marca dentro del universo sonoro de i, i establecido por Vernon. Si For Emma, Forever Ago sonaba a un disco solitario, i, i, parece más una vasta congregación de músicos futuristas de gospel secular en el que queda claro que Bon Iver es una banda con una visión musical inconfundible que ha llegado a un punto de su carrera en el que ha forjado una identidad única. Con i, i, es evidente saber que Bon Iver se ha mantenido tan inspirado y atractivo sin mucha agitación, sin embargo, si i, i es calificado usando otras obras maestras de la banda, probablemente este nuevo álbum no deje sin aliento. Después de pasar unas horas escuchando i, i, se puede solamente decir algo: gusta, pero no es nada nuevo. 

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Reseña del libro “Vives en las cintas que me grabaste”, de editorial Blackie Books

Las historias de amor son como la vida misma: con altas y bajas, con victorias y derrotas. La de Rob Sheffield es una pérdida tan profunda que lo llevó a escribir parte de sus memorias sobre René, su ex novia fallecida. Editorial Blackie Books Lanzamiento: Mayo 2018 ★★★★★ Vives en las Cintas que me grabaste, es un libro profundamente personal y con un historia conmovedora. Cada capítulo de este libro cuenta con un mixtape, una serie de soundtracks que ayudan a sentirlo más cercano y a interpretarlo de mejor manera. Porque también en los amores sucede así, se viven momentos que cuentan con canciones de fondo. En total son 23 capítulos y 23 mixtapes.  Una de las primeras frases del libro es: “me sirvo otro café y dejo que la música haga conmigo lo que se le antoje. Es una cita. Estamos solos, René, las canciones que ella eligió y yo”. Ambos personajes se conocieron cuando tenían 23 años, brindaron con bourbon y con música de fondo. Desde la noche en que se conocieron comenzaron a grabarse cintas el uno al otro. Un año después se casaron rodeados de canciones y crónicas personales. Renée falleció el 11 de mayo de 1997, 9 años después de que se conocieron. Su historia le dejó a Rob demasiados recuerdos y una caja llena de las cintas. Escucharlas y escribir éste libro es una forma de recordarse juntos. Pero en éste libro, su autor también nos traslada al inicio de su vida, a su niñez y pubertad: “lo único que sabía era que la música haría que las chicas se enamoraran de él”, aseguraba siendo jóven. Se rodeo de la música de The Beatles, y tuvo varios héroes, entre ellos Lou Reed, Bob Dyla y David Bowie. Al ir creciendo su gusto se fue sesgando más hacia Sonic Youth, Pavement, Sugar, REM, Simply Red, Janet Jackson, Blondie, The Cars, Motley Crüe. Como ahora sucede con las playlist, el autor nos dice cómo hay cintas para todo: para ir al trabajo, para la fiesta, para el baño. Hay millones de canciones y millones de formas de conectarlas a través de una mezcla.   “Cada cinta de mezcla cuenta una historia. Ponlas todas juntas y tendrás una historia de vida”. A su ex René le gustaba coser, además de la música. Les tocó beber alcohol desagradable y barato y vivir en pareja la muerte de Kurt Cobain, quien para ellos representaba parte de lo que estaban viviendo sobre “amores maduros”, esa vida en pareja que si no saber sobrellevar te puede aprisionar.  Ellos se conocieron como la vorágine y la fuerza de juventud. Viajar, vivir, carreteras, caminos, creando historias,romper todo y volver a pegarlo. Poco más tarde habla de su boda. Vale la pena mencionar a manera de spam que René falleció de manera súbita e inesperada mientras estaban juntos en casa, de una embolia pulmonar a los 31 años.  Tras su fallecimiento Rob nos transmite sus recuerdos, su soledad, su pesadez por la vida. Al tratarse de la vida real la historia se permea de mayor sentimiento. Rob Shieffield (1966)  es un columnista que desde 1997 ha ejercido como columnista de la revista Rolling Stones. Y como él mismo lo señala: ha construido toda su vida alrededor de su amor por la música.  El libro se encuentra actualmente en venta en librerías, o en este enlace lo puede comprar en línea.    Algunas citas interesantes del libro: El amor me obliga a hacer tonterías. Tuve suerte de aprenderlo tan pronto.   La vida real era una canción country mala. Vivíamos una edad dorada y tirados en la nada. A veces sentía que los glaciares se desplazaban por mi interior. Lo que no te mata te deja mutilado, lisiado y más débil. Hay canciones que aparecen en un mal momento, y cuando ese momento pasa, no todas las canciones logran seguir adelante contigo. La respuesta es muy sencilla: el amor es una cinta recopilatoria.

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