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Andy Stott, alejándose drásticamente del techno más convencional y las influencias IDM en su debut de 2006 Merciless, consideró oportuno ir donde la electrónica pop no lo haría, deleitándose en la oscuridad. Ha tocado en exhibiciones de metal en SXSW y festivales de Noise en Nueva York, y fusionó las texturas góticas 4AD de Cocteau Twins y This Mortal Coil con el techno industrial abstracto de la pista de baile. Dondequiera que se dirigieran las tendencias comerciales de la música electrónica, en otras palabras, Stott probablemente se encontraría eligiendo una dirección completamente diferente. La brecha entre Too Many Voices de 2016 y su último, Never the Right Time, es el espacio más largo que Stott ha permitido entre discos de larga duración hasta la fecha. El primero vio a Stott dejar atrás parte de la pesadez de sus 2 álbumes anteriores y deshacerse de algo de su peso más amenazador en favor de sus propias interpretaciones de un sonido amigable para los clubes, no uno convencional de ninguna manera, pero accesible de todos modos. El lanzamiento de finales de 2019 del EP It Should Be Us sugirió que todavía parecía perfectamente cómodo bajo un manto de oscuridad, pero la prueba de concepto en Too Many Voices fue suficiente para encontrarlo abordado por un “artista convencional”, según un comunicado de prensa: no es el camino más probable para un artista como Stott, pero tiene su propia promesa extrañamente estimulante. Aunque está escrito en gran parte en el mismo idioma que los álbumes anteriores de Stott (líneas de bajo temblorosas post-punk, pulsos estáticos, la voz fantasmal de Skidmore), el resultado final de Never the Right Time se siente marcadamente diferente. Es claramente inseparable del contexto de ser hecho en soledad, un álbum de insularidad y desesperación por liberarse. Los ritmos se sienten ansiosos más que hedonistas, la atmósfera suntuosa incluso en su forma más austera. Pero en el proceso de encontrar consuelo en sentirse incómodo, en encontrar la libertad de ir a ninguna parte, Stott ha representado su característica escala de grises en lo que parecen millones de tonos.

El nuevo disco de Godspeed You! Black Emperor, llamado “G_d’s Pee AT STATE’S END !”, acaba de salir a través de Constellation Records. Escucha este nuevo lanzamiento épico (como si nada de lo que hayan hecho hasta la fecha no fuera épico) a continuación. Cuando la banda anunció el álbum, emitieron un comunicado al respecto que dice en parte: “Lo escribimos sobre todo en la carretera, cuando todavía era un lugar.y luego lo grabamos en máscaras después, distanciado al comienzo de la segunda ola, era otoño y el sol poniente era increíblemente gordo y anaranjado. Tratamos de convocar un ajuste de cuentas más brillante allí, inclinado bajo variados estados de incomodidad, preocupación y asombro. Volvimos a encender las radios de onda corta, por primera vez en mucho tiempo y descubrimos que muchas cosas habían cambiado… y la transmisión de detritos de los ejércitos automatizados ocupa más ancho de banda ahora, de modo que muchas frecuencias son solo pulsos de estática blanca ascendente, y los papás de radioaficionados hablan entre ellos toda la noche sobre sus esposas moribundas y lo que comieron en el almuerzo y lo que harán con sus armas cuando llegue Antifa.

El compositor de música electrónica, Floating Points, y la leyenda del jazz, Pharoah Sanders, acaban de lanzar Promises, su impresionante nuevo álbum con la London Symphony Orchestra. La mayoría de las obras más importantes de Pharoah Sanders de las décadas de 1960 y 1970 fueron las de grandes conjuntos. Sus arreglos en álbumes como Jewels of Thought y Tauhid centrarían su interpretación en momentos clave, a veces desde el principio, a veces no hasta los 10 minutos en una pieza, como en “Alto Egipto y Bajo Egipto”. Pero sus pistas espirituales y apasionadas siempre se entregarían en el contexto de un todo más amplio, un contraste marcado y dinámico con un todo hipnótico y psicodélico. Estas composiciones se basaron en la asociación y la armonía, tanto el trabajo de sus colaboradores como el suyo propio. On Promises, la pieza de colaboración de Sanders con Floating Points, su saxofón emerge desde el principio, un hermoso y encantador solista en clave menor que representa un tipo diferente de interpretación del gigante del jazz en el contexto de un tipo muy diferente, de la creación musical. Desde la distancia, Promises se parece mucho a algunas de las cosas más masivas de la carrera de Sanders (o de Shepherd para el caso), como su frenesí de jazz espiritual Black Unity, que dura un álbum. Pero no hay pulso rítmico, ni densas capas de psicodelia conmovedora, solo un conjunto reflexivo y de movimiento lento de electrónica minimalista guiada por el centelleo de siete notas de Shepherd y la actuación emocional e increíblemente hermosa de Sanders. Y sí, la London Symphony Orchestra. Solo a partir de los créditos, Promises sugiere una obra de grandeza y grandilocuencia, de grandes ideas y grandes sonidos; y lo es. El concepto y la logística son grandiosos, pero la ejecución se siente a la vez cósmica y crudamente íntima. Ciertamente, cualquier álbum que presente una orquesta se sentirá en gran parte inmenso, y hay momentos en que esta meditación oscura y nocturna revela destellos de un universo sin límites. Pero, en gran parte, este álbum trata sobre los dos cerebros artísticos que se encuentran en el centro del mismo, Shepherd y Sanders, quienes proporcionan el centro de gravedad de Promises. Hay momentos en los que la pieza se remonta a Shepherd solo, como si se hiciera eco del aislamiento que definió el último año para muchos de nosotros, y la soledad que es ineludible incluso en un año “normal”. Pero cuando Sanders se reúne con él, sucede algo mágico e impredecible, a la vez alegre y devastador de la mejor manera posible. No hay un momento en la totalidad de los casi 47 minutos de este álbum que no sea hermoso; Elija un lugar al azar, suelte la aguja y se encuentre entre los momentos de sonido más dolorosos y elegantes que emergen durante todo el año. Incluso con nueve meses para el final, eso es una certeza. Pero siguen siendo esos momentos en los que escuchas a Sanders y Shepherd juntos, uno que proporciona una base simple pero sólida para que el otro construya algo fugaz, temporal, pero magnífico. Es un hermoso testimonio de la conexión humana y musical, un trabajo compuesto y meticuloso que se siente cálido, conmovedor y, a pesar de su magia, humano.

Satanic Planet es un nuevo esfuerzo de colaboración que reúne a Dave Lombardo (Slayer, Mr. Bungle), Justin Pearson (The Locust, Dead Cross) y Luke Henshaw (Planet B, Sonido de la Frontera) con el cofundador y portavoz de The Satanic Temple, Lucien Greaves. El 28 de mayo, el proyecto lanzará su álbum homónimo a través de Three One G, con un conjunto de pistas que “abraza la vanguardia para crear sermones de ciencia ficción que van desde el fatalismo y lo industrial hasta lo exótico malvado”, según un comunicado. La primera pista que se lanzó de la nueva colaboración se titula “Baphomet”, y puedes ver su video, editado por Displaced / Replaced y dirigido por Luke Henshaw con cinematografía de Becky DiGiglio. La banda recién formada estaba reclutó al legendario Dave Lombardo, quien se encontraba sin hacer giras por primera vez en años y de repente teniendo más tiempo para trabajar en su estudio casero en proyectos que le interesaban. Con la incorporación de este icónico baterista, Satanic Planet estaba completo. Lista de canciones del álbum: Baphomet (feat. Jung Sing)-999-Grey Faction-Passage-Invocation-Devil In Me (feat. Nomi Abadi)-Unbaptism (feat. Travis Ryan, Shiva Honey)-Vete al Infierno (feat. Jung Sing, Carrie Feller)-The Hell-Strangers-Exorcism (feat. Travis Ryan, Shiva Honey)-Satanic Planet (feat. Eric Livingston)-Liturgy

A pesar de estar al frente de la banda que probablemente haya influido en lo que se convertiría en nu-metal o metal alternativo, el vocalista de Faith No More, Mike Patton, se convirtió en una de las figuras más estimadas de la música de vanguardia. Patton tiene tantos proyectos paralelos que puede ser difícil seguirle el ritmo: Dead Cross, Mr. Bungle; y no todos son incluso posiblemente rock, como su álbum de pop italiano Mondo Cane, o su reciente disco de pop de cámara con el colaborador de Serge Gainsbourg, Jean-Claude Vannier. Tomahawk es la banda de Patton que más se acerca a capturar el lado más directo de Faith No More. No es tan oscuro o pesado como Dead Cross, o tan extraño como Mr. Bungle, sino la banda que tiene más fuerza, gracias en parte a la participación de músicos como el baterista de Helmet, John Stanier, y el guitarrista de Jesus Lizard, Duane Denison. Tonic Immobility, su primer álbum en 8 años, está marcado por un aumento de la tensión que recuerda a sus 2 primeros álbumes. El susurro grave y gutural de Patton es una de las técnicas de voz más recurrentes que aparece en su arsenal siempre cambiante, mientras que la dinámica explosiva de las primeras canciones le debe mucho a Jesus Lizard. Líricamente, este álbum es otra colección de metáforas feas que es otro elemento básico del trabajo de Patton, aunque algunas de ellas tienen algunos orígenes literales: “Predators and Scavengers”, fue escrito después de que Patton observara animales en su propio patio trasero, lo que más tarde llevó a cavilaciones sobre el estado de la sociedad. El hervor más lento de “Doomsday Fatigue” le da a Patton un poco más de espacio para flexionar sus pipas, que siempre es el punto: con cualquier proyecto en el que esté, el enfoque inevitablemente se convierte en su voz. Esta canción rompe con la fórmula al no ir a la esperada explosión. El tono del bajista Trevor Dunn impulsa a “Business Casual” y, en comparación con lo que hace en Mr. Bungle, puede recostarse y montar en ritmo. Si bien la política no es necesariamente el centro de atención, Patton parece regocijarse con los comentarios sociales espinosos. “Tattoo Zero”, continúa haciendo una broma interna del mundo que los rodea, y nadie está a salvo, ciertamente no con un sabor inconformista. Sin embargo, el riff vigoroso y teñido de metal en el que termina es lo que lo hace sobresaliente. También hay varios niveles de escalofríos que a veces se convierten en una neblina más humeante, como en una pista como “Howlie”, que arroja algunas de las sensibilidades más metálicas hasta que vuelve a acumularse. Sello: Ipecac Fecha: Marzo 2021 Tomahawk se formó en el año 2000 por Mike Patton y Duane Denison (ex The Jesus Lizard). Poco tiempo después, llegan el baterista John Stanier y el bajista Kevin Rutmanis. Hasta la fecha, han lanzado 5 álbumes: Tomahawk (2001), Mit Gas (2003), Anonymous (2007) y Oddfellows (2013), Tonnic Immobility (2021).