Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

La búsqueda del silencio en medio de la pista de baile: Aerea Negrot en el Museo Jumex

Encuadra. Recomendaciones culturales dentro y fuera del museo. Aerea Negrot es una mujer venezolana, trans y multidisciplinaria. Su rango vocal, capacidad creativa y condición migrante la convierten en una artista que puede ir del performance al escenario de los más prestigiosos clubs. Forma parte del colectivo Hercules and Love Affair pero también ha realizado música para cine, canta ópera y produce sus propios materiales sonoros. En la exposición <<Podría ser (una flecha)>>, una lectura del museo Jumex que se presenta en el museo del mismo nombre, Aerea colabora con Pauline Boudry y Renat Lorenz con la pieza Silence del 2006. Por su parte, curada por Catalina Lozano, <<Podría ser (una flecha)>>, pone sobre la mesa temas que abordan la mirada femenina, con una multiplicidad de artistas proclamadas feministas que cuestionan y exponen cánones enraizados en el espacio público, el cuerpo, la apropiación de la tecnología y la misma producción cultural. A pesar de ello, hay quienes aún piensan que “No se trata de un trabajo feminista, ni el tema es la mujer, tampoco propone una división del arte en masculino y femenino” , lo hace que la pregunta ¿Por qué el miedo al feminismo, 1 comenzando por la palabra misma? se mantenga vigente en nuestro contexto social. Son poco más de 45 mujeres artistas las que participan en <<Podría ser (una flecha)>> sin embargo la pieza Silence (2006) de Pauline Boudry y Renat Lorenz y protagonizada por la misma Negrot destaca por la potencia del mensaje. Los trabajos de Boudry y Lorenz, son conocidos por tomar citas y resignificar ideas de textos anteriores, tal es el caso en <> creada por Pauline Oliveros en 1970. En Silence la referencia es clara hacia la pieza <<4’33’’>> del compositor estadounidense John Cage; una de las obras más conocidas en el arte contemporáneo por su capacidad de reflexionar en torno al silencio como acto y concepto. El alcance de 4’33’’ ha sido tal que ha sido citada, homenajeada e incluso parodiada en numerosas ocasiones. La experiencia de Silence en el Museo Jumex comienza desde el momento de entrar en la sala. La indicación es entrar sin zapatos ya que la vídeoinstalación se muestra dentro de un cuarto alfombrado y pintado de blanco. Al centro, podemos ver a Negrot tras varios micrófonos interpretando la obra de Cage. Resulta importante señalar que el vídeo fue grabado en la plaza de Oranienplatz,que es parte del distrito multicultural Kreuzberg, uno de los territorios berlineses en donde se han dado lugar manifestaciones antirracistas y antiinmigrantes; lo cual otorga una carga política significante a la pieza. Por azares del destino mi visita estuvo acompañada de uno de esos grupos de señoras peliteñido rubio-cenizo/rubio-platinado que escuchaban a una guía que mimetizaba su estética. Así , al entrar al cuarto en donde se muestra Silence y escuchar la explicación de la guía se soltaron algunos comentarios por parte de aquel grupo uniforme como “Sí parece machito” o “Es hombre ¿verdad?” refiriéndose a la cantante venezolana. Tales expresiones echaron por una cloaca o quizá por la pieza de Sherrie Levine <> (un mingitorio) el increíble mensaje de resistencia, fuerza y empoderamiento de la triada NegrotBoudry-Lorenz. Recordemos que históricamente las flechas han sido utilizadas para acciones como la caza y la guerra, lo cual cobra una dimensión simbólica importantísima cuando se trata de equidad de género en espacios como lo es el Museo Jumex. Sin embargo, me queda claro que algunas de estas flechas se acercan más al centro de la diana y muchas otras salen simplemente volando al aire, dependiendo de cada espectador.   Visita PODRÍA SER (UNA FLECHA): UNA LECTURA DE LA COLECCIÓN JUMEX hasta el 31 de marzo del 2019.

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Xeno & Oaklander estrena su disco Hypnos

Xeno & Oaklander son reyes del minimal electronics, llevan demasiado tiempo haciéndolo bien, en términos de síntesis, Hypnos parece haber alcanzado el siguiente nivel. Xeno & Oaklander han aumentado el poderío de su lluvia de ritmo sintético y han formado una relación más suave y cerebral con sus múltiples capas nuevas y acogedoras. A primera escucha puede sonar como algo habitual, pero si lo escuchas atentamente, puedes apreciar los matices refinados y la nueva actividad energética y sobre todo estética en sus nuevas composiciones. También se puede sentir el efecto de sus exploraciones ambientales debido a la madurez y estado de ánimo. Es un nuevo respiro, la verdad, tanto para ellos como para sus fans, creo que han abierto un nuevo catalizador para generar nuevas ideas y eso siempre se agradece. Hypnos tiene el alma y densas armonías con voces increíblemente matizadas. Ojalá podamos verlos en vivo alguna ocasión.

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The Downward Spiral, un álbum emblemático de Nine Inch Nails

Trent Reznor y Nine Inch Nails hoy en día no sólo son ya leyendas vivientes de la música alternativa sino también un referente muy importante sobretodo para quienes hacen música electrónica. El gran éxito de la banda de Ceveland realmente se debe a su segundo álbum: The Downward Spiral. Tras la salida del primer disco Pretty Hate Machine, Reznor y compañía rompían paradigmas respecto a la música electrónica pues, una mezcla de guitarras, sintetizadores y otros elementos eran poco usuales en la escena de los beats. Sin embargo, la aparición del álbum que hoy cumple 25 años fue para la banda una catapulta y un incendio en el buen sentido de la palabra. Con el, Nine Inch Nails estuvieron a punto de crear un nuevo género musical. Un disco con 14 canciones en su mayoría poderosas, agresivas y con letras de protesta hacia el sistema norteamericano y político mundial con metáforas progresivas y al mismo tiempo decadentes que invitan no sólo a la reflexión sino a una cueva revolución no sólo musical y social.     En las giras de este disco Reznor, quien se caracteriza por usar apoyo visual crudo, agresivo y bizarro, utilizaba imágenes de experimentos de Tomás Alba Edison en donde se electrocutaba a un elefante, causando euforia entre el público espectador. Un álbum que bien puede ser la mezcla de la velocidad de The Ramones con la agresividad y anarquía de los Sex Pistols con elementos electrónicos e industriales que solían usar los Alemanes Einstürzende Neubauten o los belgas de Front 242. Sin duda este álbum es el resultado de una ecuación musical similar a la teoría de la relatividad donde E=MC2 significa que la energía del disco es igual a la música contundente que viene envuelta en un empaque cuadrado del vinilo donde se guardan las poderosas rolas del The Downward Spiral. Si se dan cuenta no hago mención de un solo track para que lo escuchen lo descubran y lo dejen correr por sus venas y oídos.    

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Björk nuevamente al cine con el reestreno de una de sus primeras películas

En 1990 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance, ‘The Juniper Tree’. Una película independiente y en blanco y negro de Islandia. Entre su elenco estaba una joven que tres años más tarde sería un éxito musical internacional, Björk. La película que relataba el cuento del mismo nombre de los Hermanos Grimm, pese a estar en el festival, nunca fue llevada al cine. Por ellos ahora se está preparando un estreno en salas con una versión remasterizada de la película a 29 años de su estreno limitado. La sinopsis oficial del film la describe así: “Ambientada en la Islandia medieval, The Juniper Tree sigue a Margit (Björk) y a su hermana mayor Katla (Bryndis Petra Bragadottir) mientras huyen por seguridad después de que su madre es quemada por brujería. Al encontrar refugio y protección con Johan (Valdimar Orn Fygenring) y su joven y resentido hijo, Jonas (Geirlaug Sunna Pormar), las hermanas ayudan a formar una improvisada unidad familiar que pronto se verá forzada por la creciente brujería de Katla. Fotografiado en su totalidad en los impresionantes paisajes de Islandia en un espectacular blanco y negro de Randy Sellars, The Juniper Tree es una película profundamente atmosférica, evocadora de Day of Wrath de Carl Theodor Dreyer y The Virgin Spring de Ingmar Bergman, y está llena de un despertar indeleble de una secuencia onírica (cortesía del legendario cineasta experimental Pat O’Neill). Una poderosa alegoría de la misoginia y sus tragedias asociadas, The Juniper Tree es un importante redescubrimiento para las audiencias de las casas de arte”. El estreno de la película sería en próximos meses aún por confirmarse la fecha exacta. Mientras, te dejamos el trailer de la cinta.

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Gernot Bronsert y Sebastian Szary lograron reencontrase como dúo después de ocho años y lanzan Who Else, la nueva vieja escuela de la música electrónica

Ocho años pasaron después del último lanzamiento de Modeselektor con temas propios, motivo suficiente para poner en huelga el sistema y desempolvar los silbidos. Género: Experimental | Electrónica| Techno | IDM | Breakbeat Label: Monkeytown Records 2019 ★★★ Recientemente Bronsert y Szary se despidieron de Sasha Ring, de la fama mundial asociada a Moderat y de la hipnosis de sus canciones para revivir a sus ancestros. Completamente liberados de la presión y las expectativas, y de la demanda de la “radio-fitness” se pusieron sus atuendos de rave arrugados y dejaron que los monos bailen. Who Else explota el mundo nocturno con gran modestia, brillando entre el techno nocturno de las calles de Berlín y el rave eufórico. Es así como Who Else se integra a una inmensa pieza de joyería de música electrónica y techno que nunca mezcla la variedad con aleatoriedad, o con suerte y que azotará las pistas de baile a lo largo de cientos de noches.  Modeselektor está proximo a presentarse en México el próximo 6 de abril en el Festival Ceremonia en donde seguramente hará vibrar los terrenos del Centro Dinámico Pegaso con los temas de su nuevo álbum y con otros viejos clásicos.  

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Four Tet revive a Nelly Furtado (alías KH) para lanzar la tan esperada Only Human

Kieran Hebden ha compartido una pequeña muestra de su trabajo junto a la estrella del pop canadiense Nelly Furtado quien trabaja bajo el nombre de KH. El mini álbum presenta una muestra prominente y acelerada de pura esencia techno. Género: Experimental | Electrónica| Techno Label: Text Records 2019 ★★★★★ Ha sido un largo camino que llega finalmente a este momento. Durante lo que fueron años, Four Tet ha estado preparando su versión techno de la canción Afraid de Nelly Furtado del álbum Loose del 2006. Finalmente Four Tet ha lanzado junto con Nelly Furtado alías KH (rara vez vista así) esta bailable versión de Afraid bajo el nombre Only Human. Traer a KH a esta versión podría ser un guiño a la trayectoria emocional que este tema ha emanado desde su existencia. Uno de los temas favoritos para los fanáticos de la artista pop canadiense que sus contemporáneos adoran, esperando escucharla en vivo siempre sin importar nada. Una canción que ha existido tanto tiempo que podría suponerse fácilmente que nunca vería la luz del día como una versión diferente pero Four Tet la semana pasada a través de twitter reveló que tenía listo este tema ahora con un rápido cambio de rumbo.  Only Human es un viaje industrial multidimensional en todo su esplendor.     

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Lords of Chaos o la amplificación del mito

A finales de los años 80 e inicios de los 90, Noruega nos dio la última saga de mitología rockera. Una cuyo panteón de héroes está lleno de personajes que le darían forma al género musical más extremo que ha conocido la humanidad hasta ahora. La controversia es parte del ADN del black metal, y finalmente después de un par de años de especulación la película Lords of Chaos (Inspirada en el libro homónimo) llegó a las pantallas de todo el planeta. A su paso ha polarizado la escena, desde la facción de fans más true le han pintado dedo a todo lo que huela a “mainstream media” en el género hasta los más curiosos turistas y adoradores de la capacidad mediática que este tipo de productos generan en la Psique Colectiva. A ciencia cierta no podemos saber cuál es el porcentaje de verdad y mentiras de la historia que nos presentan en el film. Todos aquellos versados en el cannon black metalero conocemos la historia en base al rumor, una historia que durante más de 2 décadas ha echado una raíz bastante grande en el undeground de la música y los medios; que ya hoy el género es bastante prolijo y ha engendrado bastardos a todo lo largo y ancho del planeta, creando una escena lo suficientemente sólida para convocar a legiones de fanáticos aguerridos adoradores de una leyenda donde Øystein Aarseth y Varg Vikernes son parte integral del génesis sonoro del “Verdadero Black Metal Noruego”. Vice Films ha hecho gala de su colmillo mediático y le vio futuro a llevar la historia de unos adolescentes noruegos; sin embargo, lo que me parece remarcable es la capacidad para cocinar esta idea con los ingredientes “correctos”. El director del film es el sueco Jonas Åkerlund, quien además de haber dirigido vídeos para Lady Gaga o Madonna, fue el baterista original de la banda Bathory (bastión de esa trinidad oscura que yace en la esencia del Black Metal y se completa junto a Venom y Celtic Frost). Además de tener un director con “raíces” en el género, reúnen a un grupo de actores poco conocidos pero con apellidos famosos como Rory Culkin (sí, hermano menor del “Mi Pobre Angelito” original), Jack Kilmer (hijo de Val Kilmer), Sky Ferreyra (cantante y estrella de myspace), Valter Skarsgård (de la dinastía de actores suecos) y para ponerle el ingrediente final a esta bomba, nada más y nada menos que, Arion Csihar (hijo de Attila Csihar, vocalista actual de Mayhem). Los de Vice son expertos en lo que hacen y han logrado captar la atención tanto de metaleros, críticos y de curiosos; así mismo, las estrellas del Black Metal también han entendido el termino “cambio generacional” y han sabido sacarle provecho al film, ya que se han encargado de crear la controversia necesaria para agitar las aguas y poner el reflector en el sitio correcto. Ya que, la pregunta es obligatoria, si este es un film sobre una banda de música y sus protagonistas reales aparentemente están en contra del film, ¿qué carajos va a pasar con la música? Bueno, en primer lugar, todos los involucrados en la historia real (es decir, todos esos noruegos) venían declarando que estaban en contra del film, que no habían autorizado absolutamente ninguno de sus temas, logos, nombres, etcétera para aparecer en el film. Los de Mayhem decían “A big fuck you for Lords of Chaos”, Fenriz hizo gala de su excelente sentido del humor pidiendo ser interpretado por Reese Whiterspoon, Varg Vikernes se lanzó en Youtube desacreditando todo sobre el film y gente como Satyr, Frost, Ihsahn y Faust se hicieron ojo de hormiga y simplemente han omitido cualquier opinión al respecto. La postura de estos personajes al parecer era clara, no estaban de acuerdo en que su historia llegara a la pantalla grande y por lo tanto, la música tampoco lo haría. Este fin de semana se dio “el estreno mundial” del film mas allá de las plataformas de los festivales independientes y pude aclarar muchas de mis dudas. La realización del film no es mala, sin embargo, tampoco es extraordinaria. Inicia como un film para adolescentes que en menos de 20 minutos se torna bastante oscuro, vemos en primer plano el suicidio de Ohlin (interpretado por Jack Kilmer), hay unas secuencias bastante buenas de Mayhem en el estudio de grabación (donde vemos a Arion interpretando a su padre), las secuencias de la quema de iglesias están cool y finalmente vemos cómo Varg asesina a sangre fría a Øystein. En fin, son 2 horas en las que si bien, si entretiene, no logra ningún resultado extraordinario ni aporta ningún dato que no conozcamos ya de antemano sobre esta historia. Sin embargo me queda claro, Mayhem si autorizó que su música apareciera en el film pero en versión “demo”, es decir, se regrabaron algunos temas para darnos esa sensación de cómo fue que sonó en un principio. De igual manera aparecen las portadas de un par de álbumes de Burzum y en la lista de créditos se encuentran personajes que aparecen en el film (interpretados por actores) como Fenriz. Al final del film la lista de créditos y agradecimientos se extiende, desde la familia Aarseth hasta Bard Eithun y todos los miembros centrales del Mayhem actual, Attila, Necrobutcher y Hellhammer. Era lógico, pon en la silla del director a una de las figuras de inspiración de esta movida y eso hará mas sencillo que todos los involucrados participen con mayor integración. ¿Por qué, si estaban en contra del film, a final de cuentas todos aparecen? En lo personal no estoy en contra del uso que aquellos involucrados realmente en la historia le dan a ésta. Me parece que están tratando de llegar a una nueva audiencia por medio del “shock value” que el cine le inyecta a una historia que conocíamos sólo por lo que leíamos en fanzines, revistas e internet. Llevar esta historia a la pantalla grande le da una nueva dimensión a la historia musical de éstos

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Reseña de Tutti de Cosey Fanni Tutti

El espectro sónico existente de Cosey Fanni Tutti que aquí se maximiza es excesivamente tormentoso y de una ejecución sonora ambiental que raya en el existencialismo eufórico. Porque eso es lo que te proyecta el disco, poco a poco nos va mostrando que hay miles de maneras de crear grandes canciones accesibles y que toman como estandarte todo aquello que llamamos ruido. Se toman medidas deliberadas para asegurar que cuando la magia muere, no es nada más y nada menos que la entrada a una nueva atmósfera que fungirá como secuela a nuevas batallas fascinantes llenas de arreglos a prueba de balas. Sí, quizá no se trate de algo inmortal pero si estamos frente uno de los álbumes electrónicos más aterradores del año. Las pistas muestran incluso con gritos disonantes y estáticos que todo puede estar ahí frente a nosotros y que sólo necesitamos excavar hacia lugares con una tendencia  sencilla que devasta todo paso a paso , manteniendo siempre un espíritu rebelde,  un espíritu electro-post-techno-industrial.

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