Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

1999, año de películas distópicas: The Matrix, Fight Club, American Beauty, Office Space y Being John Malkovich, comparten algo en común

¿Qué hicieron los años 90?  Las computadoras se estaban volviendo rápidas, fáciles y baratas, y con ellas llegó un sentido de igualdad para todos.  A diferencia de “las películas de monstruos que muestran ansiedades de la Guerra Fría y las películas de terror que transmiten temores,” las películas de 1999 “no trataban de sobrevivir al presente, porque el presente iba bien. Se trataba de estar cansados ​​de ese estable presente y buscar un futuro radicalmente diferente. Esas palabras provienen de “por qué todas las películas de 1999 son iguales”, el ensayo en video de la parte de abajo de la nota. The Matrix, Office Space, Fight Club, American Beauty, Being John Malkovich, y todos los otros principales lanzamientos de Hollywood que presentan “un personaje principal cansado de la estabilidad, la monotonía y el desenvolvimiento de su vida”, “casi siempre involucra un trabajo corporativo constante y aburrido. Esa época fue también cuando el cómico Dilbert de Scott Adams llegó a la cima del espíritu de la época satirizando los elementos de la existencia de oficina: jefes incompetentes, compañeros de trabajo holgados y cubículos. Llamando a 1999 “el año de la película del cubículo”, este ensayo en video describe su representación cinematográfica de las frustraciones de los trabajadores de oficina como “un espejo perfecto de finales de los 90”. No es que esas representaciones fueran literalmente “lo mismo”: los hombres aburridos de Fight Club “hacen todo lo posible para crear conflictos y caos”; Office Space hace comedia y atascos; siendo que John Malkovich “exagera las imágenes corporativas opresivas en películas como Office Space al crear una oficina absurda con techos bajos” que “literalmente afecta a sus empleados”; American Beauty “critica la estabilidad percibida de la era, sugiriendo que es simplemente una máscara que oculta el verdadero yo”. Y en The Matrix esa apariencia de estabilidad y prosperidad existe solo para ocultar la esclavitud total de la humanidad. Es posible que la humanidad moderna nunca deseche sus distopías, pero es justo decir que las visiones distópicas que mantenemos hoy en día son bastante diferentes a las que se recibieron hace 20 años, y también es justo decir que muchos de nosotros los entretenemos mientras soñamos con seguridad relativa, estabilidad y prosperidad, real o imaginaria, que algunos disfrutaron en aquel entonces. Pero como nos recuerdan las películas de 1999, esas mismas cualidades también podrían llevarnos a una especie de locura. Coupland puede llamar acertadamente a los 90 “la buena década”, pero incluso si pudiéramos volver a esa época podría haber buenas razones para no querer. Checa este video:

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Rachel Goswell de Slowdive y su esposo tienen un proyecto musical nuevo: The Soft Cavalry

Si bien Rachel Goswell ha servido como parte fundamental de Slowdive durante décadas, la ícono del shoegaze ha lanzado junto con su esposo, Steve Clarke, un nuevo álbum como The Soft Cavalry, música con un toque particularmente británico con un intenso drama cinematográfico. Género: Pop-rock | Indie | Alternative | Label: Bella Union ★★★ El álbum homónimo se lanzó el 5 de julio a través de Bella Union. Goswell conoció a Clarke durante una gira de Slowdive en el 2014 y la pareja se casó cuatro años después.  Además de trabajar con Slowdive, Goswell ha sido miembro central de Mojave 3, Minor Victories y lanzó un álbum en solitario en el 20014 llamado Waves Are Universal. Recientemente también ha trabajado como vocalista invitada en varios proyectos incluidas las contribuciones de álbumes a grupos como American Football, Mercury Rev y Beach Fossils.  La música de The Soft Cavalry tiene un toque particularmente británico de intenso drama cinematográfico. Melódico y atemporal, el álbum aterriza en las dimensiones atmosféricas entre los propios Slowdive, Talk Talk y R.E.M. Música que irradia la crisis de la mediana edad pero igualmente una gran euforia ansiando su resolución. El álbum refleja la historia de dos enamorados, la crisis de fe, el trabajo de amar. Una sesión de terapia individual y de pareja de 56 minutos. 

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KAZU, vocalista de Blonde Readhead debuta como solista

Durante 26 años la vocalista de origen japonés, Kazu Makino ha dirigido al gran trío de Nueva York, Blonde Redhead, quienes han pasado por una nueva evolución sonora y siempre han caminado sobre la delgada línea entre lo glamoroso y lo vanguardista. Barragán, el último álbum de Blonde Redhead cumple casi seis años y ahora, Makino ha anunciado su primer álbum en solitario, Adult Baby que llegará próximamente este año. Aún no se saben los detalles del álbum pero Makino ha compartido el video del primer sencillo Salty y hace unas pocas semanas publicó Meo, el segundo tema de esta nueva etapa de la vocalista japonesa.  Adult Baby cuenta con un equipo estelar de colaboradores: el dios japonés de la nueva era musical, Ryuichi Sakamoto, el percusionista de Atoms For Peace, Mauro Refosco, el baterista de Son Lux, Ian Chang, Greg Saunier de Deerhoof, Sam Griffin Owens y Amadeo Pace de los mismos Blonde Redhead.  No hay sonidos de guitarras en los dos temas lanzados por KAZU, solo sonidos de sintetizadores relativamente simples, con baterías y las voces magníficamente oblicuas de Makino que navegan por encima de la música. Salty y Meo evocan la propia atmósfera de Blonde Redhead y hacen sentir como si estuvieras flotando en algún lugar completamente diferente.  Además de la versión puramente sonora de Adult Baby, el proyecto también llegará con una versión visual completa encabezada por la cineasta Eva Michon.  Meo y Salty son parte de las pistas mas significativas de Adult Baby, no es casualidad que hayan sido elegidas como la banda sonora del extraordinario y emocionante trailer de la próxima película narrativa que acompaña a Adult Baby, un álbum visual genuino e inspirado en las pistas del álbum. Adult Baby 1. Salty 2. Come Behind Me, So Good! 3. Meo 4. Adult Baby 5. Place Of Birth 6. Name And Age 7. Unsure In Waves 8. Undo 9. Coyote

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Lanza Raster Media Söder Mälarstrand de Lena Andersson, un álbum complejo, divertido y metódico

Siempre es emocionante ver un nuevo lanzamiento de Raster Media (antes Raster Noton), y las líneas amplias y limpias que aparecen en la portada de algún nuevo disco pueden identificarse rápidamente al abrir la página del sello, lo que indica inmediatamente que ha sido lanzado un nuevo álbum. Género: Experimental | Techno | Ambient | IDM | Minimal Label: Raster Media ★★★★★ El nuevo disco publicado en Raster Media está impulsado por el dúo llamado Lena Andersson, compuesto por la artista japonesa Kyoka y el productor irlandés Eomac. En un principio el nuevo álbum publicado en Raster Media puede sonar como un motor que intenta encenderse sin éxito, pero con el tiempo se diseña a sí mismo como una estructura rítmica que se desliza entre el techno minimalista y una especie de post-IDM con fragmentos vocales.   Söder Mälarstrand es un lugar hacia el sur de Suecia, cerca de Estocolmo, pero también es el personaje ficticio creado por el dúo integrado por Kyoka y Eomac. El álbum tiene el sonido clásico de Raster Media. Es audaz en cada latido pero tiene mucho espacio para maniobrar con sonidos suaves y densos una y otra vez. El estado de ánimo del disco es brillante con un enfoque experimental, contrarrestado por los exquisitos sintetizadores y efectos vocales que son más audaces que sutiles.  Las tendencias agresivas de Söder Mälarstrand se remontan a mediados de los años ochenta con Cabaret Voltaire. Hay doce pistas que podrían haberse construido en tres o cuatro cuadrantes: pasajes densos y oscuros, pasajes serpenteantes y fríos, microtechno mezclado con industrialismo tímido y atmósferas ambientales flotantes con estática adicional interrumpidas por ritmos tribales aireados. Un álbum complejo, divertido y metódico. 

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La artista y poeta francesa Felicia Atkinson lanza su nuevo disco The Flower And The Vessel

La plataforma multidisciplinaria Shelter Press ha lanzado un nuevo álbum de la compositora y poeta experimental de origen francés Félicia Atkinson llamado The Flower And The Vessel, música sutil que va de menos a más. Género: Experimental | Avant-Garde | Ambient | Label: Shelter Press ★★★★ Al empezar como lo hace, con apenas un susurro, The Flower and the Vessel de Félicia Atkinson, es un claro ejemplo de la música que va de menos a mas. Es quizá parecido al New Age de mediados de los ochentas que inundó a la música ambient durante una generación. Pero realmente es un error ver el trabajo de Atkinson desde esta perspectiva. La poeta y compositora de Rennes, Francia, aborda su obra formalmente y con gran seriedad. Obtuvo una maestría en Bellas Artes con honores en Les Beaux Arts de París y actualmente es candidata a un doctorado en musicología en la universidad de Rennes.  De acuerdo a su biografía, su trabajo se centra en la improvisación, el silencio y ruido, las pausas, la música concreta, los espacios poéticos, desiertos, bosques, animismo, abstracción, ambición y lenguaje.  Las once piezas presentadas en The Flower and the Vessel son sorprendentemente complejas dado el enfoque delicado que Atkinson da a su música. Una poderosa combinación en donde ella es capaz de presentar trabajos que a veces son realmente difíciles de hacer pero como los realiza con tanta sutileza no se puede encontrar un solo defecto en los setenta minutos del álbum. La instrumentación del álbum contribuye a esta perfección. Sus líneas de piano son tan prominentes como su voz. Destacan los efectos del delay y otros afectos digitales obtenidos de un iPad, el gong, el vibráfono, la marimba y las grabaciones de campo en Tasmania y el desierto de Mojave.  Mientras Atkinson habla en inglés, el disco está arraigado en la historia de la música francesa. Un disco bien formado en donde Atkinson propone que el minimalismo no debe perderse, como tampoco debe perderse la oportunidad de escucharlo.

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Deadbeat y Robag Wruhme, dos incansables músicos vuelven a lanzar álbum y los dos son increíbles

Deadbeat y Robag Wruhme no se cansan de producir música y publicar discos, lanzan cada quien álbum nuevo y los dos son como siempre, increíbles. Deadbeat – Trinity Thirty Género: Experimental | Electronic | Dubstep | Ambient Label: Constellation ★★★★ Por un lado el músico de origen canadiense, diseñador de sonido y profesor de tecnología musical Deadbeat, lanza junto con Camara, una versión sutil del segundo álbum de The Cowboy Junkies, The Trinity Session, álbum famoso como un clásico silencioso que se grabó alrededor de un solo micrófono en la iglesia de la Santísima Trinidad de Toronto. Sin ninguna otra razón más que conmemorar el trigésimo aniversario del álbum, Deadbeat y Fatima Camara han asumido la responsabilidad de suprema de elogiar The Trinity Session de la mejor forma posible (y con el respaldo de Cowboy Junkies). Un lanzamieno que reinterpreta de forma increíble el clásico álbum con escasos arreglos, capas de sonido mínimas y voces emotivas. Un álbum que se cuida y celebra por sí solo. Tan original como el original.  Robag Wruhme – Venq Tolep Género: Downtempo | Ambient | Deep House Label: Pampa Records ★★★★ Por otro lado Robag Wruhme continúa el camino que comenzó hace ocho años con Thora Vukk, ahora con Venq Tolep, un álbum con una peculiar combinación de ambient y house, de un inicio cálido y envolvente que se pierde entre el ruido ambiental y los beats profundos de Robag. Venq Tolep se trata de un hermoso y cálido disco cubierto por las hermosas atmósferas ambient que afirman que se trata de Robag Wruhme haciendo esos sonidos casi calculados hasta evolucionar a la mitad del álbum en donde delinea los contornos de piezas más fuertes que nos recuerdan que Thora Vukk fue un gran álbum y que las pistas de Robag Wruhme son muy temáticas. Aunque Venq Tolep es un álbum consistente, no deja una impresión duradera, quizá, algo en un futuro cercano tiene preparado Wruhme, como el acostumbra. Ya sea Trinity Thirty o Venq Tolep, ambos son dos ejemplos hermosos de que aun existen productores de música electrónica capaces de innovar y lanzar un álbum fascinante en cada momento, reflejo de su talento incansable.

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La psicosis cósmica de Nurse With Wound con Stereolab

Nurse With Wound y Stereolab sacaron el Simple Headphone Mind en 1997, una obra esencialmente psicodélica y paranoica de vibraciones espectaculares.   El Ep. encapsula a la perfección el propio resumen de un ambiente líquido en abundancia fundido en un choque universal étereo que poco a poco se adentra en una ola de sonidos de guitarra por el tercer cosmos y bajo acompañados de sintetizadores mágicos, la colaboración raya en la inteligencia empática y deja registros que son una maravilla del mundo del rock retro-futurista enbelezando los sonidos maliciosos de sus guitarras que a su vez hace se torna en momentos soñadores, distraídos y ligeramente paranoicos. https://www.youtube.com/watch?v=Avxkc7srEuA

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Holly Herndon lanza PROTO, un desarrollo cultural, de lenguaje e intelectual entre el humano y la maquina

El lenguaje es una voz, es eso cultural que aprendemos imitándonos unos a otros. Ese es el proceso que ha llevado a cabo con PROTO. Un proceso de mimesis donde Holly Herndon y Spawn se imitan, siguen sus discursos y le dan sentido a lo que cada quien está haciendo. Un desarrollo cultural, de lenguaje e intelectual entre el humano y la maquina. Género: Experimental | Electronic | IDM | Pop Label: 4AD ★★★ La inteligencia artificial es una rama fascinante de la robótica y la informática, que aunque en dispositivos de última generación,  videojuegos, programas de negocios y en cualquier aplicación está claro que la inteligencia artificial, todavía tiene un largo camino por recorrer. Los algoritmos para jugar ajedrez por ejemplo, son un recordatorio de esto, al tener la capacidad de calcular entre 70 y 80 millones de movimientos posibles por segundo, aún pierden partidas contra el actual campeón mundial de ajedrez, Magnus Carlsen.  Eso parece imposible, sin embargo, las maquinas aun carecen de la naturaleza intuitiva y abstracta del cerebro humano. Todavía no existe alguna inteligencia artificial con la capacidad de autoconciencia o teórica de la mente. Sin embargo, su presencia cada vez es mayor en la vida normal y la confianza en ella es cada vez innegable, con el lanzamiento de PROTO, Holly Herndon encuentra nuevas formas creativas para desafiar las capacidades de la inteligencia artificial.  Lo que hace que PROTO sea tan interesante, es que Herndon y su colega Mat Dryhurst, crearon una especie de inteligencia artificial llamada Spawn que funciona de manera similar aun motor de ajedrez que se alimenta de varios programas desde una gran base de datos y mejora su desempeño con cada movimiento anterior. Esto lo convierte en una completa red de algoritmos que cuando son aplicados a la música resulta interesante. Spawn es la fuerza impulsora detrás de este álbum, tomando fragmentos de grabaciones corales y sonidos ambientales adaptados a una estética pop.  En cierto modo escuchar PROTO es como escuchar el álbum homónimo de James Blake por primera vez. A pesar de que PROTO es mucho más abstracto, ambos ilustran cómo se pueden utilizar las maquinas para producir algo que suene íntimamente humano, a pesar de las contracciones. La presencia de Spawn se siente a lo largo del álbum en donde puede generar voces corales sin cuerpo Y efectos de sonido oscuros aparentemente incoherentes pero estructurados. En realidad no se puede saber con certeza qué parte de la creatividad del álbum se debe a Spawn, pero esa ambigüedad es parte de su encanto.  En PROTO Herndon no está tratando de salirse del proceso creativo, sino que tiene una relación simbiótica con Spawn. Al permitir que Spawn aportara tantas ideas, Herdon tuvo la libertad de trabajar en algunos de los arreglos corales más hermosos de los álbumes de música electrónica recients. Y no solo le permitió eso, sino que también le permitió añadir tantas capas de voces humanas e inhumanas, grabaciones de campo y otros sonidos similares, que hacen que escuchar PROTO pueda ser una experiencia embriagadora.  Un álbum que parece tener la idea que los humanos y las maquinas pueden colaborar juntos para producir algo mejor en ambos mundos, algo que resulta interesante aplicar a la vida cotidiana ya que la tecnología continua avanzando hacia nosotros. 

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