Depósitio Sonoro

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Kim Gordon anuncia su primer álbum en solitario y comparte 2 nuevas canciones

Han tardado casi cuatro décadas, pero la ex de Sonic Youth, Kim Gordon, finalmente lanzó su álbum debut como solista. Se llama “No Home Record” y llegará a las tiendas y estará en digital el 13 de octubre a través de Matador Records. El primer LP de Gordon bajo su propio nombre tendrá un total de 9 pistas. Se produce poco más de un año después de The Switch, el álbum más reciente de su proyecto experimental Body / Head con Bill Nace, y 10 años después del último disco de Sonic Youth, The Eternal. El primer corte nos ha gustado mucho. La canción sorprende al explorar texturas densas y experimentales que no le conocíamos, su voz electrónicamente adornada nos lleva hacia nuevos reinos conceptuales que seguramente serán más notorios, y que definirán el camino de su debut. “No Home Record”, fue grabado en Sphere Ranch en Los Ángeles y producido por Justin Raisen (Angel Olsen, Yves Tumor) con contribuciones adicionales de Shawn Everett (Weezer, Julian Casablancas) y Jake Meginsky. Su título se desprende de No Home Movie, documental de 2015 del director belga Chantal Akerman. “No Home Record”, tracklist (13 de octubre) 01. Sketch Artist 02. Air Bnb 03. Paprika Pony 04. Murdered Out 05. Don’t Play It 06. Cookie Butter 07. Hungry Baby 08. Earthquake 09. Get Your Life Back

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El sello Sub Rosa lanza Spectra Ex Machina, documentos raros relacionados a los llamados fenómenos ocultos

La Antología Spectra Ex Machina reúne documentos raros relacionados con los llamados fenómenos ocultos, la mayoría de ellos tomados de archivos poco conocidos. En el curso de 3 volúmenes, esta serie rastrea una historia de audio de parapsicología a través de la exploración del espiritismo y las casas embrujadas (vol. 1); médiums músicos (vol. 2); experiencias de percepciones extrasensoriales (clarividencia, psicoquinesis, etc.) y fenómenos electrónicos de la voz (vol. 3). Los documentos reunidos aquí son, por su extravagancia y aspectos exagerados, más que los simples objetos de creencia a los que uno estaría tentado de reducirlos. Son vestigios de fenómenos aberrantes, fósiles de una civilización desconocida enterrados en las profundidades del inconsciente que se reviven, en cierto modo, cuando los escuchamos. Pueden entenderse como “obras”, en el sentido artístico completo de la palabra, y constituyen una especie de “gabinete de curiosidades sonoras” que es digno de interés estético. A veces imbuidos de una intensidad dramática desconcertante, estos documentos llevan las características de una auténtica máquina del tiempo, colocando al oyente en la posición de un testigo del tiempo inmerso en la oscura oscuridad de la sala experimental. Y es en ese preciso momento que el poder estético de estos archivos tiene prioridad sobre su valor probatorio. Su encanto algo anticuado, mantenido por el ruido de la superficie de las cintas magnéticas y los viejos discos de cera, se fortalece con cada escucha. Escucha aquí un volumen de la antología.

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ISHTARKA estrenó (((SOLAR))), de paradigmas, vacíos y pureza musical

ISHTARKA estrenó “(((SOLAR)))”, nos referimos al gran productor nacional cuyo nombre de pila es Raúl Arteaga y que contó con el talento de Jael Jacobo para el arte visual, mientras que en la música explora facetas muy en la línea de Ben Frost y Tim Hecker.   Solar explora diferentes paradigmas existes del sonido, demuestra que es posible establecer diferentes significados dentro de un mismo núcleo creativo a lo largo de su espíritu de limpieza y pureza musical, ISHTARKA evoca un estado hechizante, nebuloso y continuo de mil y una odiseas.   La gran producción lograda es la suma de todo, una propiedad emergente sonora que explora el dinamismo dentro de cada péndulo, en donde la tensión de las partes está tan perfectamente equilibrada como la luna ocultándose y naciendo el sol.   Solar es un vacío que llena y existe en el corazón de las cosas. De estas nuevas melodías y de esta música del 2019. Disponible ya en  todas las plataformas de streaming.

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Los íconos del noise-rock Lightning Bolt lanzan sorprendente nuevo track

Los iconos del Noise estructurado, Lightning Bolt, han anunciado un nuevo disco: “Sonic Citadel”, que llega el 11 de octubre a través de Thrill Jockey. El dúo, el bajista Brian Gibson y el baterista / vocalista Brian Chippendale, grabó Sonic Citadel con Seth Manchester en el estudio Machines With Magnets de Pawtucket, Rhode Island. Escucha la canción que lanzaron este 3 de agosto. En 2019 y 2020, Lightning Bolt reeditará su catálogo de Load Records a través de Thrill Jockey. La banda lanzó su debut en 1999, el clásico Wonderful Rainbow de 2003 y más a través de Load, antes de emitir Fantasy Empire a través de Thrill Jockey en 2015. Son generalmente considerados grandes innovadores del género de noise rock y son ya legendarios. Han sacado 6 discos. “Lightning Bolt” (1999) “Ride the Skies” (2001) “Wonderful Rainbow” (2003) “Hypermagic Mountain” (2005) “Earthly Delights” (2009) “Fantasy Empire” (2015) Son reconocidos mundialmente por sus actos en vivo llenos de adrenalina y a por tocar a ras de piso. 

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Guevara estrenó Ataraxia: electrónica de grietas flexibles y multidimensionales

GUEVARA es el proyecto de Guillermo Guevara, un productor de la Ciudad de México que ha sido clave en la escena de música electrónica experimental desde hace más de 20 años. Iniciando con Sonido Continental, que fue parte de la escena artística de la CDMX alrededor de la celebrada Galería La Panadería a finales de los años 90. Editado en Static Discos recientemente en julio de este 2019, Ataraxia está conformado por 4 tracks que nos remiten a diversas corrientes musicales a través del tiempo.   El EP suena actual y mantiene un flujo des-lineal, lo cual lo llena de una riqueza llena de momentos exquisitamente experimentales, las composiciones exploran las grietas flexibles y multidimensionales de lo que la música minimalista puede o llega a ofrecer en sus picos más altos, picos ensoñadores y también perturbantes, sin miedo a la desestabilidad dentro de su propio núcleo  y ambicioso hasta cierto punto. Sin duda Guevara logró crear una profundidad sonora excepcional y gratificante, su experiencia lo saca a flote y los dividendos de una larga trayectoria lo hacen automáticamente un referente de la experimentación.   Ataraxia susurra una sublimidad envolvente difícil de ignorar.  

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La importancia de Vince Clarke, catedrático del mundo de los sintetizadores

Vince Clarke ha sido una potencia musical dentro del mundo de la electrónica dominada por sintetizadores durante décadas. Fundar el nacimiento de Depeche Mode, lo llevó a la fama así como ser la mitad del dúo synthpop: Erasure y también en el exitoso pero breve proyecto  Yazoo y The Assembly, pero hay mucho más más detalles en su historia.   Vince Clarke siempre ha hablado de música y otras cosas, jamás se ha guardado nada. Vince afirma que fue muy emocionante dejar a Depeche Mode en su momento, de hecho, durante ese post -periodo Yazzo y Erasure eran más exitosos que Depeche, Vince se dio cuenta que él podía hacer toda la música sin necesidad de ayuda o incorporar otro tipo de ideas a su visión.     No cabe duda de que Vince ha estado siempre utilizando un ejército de androides analógicos para ayudarlo a crear sus melodías cambiantes de sinapsis y líneas de bajo duraderas y de teoremas pop pegadizas.     Vince es y fue un personaje clave junto a varios contemporáneos de su época, cuando el tsunami del pop hecho con sintetizadores inundó las listas a finales de los setenta y principios de los ochenta, el señor Clarke ayudó a poner a Gran Bretaña en el mapa modular para siempre.     Han pasado casi 40 años después y la tecnología musical se ha normalizado dentro de la cultura popular y nunca es tarde para recordar los inicios de este gran personaje, quién fue fan declarado de OMD y que él mismo afirma que eran la antítesis del glam rock y el punk en aquellos días.   Bajo la influencia de Kraftwerk, formó Composition of Sound con Martin Gore y Andy Fletcher en 1980, comenzó a ahorrar para su primer sintetizador, que fue un Kawai 100 F y del cual rescatamos una frase mítica:   “Queríamos ser The Cure cuando comenzamos, pero nos dimos cuenta de que los sintetizadores eran más fáciles de tocar y arrastrar que las guitarras y amplificadores”.  

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Escucha la colaboración entre SUMAC y Keiji Haino, un triunfo para el metal experimental

Haino aceptó la solicitud de Turner y el resultado es el nuevo álbum American Dollar Bill: Keep Facing Sideways, You Are Too Hideous To Look At Face On. Con los años, Haino ha demostrado un apetito voraz por la exploración, lo cual es evidente aquí. El japonés tiene una discografía que se acerca a los 200 títulos, incluidas colaboraciones con artistas como Boris, Merzbow, John Zorn, Jim O’Rourke, Stephen O’Malley y otros, dejando en claro que Haino está tratando de crear algo sin precedentes. Discos de culto y de escucha compleja. Keiji Haino apareció por primera vez en la escena musical experimental de Japón en 1970 como líder del grupo de improvisación audazmente de Noise Lost Aaraaff. Su voz chillona y su estilo de guitarra frágil lo establecieron rápidamente como una de las voces más intransigentes del género, y su sonido finalmente resultó demasiado indomable incluso para el marco supuestamente ilimitado del free jazz. Luego, en su debut en solitario de 1981, Watashi Dake, Haino aplicó su fraseo abrasivo al folk medieval y al blues de la era de los años 20, sesgando las estructuras tradicionales de ambas formas de la manera en que los pintores cubistas invertir relaciones espaciales. Incluso cuando se compara con la música cada vez más extrema que se ha seguido desde entonces, Watashi Dake se destaca como un trabajo audaz y desafiante, a la par con Trout Mask Replica, el trastorno igualmente impenetrable del Captain Beefheart a la psicodelia y el blues. Fue en gran parte por estas razones que Aaron Turner, guitarrista y vocalista del equipo de metal SUMAC, y miembro de Old Man Gloom e ISIS, antes de separarse, decidieron llamar en frío al gerente de Haino con la esperanza de que el artista aceptara una colaboración. “Una de las cosas que me atrajo a su música”, dice Turner, “que también es una de las fuerzas impulsoras detrás de nuestra música, es esta idea de que las cosas que pueden parecer duras o abrumadoras son igualmente capaces de transmitir pasión e incluso alegría. Aunque la música de Haino puede parecer siniestra o incluso sombría, también es increíblemente humana. Una de las cosas que es tan importante para nosotros en nuestra música es transmitir un sentido de nuestra propia humanidad”.

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i, i, de Bon Iver, su nuevo álbum nostálgico y ecléctico

Parece que Bon Iver compone solo discos clásicos, a lo largo de una década ha sido el centro de atención de los fanáticos del folk, ha sido un creador de música prolífico, un colaborador impecable y un intrépido explorador sonoro. Ha creado música bajo muchas formas, en varias configuraciones y con una gran variedad de personas. Su discografía es amplia y profunda, y en gran parte gratificante. Género: Folk | Indie | Rock | Label: Jagjaguwar ★★★ Hasta ahora, Justin Vernon ha creado tres álbumes como Bon Iver, cada uno brillante y especial a su manera.  Ahora, tres años después de su último disco, Bon Iver ha regresado con un su cuarto álbum, i, i. Tal vez sea coincidencia, pero el intermedio más corto entre los álbumes de Bon Iver ha producido el cambio menos radical de su historia musical. En lugar de reinventar su sonido, en este nuevo álbum, Vernon ha ido recogiendo fragmentos de todo su camino por la música, resultando un álbum que suena más familiar que nuevo.  En  i, i, Vernon y su elenco de colaboradores muestran el lenguaje musical que han desarrollado y han convertido en propio durante años. Como compositores, productores e interpretes, Bon Iver continua trabajando en un alto nivel musical, en todos los ámbitos, por lo que su música nunca se siente estancada, incluso cuando hacen eco en su pasado. Sus canciones, creadas a partir de los ingredientes más convencionales pueden ser cautivadoras cuando nacen de la inspiración y se elaboran con cuidado. Incluso cuando se respiran con el dolor celestial de For Emma, las canciones de Bon Iver desarrollan un esplendor terrenal que enriquecen los nootrópicos radioactivos de 20, A Million.  Muchos de los amigos de Vernon se reunieron con él para crear i, i. James Blake, Jenn Wasner, Moses Sumney, Marta Salogni, etc. Todos ellos dejaron su propia marca dentro del universo sonoro de i, i establecido por Vernon. Si For Emma, Forever Ago sonaba a un disco solitario, i, i, parece más una vasta congregación de músicos futuristas de gospel secular en el que queda claro que Bon Iver es una banda con una visión musical inconfundible que ha llegado a un punto de su carrera en el que ha forjado una identidad única. Con i, i, es evidente saber que Bon Iver se ha mantenido tan inspirado y atractivo sin mucha agitación, sin embargo, si i, i es calificado usando otras obras maestras de la banda, probablemente este nuevo álbum no deje sin aliento. Después de pasar unas horas escuchando i, i, se puede solamente decir algo: gusta, pero no es nada nuevo. 

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