Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Johnny Marr, reseña de su primera visita a CDMX

Johnny Marr ha ido tranquilamente en la construcción de una carrera en solitario. Habiendo pasado etapas como guitarrista en The The, Modest Mouse y The Cribs, el ex The Smiths ahora parece cada vez más cómodo, más creativo y más rockstar como se vivió anoche en su primer visita a CDMX.   Su tercer álbum y muy aclamado: Call The Comet lo ha traído por fin a la CDMX. La cita fue en El Plaza, en ese recinto en donde aún a sus al rededores se respira melancolía por el episodio triste que derrumbó casas en nuestra ciudad, el ambiente poco a poco empieza a evaporar. Están los más devotos fanáticos de Johnny Marr y por fin él a hacer lo que mejor sabe, apenas lo estamos recibiendo con “The Tracers” y ya avienta el primer clásico del Meat Is Murder, “Big Mouth Strikes Again” de los Smiths sacuden al público, su manera de interpretar canciones responde a las distopías y utopías en donde quedaron fríos impregnados en el anhelo de  sus máximas influencias como Bowie, Patti Smith, Brian Jones o el mismo JG Ballard, y así suena la hermosísima “Hi Hello”, con un Marr impecable en el escenario, su guitarra y él son uno mismo, perfectamente conectados, sincronizados y explosivos, como en “The Headmaster Ritual”, y los 2 temas que rescató de su paso por Electronic: “Get the Message”, y la maravillosa versión de “Getting Away With It” que removió fibras. Su banda está muy compenetrado con él, su líder. Su mentor. Los pasajes más hermosos de la noche fueron un colectivo unificador, desde los sintetizadores hasta las guitarras que se encuentran en su mayor euforia o bien, en melodías más inmersivas en la añoranza, por momentos su música  evoca visiones viscerales entre los futuros rascacielos de Manchester o de lo que alguna vez fue Manchester en su grandeza pero evocados aquí en nuestra gran ciudad, con ese sonido que ha destacado a las bandas que surgen de ahí por décadas, eso se aprecia, pues escuchar un género en vivo y con el que has crecido por mucho tiempo no tiene comparación. La energía  de Marr lo transportan a un estado de trance, expresa perfecto su visión del rock como herramienta transformadora. Y luego están ahí, las canciones bonitas, las canciones tristes, las canciones desgarradoras o las canciones vitalizantes, ofreciéndonos  un recital de temas colosales al final de su show como lo fueron “Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me”, “How Soon Is Now?”, “There Is a Light That Never Goes Out” que fue hermosamente coreada, y la mega sorpresa de todas “You Just Haven’t Earned It Yet, Baby”, un puente, un descanso inesperadamente cómodo y necesario, el paraíso de la melancolía en donde cada y uno de nosotros se deja llevar sin contemplación, tanto que da miedo ya que momentos así son un lugar tan personal llenos de paralelismos, pero no importa, la noche lo está valiendo todo.   Johnny Marr ha logrado retrocedernos en el tiempo pero al mismo tiempo ha logrado ofrecernos una etapa actual de él con bastante convicción y lugar en el presente, mientras parece estar arraigado en un lugar particular de su propia memoria, donde todo lo que puede escuchar es el agridulce, a veces agudo sonido de su guitarra que hizo de ella una obra eterna como el The Queen Is Dead. Incluso su melodía vocal florece fielmente y cristaliza un abismo musical tan agradable que no suavizarse internamente es imposible. Todos esos sentimientos que nos transmitió es la principal reivindicación de la grandeza de Johnny Marr. Y él lo sabe. Tan lo sabe quizás así como sabe que The Smiths jamás volverán a tocar juntos.

Johnny Marr, reseña de su primera visita a CDMX Leer más »

Sussie 4 en Pasagüero: Beats y mucho calor tapatío

El viernes por la noche la banda de música electrónica Sussie 4 tuvo una gran presentación en el Pasagüero, lugar ubicado en pleno centro de la CDMX. Abarrotaron el lugar que aunque pequeño se ha convertido en un foro importante para grupos emergentes y artistas consolidados.   El cuarteto tapatío salió al escenario e hicieron mover a todos los asistentes, gran parte del set que interpretaron se basó en sus dos primeros discos (Música Moderna y Red Album) pues, con las rolas de ellos aseguran una fiesta de baile sin parar. Rolas como Suite Tropical y Conciencia Latina sonaron en las bocinas, sudor, calor y brincos no pudieron faltar. No cabe duda que una pieza importante es su vocalista, una voz femenina que sin problemas llega a tonos altos de soprano y pone un sello muy característico. Al final de la noche tocaron un cover de la canción Mucho Corazón, escrita por Ema Elena Valdemar y que fuera interpretada por muchos cantantes incluyendo, sin embargo las estrofas “Yo por un querer no necesito una razón, me sobra mucho, pero mucho corazón…” Acompañadas de ritmos digitales genera una atmósfera de dulce y alegre melancolía que aunque triste la letra, las secuencias y beats que le pone la banda hacen que se convierta en una dolorosa alegría bailable. Un set de alrededor poco más de una hora bastó para que mas de una chica se quitara los tacones después de tanto brinco. Sussie 4 han sido ganadores de premio DJ ande Clubbing awards y premiados como mejor artista alternativo por la revista estadounidense Banda elástica. Han compartido escenario con Gus Gus, Daft Punk, Gustavo Cerati, Deep Dish y una larga de importantes artistas de la escena electrónica. Su música es de talla internacional que varios de sus tracks han aparecido en recopilaciones en Francia, Reino Unido, Estados Unidos y otros países. Quienes asistieron ayer al Pasagüero seguramente hoy amanecieron con ganas de seguir bailando.

Sussie 4 en Pasagüero: Beats y mucho calor tapatío Leer más »

Allah-Las: un revival sesentero de la psicodelia, el garage y el surf-rock

Hay quienes advierten que en el pasado se vivía mejor, aseveración que para algunos cuantos, se convierte en una paradoja y consuelo nostálgico que los vuelca a la creación de revivals sonoros en nuestro presente. Es el caso de Allah-Las, una banda que nos transporta en el tiempo a través de su sonido, pues nos recuerda de inmediato la escena de los 60, y a bandas como The Zombies, The Kinks y The Byrds. Bajo los sellos discográficos Innovative Leisure Records y Mexican Summer, el cuarteto tiene tres discos en su haber, su debut y homónimo Allah-Las (2012), Worship The Sun (2014) y Calico Review (2016). En estos álbumes se develan filosas piezas como “Catalina”, “Sacred Sands”, “Long Journey”, “Famous Phone Figure” y la mítica “No Werewolf”, con las que la banda norteamericana se ha consolidado en el terreno de la psicodelia, el garage y el surf-rock. También cuentan con un par de singles y un solo EP intitulado Covers#1 (2017), en el cual realizan la versión de “Fish On The Sand” de George Harrison, “Hard On Love” de Television y “J.O. Eleven” de la banda de culto Furthur. Allah-Las ha formado parte de los line ups de Desert Daze, asimismo, se ha presentado en Coachella y este seis de octubre tienen un acto especial para la segunda edición en el festival Hipnosis en nuestro país. En dicho festival Allah-Las compartirá escenario con bandas de la talla de King Gizzard & the Lizard Wizard, Wooden Shjips, OM, DIIV, Stonefield, entre otras, por lo que se convierte en un evento imperdible para este 2018, pues es uno de los pocos espectáculos que apuesta por alterar nuestra psique a través de las más inquietantes distorsiones analógicas y las más desafiantes tonalidades de la psicodelia.

Allah-Las: un revival sesentero de la psicodelia, el garage y el surf-rock Leer más »

Soft Machine: los pioneros del jazz fusión

A cincuenta años de su debut, Soft Machine es íntegramente recordado por sus experimentaciones en la escena del jazz y rock progresivo. Formado en 1966 por Kevin Ayers, Robert Wyatt, David Allen y Mike Ratledge en Canterbury Inglaterra, fueron los pilares que originaron la escena del “Sonido de Canterbury”. Llamada en honor al libro “The Soft Machine” de William Burroughs, la agrupación de Canterbury fue muy inestable y cambió su alineación numerables veces. Se les podría relacionar como los exploradores del Jazz fusion por su mezcolanza entre el jazz y rock progresivo. Sin embargo, Soft Machine se mantuvo siempre en un perfil bajo dentro de la escena Underground de Londres, a finales de los sesentas. Su primer álbum maneja un sonido mucho más primitivo y psicodélico con tintes de jazz. Es también su único trabajo con la alineación original. Se puede ver cómo coexiste una variedad de influencias (como Frank Zappa) y sonidos que fueron explorados más a fondo mientras la agrupaciòn iba avanzando. Con su tercera entrega de estudio, “Third” (1970), fue que realmente encontraron su propio sonido, que oscilaba entre el jazz y rock experimental y progresivo. En éste álbum, Soft Machine presentaba un sonido que marcaba una distinción considerable con todo su trabajo anterior y fue su primer álbum completamente instrumental. Un álbum con drásticos cambios de tempo y ritmo, melodías complejas en saxofón y flautas, una eufórica y libre batería, bajos juguetones y sintetizadores que remiten a sonidos más psicodélicos y difieren de sus bien establecidas pinceladas de jazz. Su siguiente àlbum, “Fourth” (1971) fue el sucesor con un estilo ya definido. De esta forma, la agrupaciòn britànica fue saliendo de una escena en la que ya no pertenecìan y creando la suya. Paulatinamente, muchos otros grupos se fueron también envolviéndose en ésta mezcla de jazz y rock experimental (como Caravan, Egg, Matching Mole, etc). Soft Machine siguiò creando nuevas formas de expresarse mediante el jazz fusion y el rock experimental en los años siguientes, cambiando constantemente tanto de sonido como de alineación con más de diez proyectos de estudio durante la década de los 70.

Soft Machine: los pioneros del jazz fusión Leer más »

25 años del Laid de James, una perla producida por Brian Eno

James fue alguna vez uno de los grupos más grandes de Inglaterra. Claro que se remontaban más allá de eso, siendo la banda un tanto pasada de moda mientras que otros colosos de Manchester como The Smiths, The Stone Roses y Happy Mondays vinieron y se fueron, y en última instancia implosionaron, pero dejaron huella.   Esta es mi perspectiva del Laid de James: Fue después de un par de álbumes que rompieron el mercado con su tema “Come Home” de los años 90 y finalmente explotaron con el indie disco pop de la bellísima “Sit Down” cuando se relanzó en 1991. El resultado: sus discos finalmente se vendieron más y su carrera se volvió decente y atraída. James era, y sigue siendo, una banda que a mucha gente le gusta mucho. El Laid es probablemente su disco de culto, esto gracias a la llegada de Brian Eno como productor: Laid es la primera de varias colaboraciones entre él y la banda. Su presencia quedó perfectamente clara cuando el sexto álbum de James, Wah Wah, recopiló piezas de textura ambientales e improvisaciones justamente de las sesiones de la grabación del disco que en conjunto era uno de canciones sólidas, mostrando a James en su máxima expresión, relajándose en sus propios ideales y sonido. Un cálido y sutil álbum en tono, precursor de la camada britpopera que explotaría en los 90, con canciones como “Dream Thrum” “Sometimes”, “Out to Get You” y “Lullaby” podrían verse como precursores de un sonido original y hasta melancólico. A pesar de todo, James no siempre ha tenido una visión optimista del amor y eso queda mega reflejado en “Five-O” que cesa, luego el coro que es una punzada al corazón (“Si dura para siempre espero que sea el primero en morir”). En “P.S.”, una siniestra figura de guitarra en movimiento impulsa el motor de la canción, ya que describe una relación desintegradora. Por otro lado, “Say Something”, el segundo sencillo del álbum y un hit que celebra el primer amor con los sintetizadores y la percusión británica, Brian Eno lo había hecho de nuevo, quien mejor que él para incluir el toque de su instrumento predilecto perfectamente explotado en una balada excepcional, algo de Roxy Music se respiraba y respira ahí. La portada puede hacer que tus ojos se pierdan, la banda viste de gala y come algunos plátanos, pero los contenidos de Laid comprenden lo que probablemente sea la verdadera obra maestra de la banda. Sin duda alguna ni remota el Laid es un disco que nos deja aprendizajes, memorias de refugios y de salvaciones, de palpitaciones y suspiros cuando aterrizas la idea de que dar no es la antesala de recibir, sino que dar sólo puede ser dar y querer. Felices 25, feliz medio siglo de existencia.  

25 años del Laid de James, una perla producida por Brian Eno Leer más »

Nick Cave y la devoción magnética de su obra

Nick Cave & The Bad Seeds son una banda que inspira un tipo de devoción inmortal entre sus admiradores, quizás de manera única entre sus contemporáneos, Cave se convirtió en una especie de estandarte para la cultura oscura y gótica por mencionar solo un par de clasificaciones, porque lo de Nick va más allá, sin duda. ¿Estamos por ver al mejor Nick Cave en directo de todos los tiempos? Iba a escribir “en vivo” pero eso es un hecho, Nick está vivo y cargando un proceso de sanación que se nota en cada presentación en donde está dejando el corazón en cada show y teniendo intimidad con sus fans dentro del recital como nunca antes se le había visto y sentido. A primera vista, parece un desajuste espectacular ver en grabaciones como se ha venido manejando durante la gira que lo trae de vuelta a CDMX, un desajuste que se va acoplando con una intimidad que sobrepasa la pantalla, el lente o cualquier medio que lo documente. El mundo sonoro de Nick Cave es una obra notable y potente incluso según sus estándares, pero que parece ser especialmente inadecuada para sonar en el tipo de grandes escenarios que suelen albergar los grandes grupos de rock que llenan estadios, la intimidad es importante y más por el triste capítulo reciente de la muerte de su hijo. A pesar de todo eso Nick sigue tan inspirador como desde sus inicios, ya sea por porte o desenlace escénico, y gracias a eso logra que la gente conecte con sus canciones. Tan abstracto e ingobernable a su manera como su vieja banda The Birthday Party, una masa de bucles electrónicos, voces irregulares, ritmos que repiquetean fuera del tiempo con el resto de lo que un artista de su magnitud significa, canciones que se desvanecen por debajo del ruido, por debajo de la noche, para mí siempre ha sido ese el espíritu de Nick Cave. Está tan alejado del tipo de música creada para despertar al público extremadamente valiente o suicida. Las canciones son cosas extrañas, son pacientes, y esperan el significado, y el significado cambia a través de los años. Y así lo demuestra la discografía de los Bad Seeds al lado de Nick. Es difícil pensar en otra banda y otro artista como él, que pueda cambiar sin interrupciones, desde la elegancia y el control hasta el manicomio de letras depresivas. Sin duda la música de Nick Cave será recordada siempre por ser un regalo al mundo por la razón que se sueña, un temblor interno cuando algo anda mal pero que sale a flote, pensamientos que van demasiado lejos y episodios de nuestras vidas acertando escogiendo errores por más pequeños que sean, canciones para perdonar a quien alguna vez te hizo inmensamente feliz pero ya no está o sí, como él con PJ Harvey. Hace falta recordar lo andado y abrazarlo antes de seguir. Su espíritu permanece y permanecerá tan magnético y presente como siempre en la memoria de sus fans. Bienaventurados todos aquellos que verán al mejor Nick Cave de todos los tiempos el 2 de octubre en el Pepsi Center, seguramente nunca lo olvidarán como lo dicta esa fecha en los registros históricos de éste país.

Nick Cave y la devoción magnética de su obra Leer más »

Festival Oculto: una fiesta de documentales, películas y música

Cuernavaca, Morelos, a lo largo de 3 años, se caracterizó por la organización del Festival Grotesco que, por el momento, “está en pausa”, y tenía una línea de dar a conocer distintas cosas relacionadas al horror que se hacen en México; tanto en gráfica, cine, música y literatura. Sin embargo, uno de sus organizadores, Eduardo Santaella, conocido en el mundo gráfico como “Guro”, desde 2016 que se unió a un colectivo llamado Cultura Horrible, junto a algunos músicos de Cuernavaca que participan en Turbonada, Para Decir Adióss, Holy Rat, Spray Canela y Sadlist, dice que este evento es algo aparte del festival con el que dio de qué hablar por distintos lugares del país. “A diferencia del Festival Grotesco, que se centra totalmente en el horror, el Festival Oculto está enfocado en la música”, explica Guro. “Este será nuestro octavo evento en dos años que tiene de existir Cultura Horrible”. Lo que caracteriza al Festival Oculto, en esta, su primera edición, será la proyección de distintos documentales y películas relacionadas con la música. Guro, después de dos años de organizarse con algunos amigos y comenzar a darle forma a todo esto, recuerda que en las primeras fiestas organizadas por Cultura Horrible sólotocaban bandas de distintos estilos de rock como punk, noise, shoegaze, experimental, etcétera. No obstante, él y los demás que integran este colectivo, dice que decidieron comenzar a darle mayor forma, y así integrar un mercadito de gráfica alternativa, y también añadir la parte visual y cinematográfica. “El colectivo surgió de forma natural y como respuesta a la cultura musical que hasta ahora existe en Cuernavaca”, explica Guro. “Y como a quienes conformamos Cultura Horrible no nos gusta la exposición que se les da a los mismos proyectos musicales, incluso desde puestos institucionales, y sumándole que, además, la interacción que se tiene con bandas de otras partes de la República Mexicana es casi nula, y los proyectos de aquí tampoco es que salgan mucho a otro lugares a tocar, esta es nuestra manera de cambiar la dinámica que existe aquí, trayendo proyectos que nos gustan; además de que hemos creado un vinculo con gente más joven que ha estado formando nuevas propuestas bastante chidas”. El Festival Oculto se realizará el sábado 13 de octubre, pero habrá 2 eventos previos que son gratuitos: uno será la parte de la proyección de documentales y películas, y la otra el show de K, Terror Cósmico y Sadlist; donde, incluso, habrá visuales mientras las bandas tocan en vivo. “El asunto de los documentales, las películas y el show, es más bien como una pre-fiesta gratuita para todos los que estén interesados”, menciona Guro. Y, en relación a la cuestión cinematográfica-musical, explica: “Los documentales se consiguieron con contactos que ya se tenían del Festival Grotesco, más otros con conocidos directamente de bandas. Por ejemplo, el documental de Slave to the grind se consiguió a través del STUFF MX Film Festival; su programador anteriormente ya nos había pasado el docu que se hizo del último show de Nasum. El de It’s gonna blow… que es sobre la escena underground de San Diego, California, se logró tener gracias a un integrante de la banda Ali Adka, quienes vienen de Mexicali a tocar al festival. Lo demás que proyectaremos ya son más conocidos o hasta de culto, a excepción de Gimme danger, que es de The Stooges, realizó Jim Jarmusch, y que por alguna razón no tuvo mucha difusión aquí en México”. También, Guro hace énfasis que proyectar estos documentales y películas, es para que la gente más joven que tiene pensado acercase al festival o que está interesado en lo, llamémoslo, “alternativo”, se den por enterados de escenas o movimientos que existen o han existido en otros lados del Mundo. “El plan es que se salgan un poquito de todo ese rollo escenoso local que existe aquí en Cuernavaca, y que tiene unas ideas bien anticuadas y solemnes. Igualmente, la idea es tratar de difundir las cosas que creemos valen la pena y están chingonas, aunque para este momento sólo pueda ser de una forma independiente, lo cual me parece es algo bueno, ya que tiende a acercarse gente más joven”, finaliza diciendo Guro. PRE-FIESTA: PELÍCULAS Y DOCUMENTALES A PROYECTARSE (CINE MORELOS, MORELOS 188, CENTRO HISTÓRICO) Viernes 28 de septiembre, 2018 Concierto-visual con K. y Terror Cósmico (CDMX), más Sadlist (Cuernavaca) Sábado 29 de septiembre, 2018  12:00 – This is spinal tap (Rob Reiner, 1984)  14:00 – Repo man (Alex Cox, 1984)  16:00 – American hardcore: The history of American punk rock 1980-86 (Paul Rachman, 2006)  18:00 – Slave to the grind: A film about grindcore (Doug Brown, 2018)  20:00 – Heavy metal (Ivan Reitman, 1981) + En el andén (Jorge Zamora, 2018) Domingo 30 de septiembre, 2018  12:00 – The return of the living dead (Dan O'Bannon, 1985)  14:00 – Green room (Jeremy Saulnier, 2015)  16:00 – It’s gonna blow!!! San Diego’s music underground 86-96 (Bill Perrine, 2014)  18:00 – Gimme danger: The story of The Stooges (Jim Jarmusch, 2016)  20:00 – Punk: Attitude (Don Letts, 2005) BANDAS TOCANDO EN VIVO EN EL SALÓN CANDILES (AV. CUAUHTÉMOC/CRL. AHUMADA 133, COLONIA CHAPULTEPEC) Sábado 13 de octubre, 2018 Nelson y los Filisteos, Soga y Somewhere (CDMX), XIII (San Luis Potosí), Ali Adka (Mexicali), B 301 (Estado de México) y Mía Sonora, Holy Rat, Akapulke, Así Hablaron los Cardíacos, Para Decir Adióss, Spray Canela, Marciana y Narciso el Nefasto (Cuernavaca). Nota por: Javier Ibarra

Festival Oculto: una fiesta de documentales, películas y música Leer más »

20 discos esenciales de Drum & Bass

Hacer una lista con lo mejor música del tambor y bajo exige siempre hablar de grabaciones clásicas, con sus más de 25 años de historia es impensable no mencionar y dedicar ríos de tinta al Timeless de Goldie, al New Forms de Roni Size o al Modus Operandi de Photek. Pero, ¿Qué hay de esos otros trabajos que vinieron después? Esos que siguen dando nuevas formas a los breakbeats de toda la vida, nuevos clásicos que mantienen esta música viva y fresca. El Drum and Bass sigue teniendo las puertas abiertas a todos los escuchas; desde quien busca la vanguardia en la pista de baile, como quien levanta las manos en el aire esperando un golpe letal de sonido en cualquier festival a cielo abierto. Esto es lo mejor del Drum and Bass del 2000 a la fecha. Por: José Luis Vázquez Skull 1. Fabio – Liquid Funk  (2000). Creative Source Hablar de Fabio es hablar de una de las fuerzas originarias de todo el Drum and Bass existente, sin embargo su labor no ha sido en el estudio sino en la comunicación, difusión y promoción de este sonido por todo el orbe. Mantuvo prácticamente por 2 décadas un espacio en la BBC y fue a inicios del milenio impulsor de un nuevo género, uno que retomaba los sonidos del funk más romántico y del soul más terso para fusionarlos con los acelerados breaks del drum and bass, había nacido el Liquid Funk. 2. VA – Infraestructure (2001)  Infrared Una nueva amalgama entre música House y el Drum and Bass con más groove del momento ve la luz en esta compilación orquestada por J Majik. Integrada por cortes que se sentían extremadamente veloces y que nos hacían creer que esto sería el Drum and Bass del futuro; participaban proyectos como Futurbound, Accidental Heroes, Future Cut, y J Majik. Todo esto apuntalado por el himno de la pista Spaced Invader, un corte de Hatiras, originalmente creado a tiempo de House, que sería sublimemente remezclado por J Majik, un track que aún hoy convierte las pistas de baile en un manicomio. 3. DJ Marky – The Brazilian Job (2001) Movement Como si se repitiera la historia del futból, un deporte de origen británico. En el Drum and Bass, una de las expresiones más auténticas de la música electrónica en el Reino Unido, uno de los países que tal vez mayor número de productores ha aportado es sin duda Brasil. DJ Marky fue sin duda uno de los primeros pioneros y con su hit LK junto a XRS prácticamente dio la vuelta al mundo. En Brazilian Job no sólo escuchamos este single sino que también vemos en acción a uno de los mejores personajes tras las bandejas que nos ha dejado está música y marca el inicio de una lluvia de creadores provenientes de uno de los países que mejor han entendido la música negra en América. 4. Dillinja – Cybotron (2001) FFRR En los primeros dosmiles no había duda, Dillinja era uno de los más grandes del Drum and Bass, un nombre que fuera de la escena a muchos pudiera parecer extraño, pero para los propios y entendidos es un imprescindible. Para esos años ya había remezclado a Bjork, David Bowie, Everything But a Girl y Amon Tobin; a la par de desarrollar un toque único para hacer de sus bajos subsónicos una marca indiscutible, misma que por años lo ha tenido en el pedestal como uno de los mejores oídos que en estudio tiene esta música. 5. LTJ Bukem – Logical Progression Japan Live (2002) Good Looking Records LTJ Bukem ya era un consagrado, la gente ya perfectamente ubicaba Music, Atlantis y algun otro de sus tracks clásicos. Aun así toma especial significado la sesión en vivo de 2002 donde el sonido liquid funk se metió de lleno a Good Looking Records, está mezcla le dio al funk liquido un halo único de refinamiento y finura jamás visto, todo de la mano de grandes productores como Makoto, Big Bud, Greg Packer y por supuesto la aterciopelada voz de MC Conrad. Por cierto este mix incluye el remix de LTJ Bukem a The Essense de Herbie Hancock, una pieza de colección para los junglists más funkys. 6. DJ Hype – Dubplate Killaz (2004) Ganja Records Antes de que esto se llamara Drum and Bass DJ Hype ya estaba ahí. Un personaje que prácticamente ha visto toda la evolución de los breakbeats en Inglaterra y ya para 2004 todo un veterano, promovió en su sello Ganja Records una fusión nunca antes escuchada. La potencia del hard step, lo jugueton y festivo del Jump Up con las raíces del Ragga Jungle más rasposo para conjuntar un acoplado en el que aparecerían productores clásicos como DJ Hazard, Potential Bad Boy, Phantasy y Majistrate. El Jump Up nunca había sonado tan increíble, tan del barrio, tan potente. 7. Black Sun Empire – Driving Insane (2004) Black Sun Empire Recordings Si hoy escuchamos la música que se cataloga como Neurofunk y lo comparamos con los lanzamientos que a finales de los noventas eran etiquetados con ese mote veremos sendas diferencias. Sin duda el combo holandés y sus evidentes influencias del techno industrial crearían un nuevo código y lenguaje en las pistas, uno en donde muchos productores de la Europa continental se sintieron mucho más cómodos. En Driving Insane aparecen inéditas líneas melódicas, arpegios más cercanos al hard elektro y basslines crujientes que sorprendieron a una generación, colaboran en el disco nombres clave de la época como SKC, Concord Dawn, Ill Skillz, Benjie, Chris SU y Rawthang. 8. DJ Zinc & Friction – Bingo Sessions Volume 1 (2004) Bingo Beats Zinc es uno de los personajes más importantes de la música británica bailable durante los últimos 27 años. En 1995 se erigió con Super Sharp Shooter un himno de la era Jungle editado en Ganja Records. Con 138 Trek en 1999, dio forma al breakstep una fusión entre drum and bass y uk garaje que fue la

20 discos esenciales de Drum & Bass Leer más »

Scroll al inicio