Depósitio Sonoro

Nostalgia

Jubilee, película pionera y de culto sobre el punk

JUBILEE de Derek Jarman es una de esas grandes películas de culto que surgieron en la explosión del punk, la actriz Jordan, fue un rostro conocido a la par de Johnny Rotten de los Pistols o Siouxie de los Banshees. En el soundtrack destacan las canciones de Adam & the Ants y hasta Brian Eno. Para ver la película sólo hay que darle clic en Mirar en YouTube y si lo solicita confirmar la mayoría de edad. Jordan (la actriz principal) fue un icono referente en actitud y moda para los jovenes de finales de los años 70 y en su momento destacó y fue parte de esa explosión de todo un movimiento en donde también estaba involucrada la tienda SEX de Malcolm McLaren y Vivienne Westwood, y lo que ahora conocemos como punk. La película retrata a una ciudad de Londres ruidosa, irreverente y en rebelión, pero también con un poco de fantasía, resulta bastante entretenida.

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Just Like Heaven, documental sobre la historia de Super Sound

Super Sound, la mítica tienda de discos en Polanco, en la Ciudad de México ,que fue un oasis para muchas personas de aquellos años entre los años 80 y principios de 90 en México. Just Like Heaven es un documental dirigido por Pilar Ortega en colaboración con Mauricio Hammer y Manuel Castelltort. Sin duda fue un lugar y punto de encuentros que marcó a mucha gente que buscaba nuevas alternativas musicales en ese entonces, una época en donde las plataformas en stream ni siquiera pasaban por la mente de nadie y la única vía para escuchar música era (aparte de la radio) comprar los discos y vinilos. En el documental podemos ver los importantes testimonios de personajes como Hector Mijangos, Illy Bleeding, Mateo Lafontaine y Carlos García de Década 2, Alejandro Marcovich y Uili Damage, entre otros, además de personal que trabajó en la tienda.

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Escucha una selección de chicha y cumbia clásicas de Perú de los años 60 y 70

Escucha una selección de chicha y cumbia clásicas de los años 60 y 70, la edad de oro de la música peruana con actos legendarios como Los Destellos, Los Wemblers y Chacalon. La música tropical andina o chicha, es un género musical que nació a mediados de los años setenta en Perú, cuyos orígenes provienen del huayno, el rock psicodélico y la cumbia guarachera de las costas peruanas. Se caracteriza principalmente por el uso de guitarras eléctricas. Surge como manifestación del fenómeno migratorio desde las áreas andinas hacia las ciudades de la costa, principalmente Lima. En la década de 1980, se consolidó como estilo musical, con el éxito de grupos como Los Shapis, Chacalón y La Nueva Crema, Los Destellos, y Los Mirlos, entre otros. Por su parte, la cumbia peruana es un subgénero musical popular del Perú.2​ Se originó de la fusión de ritmos colombianos como la cumbia, cubanos tales como la guaracha, norteamericanos como el Rock psicodélico y ritmos nativos del Perú como el huayno y la pandilla amazónica,3​ así como la presencia en menor escala de la música criolla y afroperuana. El selector del video es Cal Jader, uno de los protagonistas de la cultura latina de Londres y coanfitrión de una de las fiestas tropicales más animadas de Londres: Love Carnival. Su mezcla característica de ritmos latinos, ritmos de carnaval y sonidos globales frescos están ayudando a crear la banda sonora de la escena musical underground de Londres, con conciertos en clubes y festivales de todo el mundo, ha tocado en lugares tan lejanos como Ciudad de México, Beirut, Bogotá, Estambul y todos. -en Brasil en Río, Salvador, Brasilia y Recife, festivales en el Reino Unido en todas partes como Bestival y Glastonbury, además de cerrar WOMAD en Fuerteventura y lugares habituales en Europa en fiestas en Barcelona, ​​París y Lisboa.

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Sanación y espiritualidad, la música new age de América de 1950 a 1990

I Am The Center: Private Issue New Age Music In America 1950-1990 es un excepcional compilado que encapsula el espíritu de la sanación a través de la música. Desde Laaraji, Alice Damon, JD Emmanuel, Daniel Kobialka y más, descubre, escucha o recuerda a algunos de los mejores exponentes de la música new age, siempre cargada a los mundos más espiritualistas y lugares de ensoñación natural. I Am The Center es una pintura que alumbra el paisaje en general, de una manera espléndida sobre estos sonidos que invita a los oyentes por fin a la fuente principal de vida de las grandes luces de un género incomprendido, o quizás, no muy apreciado, pero que siempre ha sido concebido con amor y presentado con esplendor, ideas y sentimientos.

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Cómo el disco Time Out, de Dave Brubeck, cambió la música jazz

Recordamos el innovador álbum de jazz de Dave Brubeck, Time Out (1959). Este es un álbum que regularmente encabeza las listas de los mejores, se reedita constantemente y es tan omnipresente en algunos círculos que es difícil escuchar con oídos frescos. Sin embargo, eso no le quita su grandeza. Time Out, merece un ensayo completo. Brubeck se unió a Benny Goodman, Louis Armstrong y Dizzy Gillespie en una gira musical que llegó a muchos países detrás del Telón de Acero y pudo criticar la historia racista de Estados Unidos al mismo tiempo que promovía su cultura musical. Fueron los polirritmos y la música folclórica que escuchó mientras viajaba por países como Turquía (de donde desarrolló “Blue Rondo a la Turk”) lo que se quedó con él a su regreso. Time Out fue el decimocuarto álbum de Brubeck para Columbia Records, pero su gran avance fue notable. Hasta ese momento, él y su cuarteto habían lanzado varios álbumes en vivo grabados en universidades (que promovían un tipo de jazz seguro pero moderno y estudioso) y varios álbumes de versiones de jazz, como Dave Digs Disney. Pero Time Out era una especie de álbum conceptual completamente formado: una exploración al jazz que aun nadie había tocado. El baterista de Brubeck, estaba bien versado en compases complicados de su formación clásica como violinista. Fue Morello quien experimentó con un ritmo en 5/4 que se convirtió en la columna vertebral de “Take Five”. Brubeck supo algo bueno cuando lo escuchó y le regala a Morello uno de los mejores solos de todo el LP. Lo mejor de todo es que Time Out es uno de esos álbumes clásicos por cómo mezcla lo experimental con lo comercial, una hazaña difícil en cualquier época, pero aún más impresionante en el mejor de todos los años del jazz, en 1959. Brubeck continuó explorando en la secuela de este álbum, Time Further Out, de 1961, que también recomendamos, aunque sinceramente no al nivel del Time Out, que es único.

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35 años de Psychocandy de The Jesus And Mary Chain, pasión, ruido y melancolía

Lanzado al universo musical un 18 de noviembre de 1985, el álbum debut de The Jesus and Mary Chain sentó muchas de las bases de géneros que después vendrían a clasificarse como shoegaze, alternativo o noise garage, entre muchos otros. Era el nuevo punk, la prensa británica inclusive les llamó los nuevos Sex Pistols por la conexión social que tuvieron con toda la juventud de aquellos días a través del Psychocandy que cumple 35 años. Su lugar en la historia de la música ha sido permanente y con toda dignificación, no hay nadie que no esté relacionado al género y que no haya pasado por este disco, Psychocandy sigue siendo una referencia explosiva y autónoma, un golpe a la industria de la música dominada por super estrellas. Así pues, los hermanos Jim y William Reid comandando el espíritu de JAMC, comenzaron la grabación de este disco inspirados en  bandas que escucharon cunado eran unos adolescentes, el arte de The Stooges, The Saints, The Clash y The Velvet Underground, fueron sus héroes en sonido más la admiración que sentían por Phil Spector, todo eso en conjunto fue una locura total de lo que ahora es considerada una obra de culto.  La pared de sonido y su paleta de noise en las guitarras es la mejor manera de describir este álbum. Un sonido que surgió como un accidente y de tocar lo más alto y ruidoso que podían según el guitarrista William Reid. Es un lío de ruido y estática, de encanto y pasión, de melancolía ensordecedora y de rabia explosiva. Todo eso repartido y perfectamente suministrado en menos de 35 minutos, ayudaron a Jesus And Mary Chain a lograr la dirección deseada de ser una banda de rock que logró tener éxito entre la emergente escena de la electrónica a finales de los años 80 y la para ya casi entonces muerte de la new wave y el post punk de aquellos días. La apertura del álbum inicia con “Just Like Honey” que es considerada una de sus máximas creaciones, un clásico de culto que los sigue manteniendo vigentes y llegando a jóvenes escuchas al rededor del mundo y en donde como dato curioso, Bobbie Gillespie de Primal Scream toca la batería, al igual que en todas las canciones del álbum. Psychocandy es, sin duda, merecedor de todos los elogios posibles como pionero de una nueva forma de hacer canciones a través del ruido, sus letras, y la forma en que se presentaban en vivo, sus shows eran míticos por solo tocar 25 minutos y después abandonar el escenario sin importarles nada. Este álbum es la perfecta conjunción de melodías brillantes detrás de letras tristes sobre el amor perdido pero a su vez con muchas  insinuaciones al sexo, todas lanzadas como un poema penetrante, entre el blanco y el rojo, entre el rojo y el negro de su hermosa portada también. The Jesus And Maryu Chain es una de esas últimas grandes bandas de rock and roll de las cuales aún podemos seguir disfrutando.

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Sun Ra Arkestra y la mitología egipcia, sesiones y grabaciones místicas

Es el año de 1971, corre el mes de diciembre, y la Arkestra de Sun Ra aterriza sobre uno de los lugares más místicos y poderosos sobre la faz de la tierra: Egipto, en donde grabarían sesiones musicales para la posteridad que ahora podemos disfrutar.  Para nadie que sea un allegado al arte de Sun Ra, es un secreto que, la mitología egipcia siempre formó parte fundamental de sus creencias y visiones acerca del espacio y la humanidad, uno de sus máximos distintivos fue ser siempre un incansable explorador de los antiguos reinos africanos, de sus formas de vida y de sus formas de pensar y sobre todo, de transmitir la música, siempre fueron un constante océano de ideas para él y la orquesta de músicos que siempre le acompañaron por su viaje eterno al cosmos.   Estas grabaciones son cortesía de Thomas Hunter alias “Bugs”, miembro de la Arkestra, y que en su momento, también capturó  a todo el colectivo musical de Sun Ra en las pirámides en aquel diciembre de 1971, creando una teletransportación audiovisual a su universo interestelar. Un hecho sin precedentes para ese entonces, con ese tipo de música, arte, amor y entrega. El jazz intergaláctico-espiritual en su máxima expresión. Un suceso que está registrado en el disco Sun Ra Egypt 1971 y también en otro plano esteral, podemos escuchar el The Sun Ra Arkestra Meets Salah Ragab In Egypt,  los cuales son un portal hacia la música de las esferas.                                                  

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Mateo Lafontaine y Década 2, la música electrónica de nuestra civilización

Década 2, transformando la realidad con máquinas y sintetizadores desde 1985, un legado que se enciende más no se apaga con la triste e inesperada muerte de Mateo Lafontaine el 29 de octubre del 2020.   “La música electrónica de nuestra civilización”, extraída de una de las canciones más icónicas de Década 2 y que si duda ilustra perfecto lo que siempre proyectaron. Década 2 nos deja un legado invaluable de música electrónica pesada, oscura y no comercial, y nos preguntamos: ¿cómo es que de repente aquél ruido tan ‘underground‘ de la ciudad conecta con los entes y las almas más ruidosas de las personas en tiempos actuales? Ellos, éste dueto; lo ha logrado, mirando a los rincones del cielo de la ciudad y jamás a La Voluntad de Dios sino a su gente, a su arquitectura, a los Electroafectados y a la naturaleza misma, en donde lo más importante es seguir siendo fieles a sus principios logrando crear su propio Alfabeto, imaginando desde arriba aquel intervalo sonoro ideal que la música local tiene que ofrecer. Todo se va y todo vuelve en más de 30 años, más de 30 años cantando, escuchando, regalando un poco del intelecto y aprecio musical con el que fueron formados Los Decretos Del Poder que los caracteriza a través de su síntesis. Esa síntesis que siempre amo Mateo Lafontaine.     Mateo deja temas e inspiración  que se han convertido en un estandarte para el dueto y para sus seguidores, quienes les recuerdan por dejar un legado impresionante en el mundo de la música desde los ‘80. Es innegable el aporte que Década 2 ha tenido tomando cada instante desde su existencia, rebelándose ante las leyes para describir un movimiento celeste que ha llamado y sigue llamando la atención en nuestra concepción del universo electrónico, ya que la música que han creado ha llegado a varios rincones del mundo e incluso han musicalizado películas. Han dividido los cielos y se han hecho paso por sí mismos en dónde la matemática empieza a cada instante y a cada instante otras matemáticas comienzan, una revolución, un estilo de vida, un amor a las máquinas más que a la vida misma o viceversa y en combinaciones muy paralelas.     La huella que ha dejado Mateo Lafontaine en nuestras memorias junto con Década 2,  los catapulta como humanos musicales que tuvieron  visionarias y artísticas expresiones sobre el sonido, desarrollo y actual situación del que quizá sea el fenómeno sonoro más importante del siglo XX: la música electrónica. Es evidente que la aparición de Década 2 sea la consecuencia de las profecías, de las aspiraciones y del trabajo lúcido de escritores, arquitectos, científicos, tecnólogos, compositores y músicos y no-músicos a través de una coherente evolución en un devenir histórico que abarca muchos años atrás, como Walt Whitman escribió alguna vez: “los infinitos héroes desconocidos valen tanto como los héroes más grandes de la historia”.     Década 2 y Mateo Lafontaine permanecerán influyendo hoy en día y eso es una realidad, poco a poco se han ido generando más espacios para disfrutar este tipo de sonidos y ellos son pioneros totalmente, y Mateo un incansable necio aferrado que siempre creyó en sí mismo, y es eso, la entrega de muchas dosis que siguen evolucionando y vitalizando con todas y cada una de sus presentaciones en vivo de las que muchos de nosotros pudimos disfrutar.     Su Cinturón de Orión no descansará y es precisamente esa insistencia la que los ha llevado a encontrar una percusión constante que cada vez Mateo añadió un brillo perceptible. Sus producciones levantadas por los sintetizadores y cajas de ritmos más influyentes de la historia y de la nuestra, sobre todo, la nacional, se alzan vivaces y las corrientes más apegadas a la electrónica los han hecho generar música con muchos Días de Voluntad desde 1985 hasta la fecha.     Gracias a Carlos García y a Mateo Lafontaine por comenzar de cero cuando no había nada,  y también a su vez, por resucitar las veces que hayan sido necesarias, por crear, por generar nuevos espacios, nuevos sonidos, nuevos capítulos, nuevas pendientes, por inspirar a Nuestra Profética Juventud y sólo de esa forma abrir nuevos equilibrios en una escena como la nuestra, que es difícil, que es complicada y que no siempre jala parejo,  y también gracias Mateo, hacernos ver que por donde la oscuridad brilla más que nunca; no todo es rudo, áspero o tétrico.  Que las órbitas de arenas movedizas en dónde el tiempo no sabe volver resplandezcan en la noche que cada fan escuche tus canciones por recuerdos o por sensaciones infinitas, pronunciando remolinos y tormentas, un despertar pleno en la pista del que aún se atreve a bailar.     Un legado que se enciende más no se apaga con la triste e inesperada muerte de Mateo Lafontaine, y nos volvemos a preguntar como en un principio: ¿cómo es que de repente aquél ruido tan ‘underground‘ de la ciudad conecta con los entes y las almas más ruidosas de las personas en tiempos actuales? Nos sentimos honrados de haber llegado a su música y que otros músicos a su ves se hayan inspirado en sus locuras. Tres décadas y un poco más han pasado desde que el ecosistema electrónico de México se nutriera con su fuerza creativa. Más de tres décadas de exploración musical. Síntesis crítica y constructiva, aunque a veces eso no cayera bien o fuera bien recibida por algunos, porque si bien es cierto y para nadie es un secreto, Mateo apoyó a nuevos productores pero también fue duro con parte de las nuevas generaciones que no vivieron los años y época que a él le tocó vivir. Música independiente y trascendental: “Esta es la voz, la voz de DECADA 2”.     Sus decretos del poder entre la música y las máquinas, nos dejan una incontable lista de lanzamientos  y por fin su primer disco recopilatorio: The Vox, Vol. 1 (1985-1989) y próximamente un libro

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