Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Borrón y cuenta nueva mediante los FIRE RITUALS de Microhm

Fire Rituals de Microhm, la productora Leslie García, fue lanzado en Static Discos, en plena pandemia, hace exactamente tres años. Un momento en donde la claridad del mundo que nos esperaba era poco entendible. Seres queridos poco a poco se contagiaron de COVID sin saber realmente si lograrían sobrevivir por esas fechas la primera ola de infecciones. Muchos no lo lograron y otros tantos siguen sufriendo las consecuencias. Esa incertidumbre creó una serie de consecuencias que eran igual de prioritarias de atender a la par del virus. Una de las revelaciones bajo ese contexto de la pandemia fue realmente darse cuenta que los círculos sociales más cercanos de muchos, realmente no lo eran. Entre desinformación, una confusión al nivel torre de babel que parece no culminar aún. La realidad bajo el filtro del COVID mostró con quién realmente uno contaba en una situación final del mundo. Amistades murieron, amores tronaron y enfermedades preexistentes se complicaron. La soledad y ansiedad propiciaron una permanente salida de este mundo para otros, un adiós en la oscuridad. Las consecuencias de este batido a la salud mental del mundo, a la fecha, han sido poco atendidas. La premisa de Fire Rituals, aún no lo entendíamos en ese momento, sería una forma de enfrentar el resquebrajamiento social y emocional ocasionado por la pandemia, uno en donde figurativamente los rituales asociados con el baile, modernos o ancestrales, serían una capa de sanación para personas o comunidades. Musicalmente, Fire Rituals parte de los sonidos analógicos del techno, mismos que son consumidos por las llamas del kraut y la compresión de la cold wave. Es una salida de ese lado oscuro hacia tonalidades grises, en camino a la claridad, para que mediante el baile generemos una liberación de energías innecesarias. La música en Fire Rituals ofrece la posibilidad de crear nuestro propio ritual con su potencial sensorial y su capacidad de comunicación universal a través de una catarsis auspiciada por el ritmo y la sinestesia. En palabras de la misma Microhm, “que el fuego sea lo que nos renueve”. Y que lo anterior sirva para entender que salimos de la pandemia rotos, sin aprender realmente cómo operar y ser en un mundo hiper demandante que poco da a cambio, únicamente para entender que seguimos enfocados en buscar soluciones rápidas a problemas complejos. Que este break, entre donde estamos y lo que sigue, sea un espacio de reflexión para borrar todo e iniciar de nuevo, para mirarnos a los ojos y construir desde las cenizas nuevas amistades, amor, música y mucho baile. La re-edición en vinilo de Fire Rituals de Microhm se presenta este jueves 3 de agosto en Casa Basalta. Junto a Microhm estarán Nueve Vidas, Koi, Imaabs, Delise y Daniel. Presentado por Otoño.

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Reseña del último disco de King Gizzard and the Lizard Wizard

Hacae 4 años King Gizzard and the Lizard Wizard tuvo su primer disco de heavy metal. Aún así siempre se han sentido más como una banda psicodélica incursionando en el reino del metal o música pesada en lugar de un disco de metal en sí mismo, un experimento prometedor pero no necesariamente completo. Aún así, uno de los beneficios y atributos de este grupo son sus experimentos de género de gran alcance en los que se ocupan durante la duración completa de sus discos, así como su producción precisa; que a menudo sacan 2 o más discos de estudio al año, o dos veces sacando 5 en un solo año. Esto les ha hecho reunir un conjunto bastante profundo de capacidades en un tiempo corto. Desde entonces, han lanzado discos experimentando con todo, desde jazz hasta dream pop, música microtonal, composiciones de álbumes rock espacial y más. Los riffs en este disco son más duros, agresivos; han prestado más atención a los detalles específicos de la ingeniería, la producción y la mezcla en el mundo del metal, porque estos tonos golpean como un mazo y la distorsión tiene la cantidad correcta de crujido primario, sin estar demasiado controlada y comprimida ni totalmente ilimitado en una dirección más orientada a drones. King Gizzard ha logrado hacer con su influencia de Metallica lo que sorprendentemente pocas bandas de metal parecen hacer, que es la ingeniería inversa por la que la influencia progresiva se deslizó en el sonido de Metallica. El metal es afectivo, se trata, en parte, de sobreestimulación, abrumado y golpeador, y estos juegos rítmicos mantienen alto el cortisol necesario. También se han envalentonado claramente por sus otros experimentos. Su comodidad con el color fuera de las líneas de esta manera, esa confianza en el valor de su voz, paradójicamente, hace que este disco se sienta sustancialmente más genuino como un disco de heavy metal. No es difícil explicar por qué. A menudo vemos oleadas de trabajos derivados en géneros, materiales que se sienten superfluos o repetitivos y que carecen de espíritu. Esto ocurre a menudo cuando el artista intenta emular directamente el objeto de su sonido recurrente, produciendo por definición una derivación de lo mismo; mientras tanto, hay artistas haciendo un proceso diferente, ensamblando una masa de material poco relacionado para emular, cuya suma derivada se ensambla en lo que admiramos. King Gizzard trazó el río hacia atrás, ya sea intencionalmente o no, agarrando el espíritu salvaje y libre de la composición de heavy metal mientras conserva la mentalidad pesada y, al hacerlo, hizo uno de los mejores y más emocionantes de metal del año.

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Mattress: Estar en su show es como ver a Tom Jones en ácido

La one-man band de Portland Mattress toca industrial lounge, se le ha comparado con Suicide, Nick Cave, Ian Svenonius, y hasta Tom Jones, pero la verdad es que no hay comparación. Letras turbias, cómicas y muy elaboradas, un rango vocal que va desde aterrador hasta ameno. Una caja de ritmos y un traje dorado es lo que acompañan a este performer en el escenario. Ha tocado junto a Modest Mouse, Viagra Boys, Tune Yards, The Makeup, King Khan, y muchos otros afortunados que han podido presenciar el malviaje refinado llamado Mattress.   Conocimos a Mattress gracias a The Shivas cuando tocamos en el Treefort Festival en Boise, Idaho el año pasado. Lo vimos tocar en un arcade y fue magia. Nos hicimos amigos y pronto nació la idea de traerlo a México.   En su primera visita a México, Mattress se presentó en dos foros que desde que abrieron sus puertas por primera vez hace poco tiempo, ya se volvieron de culto: el Anticlub en la CDMX y el Nido De Ratas en Acapulco. Ambos espacios son un oasis para la contracultura y el DIY. Nuevos hogares para la escena del underground, donde no importa ser cool ni pretensioso y donde podemos disfrutar de bandas extraordinarias en un ambiente amistoso y nada competitivo.    Una reseña en dos partes   PARTE 1   El viernes pasado llegamos al Anticlub donde nos recibieron con unos azulitos de cortesía mientras nos instalamos en el escenario. Carrion Kids abrió la noche con un show de sorpresa para celebrar el cumpleaños de su vocal Miki Navajas, así como del difunto Rulo Pipa. Entre cascadas de cerveza y ginebra, gritos primales, pañales mojados y homenajes escupidos, arrancamos la noche.   Carrion Kids en colaboración con The Shivas, acaban de lanzar un cover a Perder, hit de Las Pipas de la Paz junto a un video lleno de bloopers y fails de su familia y amigos más cercanos. Un homenaje a Rulo Pipa, que siempre será una de las personas más importantes en la escena y la definición del DIY y de la amistad. Rulo ayudaba a quien pedía ayuda, era el corazón de cada fiesta y el mejor amigo que podrías desear.    Después de una pausita de pláticas y risas con una audiencia variada llena de personalidades de la escena, entre ellos Ali Gua Gua y RockSi de Las Ultrasónicas, Julián Lede a.k.a. Silverio y Jessy Bulbo, sube Mattress al escenario.   Mattress tiene una presencia glamurosa, hipnótica y extravagante. Sus letras reflejan un humor obscuro y sucio, su show es algo muy único, es performance art que nos saca de nuestra zona de confort y nos da una experiencia más profunda a lo „usual“. Es inspirador, nos saca de onda, y pinta todo con un toque de ironía. Su mercancía incluye headshots firmados y por unos pesos más puedes tocar su traje de oro.   El Pan Blanco cierra la noche con música transgresora inspirada por el glam y nos ponen a bailar en éxtasis hasta que sudamos ya todo el alcohol consumido. Noche de perfección, de nostalgia, abrazos y sonrisas, organizada por la familia MonkeyBee.   PARTE 2   El siguiente día madrugamos y nos subimos al camión, listos para el primer Rey Sofá en Acapulco. Revivimos con micheladas y tacos de mariscos en la playa, y llegamos al Nido De Ratas donde ya hay skaters brincando al sofá pintado por la tatuadora acapulqueña Phanie Lemus. La intervención al sofá hizo en honor a la difunta Vanesa, víctima de feminicidio.    Arrancamos la noche con un concurso de skate en el estacionamiento del Nido De Ratas, organizado por Chingue Su Madre Media. Así vamos calentando motores entre caguamas y popcorn, viendo como los concursantes sacan sus trucos brincando el sofá. Después entramos al foro que era una sucursal abandonada de la cadena California, lo que se nota en la decoración que todavía sigue arriba.    Empiezan los shows en vivo y pasamos por una variedad de elementos musicales entre punk, ska, metal, rock, garaje, glam y folclórico con estás cinco bandas en un solo escenario: The Bunyans, Gran Fuzz, Carrion Kids, L.C.B. y Mattress. Aunque siempre predico que al final todo es punk, porque el punk es una actitud no apegado a un solo género musical.    Fue una gran mezcla de estilos y la audiencia de Acapulco recibió a Mattress con gritos entusiastas. Bailamos sus canciones y nos dejamos llevar por su aura flamboyante, ligera, sarcástica, y sobre todo estimulante. Dió varios encores y todos agarramos una playera de su merch, con el alacrán dorado, el símbolo perfecto para lo supuestamente „contrastante“ que representa Mattress.    El resumen que me llevo de este fin de semana con Mattress es que todos necesitamos más glam en nuestras vidas.  

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20 años del ‘Fever To Tell’, disco que comenzó el incendio sonoro de los Yeah Yeah Yeahs

A dos décadas del lanzamiento de su primer álbum de estudio, el trío neoyorkino recoge sonidos del garage rock, indie y punk, creando un sonido sucio, estridente y contagioso que marcó el inicio de su carrera y del nuevo milenio. Tenía 16 años cuando el ‘Fever To Tell‘, de los Yeah Yeah Yeahs, entró en mis oídos, tras haber sido lanzado al ruedo de una industria musical que había puesto al pop en la cima de las listas de popularidad. Sin embargo, entre ese enramado de boy bands y solistas creados para el mainstream, la vocalista Karen O, el guitarrista Nick Zinner y el baterista Brian Chase consiguieron despegarse de esa directriz, haciendo del garage rock y el punk las bases sonoras que definirían el estilo de sus primeros tres discos y que serían la materia prima de su álbum debut que este 29 de abril de 2023 cumple 20 años. Había pasado más de año y medio del atentado a las Torres Gemelas en Nueva York. La sociedad estadounidense estaba temerosa y dolida, pero también furiosa y harta, sensaciones que alcanzaron a la tercia fundada en 2002 y que, en cierto modo, están presentes en las 12 canciones que componen su primer disco de estudio. Bajo el sello discográfico Interscope Records y co-producido por David Andrew Sitek y la tercia de músicos, los Yeah Yeah Yeahs grabaron una placa de casi 40 minutos de duración que, al igual que su portada, nos comparte un collage repleto de estridencias, suciedad, caos y rebeldía. 20 años del ‘Fever To Tell’ de Yeah Yeah Yeahs El álbum arranca con “Rich”, tema que nos da una probadita de lo que los dedos de Zinner pueden lograr sobre las seis cuerdas de su guitarra. Escasos segundos después Chase hace lo propio con el bombo, toms y platos, y junto con él la también pianista, en plena metamorfosis, nos atrapa con unos agudos y guturales que emanan de una garganta lista para lanzar gritos en su siguiente canción, “Date with the night”. Para entonces, los riffs de Nick abren nuevamente, dando paso a una Karen O que en la noche tiene una aliada para hacer lo que se le dé su regalada gana, algo que queda muy claro con su interpretación que raya en lo sexual y gritos sugerentes que incitan el headbanging y saltos interminables. Luego de poco más de seis minutos de un sonido estruendoso por los guitarrazos y baquetazos, llega “Man”, rola que con solo 1:49 minutos de duración hacen que la female fronted saque su lado Riot Grrrl, escupiendo energía y desenfreno, demostrando que el punk también está hecho por y para mujeres. Para “Tick” los tres músicos se dejan venir con todo. Mientras los guitarrazos de Nick y los golpeteos de Brian sobre la batería salen de las bocinas, la voz y gritos de Karen completan este track breve, pero al mismo tiempo intenso y ensordecedor. En “Black Tongue” lo ruidoso baja un poco, pero no la fuerza y pesadez de sus riffs y batería, ni la feroz interpretación de una mujer que, además, desprende sensualidad a través de la garganta. De nueva cuenta Zinner y su instrumento de seis cuerdas se apropian del álbum con “Pin”, al tiempo que Brian hace su entrada al sonido de bombo y platillos, mientras Karen nos ataca con una velocidad y agudeza vocal que combina perfecto con la melodía que la envuelve. Llega “Cold Night” y con ella un ligero cese en la rapidez de los instrumentos y voz que pronto se ve compensado con riffs ásperos y macizos, más una batería furiosa y vigorosa, elementos que se impregnan en “No, No, No”, canción que en sus últimos segundos apuesta por bajar las revoluciones y abrirle las puertas a la experimentación sonora, creando una atmósfera futurista. Y como el amor y desamor siempre han sido materia prima de la música, “Maps“, acrónimo de ‘My Angus Please Stay’ y uno de los cuatro sencillos del ‘Fever To Tell‘, hace su arribo triunfal, siendo hasta ahora una de las canciones más coreadas de toda su discografía, tema que destaca por la sinceridad y fragilidad que salen de la boca de Karen O, regalándonos una interpretación emotiva, honesta y que, en cierto modo, baja la guardia de la cantante ante una relación sentimental que se diluye entre sus dedos. Pero esta tristeza y lucha por rescatar lo insalvable empieza a mutar hacia un equilibrio y redirección del rumbo con “Y Control”, en donde el caos gutural se transforma en una voz más suave, al igual que los sonidos que la acompañan. Para “Modern Romance” , la cantante de 44 años de edad, junto con Nick y Brian, nos transportan a un lugar apacible en donde todo parece suceder más lento, fórmula melódica que se repite en “Poor Song”, la última pista de este álbum con la que los Yeah Yeah Yeahs aceptan que tener miedo es parte de nuestra naturaleza, pero no por ello una limitante para aventurarnos a tomar riesgos y confiar. ‘Fever To Tell‘ fue catalogado como uno de los mejores álbumes del 2003, y está incluido en el libro “1001 discos que hay que escuchar antes de morir”, del escritor y editor inglés Robert Dimery, placa que durante su primera edición se distribuyó en formato CD y que hoy habita en el mundo virtual en varias plataformas digitales. A pesar de que cada canción tiene un sonido distintivo, hay elementos que prevalecen en su primogénito. La rapidez, brevedad, simplicidad e intensidad extraídas del punk, más lo rasposo, pesado y sucio del garage rock, mezclados con el estilo sonoro e interpretación vocal, hacen de la propuesta musical de los Yeah Yeah Yeahs una de las más icónicas de la Gran Manzana que hace dos décadas llegó fuerte con el nuevo milenio y que al día de hoy se mantiene activa, regalándonos sonidos que a muchos nos remontan a una adolescencia donde solo había cabida para la rebeldía y ruidos ensordecedores. Para celebrar el

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Nostalgia adolescente, la fórmula secreta del Vive Latino

El Vive Latino celebró una edición más el pasado 18 y 19 de marzo en el Foro Sol, su ya tradicional casa musical. Con una participación de 80 proyectos musicales, en su mayoría de rock en español, el evento se enalteció por una asistencia masiva e inolvidables conciertos.    Con claridad, el festival se ha convertido en un espacio donde la nostalgia y los recuerdos de la juventud se evocan en más de un espectáculo. La propuesta del Vive está conformada en su mayoría por bandas que llevan más de una década como mínimo en existencia. En el lineup de este 2023, Café Tacvba, Los Caligaris, Paul Oakenfold y Red Hot Chilli Peppers nos teletransportaron a los noventa en Latinoamérica. Y los talentos más recientes como Austin TV, Miranda!, Kinky, Carla Morrison, Plastilina Mosh, Enjambre o Los Bunkers nos regresan a la primera década de los años 00.  El recorrido y la experiencia de lxs músicos garantiza en mayoría que los conciertos del festival sean de la más alta calidad. Jugando con sus éxitos y nuevos lanzamientos, las bandas lo dejan todo en una fecha tan especial.    El Vive Latino nació en 1998, desde entonces los años transcurren y la asistencia al festival continúa aglomerando el Foro Sol en su totalidad. Tal parece que la fórmula secreta es brindar al público la oportunidad de ver en vivo a más de una leyenda del rock y subgéneros en español. Con los años, la organización incluye nuevos talentos contemporáneos. En esta edición, tal es el caso de Bandalos Chinos, Buscabulla, Alemán, Las Ligas Menores, La Dame Blanche, Yoss Bones, Sen Serna, Queraltz Lahoz y más.  Sin embargo, la fortaleza que mantiene vivo al Vive es su habilidad para jugar con los recuerdos adolescentes de millones de amantes de la música latinoamericana.  Veamos al futuro e imaginemos el lineup del Vive Latino 2050. ¿Qué talentos se presentarían en el festival? 

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Alt-rock, hardcore, post-punk y leyendas de la música en la primera edición de The World Is A Vampire

La primera edición del festival The World Is A Vampire dejó en claro que esta es una propuesta que tiene mucho para dar. Este ambicioso esfuerzo nacido de la mente de Billy Corgan vio la luz el pasado sábado con un cartel con talentos de alt-rock, hardcore, post-punk y ciertas leyendas de la historia de la música.    La curaduría de Corgan sin duda es interesante, en la que consideró espacios para bandas más jóvenes y talentos mexicanos, en una gran oportunidad para presentar su trabajo en escenarios grandes y junto a bandas enormes. Temprano, conforme el público comenzaba a llegar al Foro Sol, El Shirota y Acid Waves calentaron la tarde con sus presentaciones, dos agrupaciones nacionales que se han posicionado como algunos de los talentos más originales en México. Desde Vancouver, llegó Ekkstacy con un show memorable, indie nostálgico perfecto para los corazones rotos. Chelsea Wolfe convocó a un buen número de escuchas y fue muy bien recibida por muchos fans de su goth rock. Al mismo tiempo, en el escenario principal, los Deafheaven tronaban brutal con una propuesta durísima de post-metal, y el mosh pit y el slam comenzaban a tomar forma. En el escenario B, las Margaritas Podridas alt-rock originario de Hermosillo, Sonora, y The Warning, el trío femenino de Monterrey, hicieron lo suyo de manera destacable, representando al norte musical nacional de gran manera en el #TWIAV. Los Turnstile dieron una de las mejores presentaciones del festival, con certeza. Hardcore punk de altísimo calibre, lleno de energía, gran conexión con miles de fans y una ejecución instrumental tremenda. Interpol, como ya es costumbre, cautivó a sus fieles escuchas una vez más y enamoró a muchos oídos frescos ante el trabajo de la banda. Paul Banks y su pandilla tocaron excelente, y arrancaron la ovación del público en diversas ocasiones.   Y después llegó el turno para la primera leyenda de la noche: Peter Hook & The Light. El escenario B se atascó, muchísima gente para el espacio designado, en el que el audio quedó a deber. Aún así, los cánticos del público al unísono en diversos clásicos de Joy Division y New Order te ponían la piel chinita. Cuando concluyó el show, una gran cantidad de personas que caminaba hacia el escenario A entonó el coro de “Love Will Tear Us Apart” como cantata futbolística, generando un momento especial.    “The world is a vampire”, dijo Billy Corgan para empezar el set de los Smashing Pumpkins con “Bullet With Butterfly Wings”. Gritos y aplausos atronadores en el foro. Con un set de dos horas, la banda cumplió y satisfizo a sus más grandes fans, salvo por aquellas personas que hubieran querido ver a D’arcy Wretzky, bajista original de los Pumpkins. “1979”, “Tonight”, “Today”, “Cherub Rock” y muchos himnos más noventeros y dosmileros llenaron el foro con melancolía y nostalgia.    Como entretenimiento adicional, el festival contó con un ring en medio de la plancha del foro para los dos happenings de lucha libre. En la página oficial de la banda aparece ya el cartel de próximas fechas en Inglaterra y Australia, en las que también habrá show de lucha. 

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Pop Ambient 2023, la compilación más emocional del sello Kompakt

Pop Ambient es una medicina contra enfermedades que no se padecen. Hojas de loto musical de las que gotas de agua residuales virtuales salpican el alma. AQUÍ ABAJO ESCUCHA LA RECOPILACIÓN 2023: 22 años ya de Pop Ambient, una celebración silenciosa de notas tranquilas en las que el alma se deja llevar por la elegancia del ambient pop. En los 22 años de celebración de la compilación anual de la disquera Kompakt dedicada a la música ambient, continúa con el tema central que mantiene el concepto estético de esta compilación. Kompakt es un sello discográfico independiente de música electrónica y distribuidor de vinilos/CD con sede en Colonia, Alemania, fundado en 1993, propiedad de Wolfgang Voigt, Michael Mayer y Jürgen Paape. Se especializan en microhouse y minimal techno, y son conocidos por su serie de compilaciones. Según la revista Grooves, “el principal objetivo estético de Kompakt siempre ha sido la combinación perfecta de textura ambiental y estructura lineal 4×4: combinar un diseño de sonido profundo y granular con la intensidad rítmica de 4 compases y el patrón que hace que el house y el techno sean tan efectivos en los clubes”. [4] Kompakt se ha destacado por sus lanzamientos que enriquecen las pistas de techno abstracto con elementos pop como voces; Mayer ha declarado que “crecimos con la música pop y realmente nos gustan los rastros de pop en la música techno. Esta es probablemente la mayor fortaleza de Kompakt: que podemos detectar estos rastros pop y darles un hogar”. Entre los productores que han hecho lanzamientos en Kompakt destacan Gas, The Orb, The Field, Panda Bear, John Tejada, Dettinger, Michael Mayer y Klimek. Aquí el playlist de su copilación 2023: 1.Leandro Fresco / Thore Pfeiffer – Sonne 2.Gen Pop – Blue3.Morgen Wurde – Ende Sah feat. Tetsuroh Konishi 4.Max Würden – Retrieve 5.Triola – Kupferblüte6.Sono Kollektiv – Bolzano Sessions IV 7.Jens-Uwe Beyer – Nero 8.Sono Kollektiv – Bolzano Sessions V 9.Reich & Würden – Receiver 10.Joachim Spieth / zakè – Air 11.Thore Pfeiffer / Kinbrae – Instinkt 12.Blank Gloss – Down At The Heel 13.Ümit Han – Sieg Über Das Ungute 14.Pop Ambient 2023 (Continuous Mix)

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Reseña de Fragments, el emotivo disco de Rachika Nayar

La compositora Rachika Nayar usa sus propias líneas melódicas como fuente de material para la manipulación electrónica, retorciéndolas y estirándolas hasta que ondulan y brillen como reflejos en aguas. El espejismo se disipa y nos quedamos con una figura solitaria arpegiada, uno de los pocos sonidos de guitarra fácilmente reconocibles en el álbum Fragments. Nayar agrega gradualmente más capas, pero pronto se detiene en una nota ahogada entrecortada que sugiere el final abrupto de una improvisada jam session solitaria. La producción y arreglos siguen siendo equilibrados y deliberados incluso cuando la música atraviesa enormes picos emocionales, el aire no planificado de este momento ofrece una mirada detrás de la cortina. El EP Fragments llegó 5 meses después de Our Hands Against the Dusk y funciona como una especie de pieza complementaria. Extiende esa mirada anterior al funcionamiento interno de la música de Nayar, revelando el tipo de grabaciones en bruto que a menudo sirven como puntos de partida para sus composiciones más grandes, según los materiales promocionales. Las 11 pistas del EP varían en duración desde 54 segundos hasta 2 minutos y medio, y generalmente contienen varias partes de guitarra entretejidas en un entramado intrincado, en bucle con acompañamiento electrónico ocasional. A menudo son encantadores y casi siempre terminan antes de lo que quisieras. Su magia radica no solo en sus texturas cristalinas sino también en la forma en que Nayar las desarrolla a lo largo del sofisticado arco compositivo de una pieza determinada. Cada pista en Fragments es similar a una sola parada en uno de esos viajes. Nayar presenta una idea, la deja funcionar por un tiempo, luego desconecta y pasa a la siguiente. Escuchar el EP se parece un poco a examinar los materiales auxiliares de una exposición de museo, mirar los primeros borradores de carboncillo sobre papel mientras cuelgan lienzos espectaculares detrás de usted. Nayar cita el midwest emo como una de sus influencias, que en el pasado era más audible en su trabajo como un trasfondo de sensibilidad en lugar de un punto de referencia explícito, una franqueza descarada de sentimiento y un instinto para los cambios de acordes que hacen que se te haga un nudo en la garganta. En los Fragments, la conexión está mucho más cerca. Nayar también menciona el trabajo del compositor minimalista Steve Reich, interpretado por el virtuoso guitarrista de jazz fusión Pat Metheny, como fuente de inspiración. La interacción de guitarra tintineante de pistas como “allegheny” y “softness” recuerda claramente el sonido emo canónico del midwest emo o incluso en el Math Rock, pero la forma en que Nayar usa estos riffs como recipientes para la repetición similar al trance es puro Reich. Como menciona una reseña del medio binaural: “… es ambient como nexo entre el math, el post rock y el emo de estética más digital”.

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