Depósitio Sonoro

Shuffle

Perfil sobre Stars of the Lid y su disco The Ballasted Orchestra

The Ballasted Orchestra es el tercer álbum de estudio del dúo Stars of the Lid y el primero en tener su lanzamiento inicial en Kranky. Fue lanzado simultáneamente como un LP doble y un solo CD en marzo de 1997. El álbum presenta composiciones mínimas, monótonas, de duración variada, algunas de las cuales se mezclan entre sí. La pista “Taphead” es una referencia a la canción Talk Talk del mismo nombre, mientras que “Music for Twin Peaks Episode # 30 Part I” y “Part II” se nombran como un tributo al programa de televisión de culto. En términos generales, los discos más aclamados del grupo de ambient de Texas son The Tired Sounds y Refinement of the Decline, los cuales son discos más elegantes y minimalistas que también son muy, muy largos. Es el tipo de registro en el que resaltar pistas específicas frustra el propósito, ya que un álbum de drones de 70 minutos no es uno para los éxitos, pero si lo presionan para nombrar mis momentos favoritos, serían “Fucked Up (3:57 AM ) y “Platillo de 24 pulgadas ”, que por lo que recuerdo es una pista extra de vinilo. Cada uno de estos es un escaparate de un tipo de oscuridad atractiva que Stars of the Lid hace con tanta maestría. Es el tipo de ambient que puedo escuchar una y otra vez, pero sobre todo en los días grises y oscuros. The Ballasted Orchestra es largo, en gran parte porque tiene una suite completa en su segunda mitad que se supone que es la partitura de un episodio de Twin Peaks que no existe. Pero donde se diferencia de esos es que existe en un reino más siniestro, sus drones (que son creados principalmente por guitarras) tienen una calidad inquietante y misteriosa, algo que lo distingue de la belleza más trascendente de sus discos posteriores. El álbum fue elogiado por la crítica. Stephen Cook, que escribe para Allmusic, declaró: “Tomando hitos ambientales como la grabación Apollo de Brian Eno, Brian McBride y Adam Wiltzie de Stars of the Lid, crean 8 gemas flotantes con toques de ruido industrial y atmósfera de la banda sonora de películas. Aquí no hay baterías ni guitarras ruidosas, solo bloques oscuros y elegíacos de sonido etéreo que toman de 12 a 18 minutos en un pop. El efecto de este disco es a la vez calmante y provocador. Este dúo de música ambiental formado por Brian McBride y Adam Wiltzie, en Austin, Texas en el año 1993, tiene entre sus influencias compositores minimalistas y electrónicos como Arvo Pärt, Zbigniew Preisner, Gavin Bryars y Henryk Górecki, además de Talk Talk, los artistas del post-rock Labradford y el innovador ambiental. Brian Eno. Sus composiciones son en gran parte paisajes sonoros sin ritmo, compuestas por guitarras con zumbido, tratadas con efectos junto con piano, cuerdas y trompetas… Su sonido ha sido descrito como “un zumbido divino.

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This is Hexagon Sun: místico documental sobre Boards of Canada

Un emotivo y místico documental sobre Boards of Canada, un largometraje sobre la banda electrónica escocesa. El video va descifrando su discografía y estilo. De acuerdo a su creador, este video se inició en 2017 e inicialmente se terminó y renderizó alrededor de noviembre a diciembre de 2019, por lo que cualquier cosa de Boards of Canada después de ese punto no se tiene en cuenta en este video. Este video no presenta audio que no esté relacionado de alguna manera con Boards of Canada; no tiene voz ni anuncios. No se habla, solo se reproduce música mientras el texto pasa por la pantalla. Así que una especie de video musical largo con información. Boards of Canada tomó a la música electrónica y la ha hecho sentir inmensamente personal, invitando a sus oyentes a profundizar en los recuerdos provocados involuntariamente por sus texturas y atmósferas rítmicas. This is Hexagon Sun no busca recaudar ningún tipo de apoyo monetario, y ha tenido como objetivo que más personas conozcan al trabajo de Boards Of Canada y en caso de que ya los conozcan, ahondar más en su carrera. _________________________________________________________________ También te puede interesar: Boards of Canada, música profunda y personalizada

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Mira el concierto de Fantômas en México en 2005

Dentro de las actividades de Radar 4: Espacio de exploración sonora, en el marco del 21 Festival de México en el Centro Histórico, se presentó la banda estadounidense Fantomas, compuesta por el guitarrista de la banda Melvins, Buzz Osborne; Dave Lombardo, ex baterista de Slayer, y el bajista de Mr. Bungle, Trevor Dunn, además de Mike Patton. El concierto fue el 28 de abril de 2005 en el Salón México. Navegando por YouTube nos encontramos con este video, que si bien no tiene la mejor calidad de audio y video, nos funciona para darnos una aproximación de lo que fue esa inolvidable noche. Parte del equipo de Depósito Sonoro estuvo presente. Fantômas se creó 1998, el conjunto comandado por Patton, también vocalista del grupo Tomahawk, adoptó el nombre de Fantômas en homenaje a un conocido antihéroe de la legendaria serie de historietas francesas de crimen. Fue hasta 1999, después de su debut en San Francisco, que la agrupación pudo grabar su álbum debut homónimo y con el cual inauguró el sello discográfico de Mike Patton, Ipecac. Durante esta legendaria en el Salón México ubicado en el Centro del Distrito Federar, presentación en la que Fantômas dio a conocer a sus seguidores mexicanos su más reciente disco de aquel entonces: Suspended animation (2005), durante un espectáculo de alrededor de 50 minutos que conjugó la energía del metal con ambientes experimentales y cinemáticos. Después de su actuación en el Salón México, Fantomas se dirigió para estar en el Festival Coachella 2005. En total hubo 1,500 espectadores y el costo del boleto fue de $300. Con información de La Jornada.

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Fenomenología de la música para las masas

Ya sea por su ritmo bailable, sus letras pegadizas y por la cantidad de artistas que se han sumado al género. La música para las masas, con un pronunciado sesgo hacia el Reggaeton, avanza a pasos agigantados gracias a la era del internet y la globalización musical. Y aunque las fórmulas parecen dichas, artistas de otros géneros, de pop o de rock, por mencionar, se suman y buscan sacar provecho y crear canciones para escuchas sencillas. Spotyfi ha señalado esto como un fenómeno global que cual epidemia se ha expandido ya por todo el mundo. No es cosa nueva (tampoco precisamente mala) y cada año sus tentáculos se desplazan más y más, pero a su vez, cada año cambia…. Años han estado marcados por J Balvin, Willy William – Mi Gente, Luis Fonsi y su Despacito, y Maluma – Felices los 4, etc. Todos lo sabemos, o lo hemos visto, la música para las masas alegra corazones de millones de personas. Se canta sobrio para animarse, se canta borrachos con el corazón. El reggueton llegó para quedarse. Desbancó al Pop de los años 90 o 2000 o en el caso de México, a la música popular como la banda, salsa o la cumbia. Su mayor peculiaridad es que es incluyente para las clases sociales: lo puede escuchar las clases bajas o las clases altas, gente joven y gente grande. La música para las masas tienen como particularidad sumar detractores como adeptos. Crea un marco teórico del que se desprende muchas ramas. La tendencia a segmentar está caduca, y su instalación es a prueba de todo.  No es narcisismo intelectual, no es jactarse de ser distinto, para nada es el objetivo de esta nota; simplemente es analizar cómo es una suerte de best seller musical. En un país donde lo común es crear ídolos, héroes hasta convertirse en mitología popular, que rinde culto a un Santo con máscara que no muestra su rostro, es imposible no dejarse llevar por la corriente en gran parte de sus facetas; y es que el gradiente se alimenta de nuevas formas de bailar, o hasta de ligar, del fácil acceso, de la rutina alegre, de lo frecuente, de lo fácil. Pienso poco y disfruta mucho.  ¿La música para las masas es un producto desechable o perdurable?  

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Conoce Sonoridad: Mapa de músicas mexicanas

Sonoridad: Mapa de músicas mexicanas, da a conocer a grupos, proyectos, colectivas, sellos discográficos y festivales, conformados por mujeres. Creamos una Playlist de quienes conforman el proyecto, grupos de géneros como cumbia, jazz, punk, metal, música tradicional, folk, rap, etc. Y si tienes una banda de mujeres aún la puedes inscribir. La lista las posiciona en el mapa y suma datos, teniendo como objetivo mostrar la diversidad y crear un directorio de proyectos activos. Es una lista activa que se sigue actualizando constantemente. También puedes acercarte y conocer las redes sociales de los proyectos que presentan. El ejercicio por sí mismo es emocionante, porque “un retrato sonoro es una parte de la foto poca veces documentada y muy importante”. Da clic aquí para conocer el mapa. O también puedes llenar el formato de registro. si te interesa sumarte al Mapa de Músicas Mexicanas da clic en este link.

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BLACK YO)))GA: practicar yoga con música metal

“No puedes apreciar la luz hasta que no comprendas la oscuridad”. BLACK YO)))GA es un tipo de yoga que busca establecer una armonía entre la mente y el cuerpo a través de clases con un set de música drone, stoner metal, ambient, industrial, doom y derivados del ala más lenta, atmosférica y espesa del metal. A través de esta música, se incorporan posturas básicas del vinase yoga en un ambiente relajado, mientras se centra toda la energía y concentración en los mecanismos y posturas del cuerpo. Parecería una clase tradicional de clase de yoga, sin embargo, es más oscura -y quizá más introspectiva- de lo normal. El objetivo del colectivo que está llevando estas sesiones desde hace casi 2 años es formar un espacio de meditación y difundir los beneficios del yoga principalmente para la gente de su escena musical y cultural que quiera combatir algunos padecimientos comunes como la depresión, la ansiedad, el alcoholismo, la drogadicción, las fobias, etc. O simplemente para las personas que necesiten mayor equilibrio emocional, liberación y una vida más plena. BLACK YO)))GA fue creado por Kimee Massie, una instructora certificada, que espera que esta disciplina siga creciendo, ya que no cuentan por ahora con un estudio o gimnasio fijo; y en lugar de ello han creado espacios aleatorios para ofrecen clases particulares privadas y grupales para quienes sientan que no pueden encajar en las clases típicas de yoga. Algunos soundtracks favoritos de la instructora para impartir clases son: Bohren & der Club of Gore, Locrian, Sunn O)))/Ulver, Sigur Rós, Black Swan, Pig Destroyer, Nine Inch Nails y Sleep. Dando clic en la imagen de aquí abajo puedes escuchar unos mixtapes para las clases de BLACK YO)))GA para que te des mayor idea o para que lo puedas practicar en casa: Si estás interesado en tomar clases puedes contactarlos en los siguientes links (aunque sólo aplica para Estados Unidos por ahora):https://www.facebook.com/BlackYoga1 ¿Tu practicarías el BLACK YO)))GA?

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Biografía del disco DAMN, de Kendrick Lamar

El disco DAMN, de Kendrick Lamar, fue en muchos sentidos, uno de los grandes discos de 2017: encabezó muchas listas de fin de año y fue el disco que le dio a Kendrick un Pulitzer. Queremos decir, algo difícil de superar. Si no escuchas a Kendrick Lamar por sus canciones de funk psicodélico salvaje y fusión de jazz, lo entendemos. Damn, el cuarto álbum de estudio del rapero estadounidense Kendrick Lamar, fue lanzado el 14 de abril de 2017 a través de Top Dawg Entertainment, Aftermath Entertainment e Interscope Records. El álbum cuenta con una variedad de productores, incluido el productor ejecutivo y director del sello Top Dawg Entertainment, Anthony “Top Dawg” Tiffith, Sounwave, DJ Dahi, Mike Will Made It y Ricci Riera; así como otras contribuciones de producción de James Blake, Steve Lacy, BadBadNotGood, Greg Kurstin, The Alchemist y 9th Wonder, entre otros. Damn recibió una aclamación generalizada de la crítica y encabezó el Billboard 200 de EU con 603,000 unidades equivalentes a álbumes obtenidas en su primera semana. También encabezó la lista de Canadá y alcanzó el número 2 en Australia, Bélgica, Dinamarca, Irlanda, Países Bajos, Noruega, Suecia y Reino Unido. Fue apoyado por tres sencillos oficiales: “Humble”, “Loyalty” y “Love”, el primero de los cuales se convirtió en el primer sencillo número uno de Lamar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos como artista principal. Damn fue certificado triple platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) en mayo de 2018 y también fue el álbum número uno de Billboard Year-End de 2017. Damn encabezó la encuesta de críticos Pazz & Jop de The Village Voice y fue nombrado uno de los mejores álbumes de 2017 y de la década por varias otras publicaciones. Se convirtió en la primera obra clásica o no jazzística en ganar un Premio Pulitzer de Música y ganó el Mejor Álbum de Rap en los Premios Grammy 2018, además de recibir una nominación al Álbum del Año en la ceremonia. En 2020, el álbum ocupó el puesto 175 en la lista actualizada de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Se puede sacar mucho provecho de este disco.

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Black Focus, de Yussef Kamaal, disco que rescata las viejas raíces del jazz

Hay muchas personas que momentos de ansiedad o depresión, recurrimos a la música como una forma de terapia. El camino fácil es recurrir a viejos favoritos, pero también a menudo es bueno el descubrimiento de nueva música, es igualmente catártico y sanador. Tener una curiosidad genuina tiene una recompensa fuerte. Afortunadamente, nunca hay escasez de música que conmueva, como puede ser descubrir fascinantes piezas de nuevo jazz. A principios de los años 2000 cuando sellos como Brainfeeder lanzaban música con raíces en el jazz fusión de los 70 (como Thundercat), y luego cuando Kamasi Washington se convirtió en el nuevo ícono; sin embargo, hay más cosas que lo que se muestra en la cima. Hay un montón de jazz nuevo en el que sumergirte. El disco The Epic, de Kamasi Washington, proporcionó un punto de inflexión para una mejor cobertura cultural del jazz como un género contemporáneo en lugar de uno de archivo; muchos de ellos de Londres, como Yussef Kamaal, el dúo del tecladista Kamaal Williams y Yussef Dayes, cuyo debut fue Black Focus. El único álbum que lanzaron juntos es sobresaliente, un disco de fusión de jazz-funk futurista que une ritmos relajados con elementos electrónicos. No es lo suficientemente “rave” para ser nu-jazz, pero es lo suficiente como para no ser un resurgimiento de la fusión con la vieja escuela del jazz.

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