Depósitio Sonoro

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La discografía de Autechre, un paseo por el olimpo de la IDM

Autechre es sin duda una de las revoluciones más interesantes de los últimos tiempos, el dueto británico formado por Rob Brown y Sean Booth ha llevado a niveles inimaginables la música electrónica, que con el paso del tiempo hemos podido por fin imaginar, digerir, y mejor aún, sentir con más cautela y apreciación. Reseñamos a continuación a manera de introducción cada uno de sus discos de larda duración (LP), es decir, no incluimos sus EPs, el viaje inicia con Incunabula de 1993 y termina con Exai del 2013. Incunabula (1993) Para ser el debut, lo primero que puedo pensar es en tratar de recordar algo que cercanamente sonará así en 1993, entre raves y techno. Sin lugar a dudas, fue un portal naciente hacia los caminos densos y abstractos de la electrónica por venir. Amber (1994) Quizá el disco más poético y uno de los más accesibles y clásicos dentro del universo Autechre. Está lleno de cuadrantes hermosos que me transportan a universos binarios, entre calma y cataclismo sintetizado de tintes arcanos. Excepcional en sí mismo. Tri Repetae (1995) Música que suena aún al futuro. Sistemático, interesante, innovador, colapsante y arquitectónico, “Eutow” me parece de lo más revolucionario. Además, éste disco,  lo puso en el mapa junto con Warp, la Rough Trade, una de las disqueras con mayor influencia de Inglaterra que ayudó a Autechre a llegar a nuevos escuchas. Chiastic Slide (1996) Creo que Rob y Sean asumieron intensamente el sentido de explorar los caminos más indefinidos de la síntesis en este disco. Tiene muchos sonidos que bien podrían ser una especie de drone/noise/ambient/IDM pero en un mundo de máquinas funestas. LP5 (1998) Fascinante obra pop dentro de los terrenos y estándares pop de Autechre, desde luego. Un disco sónico y pulsante. Vulnerable en texturas y beats. Un lado más humano y menos máquina en comparación de sus predecesores. Confield (2001) Primer disco del siglo XXI de Autechre y vaya manera tan ambiciosa de empoderar una cierta especie de síntesis distópica. Glitch matemático y de tintes robótico-industriales, elaborados en un mundo IDM, con este álbum volvieron a la vanguardia. Draft 7.30 (2003) Un álbum con energía diferente a los demás, Draft 7.30 es un nuevo portal, uno que se va expandiendo entre el desconcierto de diversas magnitudes frecuenciales, debatiéndose entre lo incisivo y lo retador. Untitled (2005) Uno de sus discos más pesados y extraños, la escucha de repente es bastante densa, tiene buenos momentos pero son pocos realmente, es un disco, crudo y complejo, y los ritmos mutan a lo incierto con canciones larguísimas, como “Sublimit” de casi 16 min. Un disco regular, de los más raro y casi poco disfrutable que han hecho. Quaristice (2008) Es el primer disco en el que abren con “Altibzz” un track totalmente ambient, se siente más soluble la manera en la que trabajaron los tracks y hay bastantes atmósferas más androides y de sensaciones eléctricas. IDM óptimo y más aterrizado en su línea clásica. Oversteps (2010) El disco “mainstream” de Autechre pero no tan popular dentro de su ranking. Me parece el mejor para entrarle por primera vez a su mundo, está en ese punto medio de lo que es su alcance entre el experimentalismo sonoro complejo y el más sutil. Sin duda es atractivo en su totalidad. Exai (2013) Un disco obsesivo sonoro/melódico que crearon hacia la síntesis de ruido vanguardista del 2013 en adelante, de tintes angelicales pero provocador en su idioma. Es una obra inquebrantable en los altos estándares del universo Autechre. Su último larga duración tras ya casi 7 años desde que salió. Ojalá les sirvan o ayuden estas referencia para interesarse en la música de Autechre o recordar alguno de sus discos,  escucharlos es una gran experiencia. Rob Brown y Sean Booth han creado alguna de la música más emocionante de nuestra generación, están en el olimpo de la Intelligent Dance Music de la disquera Warp Records.

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Los míticos Mr. Bungle lanzan hoy un nuevo track

Mr. Bungle lanzará una versión recién grabada de su demo de 1986, The Raging Wrath Of The Easter Bunny, y a juzgar de este primer sencillo, será muy potente. Como prometió y bromeó, Mr. Bungle está siguiendo su reciente versión de The Exploited (su primera música grabada desde 1999) y ahora presentan una versión recién grabada de su demo de 1986 de thrash: The Raging Wrath Of The Easter Bunny, que se publicará a través de un disco completo el próximo 30 de octubre a través de Ipecac Recordings. Los miembros originales Mike Patton, Trey Spruance y Trevor Dunn hicieron la nueva grabación con 2 músicos legendarios que influyeron en la demo original: Scott Ian (Anthrax, SOD) y Dave Lombardo (Slayer), quienes se unieron a Mr. Bungle para interpretar estas canciones por primera vez en más de 30 años; a partir de los shows de reunión de la banda en 2020 antes de la pandemia y siguiendo el recién estrenado “Raping Your Mind”, esto va a ser mucho más esencial. “Decidimos volver a grabar nuestro álbum de cosas viejas. Estas canciones nunca recibieron su merecido, y la calidad de grabación de la demo original no les hace suficiente justicia. La nueva versión de “Raping Your Mind” se rompe y suena como una grabación fresca y urgente que necesita ser lanzada y escuchada”, señalaron los miembros de la banda.

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Entrevista con Julia De Castro, descubriendo a La Historiadora

Julia De Castro nos presenta su primer disco como solista y está producido por Camilo Lara del Instituto Mexicano del Sonido. Julia desde España alza la voz en pro de los derechos de la mujer a través del arte y con historias que contar. Julia ha encontrado un escape creativo en géneros y ritmos como la cumbia, la música electrónica y el synthpop, entre otros.     La Historiadora es un disco ecléctico, un viaje con mensaje, recuerdos y experiencias, pareciera poético pero así es la vida misma. Y después viene la parte que musicaliza y va más hacia el paraíso de la parte alegre, porque las texturas sónicas son esas, de alegría y energía, sutiles y poderosas a la vez, es un disco genialmente producido y que en sonido logra su cometido, un debut que destaca por su pureza. Platicamos con Julia De Castro sobre su debut a continuación.     1.-La Historiadora es un disco fuerte y potente y de conciencia, ¿qué tanto te define cómo artista y porque sigue siendo importante contar ese tipo de historias a través de la música?   Las historias que se narran en el disco son importantes para mí, no considero que deban ser relevantes para otros y si lo son es halagador. La música no tiene por qué tener un mensaje, respeto mucho el propio goce musical sin querer profundizar en las letras, pero si resuenan mis narraciones en alguien y las hace suyas, si le parecen importantes creo que es un ciclo bellísimo que se cierra. Considero que una vez que lanzas el disco ya no te pertenece. Creo que el apropiacionismo es la posición ideal del oyente, es tan real lo que sienten al escucharlas como mi propia biografía. Hace unos días desde Bruselas un artista Angoleño Ilton K. Do Rosario me contaba sus impresiones con la canción LA ALEMANA. Su descripción de lo que para él contaba el tema no se parecía en nada a mi historia, y me encantó, el relato ahora es suyo.   2.-Las capas sonoras y ritmos no siguen una línea constante y eso lo sigue interesante, hay varias influencias musicales, ¿cómo fue el proceso de grabación para obtener algo así de ecléctico?   Muy orgánico y libre, como bien dices no sigue una constante al uso y refleja fielmente mi proceso creativo. Ana Folguera, amiga y critica de arte, define mi metodología como “Cabotaje Musical”. Cabotaje era la técnica de navegación cuando no había mapas y los barcos iban de cabo a cabo cerca de la tierra porque si no se perdían. Así, este disco mantiene la identidad de mis letras: explícitas, biográficas, donde trato temas nucleares para mí como el placer o la ausencia del mismo, y al mismo tiempo está impregnado de los ritmos y sonoridades donde me encontraba.     3.-Camilo Lara (IMS) es un increíble productor, ¿cómo fue trabajar con él y que aportó a tu música?   Ahora con perspectiva puedo decir que el éxito de Camilo como productor reside en una psicología profunda con el artista. Es capaz de descifrar el tipo de producción que requiere el disco mucho antes que el propio músico. La Historiadora se ha gestado durante cuatro años de nomadismo y las canciones se han grabado en distintos estudios con músicos autóctonos ya fuera en Arizona, Italia, España o México.   Camilo entendió perfectamente cuál iba a ser el proceso y nunca tuvo prisa, nos íbamos comunicando y cuando yo tenía el impulso de cerrar un tema o coincidíamos en una ciudad grabábamos la canción. Ya fuera en una gira suya europea, como ocurrió con Arde Madrid que se grabó en Roma o que yo me desplazara por proyectos a Ciudad de México, como fue el caso de Mis Amigas y Ríndete.   4.-Juan Gabriel es uno de los artistas más excepcionales que han existido, ¿cómo nació la idea del cover y por qué esa canción es importante para ti?   Cierra el disco una versión muy personal de “Hasta que te Conocí”, es una osadía que me permito como homenaje a uno de los músicos que más me ha influenciado y al que recurro en momentos de duda. Juan Gabriel es inabarcable, me ha enseñado que lo excesivo es tan valioso como lo sintético. Que un gesto pequeño en mitad de una canción puede elevar a otro nivel el concierto en directo. Este disco le debe mucho a México, yo me he nutrido en cada visita, es mi manera de agradecer a lo que este país me ha regalado.     5.-¿Cómo manejas ese equilibrio de plasmar tus ideales en la música que haces? Sobre todo en algo tan importante como tu disco debut.   No sabría componer de otra forma que no fuera a través de lo que me inquieta, lo que me conmueve, la incomodidad y también la celebración de mis errores y mis conquistas. Decirte que es un disco tan mío como lo fue Virgen, el álbum de De La Purrissima, donde era otra etapa vital y otros los temas, pero igual de necesarios que los de La Historiadora.

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Entrevista con Dani sobre Veinte, un disco sobre miedos e inquietudes

Dani es apenas una chica de veinte años que combina distintos mundos musicales para darle vida a su estilo, además de su labor como compositora, toca la guitarra y los teclados y viene de una familia musical. Sus padres son los integrantes de Aerolíneas Federales y su tío es de Siniestro Total.     El disco Veinte de Dani suena moderno, es a menudo un pop de comprensión digerible pero sólido, fluido y armónico, un viaje directo a contar emociones y experiencias, mediante sintetizadores y tonalidades melódicas llenas de colorantes abrazando al “yo” interior de quien lo escucha. Electrónica pop que se va inflando durante el transcurso del disco, lo cual resulta bastante ameno al terminar de escucharlo por completo. Y para adentrarnos más al mundo de Veinte, platicamos con Dani sobre el proceso de composición y vivencias.   1.-Veinte es un pop conceptual, fluido y armónico, ¿cuál fue la inspiración para componer el disco?   Veinte son canciones que cuentan pequeñas historias sobre miedos, inquietudes, pensamientos y reflexiones que he ido experimentando en los últimos años. Refleja cómo fue mi paso de la adolescencia a la “vida adulta“ y presenta mi mundo interior. A pesar de eso, creo que todas las personas, sea cual sea su edad pueden sentirse identificadas con las canciones del disco.   2.-Las letras parecieran contar historias personales con las que muchos podrían identificarse, ¿qué equilibrio hay entre lo que viviste y el resultado final planteado en cada canción? Las canciones están inspiradas en sentimientos e historias que he experimentado yo, y otras que han experimentado personas muy cercanas a mí y que por lo tanto, de una forma o otra, me he visto involucrada en ellas.     3.- “Dónde Estás” es sin duda uno de los temas clave del disco, ¿qué nos puedes contar sobre el proceso de quienes estuvieron involucrados en los remixes para ese tema?   Dónde estás es el 3 adelantó que estrenamos del disco y decidimos hacerlo en pleno confinamiento mundial ! Aunque es una canción que se terminó mucho antes de que existiese el COVID, su letra en ese momento podía reflejar el sentimiento de muchas personas. Más adelante decidimos estrenar el EP “dd sts rmxs” en el que participaron Daniel Daniel, Rusowsky, ALKE y Carzé, unos artistas muy guays a los que admiro muchísimo.     4.-¿Cómo fue crecer entre tu gran familia musical pero al final sonar a tu propia visión? Es un gran mérito ese, me parece.   Creo que haber crecido en una familia tan musical me ha enseñado a ver la industria de la música de una forma muy realista, siendo muy consciente de lo difícil que es vivir y sobre todo sobrevivir en ella. También gracias a la educación musical recibida en casa aprendí a apreciar todos los estilos de música, tener un amplio cajón de referencias y gracias a eso haber podido crear mi propio sonido y estilo, con pocas cosas en común al que tenían mis padres en su grupo.   5.-¿Cómo es ser un artista pop electrónica en plena pandemia y 2020, pros y contras? Desde la intimidad de tu arte. Es algo muy raro. Ha tenido cosas malas a nivel interior ya que la situación que estamos viviendo es algo muy duro de entender e interiorizar. Pero a nivel “profesional” no me puedo quejar. A pesar de todo he podido sacar mi disco adelante, estoy empezando a tener conciertos y a planificar nuevos proyectos.  

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Ennio Morricone y La música Lounge durante su carrera

Morricone era mucho más que spaghetti westerns. Esta nueva compilación explora un lado maravilloso del compositor: la música Lounge. Perdimos al gran Ennio Morricone en este 2020, uno de los más grandes compositores del siglo XX. Si bien era mejor conocido por sus icónicas partituras de spaghetti western, llenas de silbidos, pistas de guitarra vibrantes y látigos crujientes, Morricone podía hacerlo todo. Y lo hizo todo, habiendo escrito más de 400 bandas sonoras de películas y televisión a lo largo de 70 años, para todos los géneros de películas imaginables y en todos los estilos. Tratar de descubrir dónde sumergir tu dedo en el mundo de Morricone puede ser un poco abrumador, pero Music on Vinyl ha lanzado una serie de compilaciones este año, cada una con un tema diferente. Hasta la fecha, la serie incluye Western, Passion, Psycho, Giallo y la siguiente es un subconjunto de Morricone: el Lounge. A mediados de los 90 hubo un resurgimiento exótico, que nos dio nuevos grupos como Combustible Edison, Air y Pizzicato Five, pero también vio un redescubrimiento de la banda sonora de finales de los 60 y principios de los 70. Hubo una serie de compilaciones tituladas Mondo Morricone que exploraron el lado groovy de Ennio, lleno de cóctel de jazz, flautas, trompeta silenciada, clavecines, cuerdas almibaradas, marimbas, voces de ensueño “bah-dah-dab-ee-dah”, etc. (Este El lado de Morricone también fue una clara influencia en grupos como The High Llamas y Stereolab casi al mismo tiempo). Esta compilación de Lounge no tiene un nombre tan sutil como Mondo, pero parte de ella es una sobrecarga kitsch, la música de esta compilación se mantiene notablemente bien. El lanzamiento de este disco ya se encuentra disponible en formato vinil desde septiembre del 2020.

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Laura González (Memory Leak)

  Mi nombre es Laura González, nací en Octubre de 1989. Mi pasión siempre ha sido la música. Compongo, toco y me dedico a eso en mi tiempo libre. Mi trabajo de oficina es ser Directora de Ingeniería en una plataforma de Software. Soy parte de la agrupación Memory Leak, una banda de shoegaze de Tijuana, México. Actualmente vivo en San Diego, California, lo cual me ha servido para ser parte y unir la escena musical de ambas culturas tan cercanas.   En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Laura González de la banda de shoegaze Memory Leak, con base en Tijuana.   1- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? Yeah Yeah Yeahs,  su simplicidad, energía y versatilidad despertó una pasión en mí, comencé a ir a más shows, festivales y hasta me inspiró a aprender tocar guitarra. Karen O fue un símbolo de poder y fuerza femenina en mi adolescencia, me hizo darme cuenta que puedes ser punk, emocional, fashion y simplemente ser tú en el escenario.     2- Artista nacional más emocionante actualmente… Lorelle Meets the Obsolete, originarios de Guadalajara pero actualmente residen en Ensenada, Baja California, una ciudad muy pequeña con mucho talento y que tiene una fuerza mágica que me hace sentir en casa. Su fuerza DIY  los ha llevado lejos, esto es algo que admiro bastante y cualquier artista sabe apreciar.     Ellos han sido parte de esta ola de artistas nacionales en la onda “psicodélica” o “psych” que ha surgido en los últimos años en México, cada banda con sus distintos matices y sonido propio. Desde el Kraut, pasando por el shoegaze, noise y llegando hasta el psyviolence. Incluyendo artistas como Lorelle, Diles que no me Maten, Sei Still, Le Ra, Sadfields, El Shirota, Tajak, xHendrix, Mint Field, entre muchas otras. Incluso tenemos nuestra promotora nacional dedicada a este género, Hipnósis. Ellos han estado organizando shows y festivales muy buenos.     3-Disco que marcó un antes y un después en tu vida. Souvlaki de Slowdive, este disco llegó en una etapa cuando estaba descubriendo el shoegaze y me sumergió en él totalmente. Las capas de sonido siempre han sido mi debilidad, fueron mi inspiración para comenzar a componer, explorar sonidos e instrumentos — en especial pedales y todo esto me conllevo a formar mi actual banda.      4-Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación. El trip hop es mi mezcla perfecta entre ambient y electrónica, álbumes como Mezzanine de Massive Attack  y Dummy de Portishead, es mi “electrónica” ideal.       En cuanto al rock, Yeah Yeah Yeahs y su Fever to Tell me hizo amar la explosividad y sencillez de guitarras con ese toque femenino. Con Sonic Youth y el Daydream Nation descubrí la hermosura de guitarras desafinadas. Y para finalizar My bloody Valentine con  Loveless, me hizo amar esas distorsiones con reverb que saturan tu cuerpo, mezcladas con esos vocales que generan armonías más que letras en una canción.       5-. Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer. Sargent House, basada en los Ángeles, California. Es una disquera que alberga artistas como Chelsea Wolfe, Boris, Russian Circles, etc. Está liderada por Cathy Pellow, otro icono e inspiración para mí que a lo largo de su trayectoria, se ha dedicado a tratar a sus artistas como su familia y su motivo es el amor a la música. Siempre ha sido activista para causas sociales fuera de la industria musical. Por otro lado, 4AD, Kranky, Sarah Records tienen un lugar muy especial en mi corazón e influencia.     6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué?   La presencia femenina latina e hispanoamericana en géneros como el reggaeton y el trap ha marcado una nueva etapa de liberación, poder y seguridad de la mujer alrededor del mundo. Es admirable ver esta fuerza llegar a distintos tipos de culturas. Siempre ha habido movimientos promoviendo esto, especialmente en el punk y riot grrrl. Pero nunca ha llegado a un top 40 a cada rincón del mundo.   7-Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgullosa.   La composición y producción del nuevo sencillo de Memory Leak  – Gravedad, muestra madurez musical de mi parte y estoy muy contenta con el resultado. También acabo de iniciar un otro proyecto alterno con una amiga, el proyecto se llama Breathe bb (babe/baby/bebé) nuestra visión es salirnos de nuestra zona de confort musicalmente, experimentar con otros instrumentos, aprender a grabar y masterizar desde cero, romper estereotipos musicales y de género en el proceso que conlleva hacer música. Queremos demostrar que no hay barreras para aprender, componer y producir cuando se quiere sin importar tu profesión principal, ella es científica y yo ingeniera pero compartimos pasión a la música y al aprendizaje.          8-Canción que te recuerda a tu adolescencia.   The Cure – Friday I’m in Love, crecí con esta canción en mi camino a la escuela, la pasaban todo el tiempo en la estación de radio alternativa de la región. The Cure es y será una de mis bandas favoritas de todos los tiempos que ha roto estereotipos y llegado al corazón de muchas generaciones sin importar la tendencia musical. He tenido la fortuna de verlos en vivo, y ha sido de las bandas que me han puesto la piel erizada y sacado unas cuantas lágrimitas de lo hermosa que es su música.     9-Anécdota junto con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño. Nuestro primer tour por California fue con nuestra banda hermana de San Diego, Quali. Me hizo ver lo bonito de la fuerza DIY.

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Dejo Flores en tu Puerta de Documento, synthpop decoroso

Dejo Flores en tu Puerta es por fin el esperado EP de Documento, proyecto de synthpop naciente en CDMX.   Aunque el proyecto es nuevo, Alejandro Mancilla y Leticia Toussaint llevan casi toda su vida dedicados a la música y es por eso que el nivel de las canciones compuestas son de talla contundente. Es decir, hicieron lo que quisieron hacer y lo hicieron bien. El EP figura en sí por su mera simplicidad, y las melodías son creativas con líricas digeribles que nos ponen en conexión inmediata desde una frase hasta un recuerdo. El ecosistema pop constructivo es consistente e interesante y agradable. Toda la instrumentación está ahí, funcionando muy bien. Te dejan con esa posible sensación de recordar alguna de tu música favorita de los 80s e inclusive de vibras noventeras.     Creo que una de las mejores características y más singulares del pop que grabaron es ese encantado tan apegado que cada quien tiene con su instrumento y rol dentro de la banda, se percibe un estilo propio por más que encontremos diversas influencias, dígase Thompson Twins, el Depeche Mode de Vince Clarke o mejor dicho: Erasure en sus inicios, está padre y está bien. Documento llega a revitalizar ese lado de la música popular sin pretenciones que nunca debe de olvidarse y que ha hecho crecer tanto a la cultura musical así como la más experimental.     Dejo Flores en tu Puerta es por fin el esperado EP de Documento, proyecto de synthpop naciente en CDMX, naciente sí, pero que esperemos perdure lo que tenga que perdurar, sea como sea, disfrutaremos del viaje. El EP incluye también remezclas de Nos Miran, Mayers, Ella & The Robots y Unvollständig que lo hacen todavía más atractivo. dejo flores en tu puerta EP by documento

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Itzel Noyz y sus “Lunares” trip-hop neo soul latinos

Itzel Noyz es una cantante y productora musical de San Luis Potosí, radicada en CDMX. Dentro de los proyectos destacados en su haber está Naerlot, alter ego enfocado a la música electrónica, el cual la ha llevado a pisar escenarios como el Festival MUTEK México y colaborar con la banda ecuatoriana Sexores para la radio estadounidense KEXP, así como el festival NRMAL. La voz de Itzel Noyz es maravillosa, fluye de manera natural, en esos terrenos del neo soul que ha decidido explorar , inspira calma y alegría. Justo el camino perfecto que junto con esos tintes de trip hop busca una nueva magia de raíz, de espíritu mexicano-latino o tropical pero con el toque de nuestro continente. Sin duda es una propuesta constructiva que rastrea sus influencias como la gran Erykah Badu, pero el resultado final lo transforma en algo propio, además de un increíble vídeo glitcheado en colores. Música nueva envolvente e indisoluble de nuestro país que merece una oportunidad si llega a tus oídos.

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