Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Artistas imperdibles de la Edición 16 de Mutek

Mutek es un festival de creatividad digital y música electrónica activo en Montreal desde el año 2000 con ediciones satélites en San Francisco, Buenos Aires, Dubai, Barcelona, Tokio y Ciudad de México. Altamente reconocido por la calidad de sus artistas, las producciones de Mutek son conocidas también, tanto por su perfección como por su estilo escenográfico. Se acerca la Edición 16 para la Ciudad de México y como cada año, se presenta un cartel nutrido de artistas que reflejan la dedicación y la organización de Mutek, cambiando talento local con nombres internaciones.  Mutek ha anunciado la primera ola de artistas confirmados, todos sumamente interesantes, pero dentro de este primer anuncio destacan algunos que por su trayectoria y legado en la música electrónica, simplemente son artistas que no se pueden perder.   Tim Hecker & The Konoyo Ensemble  Compositor y artista sonoro canadiense que se especializó en transmutar el audio digital en gruesas miasmas de sonido que combinan la riqueza orquestal con el ataque sensorial de la música producida electrónicamente. Después de alcanzar una apoteosis con su álbum Revedeath, 1972, contrario a lo que hacen muchos artistas, Tim Hecker decidió la moderación. Su álbum Konoyo, es posiblemente el más discreto que ha producido hasta la fecha y ciertamente es de lo más inesperado. Konoyo se basa en grabaciones que hizo en Tokio trabajando con un pequeño grupo de músicos especializados en gagaku, la antigua música del norte de Japón. Fennesz  Artista y compositor de origen austriaco que utiliza una guitarra y una computadora para crear música brillante, ambiciosa y compleja. Fennesz logró quitarle a la guitarra el cliché de ser instrumento con poco alcance y limitaciones físicas, formando un nuevo y audaz lenguaje musical.  Fennesz es reconocido dentro su mundo musical particular por su impecable trabajo en la creación de hermosas composiciones de guitarra que están en algún lugar entre la música experimental, el ambient y los sonidos clásicos, en donde Fennesz extiende sus recursos sonoros y efectos de sonido para crear melodías y atmósferas que fusionan conceptos clásicos y orquestales, con experimentación, investigación musical conceptual y estructuras digitales complejas. Las presentaciones en vivo de Fennesz, con su guitarra y computadora portátil demuestran que él sigue siendo uno de los músicos más atractivos de la música electrónica actual.   Murcof & Jimmy Lakatos  Fernando Corona (Murcof) es un artista mexicano especialista en hacer música electrónica minimalista que se basa en percusiones electrónicas abstractas que a veces llegan a ser complejas. Las influencias armónicas y melódicas de Murcof provienen de la música clásica, del ambient, de la música étnica y de la improvisación. Toda esta mezcla de ritmos e influencias derivan en un ambient perfecto que frecuentemente se acompaña de minimal techno.   Jimmy Lakatos es un artista visual que inició su carrera trabajando para empresas de publicidad y fue introduciéndose rápidamente en la experimentación visual. Miembro de Artificiel, Jimmy Lakatos combina elegantes y reflexivas imágenes análogas y digitales que se conjugan con la música de Murcof para crear un binomio escultural óptico-acústico.  King Midas Sound Kevin Martin es la mente creativa detrás de King Midas Sound, artista que ha renovado y evolucionado perfectamente el soul, el ambient, el dub y el trip hop a través de un dubstep apocalíptico. Con su música, King Midas Sound retrata un apocalipsis urbano dibujado entre atmósferas sonoras densas y asfixiantes, alimentadas por voces profundas y ritmos electrónicos espectrales. Amor y dolor tratados con una sensualidad extrema para entregarnos en directo a una catarsis sonoro inigualable.  Ryoichi Kurokawa  Originario de Osaka pero residente en Berlín, Kurokawa describe sus obras como esculturas basadas en el tiempo, un tipo de arte basado en el flujo temporal, donde el sonido y la imagen se unen de manera indivisible. Su lenguaje audiovisual alterna complejidad y simplicidad, combinándolos en una síntesis fascinante. Sinfonías de sonidos que, en combinación con paisajes digitales generados por computadora, cambian la forma en la que el espectador percibe lo real. 

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Entre la new wave y el post punk de In The Spirit World Now, nuevo disco de Ceremony

Los californianos están de regreso con un disco vertiginoso que nos interna en un sonido ochentero, post-punk con pinceladas de new wave y carisma de un grupo que ha sabido reinventarse con cada placa. Si estás dispuesto a ir más allá del power-violence y explorar nuevos/viejos territorios sonoros podrían llevarse una sorpresa. Ceremony es una de las bandas insignia del punk californiano, sin embargo, su sonido siempre ha estado lejos de ser complaciente y han ido a contracorriente para marcar su propia tendencia. Han labrado su propio camino y han cimentado una carrera con base en la necesidad de no complacer a nadie más que a sí mismos. Si bien nos habían maravillado a todos con su Violence Violence en 2006 pero durante 9 años y 4 discos más su sonido fue mutando hasta llegar a lo que en 2015 fue The L-Shaped Man, disco completamente aterrizado en una línea post punk, que, si bien en un inicio no fue recibido de la mejor manera por los fans y la crítica, al paso de los años se ha convertido en un disco referente de la carrera del grupo. Ahora en 2019 nos presentan In The Spirit World Now, un disco nuevamente en la línea de su tradicional sonido, pero con pinceladas de new wave que adhieren sintetizadores, lo cual revitaliza las canciones. Debo confesar que, en un inicio, el primer sencillo, no fue nada sorprendente, pero al momento del lanzamiento de toda la placa entera, entendí lo que realmente estaba sucediendo; al grado que se ha convertido en uno de mis discos favoritos de este 2019. Si en The L-Shaped Man la banda nos presentó un sonido muy Joy Division, en In The Spirit World Now se acercan a New Order; tanto así que en la canción “Further I Was” el intro de la batería es un tributo meramente a “Blue Monday”. Otro punto muy acertado, son los interludios de pequeños poemas recitados por Ross y que logran aterrizar el disco aún más en este contexto artsy ochentero. In The Spirit World Now es uno de esos discos que se van rápido y nos dejan con ganas de seguir escuchando. A pesar de todo, no es para nada un disco pretencioso, simplemente es el material de una banda que sigue oscilando sobre sus influencias y busca refrescar y dar otra perspectiva al sonido de un género que se encuentra en constante construcción y deconstrucción. Esperemos que  algún promotor o promotora se anime a traerlos a CDMX en lo que reta del año o todo lo que nos espera para el 2020.

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Alessandro Cortini, exmiembro de Nine Inch Nails, lanza nuevo sencillo con el cual debuta en legendario sello Mute

El lanzamiento completo del disco llamado VOLUME MASSIMO será el 27 de septiembre en todos los formatos. Cortini también  ha anunciado un tour por Estados Unidos y lamentablemente no pretende llegar a México. Alessandro Cortini no solo es conocido por su trabajo en solitario, sino también como miembro de Nine Inch Nails. Su nuevo álbum, VOLUME MASSIMO combina su afición por los ritmos rigurozos con la práctica sonora experimental que lo caracteriza, logrando un equilibrio perfecto entre la composición analógica y la disonancia catártica, creando música trascendental en la difícil escena electrónica experimental a la que pertenece y es famoso.  Aquí un adelanto de VOLUME MASSIMO.  

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Como parte de la gira Extinction Tour, Hocico presentó su último material “Artificial Extinction” en CDMX

Desde las afueras del lugar se podía observar a unos cuantos hombres ataviados de negro mientras algunas mujeres lucían peinados con extensiones fluorescentes, medias de red y corsés, todo apuntaba a que sería una noche particularmente catártica. La cita fue a las 7:00 pm en El Plaza Condesa el pasado 31 de agosto, desde las afueras del lugar se podía observar a unos cuantos hombres ataviados de negro mientras algunas mujeres lucían peinados con extensiones fluorescentes, medias de red y corsés ajustados en relación a la estética del cybergoth, lo cual apuntaba a que sería una noche oscura y particularmente catártica. El evento fue abierto por Resistor, una propuesta colombiana de EBM que mantiene paralelismos sonoros con Front 242 y Orange Sector, la cual hizo vibrar a los pocos asistentes que había en el venue. Más adelante comenzó la ejecución de Dimitri Berzerk, DJ mexicano con una orientación hacia el Synth Pop y New Wave; dentro de su set se pudieron escuchar algunos tracks con un feeling más relajado que convergían con luminosos visuales. Después escuchamos al proyecto KREIGN, en donde el vocalista cantaba en un tono siniestro y el baterista -en una posición físicamente recta- solo movía las baquetas al ritmo del industrial más denso mientras cubrían su rostro con una especie de velo islámico y una corona negra.       Con un público más espeso, finalmente Hocico tomó el escenario. Durante el espectáculo se pudieron escuchar tracks que definieron toda su evolución sonora, de los que destacaron Sexo Bajo Testosterona y Dark Sunday. Durante el espectáculo se notó a Erik García agradecido de pisar suelo mexicano, incluso bajó del escenario, saludó e intentó abrazar al público cercano a las vallas. Fue un concierto lleno de adrenalina, sudor y energía, que prueba una vez más, que Hocico es una de las bandas de aggrotech más icónicas y subversivas de nuestro país.   Les compartimos el Setlist de esa noche:   Blackout Dark Sunday Sex Sick In the Name of Violence No One Gets Out Alive Bite Me! I Abomination Psychonaut Poltergeist Dead Trust Palabras de sangre A Fatal Desire Tiempos de furia Encore: Bienvenido a la maldad Ecos Encore 2: Odio bajo el alma Sexo bajo testosterona  

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Lindstrøm anuncia nuevo álbum y comparte el sencillo principal, Really Deep Snow

Lindstrøm ha anunciado un nuevo álbum llamado On a Clear Day I Can See You Forever que será publicado el próximo 11 de octubre a través de Smalltown Supersound, para este nuevo álbum Lindstrøm nos anticipa el sencillo principal, Really Deep Snow. Con un titulo inspirado en el musical de 1970 de Barbara Streinsand, On a Clear Day I Can See You Forever, será el sexto álbum en solitario de Lindstrøm basado en presentaciones que tuvo en el centro de arte noruego, Heine Onstad Kunstsenter el otoño pasado.  Por primera vez, Lindstrøm también eligió usar instrumentos reales en lugar de software de computadoras. Empleó una gran gama de equipos similares a los que usó en las presentaciones en el Heine Onstad Kunstsenter entre los que se encontraban más de treinta sintetizadores y secuenciadores, haciendo que la grabación de On a Clear Day I Can See You Forever fuera una verdadera fiesta después de haber trabajado durante quince años únicamente con software.  Mira la portada del álbum, el tracklist aquí y escucha Really Deep Snow aquí :  01. On a Clear Day I Can See You Forever 02. Really Deep Snow 03. Swing Low Sweet LFO 04. As If No One Is Here

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Los iconos del shoegaze, Ride, examinan el mundo cambiante en su nuevo álbum, This Is Not A Safe Place

Ride, la icónica banda shoegaze de los noventas junto a otros grandes como Slowdive, My Bloody Valentine y Cocteau Twins, lanzaron cuatro álbumes de rápida sucesión de 1990 a 1996, consolidando un buen lugar en los corazones de muchos durante esos años. Poco antes del lanzamiento de su álbum Tarantula en 1996, las relaciones de la banda comenzaron a fracturarse. Pasando el tiempo rápidamente, casi dos décadas después, en el 2014 la banda anunció un nuevo álbum, Weather Diaries que fue lanzado en el 2017, manteniendo esa emoción, Ride ha lanzando un nuevo álbum a través de Wichita Recordings llamado, This Is Not A Safe Place. Género: Shoegaze | Rock | Alternative | Label: Wichita Recordings ★★ La música posterior al reencuentro de Ride ha sido más introspectiva, dando tiempo a la banda para reflexionar sobre su música y su lugar en la sociedad. This Is Not A Safe Place juega con esos temas mientras la banda intenta entender en dónde se equivocaron y examinar cómo la sociedad ha cambiado drásticamente a su alrededor.  Desde la burla de quienes buscan la fama mediática y viral, hasta mirar en su pasado para tratar de entender en dónde tuvieron errores en el pasado, Ride muestra una evolución sonora destacable sin dejar sus raíces continuando con los amplificadores difusos y las guitarras distorsionadas cubiertas con voces nebulosas. Ride puede comportarse un poco melancólico en este regreso al mundo musical pero todavía se divierten en su trabajo. Sin embargo, el nuevo álbum de Ride puede a veces ser un poco monótono, demostrando que no siempre las largas ausencias pueden ser buenas para todos. Pero se siente en el una gran energía que sugiere que Ride podría llegar a la gloría sonora que tuvo algún día.   

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Saldrá película que habla de la inclusión de las mujeres en la música electrónica

Marc Collin, integrante de la influyente banda new wave Nouvelle Vague, rendirá homenaje a las pioneras de la música electrónica de los años 70 y 80 en su debut como director. La trama va de lo siguiente: París, 1978, en una industria musical predominantemente masculina, Ana usa nuevas máquinas electrónicas para hacerse oír, creando un nuevo sonido que marcará las décadas por venir: la música del futuro. Con una gran actuación principal de Alma Jodorowsky, la brillante película de Marc Collin trata sobre la música electrónica y el patriarcado cultural”.   “La película rinde homenaje a pioneras de la electrónica como Delia Derbyshire, Daphne Oram, Suzanne Ciani o Laurie Spiegel. La BSO incluye temas de Suicide, Throbbing Gristle, Cerrone y algunos de los trabajos de Marc Collin”. Se estranará el 13 de septiembre”. Mira el tráiler:

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El hito de Kind of Blue, la obra por excelencia de culto del jazz de Miles Davis

Kind of Blue de Miles Davis, es una de las obras improvisadas de jazz que se convirtieron en trascendentales e importantes con el paso del tiempo y en el disco más vendido en la historia de su género, donde participaron John Coltrane, Cannonball, Bill Evans y Jimmy Cobb, baterista que ha fallecido hoy 25 de mayo del 2020 a los 91 años de edad. Miles Davis durante su carrera también colaboró con artistas como John Coltrane, Cannonball Adderley o Wes Montgomery, es decir, el mundo de la improvisación y el jazz siempre fue su fuerte, pero su participación en Kind of Blue es sin duda por lo que más vamos a recordarlo. En este legendario disco se llevó a terrenos inimaginables el jazz y probablemente siga siendo inalcanzable en nuestros días. El álbum no sólo ha tenido una gran repercusión en el jazz si no que influenció muchas cosas de rock & roll de aquellas décadas posteriores, un disco máximo en su totalidad que quizá nunca más vuelva a repetirse en el globo terráqueo de sonoridades por conocer. Siempre es un gran día para revisitar esta obra de culto de la historia de la música. Lanzado el 17 de agosto de 1959, “el álbum estuvo basado en formas modales, que permitían amplias posibilidades de tránsito por escalas a partir de alguna nota predeterminada en lugar de la secuencia lineal de acordes que desarrollaba el jazz hasta entonces, contrastando con sus primeros materiales caracterizados por un estilo hard bop e improvisaciones. Se convirtió en un gran éxito comercial, convirtiéndose en el disco más vendido de la carrera de Davis y el más vendido de la historia del jazz. Está considerado como la obra maestra del género y por su gran influencia en diversos géneros como el rock y la música clásica.​ Es apreciada como una de las producciones más grandes de todos los tiempos”.

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