Depósitio Sonoro

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La innovación sonora de Onda Tropical: un análisis técnico de la obra de Rodrigo Martínez Torres

El concierto Onda Tropical, compuesto por Rodrigo Martínez Torres para acordeón diatónico y banda sinfónica, representa un punto de intersección entre la música tradicional latinoamericana y la composición contemporánea. Diseñado específicamente para la solista La Coreañera y el Ensamble de Dartmouth College bajo la dirección del Dr. Brian Messier, la pieza no solo desafía los límites del acordeón dentro del repertorio sinfónico, sino que también introduce un enfoque estructural innovador basado en patrones de onda. Desde una perspectiva técnica, la obra se compone de tres movimientos: Rebajado, Cristalino y Rayado, cada uno con características armónicas, rítmicas y texturales distintivas. En Rebajado, Martínez Torres utiliza armonías expansivas y tempi ralentizados que evocan la estética de la cumbia rebajada, un subgénero caracterizado por su cadencia pausada. Este movimiento hace uso extensivo de registros graves en la instrumentación de alientos, generando una sensación de profundidad y resonancia. El segundo movimiento, Cristalino, se distingue por su delicada textura sonora, con un uso prominente de polifonías y transiciones modales. La orquestación aquí se orienta hacia efectos de timbre y color, donde la combinación del acordeón diatónico con los vientos de madera y las cuerdas altas crea una sensación etérea, inspirada en la resolana del ocaso. Finalmente, Rayado representa el clímax rítmico del concierto. En este movimiento, Martínez Torres incorpora patrones sincopados y repeticiones inspiradas en la textura del vinilo desgastado. El uso de glissandi en la sección de alientos y la alternancia entre diferentes subdivisiones del pulso dotan a la pieza de un carácter enérgico y vertiginoso, evocando la esencia de la cumbia sonidera y sus transiciones estilísticas. A nivel técnico, Onda Tropical demuestra la capacidad del acordeón diatónico para integrarse en una estructura sinfónica sin perder su esencia popular. La interacción entre la solista y la orquesta está diseñada para destacar la riqueza del instrumento, mientras que la obra en su conjunto funciona como un puente entre la tradición sonidera y la música de concierto contemporánea. Con su reciente presentación en el Jordan Hall del Conservatorio de Nueva Inglaterra, Onda Tropical se consolida como una obra innovadora dentro del repertorio latinoamericano, con un tratamiento compositivo que desafía las convenciones tanto de la música sinfónica como de la cumbia tradicional.

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Blaiz Fayah lleva el shatta al siguiente nivel con Shatta Ting

El dancehall sigue evolucionando, y Blaiz Fayah es uno de los artistas que está marcando la pauta. Con el lanzamiento de Shatta Ting, el francés vuelve a demostrar que no tiene competencia cuando se trata de hacer vibrar a la gente. Su estilo inconfundible y su capacidad para fusionar géneros lo han convertido en una figura clave dentro de la escena urbana global, y este nuevo álbum es una prueba más de su dominio absoluto. Shatta Ting está cargado de ritmos contundentes y colaboraciones explosivas, como “Money Pull Up” junto a Maureen y “Whole A Dem” con Le Jèm’ss. Pero lo que realmente hace especial a este proyecto es su enfoque en el shatta, un sonido caribeño que ha ido ganando cada vez más terreno en la música urbana y que Blaiz Fayah ha sabido llevar a una audiencia global. La energía del álbum es pura adrenalina, con beats que invitan a moverse desde el primer segundo y letras que encapsulan la esencia festiva y rebelde del género. Las cifras de Blaiz Fayah hablan por sí solas: más de 3,6 millones de oyentes en Spotify, 275 millones de reproducciones en la plataforma y un impacto masivo en TikTok. Cada lanzamiento suyo se convierte en tendencia, y Shatta Ting no será la excepción. “Money Pull Up” ya ha generado un nuevo challenge en redes sociales, con miles de usuarios replicando los pasos de baile que acompañan la canción. Además, su tema “Bad” sigue sumando reproducciones y consolidándose como un himno de las fiestas alrededor del mundo. El tour de presentación del álbum recorrerá varias regiones del mundo, incluyendo Europa, Canadá, África y Latinoamérica. Para los fans del dancehall, esta es una oportunidad imperdible para ver en vivo a uno de los artistas más importantes del momento. Sus shows son una combinación explosiva de energía, luces y baile, llevando la experiencia del shatta a su máxima expresión. El punto culminante de la gira será un concierto épico en el Olympia Hall de París el 31 de enero de 2026. Este evento no solo marcará un momento clave en la carrera de Blaiz Fayah, sino que también reafirmará su posición como un líder indiscutible en la escena dancehall global. Si Shatta Ting ha logrado consolidar su sonido en el estudio, en el escenario promete ser una experiencia inolvidable. Con este álbum, Blaiz Fayah no solo mantiene su reinado en el dancehall, sino que eleva el shatta a nuevas alturas, asegurando que el género siga creciendo y conquistando nuevas audiencias en todo el mundo.

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Paisajes sonoros que desafían géneros: vōx presenta “All My Best Friends Are Ghosts”

La música de vōx entreteje temas de neuro divergencia, discapacidad y resiliencia con paisajes sonoros que desafían los géneros. Su esperado álbum debut después de varios años de carrera, All My Best Friends Are Ghosts, que saldrá a la venta el 9 de abril, es una exploración profundamente personal de la identidad, influida por experiencias como el dolor crónico, el autismo y la búsqueda humana de la conexión. vōx (voz en latín) es una artista innovadora cuya obra ha causado sensación en el mundo del avant-pop desde 2016. A lo largo de su trayectoria ha recibido elogios de la BBC, KCRW, Vogue, NYLON, Consequence, Stereogum y cautivado multitudes en Sónar Barcelona, MUTEK Tokyo y como acto invitado de 4 noches de Kraftwerk en Berlín vōx es reconocida por su profundidad emocional, vulnerabilidad vocal y sonido envolvente, recordando proyectos como FKA Twigs y Caroline Polachek. Su nuevo single “All My Best Friends Are Ghosts” es homónimo a lo que será su álbum debut, una exploración profundamente personal sobre la búsqueda humana de la conexión.  Todos los adelantos que ha dado vōx de este nuevo álbum narran en orden cronológico momentos clave en su vida, los cuales le han permitido confrontar sus traumas y así encontrar poder en su vulnerabilidad. Aquí les compartimos la entrevista que tuvimos con vōx:  Depósito Sonoro: ¿Cuál fue tu despertar musical? ¿Qué escuchaste cuando eras joven, que te hizo pensar y sentir sobre una vida en la música?  vōx: Me encantó la música desde muy joven, y estuve en coro y orquesta desde que era niña. Empecé escribiendo poesía, y la poesía finalmente se convirtió en letras. No fue hasta que fui adolescente que empecé a descubrir artistas femeninas indie que no tenían el tipo de voces en la radio en ese momento (que eran voces como Christina Aguilera o Beyoncé e incluso en la radio alternativa todavía tenías grandes voces como Avril Lavigne, Evanescence o No Doubt). Encontré Saddle Creek Records y me encantaron Azure Ray y Rilo Kiley. Algunas otras de mis primeras influencias como adolescente fueron Tori Amos y Feist. DS: ¿Cuáles fueron tus mayores influencias a lo largo de tu carrera?  vōx: Las artistas indie femeninas que descubrí cuando era adolescente fueron una gran influencia para que comenzara a trabajar para ser músico, y me dieron confianza para dedicarme a la música como carrera. Fui cantautor durante una década, hasta que decidí crear vōx. Me inspiré en artistas que acababan de llegar a la escena alrededor de 2013, Lorde, Twigs, Kimbra y BANKS. Decidí crear un apodo de una sola palabra, vōx, y centrar mi proyecto en sonidos electrónicos. Creé un nuevo mundo visual, comencé a modelar por primera vez y creé una personalidad fuerte en el escenario con un tipo de actuación completamente nuevo. DS: Cuando no estás haciendo música, ¿qué estás haciendo? ¿Otras pasiones?  vōx: Me encanta leer. Me encanta estar en el bosque. Me gustan las largas caminatas, los baños, comer bollería vegana, abrazar a mi perro llamado Boyfriend. DS: Tus EPs y covers de singles son algunas obras de arte muy chulas. ¿Quién pinta? ¿Por qué este estilo?  vōx: ¡Las pinturas de los singles de mi álbum debut son todas de Roxy van Bemmel! Compartí fotos mías de diferentes edades correspondientes a las historias de cada canción y ella se inspiró en las fotos de cada portada. DS: ¿Qué piensas sobre el clima social y político en el mundo en este momento? Nina Simone dijo que la artista debe expresar los dolores sociales de la época, ¿qué piensas al respecto?  vōx: Definitivamente, mi álbum corresponde a algunos de los dolores sociales de nuestro tiempo. Algunos de los temas son lo difícil que es ser discapacitado y autista, cómo pasamos demasiado tiempo aislados en línea y cómo enfrentamos la disociación y la desesperanza. Mi vocación en la creación de arte siempre ha sido ayudar a otros a enfrentarse a sí mismos, a los lugares donde les duele o les da miedo, y hacer grandes cambios en sus vidas. DS: En esta época de hiperdigitalismo, ¿la escucha profunda se ha visto afectada? ¿Qué álbum le recomendarías a nuestro público que consideraste perfecto, de arriba a abajo?  vōx: Solange, Un asiento en la mesa, sigue siendo la perfección. DS: Para la gente que está a punto de descubrir tu música, y nunca antes te había escuchado, ¿cómo la describirías en una sola frase?  vōx: ¡No se puede contener en una sola frase! DS: ¿Cómo definirías un live show de vox?  vōx : Presencia, vulnerabilidad, gran entrega. Para más info: Spotify Instagram

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Fotoform: La música como refugio en tiempos de incertidumbre

En un mundo donde la incertidumbre parece ser la única constante, la música de Fotoform emerge como un refugio para quienes buscan respuestas en medio del caos. Con su nuevo sencillo, If You Knew / Don’t You Worry, Baby, la banda no solo nos invita a reflexionar sobre la fragilidad de la vida, sino que también nos ofrece un mensaje de consuelo y amor incondicional. La primera parte de la canción plantea preguntas incómodas pero necesarias: ¿Qué harías diferente si supieras que tu tiempo es limitado? ¿Qué es lo que realmente importa? Estas preguntas surgen de experiencias personales, como la pérdida del hermano de uno de los miembros de la banda en un accidente cuando solo tenía 17 años. Este evento lo llevó a vivir con la sensación de tener que hacerlo por dos, preguntándose constantemente qué habría hecho su hermano de manera diferente si hubiera sabido que su tiempo era limitado. Sin embargo, es en la segunda parte donde Fotoform muestra su lado más humano. Con un estribillo que funciona como una canción de cuna (“Don’t you worry, baby”), la banda busca transmitir un mensaje de consuelo y amor incondicional. Este cambio de tono no solo demuestra su versatilidad musical, sino también su capacidad para conectar emocionalmente con el oyente. En un mundo cada vez más caótico, la música de Fotoform es un recordatorio de que, aunque la vida sea impredecible, siempre hay espacio para la esperanza y el amor.

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“Clavel” de Fer Oscos: la música como reflejo de las emociones humanas

En un mundo donde la música comercial parece priorizar la producción masiva sobre la autenticidad, artistas como Fer Oscos nos recuerdan el poder transformador de las canciones que nacen desde lo más profundo del alma. Su más reciente sencillo, “Clavel”, es un ejemplo perfecto de cómo la música puede ser un espejo de las emociones humanas, capturando momentos íntimos y universales al mismo tiempo. “Clavel” es una canción que habla sobre el reencuentro, un tema que, aunque aparentemente sencillo, está lleno de matices y contradicciones. Oscos logra plasmar en su letra esa mezcla de sentimientos que surgen al volver a encontrarse con alguien después de mucho tiempo: el frío y el calor, el nerviosismo y la confianza, la nostalgia y la esperanza. No es solo una canción, sino una experiencia emocional que invita al oyente a reflexionar sobre sus propias vivencias. La producción de la canción, a cargo de Felipe Ceballos, juega un papel crucial en su impacto emocional. Ceballos, conocido por su sensibilidad y expertise técnico, supo complementar la visión artística de Oscos con arreglos sutiles y un paisaje sonoro que evoca una atmósfera íntima y nostálgica. La guitarra acústica, protagonista del tema, se entrelaza con la voz de Oscos para crear una melodía que fluye de manera orgánica, llevando al oyente a través de una montaña rusa de emociones. Pero más allá de su calidad musical, “Clavel” destaca por su capacidad para conectar con el oyente a un nivel profundamente personal. Oscos no solo canta sobre un reencuentro específico, sino que logra universalizar la experiencia, permitiendo que cada quien proyecte sus propias vivencias en la canción. Esa es, quizás, la mayor virtud de su música: su capacidad para ser un puente entre lo individual y lo colectivo, entre lo íntimo y lo universal. Fernando Oscos ha declarado que, para él, la música es una herramienta para elevar la conciencia humana. “Creo que a través de la música podemos conocer íntimamente nuestro ser verdadero y conectar con otros de una manera profunda y significativa”, afirmó el artista. En “Clavel”, esa filosofía se materializa en una canción que no solo se escucha, sino que se siente y se vive. En un contexto social donde las conexiones humanas parecen cada vez más efímeras, “Clavel” es un recordatorio de que hay lazos que trascienden el tiempo y el espacio. Es una invitación a reconectar, no solo con los demás, sino también con nosotros mismos. Sin duda, un tema que merece ser escuchado con atención y corazón.

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Mogwai: “The Bad Fire” (2025) – La reinvención de los paisajes sonoros

La banda escocesa Mogwai, referente indiscutible del post-rock, regresa con su esperado álbum The Bad Fire (2025), un disco que marca una evolución significativa en su ya vasta discografía. Con casi tres décadas de trayectoria, el grupo liderado por Stuart Braithwaite continúa demostrando su capacidad para explorar nuevos territorios sonoros, llevando su característico equilibrio entre la delicadeza melódica y la intensidad abrasadora hacia nuevas alturas. Un poco de historia: los cimientos de Mogwai Formada en Glasgow en 1995, Mogwai rápidamente se posicionó como una de las bandas más influyentes del post-rock, gracias a su enfoque único en la construcción de atmósferas instrumentales. Desde su primer álbum, Young Team (1997), la banda definió un estilo que combinaba la tensión y el minimalismo con explosiones emocionales de guitarra y un fuerte componente experimental. A lo largo de los años, Mogwai ha lanzado álbumes icónicos como: Además de su discografía de estudio, Mogwai ha contribuido con bandas sonoras inolvidables para proyectos como Les Revenants (2013) y ZeroZeroZero (2020), demostrando su habilidad para narrar historias a través de la música. El nacimiento de The Bad Fire Anunciado en diciembre de 2024, The Bad Fire es el décimo segundo álbum de estudio de Mogwai. Este nuevo proyecto, producido por el colaborador habitual Dave Fridmann, combina elementos de sus raíces post-rock con una inclinación más marcada hacia la electrónica ambiental. Según Braithwaite, el título del álbum hace referencia a “la sensación de peligro y renovación que viene con enfrentar lo desconocido”. El disco fue compuesto durante un período de introspección para la banda, marcado por reflexiones sobre la crisis climática, la política global y las conexiones humanas en la era digital. La portada del álbum, diseñada por Dave Thomas, presenta una figura humana desdibujada rodeada de un incendio surrealista, simbolizando la lucha entre el caos y la esperanza. Sonido y temas de The Bad Fire En The Bad Fire, Mogwai amplifica su interés por la música electrónica y los paisajes sonoros expansivos. El álbum transita entre piezas de meditación minimalista y temas más contundentes, con texturas densas que recuerdan sus primeros trabajos, pero con una sofisticación que refleja su madurez artística. El impacto de Mogwai en 2025 A sus 30 años de carrera, Mogwai sigue siendo una fuerza creativa que desafía etiquetas y expectativas. The Bad Fire no solo reafirma su estatus como pioneros del post-rock, sino que también los posiciona como una banda dispuesta a reinventarse constantemente, explorando los límites de lo que significa crear música instrumental contemporánea. Además, Mogwai continúa siendo una referencia cultural importante, influyendo a una nueva generación de artistas. Desde bandas emergentes hasta productores de música electrónica, el impacto de su sonido sigue siendo palpable. Gira y planes futuros Para celebrar el lanzamiento de The Bad Fire, Mogwai ha anunciado una gira mundial que incluirá paradas en América Latina, Europa, Asia y Norteamérica. En México, su presentación en el Auditorio Blackberry promete ser uno de los eventos más esperados del año, con una producción visual que acompañará las nuevas piezas del álbum. Conclusión The Bad Fire es otro hito en la ilustre carrera de Mogwai, un álbum que demuestra cómo la banda continúa evolucionando sin perder su esencia. Con su combinación de introspección, intensidad y belleza, Mogwai sigue llevando al límite las posibilidades del post-rock y dejando una marca imborrable en la música contemporánea.

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Ulyss Regresa con “Ella Siempre”: una nueva etapa en su proceso creativo

El cantante, compositor y productor argentino Ulyss está de regreso con su más reciente sencillo, “Ella Siempre”, una canción que promete conquistar corazones por su frescura, sencillez y una melódica pegadiza que se queda grabada en la memoria desde la primera escucha. Este lanzamiento no solo reafirma el talento y versatilidad de Ulyss, sino que también marca una renovación en su proceso creativo, mostrando una evolución tanto artística como personal. El proceso de creación de “Ella Siempre” fue especial para Ulyss. En contraste con su método tradicional de escritura, esta canción nació a través de una sesión de freestyle, un enfoque que ha comenzado a explorar y que le ha brindado una libertad creativa renovada. Sobre esta experiencia, Ulyss comenta: “Esta es una de esas canciones que me enamora por su simpleza y melodía tan pegadiza que la identifica. Fue una de las primeras canciones que nació de una manera distinta para mí, haciendo freestyle, un formato del que me he enamorado y que le da una vibe tan única y particular al tema.” El resultado es una pista que fluye con naturalidad, capturando una energía espontánea y una honestidad emocional que resuena profundamente con el oyente. La canción se presenta como una oda a la simplicidad y a esos momentos que, sin ser recargados de elementos, logran transmitir mucho más por su autenticidad y esencia. Acompañando el lanzamiento de “Ella Siempre”, Ulyss presenta un videoclip dirigido por el talentoso realizador Sepia, conocido por sus colaboraciones con artistas de gran renombre como Zoe Gottusso, WOS y Ca7riel. La dirección de Sepia aporta una estética visual vibrante y refrescante que complementa a la perfección el estilo sonoro de la canción. Este video promete capturar la esencia fresca y juvenil de Ulyss, con imágenes que evocan libertad, juventud y un espíritu despreocupado. La colaboración con Sepia también refleja el compromiso de Ulyss por mantener una propuesta artística integral, donde la música y el aspecto visual dialogan para contar una historia coherente y envolvente. El videoclip no es simplemente un complemento a la canción, sino una extensión de su mensaje, una forma de dar vida a las emociones y vibraciones que transmite la música. Nacido en Rosario, Argentina, Ulyss ha demostrado ser un artista de una sensibilidad y pasión poco comunes. Desde temprana edad, la música fue su refugio y su forma de expresión, acompañado siempre por el piano, la guitarra y su voz. Impulsado por el deseo de perfeccionar su arte, dejó su ciudad natal para estudiar en Boston y luego completó su formación en el Los Angeles College of Music en California. Esta experiencia internacional no solo lo dotó de una formación técnica de primer nivel, sino que también le permitió absorber diversas influencias musicales y culturales. Gracias a su fluidez en inglés y español, Ulyss navega con facilidad entre ambos idiomas, lo que le permite crear una fusión única en su música y conectar con una audiencia diversa. El estilo de Ulyss está profundamente enraizado en géneros como el R&B/Soul, el Pop y el Gospel. Ha citado como influencias a artistas como Justin Bieber, Chris Brown, Chris Martin, Beéle, Feid, Danny Ocean, Jay Wheeler y Bryson Tiller. Sin embargo, ha sido la nueva corriente de música latina la que ha capturado su corazón e inspirado sus últimas composiciones. Esta mezcla de influencias le permite crear una propuesta sonora fresca y contemporánea, que combina lo mejor de ambos mundos. “Ella Siempre” es un claro reflejo de esta inspiración, mostrando cómo Ulyss logra fusionar melodías pegadizas con una producción moderna y una letra que conecta a nivel emocional. La sencillez del tema, lejos de restarle valor, le otorga una universalidad que permite a cualquier oyente identificarse con él. Con “Ella Siempre”, Ulyss no solo presenta una canción, sino que abre una nueva etapa en su carrera, una en la que el freestyle y la espontaneidad juegan un papel crucial en su proceso creativo. Este lanzamiento deja entrever un futuro lleno de exploración y crecimiento, donde Ulyss continuará sorprendiendo a su público con propuestas frescas y genuinas. Sin duda, “Ella Siempre” es solo el principio de lo que promete ser una fase emocionante y fructífera para el artista rosarino. La combinación de su talento, su formación y su renovada pasión por crear de manera libre y espontánea asegura que seguiremos escuchando mucho más de él en el futuro cercano.

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Marshall Allen: Un Nuevo Amanecer para una Leyenda del Jazz Experimental

Marshall Allen, el icónico saxofonista y líder del mítico Sun Ra Arkestra, ha anunciado su esperado debut como solista con el álbum titulado “New Dawn”. Este lanzamiento marca un hito en la prolífica carrera de uno de los músicos más vanguardistas e influyentes del jazz experimental. A sus casi 101 años, Allen sigue demostrando que la creatividad no tiene límites de tiempo ni espacio. Marshall Allen: Pionero y Visionario del Jazz Cósmico Desde que se unió al Sun Ra Arkestra en 1958, Marshall Allen ha sido una pieza fundamental en la expansión del jazz hacia territorios desconocidos. Con su distintivo estilo en el saxofón alto y el EWI (Electronic Wind Instrument), Allen ha contribuido a redefinir el género, mezclando free jazz, improvisación y una cosmovisión cósmica única. Como líder del Arkestra desde el fallecimiento de Sun Ra en 1993, Allen ha mantenido viva la esencia del colectivo mientras empuja constantemente los límites del sonido y la improvisación. Sin embargo, “New Dawn” marca un nuevo capítulo en su trayectoria, al presentarlo en un contexto más personal y directo. “New Dawn”: Exploración Personal y Libertad Creativa El álbum, cuyo lanzamiento está programado para principios de 2025, promete ser una obra íntima que encapsula décadas de experiencia, innovación y exploración. Según declaraciones de Allen, “New Dawn” es un tributo a las ideas de renovación y continuidad, una celebración de la creatividad como un ciclo interminable. Lo que se sabe del álbum hasta ahora: El Legado de Marshall Allen y el Significado de “New Dawn” A lo largo de su carrera, Marshall Allen ha sido un testigo y protagonista de la evolución del jazz. Desde las revolucionarias composiciones de Sun Ra hasta las modernas interpretaciones del Arkestra, su aporte ha dejado una huella imborrable en el género. “New Dawn” no solo es su primer álbum solista, sino también un testamento de su relevancia continua en el panorama musical. En un momento en que muchos artistas se retiran, Allen se reafirma como un faro de creatividad y resistencia. Reacciones y Expectativas El anuncio de “New Dawn” ha generado entusiasmo entre críticos y fanáticos del jazz por igual. Muchos ven este trabajo como una ventana a la mente de uno de los músicos más enigmáticos de todos los tiempos. Si bien Allen ha sido parte de innumerables grabaciones, este álbum ofrece una oportunidad única para escuchar su visión sin intermediarios. Además, el lanzamiento coincide con un renovado interés por el legado de Sun Ra y su Arkestra, lo que sitúa a Marshall Allen en el centro de un resurgimiento cultural y artístico. Un Futuro Brillante para una Estrella Cósmica Marshall Allen sigue recordándonos que el arte no tiene fecha de caducidad. A través de “New Dawn”, no solo celebra su vasta trayectoria, sino que también inspira a nuevas generaciones a explorar, innovar y mirar hacia las estrellas. Mientras esperamos el lanzamiento de este esperado álbum, Allen nos invita a acompañarlo en un viaje hacia un nuevo amanecer musical, una experiencia que promete ser tan única como el propio Marshall Allen. ¿Estás listo para embarcarte en esta odisea cósmica? “New Dawn” será más que un álbum; será un recordatorio de que la música tiene el poder de trascender el tiempo y el espacio.

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