Depósitio Sonoro

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“Mosaic” de Fennesz: Un Paisaje Sonoro de Detalles Intrincados y Emociones Profundas

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El renombrado artista austríaco Christian Fennesz, conocido simplemente como Fennesz, regresa con Mosaic, su más reciente obra maestra. Este álbum, lanzado en 2024, consolida su lugar como uno de los máximos exponentes de la música experimental y electrónica ambiental, mezclando texturas orgánicas con paisajes sonoros electrónicos de una manera que solo él puede lograr. Con Mosaic, Fennesz continúa explorando los límites del sonido, creando un álbum que invita a sumergirse en un mundo de capas sonoras intrincadas, silencios significativos y momentos de pura intensidad emocional. El Arte de la Fragmentación: Concepto detrás de “Mosaic” El título del álbum, Mosaic, es una metáfora adecuada para su enfoque musical. Fennesz crea un collage auditivo donde cada fragmento contribuye al todo, pero cada pieza, por sí sola, también tiene una belleza única. Inspirado por el arte visual de los mosaicos y la fragmentación de recuerdos, el álbum busca reflejar cómo nuestras experiencias individuales se combinan para formar una narrativa personal compleja. En una entrevista reciente, Fennesz explicó:“Mosaic trata de cómo las pequeñas cosas en la vida, a menudo imperceptibles, son las que realmente definen nuestra existencia. Quería capturar esa sensación de estar presente en un momento, mientras las memorias del pasado se entrelazan con las posibilidades del futuro.” Producción y Colaboraciones La mezcla y masterización, realizadas por Fennesz, logran un equilibrio perfecto entre claridad y profundidad, permitiendo que cada capa de sonido sea audible y significativa. La Relevancia de Fennesz en la Música Electrónica Contemporánea Fennesz es conocido por su habilidad para humanizar los sonidos electrónicos, creando música que no solo desafía, sino que también conmueve. Desde su aclamado álbum Endless Summer (2001) hasta este nuevo lanzamiento, su obra ha sido un puente entre la electrónica experimental y la accesibilidad emocional. Mosaic llega en un momento en que la música ambiental y experimental está siendo revalorizada, y reafirma el papel de Fennesz como uno de los artistas más influyentes de su generación. Conclusión: Un Álbum para Escuchar y Sentir Mosaic no es solo un álbum; es una experiencia inmersiva que requiere tiempo y atención para ser plenamente apreciada. En un mundo saturado de estímulos rápidos, Fennesz nos invita a detenernos, escuchar y reflexionar. Con este lanzamiento, Fennesz no solo demuestra su maestría técnica, sino también su capacidad para conectar profundamente con sus oyentes. Mosaic es una obra esencial para los amantes de la música experimental y un testimonio del poder transformador del sonido.

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Aphex Twin: Explorando Nuevas Dimensiones con Music from the Merch Desk

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El genio de la música electrónica Richard D. James, mejor conocido como Aphex Twin, ha vuelto a sorprender a sus seguidores con el lanzamiento de Music from the Merch Desk. Este disco, lanzado en 2024, encapsula la esencia de su creatividad siempre cambiante, mientras explora nuevas direcciones sonoras que desafían las expectativas. Este trabajo se destaca no solo por su contenido musical, sino también por la manera en que se presentó: inicialmente disponible exclusivamente a través del merchandise oficial de Aphex Twin, convirtiéndolo en un objeto de culto incluso antes de que la mayoría de los oyentes tuviera acceso a él. El Concepto Detrás del Disco Music from the Merch Desk es un álbum que refleja el interés constante de Aphex Twin por desafiar las normas de distribución y presentación de la música. Desde el título hasta su contexto de lanzamiento, el disco parece un comentario sobre el consumo cultural, jugando con la idea de transformar un objeto comercial en una experiencia artística única. En cuanto a su contenido, el disco combina piezas inéditas, remezclas y nuevas versiones de temas previamente lanzados, todas impregnadas del estilo inconfundible de Richard D. James. Cada pista se siente como un rompecabezas sónico, ensamblado con precisión milimétrica pero con una dosis de caos calculado. Una Experiencia Auditiva Única El álbum es un viaje por los diversos territorios sonoros que Aphex Twin ha explorado a lo largo de su carrera. Entre los aspectos más destacados están: El Arte Visual y su Impacto Fiel a la estética de Aphex Twin, el arte visual que acompaña el álbum juega un papel crucial. Diseñado en colaboración con el artista gráfico Weirdcore, las imágenes exploran temáticas de tecnología, identidad y comercialización, complementando perfectamente el sonido del disco. Las proyecciones en vivo asociadas con el lanzamiento también llevaron la experiencia a otro nivel, con gráficos en tiempo real que respondían a las frecuencias de la música, sumergiendo a los asistentes en una experiencia multisensorial. Recepción y Relevancia Desde su lanzamiento, Music from the Merch Desk ha sido recibido con entusiasmo tanto por fanáticos como por críticos, quienes destacan su audacia y experimentación. Aunque algunos han señalado que el álbum puede ser difícil de descifrar en una primera escucha, esto es parte del encanto de Aphex Twin: crear música que revela sus secretos con el tiempo. En un año donde la música electrónica ha visto una explosión de nuevos talentos y tendencias, este álbum reafirma la posición de Richard D. James como un innovador incansable que continúa desafiando las convenciones. Conclusión Music from the Merch Desk es más que un álbum; es una declaración artística que cuestiona la relación entre el arte y el comercio, mientras ofrece una experiencia sonora que solo Aphex Twin podría concebir. Con su enfoque característicamente poco convencional, Richard D. James ha vuelto a redefinir lo que significa ser un pionero en la música electrónica. Para los fanáticos y los recién llegados, este disco es una invitación a sumergirse en el mundo único de Aphex Twin, donde las reglas son meras sugerencias y cada escucha es una nueva aventura.

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10 discos esenciales de metal del 2024

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El año 2024 ha sido testigo de lanzamientos destacados en la escena del metal, con álbumes que han dejado una huella significativa en el género. A continuación, presentamos una selección de los 10 mejores discos de metal de este año. Blood Incantation – Absolute ElsewhereEste álbum ha sido aclamado por su complejidad y profundidad, consolidando a Blood Incantation como una de las bandas más innovadoras del death metal contemporáneo. Thou – UmbilicalCon Umbilical, Thou ofrece una mezcla poderosa de sludge y doom metal, explorando temáticas introspectivas y sociales con una intensidad sonora única. Oranssi Pazuzu – MuuntautujaEste trabajo destaca por su fusión de black metal con elementos psicodélicos, creando paisajes sonoros hipnóticos y desafiantes. Chat Pile – Cool WorldCool World se distingue por su enfoque crudo y experimental, ofreciendo una visión fresca y provocadora dentro del noise rock y el metal. Spectral Voice – SparagmosEste álbum profundiza en el death-doom metal, con atmósferas densas y riffs pesados que evocan una sensación de oscuridad y desesperación. Ulcerate – Cutting The Throat Of GodCon su característico estilo técnico y atmosférico, Ulcerate presenta un álbum que desafía las convenciones del death metal, ofreciendo complejidad y emotividad en igual medida. Judas Priest – Invincible ShieldLos veteranos del heavy metal regresan con Invincible Shield, un álbum que combina su sonido clásico con una producción moderna, reafirmando su legado en la escena musical. Unto Others – Never, NeverlandEste disco fusiona elementos de gothic y heavy metal, creando una atmósfera melódica y oscura que ha resonado entre los aficionados del género. Black Curse – Burning In Celestial PoisonCon una mezcla de black y death metal, Black Curse ofrece un álbum intenso y abrasivo que destaca por su ferocidad y ejecución impecable. Spectral Wound – Songs Of Blood And MireEste trabajo se caracteriza por su enfoque en el black metal tradicional, con composiciones que capturan la esencia del género y una producción que realza su crudeza. Estos álbumes representan lo mejor del metal en 2024, reflejando la diversidad y evolución constante del género. Cada uno ofrece una experiencia auditiva única, consolidando a sus creadores como referentes en la escena metalera actual.

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Escucha Dominós, lo nuevo de Progreso Nacional (Hugo Quezada) & Sebastián Rojas

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Progreso Nacional (Hugo Quezada) VS Sebastián Rojas, una amalgama ecléctica de sonidos que fusiona tumbadez y una fuerza eléctrica desbordante. El enfrentamiento creativo entre ambos genera un diálogo sonoro único. VS presenta una versión refinada y experimental de sus estilos, llevándolos a nuevas dimensiones sonoras que exploran tanto lo visceral como lo etéreo. Hugo Quezada (1978) es un productor y músico de la Ciudad de México. Quezada ha sido fundamental en la expansión del vocabulario del underground mexicano e internacional al formar parte de bandas como Robota, Evil Hippie y Exploded View. Su trabajo detrás de los controles en su estudio Progreso Nacional ha resultado en algunos de los mejores trabajos discográficos de la escena alternativa de los últimos 20 años; produciendo álbumes, EPs y canciones a Belafonte Sensacional, Diles que no Me Maten, El Shirota, Mengers, Sei Still y un largo etcétera. Su pasión por la música también ha sido un importante conector entre bandas, medios y demás actores de la escena contracultural mexicana para su proliferación desde ya más de dos décadas. Trayectoria de Hugo Quezada Hugo Quezada ha sido un pilar de la música underground en México, destacándose tanto por su habilidad como productor en su estudio Progreso Nacional como por su capacidad para crear texturas sonoras atmosféricas y experimentales. Su trabajo ha influenciado a numerosas bandas de la escena independiente mexicana, y su enfoque siempre ha estado orientado hacia la innovación y la autenticidad artística. Relevancia en la Escena Musical Progreso Nacional no solo es el nombre del proyecto artístico, sino también del estudio de grabación de Quezada, donde ha trabajado con artistas emergentes y consolidados del panorama alternativo mexicano. Esto ha convertido a su espacio en un epicentro para la creación musical en México. . Por su parte, Sebastián Rojas (1995) es un compositor y músico nacido en la Ciudad de México. Su enfoque creativo se destaca por la fusión de elementos electrónicos y experimentales, los cuales se combinan para crear un sonido único que se acerca al pop pero siempre conservando una esencia orgánica. Su música se caracteriza por una mezcla ecléctica de texturas y sonidos, donde lo electrónico se entrelaza con lo análogo de manera fluida y cautivadora. Experimenta con una variedad de instrumentos y técnicas de producción. Sus composiciones son un reflejo de su pasión por la innovación y la creatividad, siempre buscando expandir los horizontes de lo que es posible en el mundo de la música contemporánea.

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Fernando Lagreca – TIME: Una exploración refinada de la electrónica contemporánea

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El uruguayo radicado en España, Fernando Lagreca, regresa con TIME, un álbum que encapsula su trayectoria como productor y su habilidad para mezclar tradición y vanguardia en la música electrónica. Lanzado bajo su propio sello, Beautiful Accident, este larga duración no solo refuerza la posición de Lagreca en la escena electrónica internacional, sino que también actúa como un testimonio de su constante evolución artística. Desde el primer track, Utopia, el oyente es transportado a un mundo de texturas melódicas cuidadosamente elaboradas, donde los ecos del techno de finales de los 90 y principios de los 2000 se entrelazan con el dinamismo de influencias más recientes. Las capas de arpegios electrónicos recuerdan a los sonidos del Reino Unido, mientras que los riffs de guitarra procesados aportan un matiz inesperado que conecta lo sintético con lo orgánico. Uno de los aspectos más destacados de TIME es su diversidad rítmica. Lagreca no teme transitar entre bases techno más convencionales y estructuras de breakbeat fragmentadas, logrando que cada tema evolucione con naturalidad. Get Over You y Gravity Trick ejemplifican esta dualidad: mientras el primero seduce con un ritmo melódico que evoca introspección, el segundo es un estallido de energía diseñado para las pistas de baile. El álbum no solo brilla en su diseño sonoro, sino también en sus momentos de delicada psicodelia y voces etéreas. Colaboraciones como la de Josee Laika en La Nuit Tombe (Blue Dust) ofrecen una dimensión emocional que eleva el disco más allá de lo puramente instrumental. Es aquí donde Lagreca muestra su dominio como narrador musical, utilizando los contrastes para mantener al oyente atrapado en su narrativa sonora. Para quienes encuentran inspiración en pioneros como The Chemical Brothers, Orbital o Leftfield, TIME será un viaje tanto nostálgico como refrescante. Sin embargo, Lagreca no se limita a emular estas influencias; las canaliza para construir un estilo propio, marcado por su predilección por el equipo analógico y su meticulosa atención al detalle. En su conjunto, TIME es un álbum sólido y sofisticado que demuestra la versatilidad de Fernando Lagreca como productor. Con un equilibrio perfecto entre experimentación y accesibilidad, este trabajo no solo consolida su legado dentro de la electrónica contemporánea, sino que también lo posiciona como una figura esencial para quienes buscan explorar los límites del género. TIME no es solo un disco; es una invitación a sumergirse en un paisaje sonoro que, aunque profundamente moderno, respira la esencia de dos décadas fundamentales para la música electrónica.

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El inicio de una nueva era: Murcof presenta Twin Color Vol. 1

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Fernando Corona Murillo es Murcof, reconocido productor originario de Tijuana y afincado en España, quien gracias a sus innovadores paisajes sonoros ha sido una figura clave en la escena de la música electrónica, con una mezcla única de minimalismo, música clásica y experimentación de formas innovadoras.  Murcof, el alias del productor mexicano Fernando Corona, es una figura clave en la música electrónica contemporánea, conocido por su enfoque minimalista y por fusionar música clásica y experimental con texturas electrónicas. Su obra ha trascendido fronteras, ganándose reconocimiento mundial como uno de los artistas más innovadores de México y del género electrónico a nivel global. Ya sea con su serie de lanzamientos para el sello Leaf en Londres, entre 2002 y 2007, o con su participación en el Colectivo Nortec con su proyecto Terrestre, Murcof ha colaborado con varios artistas en diferentes medios, incluido el trompetista de jazz Erik Truffaz o la compañía de baile Alias. El sello InFiné, basado en París y Berlín, reeditó la banda sonora de Murcof de La Sangre Iluminada en 2011, y lanzó Statea con la pianista francesa Vanessa Wagner en 2016. Ahora, InFiné Music se complace en anunciar el lanzamiento de Twin Color Vol 1, el último álbum de este aclamado artista electrónico que marca el regreso de Murcof a los álbumes de larga duración después de casi dos décadas. Conocido por sus texturas clásicas minimalistas y paisajes sonoros ambientales, Murcof da un paso audaz en este nuevo álbum, adoptando un sonido cinematográfico y distópico influenciado por películas de ciencia ficción de los años 80s. Este álbum refleja una nueva dirección, entrelazando atmósferas oscuras con un brillo nostálgico, recurriendo a influencias del post-punk y del synth-wave mientras retoma las raíces de su breve paso con el Colectivo Nortec y su proyecto Terrestre. El Estilo de Murcof: Música para la Reflexión La música de Murcof se caracteriza por su capacidad de evocar emociones profundas a través de paisajes sonoros densos y detallados. Utilizando sintetizadores, sampleos y manipulación digital, Murcof construye piezas que parecen trascender el tiempo y el espacio. Entre sus influencias destacan compositores como Arvo Pärt, Henryk Górecki y Johann Sebastian Bach, cuyos elementos clásicos Murcof reinterpreta mediante texturas electrónicas. Al mismo tiempo, su música contiene un fuerte componente de abstracción y experimentación que lo alinea con artistas como Brian Eno y Alva Noto. El enfoque de Murcof es altamente cinematográfico, con un énfasis en la atmósfera y el minimalismo. Su obra ha sido descrita como “música para la mente” por su capacidad para inducir estados de introspección y meditación. En entrevista para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Fernando sobre su más reciente trabajo, su prolífica carrera, la vida fuera de México, las inspiraciones e influencias que lo han marcado, sus colaboraciones con artistas de otras disciplinas y algunas recomendaciones sonoras para nuestra audiencia.    ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info: http://www.murcof.com Bandcamp  Spotify  Apple YouTube 

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Entre Ritmos y Reflexión: No de Nostalgia, el Álbum que Héctor Escajadillo Creó para Sanar

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En la trayectoria de todo artista, hay un momento que define un antes y un después. Para Héctor Escajadillo, ese momento es ahora, con el lanzamiento de No de Nostalgia, un álbum debut que representa tanto una culminación como un nuevo comienzo. Tras años como baterista de Los Blenders, Héctor decidió embarcarse en una aventura en solitario, buscando expresar un lado más íntimo y emocional. En No de Nostalgia, cada canción se convierte en una invitación a la introspección y el autoconocimiento, explorando temas como la vulnerabilidad, el amor y la paz interior. No de Nostalgia no es simplemente un álbum; es una experiencia emocional y sonora que refleja el proceso de sanación personal de Héctor. Con diez canciones cuidadosamente elaboradas, el álbum lleva al oyente a un viaje que va desde la introducción esperanzadora de “Empezar” hasta la introspección profunda de “Terminar.” Cada tema está diseñado paraconectar con aquellos que buscan algo más que una buena melodía. La propuesta es clara: dejarse llevar por el ritmo y el mensaje, y sumergirse en una experiencia de sanación a través de la música. El sonido de No de Nostalgia es una mezcla de folk y música alternativa, con arreglos minimalistas que logran capturar la esencia de cada tema. Héctor logra, a través de su música, un balance perfecto entre lo simple y lo complejo, permitiendo que el oyente se enfoque en las letras y la atmósfera introspectiva que envuelve cada canción. Para quienes buscan una experiencia musical que trascienda lo convencional, este álbum es el acompañamiento ideal. La creación de No de Nostalgia fue un proceso largo y desafiante, impulsado por el deseo de Héctor de expresar sus emociones más profundas y de compartirlas con el mundo. Como él mismo explica: “Hago arte como una forma de terapia cuando la vida se vuelve intensa.” Esta obra es el resultado de años de experiencias, dudas y reflexiones que han culminado en un álbum honesto y auténtico. Cada canción es un testimonio de la capacidad de la música para sanar y conectar a las personas. Este álbum llega acompañado de su exitoso podcast Con los Pies en la Tierra, donde Héctor Escajadillo explora temas de crecimiento personal, autoconocimiento y bienestar emocional, brindando un espacio para reflexionar sobre el valor de las experiencias cotidianas y el poder de la conciencia. La combinación del álbum y el podcast ofrece a los oyentes un enfoque integral para entender y apreciar el proceso de sanación personal de Héctor, así como su búsqueda de sentido y conexión. En ambos proyectos, Héctor se abre con autenticidad y vulnerabilidad, invitando al público a compartir un camino de descubrimiento y serenidad. Disponible ya en todas las plataformas digitales, No de Nostalgia marca una nueva era en la carrera de Héctor Escajadillo, quien ha logrado crear un álbum que es tanto un refugio emocional como un espacio de introspección. Este disco es una invitación a encontrar paz en medio del caos de la vida diaria, y promete resonar especialmente entre aquellos que buscan una música que toque su alma.

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The Shape of Punk to Come: Obliterated — un tributo al legado de Refused

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La influencia de la banda sueca Refused en el punk y el hardcore es incuestionable. Su álbum The Shape of Punk to Come (1998) sigue siendo considerado un hito en la música punk y hardcore por su enfoque innovador, sus letras políticas y su experimentación con géneros fuera de lo común. Este año, varios artistas y bandas han unido fuerzas para lanzar un tributo a Refused, rindiendo homenaje al legado que esta banda dejó en la música alternativa y su capacidad de inspirar a generaciones de músicos. Refused, formada en 1991 en Umeå, Suecia, es conocida por su postura anticapitalista y crítica a las injusticias sociales. The Shape of Punk to Come, su álbum más icónico, fue una mezcla de punk, hardcore, jazz, música electrónica y post-hardcore, llevando al límite lo que una banda de punk tradicional podía hacer. Sus letras confrontan temas como el consumismo, el conformismo y la apatía, resonando con una audiencia que buscaba algo más profundo en la música. A lo largo de los años, la banda se ha disuelto y reformado, pero su impacto cultural ha sido duradero. Su influencia se extiende no solo a bandas de punk y hardcore, sino también a otros géneros musicales que valoran la innovación y el mensaje social. El Nuevo Tributo: Un Ensamble de Diversidad y Respeto Musical Este tributo a Refused reúne a una amplia gama de artistas, desde bandas de punk y hardcore hasta músicos de géneros más experimentales, destacando la diversidad y el alcance de la influencia de Refused. Entre los participantes se encuentran artistas consagrados y emergentes que han reinterpretado las canciones de la banda sueca con sus propios estilos y matices. Cada pista es una carta de amor a la innovación y el desafío a la norma que Refused siempre representó. Algunos puntos clave del tributo son: La Importancia del Tributo en el Contexto Actual El mundo se enfrenta a problemas sociales, ambientales y económicos complejos, y las letras de Refused son tan relevantes hoy como lo fueron hace décadas. Este tributo no solo honra el legado de Refused, sino que también reaviva el espíritu de resistencia y cambio que la banda sueca defendió. Es un recordatorio de que la música tiene el poder de generar conciencia y cuestionar el statu quo. La vigencia de The Shape of Punk to Come en la escena musical alternativa actual se reafirma con este tributo. Refused sigue siendo un modelo a seguir para las bandas que buscan no solo hacer música, sino también promover el cambio social y desafiar las estructuras de poder. Conclusión: Refused, Un Legado Vivo El tributo a Refused no es solo un álbum más de covers, sino una reinterpretación de un legado, una celebración de la rebelión y la resistencia a través de la música. La habilidad de Refused para fusionar géneros y su compromiso social continúan siendo una fuente de inspiración, y este homenaje demuestra que el mensaje de la banda sigue resonando en todo el mundo. Para los fans de Refused, este tributo es una oportunidad de redescubrir las canciones desde nuevos ángulos, mientras que para quienes no los conocían representa una introducción a una de las bandas más influyentes del punk y hardcore contemporáneo. Refused puede haber anticipado el futuro del punk, pero este tributo confirma que su visión sigue viva y retumbando.

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