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Entrevistas

Cárpatos, electrónica densa y bailable naciente de Guadalajara

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Cárpatos es un joven productor de Guadalajara que por fin estrena su primer sencillo en este 2020 y dentro de poco tiempo su EP completo debut, reseñamos su música y platicamos con él en una breve entrevista para conocerlo más a fondo. Cárpatos estrena un tema contundente como “Father Time”, de tintes dance pero también industriales sin ser tan evidentes, ya que se nota una síntesis de exploración conjugada y mezclada muy bien. Tiene muchos ganchos para atrapar a los oyentes, con ritmos de impacto y progresiones interesantes. Esta es la entrevista que tuve con él para adentrarnos a su debut. ¿Cuál fue tu visión o desarrollo musical en este debut? Respecto a mi desarrollo musical, siento que este lanzamiento representó para mí, la primera vez que doy el paso a la seriedad en un proyecto musical. Incluso durante la concepción del álbum del que forma parte y la primera fase después de haberlo terminado, seguía en negación respecto al hecho de mezclarlo y masterizarlo, porque lo veía cómo un experimento (aún lo sigo viendo de esa manera). Sin embargo, esto es de lo que quiero vivir y sentí cierta necesidad de encontrar la forma de profesionalizarlo. Respecto a mi visión, supongo que este primer release es la introducción a mi mundo, y por su puesto quería hacerlo un poco más digerible, más familiar al techno mainstream. La tirada es ir seduciendo a la audiencia, para acostumbrarlos al ruido más adelante y hacer de lo no placentero un goce, del vacío existencial algo trascendental. ¿Cuáles fueron tus influencias de cualquier tipo para componerlo? Esta canción, es realmente la única del álbum que se sale por completo del periodo de composición del resto del álbum. Fue compuesta hace 3 años, cuando apenas descargué el Ableton Live en mi computadora e intentaba lograr que lo que hacía dentro de la maquina reflejara lo que sonaba en mi cabeza, ya después decidí reestructurarla un poco y masterizarla para usarla en este proyecto. En aquel entonces estaba escuchando mucho rock psicodélico y progresivo: Captain Beefheart, Pink Floyd, King Crimson, Genesis, etc. Mis influencias de música electrónica de esa etapa eran: Mr. Oizo, Caribou, Daft Punk, ZZT, Gesaffelstein, Modeselektor, etc. De las cuales varias siguen vigentes. ¿De qué estás más orgulloso de por fin lanzarlo tras ese proceso? Me siento orgulloso, de haber continuado fiel a lo que me gusta hasta este momento, de haber sido disciplinado todo este tiempo, y de poder condensar todo lo que he absorbido y me ha afectado de forma positiva o negativa en un producto que representa lo que soy, y lo que pienso.

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Microscopia Musical, entrevista con Inés Gutiérrez de Cirrina Lab

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  Inés Gutiérrez es periodista de ciencia y una artista visual dedicada el mundo de la microscopia musical y otras ramas, su trabajo como creadora explora imágenes absolutamente espléndidas, y encima, creó su propio laboratorio para que ese mundo se ilumine cada vez más: Cirrina Lab. Platiqué con ella para conocer su presente y su futuro partiendo del pasado. ¿Cómo fueron tus inicios como creadora?   Todo empezó a finales del 2015 cuando un amigo me enseñó el teaser del álbum Immunity de Jon Hopkins. El vídeo del teaser eran puros timelapses del crecimiento de cristales de azúcar filmados con un microscopio. Me voló la mente. Justo en ese momento yo estaba a la mitad de mi carrera de Biología en la UNAM y todo el tiempo usábamos microscopios en los laboratorios para ver distintas cosas, como hongos, bacterias y cosas así; entonces pensé que yo podría hacer algo como el vídeo. Al poco tiempo contacté a mi amiga Florencia Díaz, que es una fotógrafa increíble, y le platiqué la idea de que hiciéramos un proyecto de arte visual a través de microscopios. Igual que a mí, le emocionaba muchísimo la idea, pero no sabíamos bien de dónde íbamos a sacar los microscopios, ni qué íbamos a grabar.     Más o menos por esas épocas iba un día caminando por el edificio de biología de mi facultad (la Facultad de Ciencias de la UNAM) y vi un letrero en una puerta que decía “Microcine” y pues me sonó justo a lo que queríamos hacer. Toqué la puerta y me abrió Alejandro Martinez Mena, el director de ese laboratorio, me platicó lo que hacían y me enseñó los microscopios que tienen. Le platiqué mi idea y me dijo que todo le sonaba muy bien, menos porque yo en realidad no tenía ninguna experiencia con la fotografía microscópica. Entonces, me sugirió que tomara su clase optativa (que justo era sobre fotografía macro y microscópica) y que luego veíamos. Entonces me inscribí, tomé la clase y pedía tiempo extra en el lab para practicar e ir agarrándole la onda a la composición de imágenes y a la parte técnica de montar la cámara en el microscopio.    Y ya, al poco tiempo me escribió mi amiga Paulina Olea que tiene un proyecto de música electrónica que se llama Amnl Prnt y me pidió que le hiciera la portada y unos visuales. Para entonces ya era muy amiga de Alejandro, entonces empecé a grabar cosas como espermatozoides de rata, aprendí a cristalizar vitamina C y además me hice amiga del director del Acuario de mi facultad que me regalaba (y sigue regalando) microorganismos acuáticos, como los seamonkeys. Después Ana Druker, una amiga que es artista y también le hace a los visuales, me enseñó a usar Resolume Arena, un software para mezclar vídeo en vivo. A partir de ahí empecé a colaborar más y más con artistas músicos.  ¿Qué visión sentimental o inspiración encuentras en al arte visual que has hecho? Para mí, el arte que hago es una manera de comunicar lo que siento cuando veo y entiendo el universo microscópico. Es como un homenaje a esa dimensión. Siempre me ha parecido que aunque son organismos y procesos de los que rara vez nos enteramos (porque literalmente no los podemos ver), tienen su propia historia que es igual de compleja y fascinante que la historia de lo macroscópico. De hecho sin lo microscópico no existiríamos nosotros, la materia y los seres vivos estamos hechos de partículas o moléculas chiquititas. Entonces sí, creo que el sentimiento principal que mi arte quiere comunicar es ese asombro por las vidas y procesos del microcosmos. El punto es enseñar en pantallas enormes lo gigante que es lo diminuto para mí. ¿Cómo nace la necesidad de crear Cirrina Lab y con qué objeto? Creo que en general mi propósito de vida es comunicar la ciencia a los demás. Para mí el pensamiento crítico y la ciencia deberían de ser parte fundamental de la vida de las personas, no solo porque es importante cuestionarnos sobre las cosas que nos rodean, sino porque tiene un lado que a mí me ha inspirado mucho y me recuerda con frecuencia a ser humilde ante lo enorme que es la vida fuera de los seres humanos. Cirrina Lab es una forma de comunicar la ciencia pero de una forma subjetiva o indirecta. No es un texto clavadísimo en donde te explico equis cosa sobre los quehaceres de la ciencia, son imágenes abstractas que a veces se entiende que vienen de algo microscópico y a veces no, pero que según yo evocan esa curiosidad por entender lo que estás viendo. Mi objetivo es invitar a la gente a sentir lo chido que siento yo cuando me asomo por un microscopio. La influencia de la Microscopia es muy recurrente en tu trabajo, ¿qué es lo más emocionante de explorar ese mundo? Lo más emocionante de explorar el microcosmos es que es inagotable y siempre es nuevo. Un ejemplo es en la cristalización; puedes tener una solución de una sustancia, como la vitamina C, que sea idéntica siempre, con las mismas proporciones y así, pero cuando la pones a cristalizar, el resultado siempre es diferente; los cristales nunca crecen de la misma forma. Además en la microscopía hay muchísimas texturas y colores que son únicos de las cosas que tienen ese tamaño, lo cual me da mucha materia prima para crear imágenes visuales interesantes. Además me parece una locura que en una sola gota puedan estar pasando tantas cosas, que en un espacio tan chiquito haya lugar para tantos procesos, interacciones, organismos. Cuéntame un poco sobre como es el proceso cuando colaboras con algún otro artista o músico y con quiénes lo has hecho, ¿importa la música? ¿escuchas la música primero para crear ese balance creativo? Mi proceso cuando colaboro con artistas sonoros o músicos puede darse de dos formas: que empiece desde lo auditivo o que empiece desde lo visual. En el primer caso el músico me comparte una

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Carlos Vivanco (Decibel, Bardo Thodol)

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Carlos Vivanco, nacido en la Ciudad de México el 25 de Noviembre de 1955. En los años setentas y principio de los años ochentas toqué en grupos como Atrás del Cosmos, Queso Sagrado, Syntoma y Broken Heart; en 1982 me mudé a la Ciudad de Nueva York, en donde trabajé con grupos como In The Service Of, Kings East, Fist of Facts, Desire, Dense Undergrowth, Devils Breakfast, Matahari, Like Wow, Muse Mob, Zenith, Monster, Andromeda Crash y Night Shade. Trabajé en colaboraciones con Hector Zazou y Harold Budd, Elliott Levin, Keith Macksoud, Bettina Koster, Barbara Gogan y muchos más. Al final de los años ochentas y durante los años noventas trabajé componiendo música para televisión Estadounidense y Alemana, como PBS, MTV, Cartoon Network, Bravo Network, Fax TV, Chanel1, Viacom y algunos “Jingles” para marcas como Coca-Cola, Pepsi, Liberty ScienceCenter, AT&T, Reebook, Toyota, J C Penny, MCI, Mc Donalds, etcétera. Actualmente trabajo con Decibel, Bardo Thodol y Kathmandu Ensemble.   En esta serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Carlos Vivanco, uno de los más grandes y excepcionales músicos que ha tenido la Ciudad de México.   1- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? Paul Desmond, John McLaughlin, L. Shankar, Ravi Shankar, Anoushka Shankar, Zakir Hussain, T.H. Vikku, John Coltrane. Miles Davis, Dennis Charles, Bela Bartok, J.S. Bach, Cecil Taylor, Duke Ellington, Johnny Hartman y muchos mas.         2- Artista nacional más emocionante actualmente… Ana Ruiz, Alex Eisenring, Walter Schmidt, Carlos Robledo, Adriana Camacho, Ramses Luna, Luis Bishop Murillo, José Alvarez, Humberto Alvarez y muchos, muchos mas.       3- Disco que marcó un antes y un después en tu vida. Time Out –  The Dave Brubeck Quartet     4- Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación. Stockhausen – Mantra  y John McLaughlin – The Essential Mahavishnu Orchestra       5-. Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer. Fax +49-69/450464     6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué? De J.S. Bach hasta la fecha, la revolución musical no ha parado y no parará, la música es parte inherente de la vida.     7- Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgulloso. Hector Zazou & Harold Budd  – “Glyph”     8- Canción que te recuerda a tu adolescencia. Piece of my Heart de Janis Joplin     9- Anécdota junto con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño. Esto sucede en la ciudad de Philadelphia en 1993, en una gira con un grupo llamado Like Wow, en el publico había solo un par de trabajadoras del sexo y su representante, no nos importó la falta de público y tocamos de todas formas, al finalizar una de ellas se nos acercó al escenario y nos dijo: “You guys really suck”.   10- ¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que tienes de haber asistido a un concierto en vivo, cuál, quién y cuándo fue? De 1982 al 1999 salí casi diario de noche a conciertos en la ciudad de Nueva York, no sé cuántos pero todos fueron muy gratos recuerdos, aunque uno de ellos que recuerdo con cariño, fue en Music Factory y tocaba The Unsane con Clint Ruin, me visitaba mi amigo Alex Eisenring, y fuimos juntos por lo que aún lo guardo en mis recuerdos.     Idea original: Rob Anaya.   Edición de foto y diseño visual: Ozz Ramos.

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Entrevista con Julia De Castro, descubriendo a La Historiadora

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Julia De Castro nos presenta su primer disco como solista y está producido por Camilo Lara del Instituto Mexicano del Sonido. Julia desde España alza la voz en pro de los derechos de la mujer a través del arte y con historias que contar. Julia ha encontrado un escape creativo en géneros y ritmos como la cumbia, la música electrónica y el synthpop, entre otros.     La Historiadora es un disco ecléctico, un viaje con mensaje, recuerdos y experiencias, pareciera poético pero así es la vida misma. Y después viene la parte que musicaliza y va más hacia el paraíso de la parte alegre, porque las texturas sónicas son esas, de alegría y energía, sutiles y poderosas a la vez, es un disco genialmente producido y que en sonido logra su cometido, un debut que destaca por su pureza. Platicamos con Julia De Castro sobre su debut a continuación.     1.-La Historiadora es un disco fuerte y potente y de conciencia, ¿qué tanto te define cómo artista y porque sigue siendo importante contar ese tipo de historias a través de la música?   Las historias que se narran en el disco son importantes para mí, no considero que deban ser relevantes para otros y si lo son es halagador. La música no tiene por qué tener un mensaje, respeto mucho el propio goce musical sin querer profundizar en las letras, pero si resuenan mis narraciones en alguien y las hace suyas, si le parecen importantes creo que es un ciclo bellísimo que se cierra. Considero que una vez que lanzas el disco ya no te pertenece. Creo que el apropiacionismo es la posición ideal del oyente, es tan real lo que sienten al escucharlas como mi propia biografía. Hace unos días desde Bruselas un artista Angoleño Ilton K. Do Rosario me contaba sus impresiones con la canción LA ALEMANA. Su descripción de lo que para él contaba el tema no se parecía en nada a mi historia, y me encantó, el relato ahora es suyo.   2.-Las capas sonoras y ritmos no siguen una línea constante y eso lo sigue interesante, hay varias influencias musicales, ¿cómo fue el proceso de grabación para obtener algo así de ecléctico?   Muy orgánico y libre, como bien dices no sigue una constante al uso y refleja fielmente mi proceso creativo. Ana Folguera, amiga y critica de arte, define mi metodología como “Cabotaje Musical”. Cabotaje era la técnica de navegación cuando no había mapas y los barcos iban de cabo a cabo cerca de la tierra porque si no se perdían. Así, este disco mantiene la identidad de mis letras: explícitas, biográficas, donde trato temas nucleares para mí como el placer o la ausencia del mismo, y al mismo tiempo está impregnado de los ritmos y sonoridades donde me encontraba.     3.-Camilo Lara (IMS) es un increíble productor, ¿cómo fue trabajar con él y que aportó a tu música?   Ahora con perspectiva puedo decir que el éxito de Camilo como productor reside en una psicología profunda con el artista. Es capaz de descifrar el tipo de producción que requiere el disco mucho antes que el propio músico. La Historiadora se ha gestado durante cuatro años de nomadismo y las canciones se han grabado en distintos estudios con músicos autóctonos ya fuera en Arizona, Italia, España o México.   Camilo entendió perfectamente cuál iba a ser el proceso y nunca tuvo prisa, nos íbamos comunicando y cuando yo tenía el impulso de cerrar un tema o coincidíamos en una ciudad grabábamos la canción. Ya fuera en una gira suya europea, como ocurrió con Arde Madrid que se grabó en Roma o que yo me desplazara por proyectos a Ciudad de México, como fue el caso de Mis Amigas y Ríndete.   4.-Juan Gabriel es uno de los artistas más excepcionales que han existido, ¿cómo nació la idea del cover y por qué esa canción es importante para ti?   Cierra el disco una versión muy personal de “Hasta que te Conocí”, es una osadía que me permito como homenaje a uno de los músicos que más me ha influenciado y al que recurro en momentos de duda. Juan Gabriel es inabarcable, me ha enseñado que lo excesivo es tan valioso como lo sintético. Que un gesto pequeño en mitad de una canción puede elevar a otro nivel el concierto en directo. Este disco le debe mucho a México, yo me he nutrido en cada visita, es mi manera de agradecer a lo que este país me ha regalado.     5.-¿Cómo manejas ese equilibrio de plasmar tus ideales en la música que haces? Sobre todo en algo tan importante como tu disco debut.   No sabría componer de otra forma que no fuera a través de lo que me inquieta, lo que me conmueve, la incomodidad y también la celebración de mis errores y mis conquistas. Decirte que es un disco tan mío como lo fue Virgen, el álbum de De La Purrissima, donde era otra etapa vital y otros los temas, pero igual de necesarios que los de La Historiadora.

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Entrevista con Dani sobre Veinte, un disco sobre miedos e inquietudes

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Dani es apenas una chica de veinte años que combina distintos mundos musicales para darle vida a su estilo, además de su labor como compositora, toca la guitarra y los teclados y viene de una familia musical. Sus padres son los integrantes de Aerolíneas Federales y su tío es de Siniestro Total.     El disco Veinte de Dani suena moderno, es a menudo un pop de comprensión digerible pero sólido, fluido y armónico, un viaje directo a contar emociones y experiencias, mediante sintetizadores y tonalidades melódicas llenas de colorantes abrazando al “yo” interior de quien lo escucha. Electrónica pop que se va inflando durante el transcurso del disco, lo cual resulta bastante ameno al terminar de escucharlo por completo. Y para adentrarnos más al mundo de Veinte, platicamos con Dani sobre el proceso de composición y vivencias.   1.-Veinte es un pop conceptual, fluido y armónico, ¿cuál fue la inspiración para componer el disco?   Veinte son canciones que cuentan pequeñas historias sobre miedos, inquietudes, pensamientos y reflexiones que he ido experimentando en los últimos años. Refleja cómo fue mi paso de la adolescencia a la “vida adulta“ y presenta mi mundo interior. A pesar de eso, creo que todas las personas, sea cual sea su edad pueden sentirse identificadas con las canciones del disco.   2.-Las letras parecieran contar historias personales con las que muchos podrían identificarse, ¿qué equilibrio hay entre lo que viviste y el resultado final planteado en cada canción? Las canciones están inspiradas en sentimientos e historias que he experimentado yo, y otras que han experimentado personas muy cercanas a mí y que por lo tanto, de una forma o otra, me he visto involucrada en ellas.     3.- “Dónde Estás” es sin duda uno de los temas clave del disco, ¿qué nos puedes contar sobre el proceso de quienes estuvieron involucrados en los remixes para ese tema?   Dónde estás es el 3 adelantó que estrenamos del disco y decidimos hacerlo en pleno confinamiento mundial ! Aunque es una canción que se terminó mucho antes de que existiese el COVID, su letra en ese momento podía reflejar el sentimiento de muchas personas. Más adelante decidimos estrenar el EP “dd sts rmxs” en el que participaron Daniel Daniel, Rusowsky, ALKE y Carzé, unos artistas muy guays a los que admiro muchísimo.     4.-¿Cómo fue crecer entre tu gran familia musical pero al final sonar a tu propia visión? Es un gran mérito ese, me parece.   Creo que haber crecido en una familia tan musical me ha enseñado a ver la industria de la música de una forma muy realista, siendo muy consciente de lo difícil que es vivir y sobre todo sobrevivir en ella. También gracias a la educación musical recibida en casa aprendí a apreciar todos los estilos de música, tener un amplio cajón de referencias y gracias a eso haber podido crear mi propio sonido y estilo, con pocas cosas en común al que tenían mis padres en su grupo.   5.-¿Cómo es ser un artista pop electrónica en plena pandemia y 2020, pros y contras? Desde la intimidad de tu arte. Es algo muy raro. Ha tenido cosas malas a nivel interior ya que la situación que estamos viviendo es algo muy duro de entender e interiorizar. Pero a nivel “profesional” no me puedo quejar. A pesar de todo he podido sacar mi disco adelante, estoy empezando a tener conciertos y a planificar nuevos proyectos.  

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Laura González (Memory Leak)

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  Mi nombre es Laura González, nací en Octubre de 1989. Mi pasión siempre ha sido la música. Compongo, toco y me dedico a eso en mi tiempo libre. Mi trabajo de oficina es ser Directora de Ingeniería en una plataforma de Software. Soy parte de la agrupación Memory Leak, una banda de shoegaze de Tijuana, México. Actualmente vivo en San Diego, California, lo cual me ha servido para ser parte y unir la escena musical de ambas culturas tan cercanas.   En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Laura González de la banda de shoegaze Memory Leak, con base en Tijuana.   1- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? Yeah Yeah Yeahs,  su simplicidad, energía y versatilidad despertó una pasión en mí, comencé a ir a más shows, festivales y hasta me inspiró a aprender tocar guitarra. Karen O fue un símbolo de poder y fuerza femenina en mi adolescencia, me hizo darme cuenta que puedes ser punk, emocional, fashion y simplemente ser tú en el escenario.     2- Artista nacional más emocionante actualmente… Lorelle Meets the Obsolete, originarios de Guadalajara pero actualmente residen en Ensenada, Baja California, una ciudad muy pequeña con mucho talento y que tiene una fuerza mágica que me hace sentir en casa. Su fuerza DIY  los ha llevado lejos, esto es algo que admiro bastante y cualquier artista sabe apreciar.     Ellos han sido parte de esta ola de artistas nacionales en la onda “psicodélica” o “psych” que ha surgido en los últimos años en México, cada banda con sus distintos matices y sonido propio. Desde el Kraut, pasando por el shoegaze, noise y llegando hasta el psyviolence. Incluyendo artistas como Lorelle, Diles que no me Maten, Sei Still, Le Ra, Sadfields, El Shirota, Tajak, xHendrix, Mint Field, entre muchas otras. Incluso tenemos nuestra promotora nacional dedicada a este género, Hipnósis. Ellos han estado organizando shows y festivales muy buenos.     3-Disco que marcó un antes y un después en tu vida. Souvlaki de Slowdive, este disco llegó en una etapa cuando estaba descubriendo el shoegaze y me sumergió en él totalmente. Las capas de sonido siempre han sido mi debilidad, fueron mi inspiración para comenzar a componer, explorar sonidos e instrumentos — en especial pedales y todo esto me conllevo a formar mi actual banda.      4-Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación. El trip hop es mi mezcla perfecta entre ambient y electrónica, álbumes como Mezzanine de Massive Attack  y Dummy de Portishead, es mi “electrónica” ideal.       En cuanto al rock, Yeah Yeah Yeahs y su Fever to Tell me hizo amar la explosividad y sencillez de guitarras con ese toque femenino. Con Sonic Youth y el Daydream Nation descubrí la hermosura de guitarras desafinadas. Y para finalizar My bloody Valentine con  Loveless, me hizo amar esas distorsiones con reverb que saturan tu cuerpo, mezcladas con esos vocales que generan armonías más que letras en una canción.       5-. Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer. Sargent House, basada en los Ángeles, California. Es una disquera que alberga artistas como Chelsea Wolfe, Boris, Russian Circles, etc. Está liderada por Cathy Pellow, otro icono e inspiración para mí que a lo largo de su trayectoria, se ha dedicado a tratar a sus artistas como su familia y su motivo es el amor a la música. Siempre ha sido activista para causas sociales fuera de la industria musical. Por otro lado, 4AD, Kranky, Sarah Records tienen un lugar muy especial en mi corazón e influencia.     6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué?   La presencia femenina latina e hispanoamericana en géneros como el reggaeton y el trap ha marcado una nueva etapa de liberación, poder y seguridad de la mujer alrededor del mundo. Es admirable ver esta fuerza llegar a distintos tipos de culturas. Siempre ha habido movimientos promoviendo esto, especialmente en el punk y riot grrrl. Pero nunca ha llegado a un top 40 a cada rincón del mundo.   7-Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgullosa.   La composición y producción del nuevo sencillo de Memory Leak  – Gravedad, muestra madurez musical de mi parte y estoy muy contenta con el resultado. También acabo de iniciar un otro proyecto alterno con una amiga, el proyecto se llama Breathe bb (babe/baby/bebé) nuestra visión es salirnos de nuestra zona de confort musicalmente, experimentar con otros instrumentos, aprender a grabar y masterizar desde cero, romper estereotipos musicales y de género en el proceso que conlleva hacer música. Queremos demostrar que no hay barreras para aprender, componer y producir cuando se quiere sin importar tu profesión principal, ella es científica y yo ingeniera pero compartimos pasión a la música y al aprendizaje.          8-Canción que te recuerda a tu adolescencia.   The Cure – Friday I’m in Love, crecí con esta canción en mi camino a la escuela, la pasaban todo el tiempo en la estación de radio alternativa de la región. The Cure es y será una de mis bandas favoritas de todos los tiempos que ha roto estereotipos y llegado al corazón de muchas generaciones sin importar la tendencia musical. He tenido la fortuna de verlos en vivo, y ha sido de las bandas que me han puesto la piel erizada y sacado unas cuantas lágrimitas de lo hermosa que es su música.     9-Anécdota junto con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño. Nuestro primer tour por California fue con nuestra banda hermana de San Diego, Quali. Me hizo ver lo bonito de la fuerza DIY.

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Carlos García (Década 2)

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Mi nombre es Carlos García, me he dedicado desde 1978 a la música (principalmente música electrónica) con agrupaciones como: Glissando, Old Fashioned, Volti, Silueta Pálida, Década Hoy, Década 2, OF, además de varios proyectos personales. En esta serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Carlos García, un ente precursor de la música electrónica en México. 1.- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música?   Cuando yo tenía 15 años compré mi primer disco de rock y fue A Night at the Opera de Queen, lo escuchaba día y noche y gracias a ello después compré una Revista Sonido que tenía un reportaje de Queen. Desde ahí compraba siempre la revista y conocí a muchas bandas de Rock Progresivo y experimental que me gustaron, fue entonces que decidí hacer mi primer grupo Glissando de música experimental, para después contactar a Walter Schmidt por medio del directorio de la Revista Sonido y mostrarle personalmente mi música. Esto fue el parteaguas para todo lo que vino más adelante en mi historia por el mundo subterráneo de la música en México y en el resto del mundo.   https://www.youtube.com/watch?v=COZg9utGiIc   2-Artista nacional más emocionante actualmente…   Ramón Amezcua, tanto con su proyecto solista, como con Bostich-Nortec, a pesar de llevar ya un buen rato en la escena electrónica mexicana, no deja de sorprenderme con sus nuevas realizaciones.     3-Disco que marcó un antes y un después en tu vida.   Realmente son muchos, pero si tuviera que elegir uno sería el Vienna de Ultravox, pues la primera vez que lo escuché en 1981 en casa de Charly Robledo, tecladista de Decibel y Size, me impactó al grado de cambiar el estilo musical experimental que venía haciendo con Glissando, hacia las corrientes más electrónicas rítmicas, que desarrollé tiempo después con mi grupo Old Fashioned.     4-Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación.   De música electrónica: The Man-Machine de Kraftwerk, de rock: Closer de Joy Division,       5-. Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer.   Wax Trax! Records, por todo su catálogo y todo lo que representó para mí desde mediados de los 80’s.     6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué?   Considero la última revolución musical (en cuanto a la música electrónica que es mi terreno), toda esa música que comenzó a aparecer a principios del año 2000, llámesele: glitch, click, minimal click, clicks’n cuts, etc., con sellos discográficos como Mille Plateaux principalmente.   https://www.youtube.com/watch?v=58LvNaMSPu0   7-Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgulloso.   El disco de Silueta Pálida, por ser un proyecto muy personal y por todo el esfuerzo que significó producirlo en 1984.     8.-Canción que te recuerda a tu adolescencia. Don’t You Want Me de The Human League.     9.-Anécdota junto con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño.   Pues sería una anécdota que recuerdo con cariño, pero también con tristeza, fue cuando se realizó el primer concierto de Front 242 en México en 1991 en el Teatro Ángela Peralta, Década 2 iba a abrir los 2 conciertos pero el primero comenzó tarde y sólo tocó Front 242, al otro día acabando de hacer nuestra prueba de sonido, platiqué con los miembros de Front 242, sobre todo con Patrick Codenys y todo iba perfecto hasta que nos llegaron a avisar que se cancelaba el concierto y tuvimos que salir del Ángela Peralta inmediatamente, acompañamos al grupo belga hasta el Aeropuerto y ahí continuamos con la plática, aunque ya más preocupados por la situación que había pasado.     10- ¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que tienes de haber asistido a un concierto en vivo, cuál, quién y cuándo fue?   Definitivamente el primer concierto de Kraftwerk en México el 16 de noviembre del 2004, lo considero el mejor concierto que he presenciado en mi vida, fue impresionante verlos tocar sus grandes temas durante más de 2 horas, con los cambios de vestuarios e incluyendo a sus icónicos robots.   Idea original: Rob Anaya.   Edición de foto y diseño visual: Ozz Ramos.

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Anna Von Hausswolff y su disco All Thoughts Fly, álbum de instrumento para órgano tubular

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La artista de vanguardia darkwave Anna Von Hausswolff ha anunciado un nuevo álbum de instrumento para órgano tubular. Se titula All Thoughts Fly y sale a través de Southern Lord. Von Hausswolff explica en un comunicado de prensa: “Hay una tristeza y un desierto que me inspiraron para escribir este álbum, también una eternidad. Creo que este parque ha sobrevivido no sólo por su belleza sino también por la iconografía, se ha liberado de ideas e ideales predecibles. Las personas que construyeron éste parque realmente liberaron sus mentes e imaginación. Todos los pensamientos vuelan, es un homenaje a esta creación y un esfuerzo por articular la atmósfera y los sentimientos que este lugar evoca dentro de mí. Es una interpretación muy personal de un lugar que me falta las palabras para describir. Me gustaría creer que Orsini construyó este parque monumental por el dolor de su esposa muerta, y en mí “Sacro Bosco” usé esta historia como un núcleo para mi propia inspiración: el amor como base para la creación”. Esta la lista de canciones que tendrá el álbum. Theatre Of Nature Dolore Di Orsini Sacro Bosco Persefone Entering All Thoughts Fly Outside The Gate (For Bruna)

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