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Empieza hoy Festival Roadburn, la meca del metal y de vanguardia

El Festival Roadburn es la Meca de los seducidos por las artes obscuras experimentales y de la música psicodélica, de vanguardia, stoner, hardcore, sludge, rock, experimental, doom, entre otros. Es una celebración de artistas vanguardistas decididos a superar los limites de la música, ya sea sonica, emocional ó espiritualmente. Desde hace ya casi 20 años durante un largo fin de semana de cada abril la pequeña ciudad de Tilburgo en Holanda se llena de los metalheads provenientes de todo el mundo para sumergirse completamente en un ambiente ‘adecuado’ para aquellos que ven la música como un arte más ‘elevado’, con el fin de obtener una experiencia inmersiva y excluyente de cualquier tradicionalismo. No sólo es el principal festival de este tipo que existe, si no que ha inspirado innumerables imitaciones alrededor del mundo, su continua evolución para tratar de encontrar nuevos limites musicales y creativos, es lo que ha generado un alto grado de credibilidad y autenticidad. Una de sus tantas particularidades mas emblemáticas  es  invitar un curador para cada edición, en años pasados figuró Jus Oborn de Electric Wizard; Mikael Akerfeldt de Opeth; Lee Dorrian de Cathedral, Sunn O))), etc. Cada uno ha brindado una atmósfera y sabor únicos. Los tradicionales DJ Set terminando la noche, las exposiciones de arte, los paneles de discusión y la sala audiovisual son espacios que mas consienten al melómano musical. Adentrándonos a la edición de este 2018 el line up es fuera de serie (una vez más), Walter (fundador y director general) tuvo la gran idea de invitar al ícono del post hardcore Jacob Bannon (Converge, Wear Your Wounds), fundador de la afamada disquera Deathwish y un excelente diseñador gráfico e ilustrador, para invitar a bandas con una propuesta fascinante y ecléctica que tiene como invitados a Crowbar tocando su clásico Odd Fellows Rest. Además de los  representantes del Doom-Industrial, Godflesh, tocando Selfless, los canadienses vanguardistas de Godspeed You! Black Emperor interpretando dos sets únicos, el dúo de funeral Doom Bell Witch tocando su afamado y más reciente álbum de una rola de más de 80 minutos, los japoneses Boris tocando su clásico album Absolutengo en compañía de Stephen O’Malley de Sunn O))), la mágica colaboración de Cult of Luna y Julie Christmas tocando su álbum Mariner, el extraordinario último disco de ‘black metal experimental’ de The Ruins of Beverast, por mencionar algunos que son parte de esta excelente curaduría. El artista en residencia que no es más que la banda que tocará todos los días un set diferente, es Earthless que contará como invitados a Damo Suzuki (Can) y tendrá  colaboraciones con Kikagaku Moyo. Una de las cerezas del pastel en esta edición es la música que ambientará al festival en sí, se le comisionó a un ensamble llamado Waste of Space Orchestra que es una colaboración entre los finlandeses Dark Buddha Rising y Oranssi Pazuzu, y también  de Hugsjá que es un ‘super grupo de gente de ‘Enslaved y Wardruna’ tocando música folclórica nórdica. A última hora se anunció un pequeño tributo a Caleb Scofield •RIP• (Cave In, Old Man Gloom, Zozobra) por parte de Stephen Brodsky (Cave In, Mutoid Man) y Adam Mcgrath (Stomach Earth) donde tocaran covers acústicos y le rendirán honores. El arte principal corrió a cargo del genio Richey Beckett, qué fungio como curador de la exposición de arte que contará con la participación de John Dyer Baizley (Baroness), Jacob Bannon (Converge), Marten Donders, Thomas Hooper, Arik Roper y Costin Chioreanu. Enfatizar que es un lugar para la comunidad, un entorno inclusivo y acogedor, un festival creativo, didáctico, que ofrece una única oportunidad para envolverte de música de vanguardia ó simplemente puedes quedarte con lo que ya sabes y aún así tener una experiencia inolvidable. Así es el Roadburn.

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Record Store Day México 2018, el día que celebra a los coleccionistas de discos

Este sábado se celebran 11 años de existencia del Record Store Day, iniciativa mundial que promueve, difunde y resguarda las tiendas de discos, en su mayoría independientes. En México será el sexto año que se promueve este proyecto. La Roma Record será la tienda embajadora de esta edición 2018. Todo el sábado habrá fiestas en distintos lugares con DJs Sets y bandas en vivo, principalmente en zonas céntricas de la CDMX (Roma-Condesa-Centro Histórico). Te recomendamos entrar a la página oficial en Facebook y ver a dónde ir (https://www.facebook.com/RecordStoreDayMX/). Puedes desplazarte de un lugar a otro caminando. Y lo mejor de todo es que las tiendas, además de fiestas, tendrán descuentos para los coleccionistas, o para quienes quieran comenzar a hacer ya su colección. Tiendas participantes, por orden alfabético: –Burn Out Records –Carcoma Records –Chez Body Records –Concret Records –Capital Records –El Club del Rock & Roll –Dedos Sucios –Discos Frenta –Discos Mono –Discos Aquarius –Georgetown Records –Independent Recording –La Roma Records –Música en Vinyl –Music Lab –Perro negro Records –Recikla –Redicom –Revancha –Retroactivo –Rocksound –Sun Metal shop –Spinny Grooves –Tea Recs –The Music Box –Upperpale –Vinil Azul En el siguiente enlace pueden conocer todos los detalles con el calendario de actividades ❥ ❥ ❥ ❥   https://www.facebook.com/RecordStoreDayMX/ Diseño de cartel por Mike Sandoval. #RSDMX18

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El infinito creativo de Uwe Schmidt

Uwe Schmidt es una de las mentes mas creativas y ambiciosas de la música electrónica internacional en las últimas dos décadas. Desde sus inicios en 1985 ha publicado numerosos discos en sellos de culto y ha trabajado con artistas como Depeche Mode, Air, Bill Laswell o Yellow Magic Orchestra. Originario de Frankfurt radicado en Santiago de Chile, lugar que resultó fundamental para impulsar su carrera al publicar internacionalmente el aclamado El Baile Alemán bajo el nombre de Señor Coconut, trabajo que le hizo obtener el premio Quartz por la categoría de mejores arreglos y producción musical. Un artista incansable que hasta la fecha sigue produciendo y trabajando en sus numerosos proyectos siendo Atom™ al que mas le ha dedicado tiempo lanzado recientemente otro interesante álbum de electrónica ácida. Uwe Schmidt es un compositor, músico y productor alemán radicado en Chile, uno de los personajes más creativos en mundo de la música electrónica. Una de esas personas que no saben o no pueden quedarse tranquilas. Desde mi punto de vista Uwe Schmidt es un enfermo obsesionado en quien la producción de sonidos son el único síntoma mecánico de su enfermedad. Este misterioso personaje alemán procedente de Frankfurt a pesar de ser el eje de más de una treintena de proyectos musicales enfocados a la música electrónica, le gusta ocultarse tras el anonimato que da el nombre a cada uno de sus proyectos como: Atom Heart, Dr. Mueller, Señor Coconut, Surtek Collective, Geeez `N´ Gosh, Lisa Carbon Trio, Erik Satin, Mambotur, CMYK, Atom™ y un larguísimo e interesante etc. Además Uwe Schmidt es director del sello Rather Interesting y miembro de M.A.C.O.S (Musicians Against Copyright Samples). “Siéntete libre de samplear mis discos” suele decir él. Desde sus inicios en 1985 Uwe Schimidt se ha convertido en un verdadero genio de la programación musical y la experimentación digital que a veces es imposible encuadrar en un solo estilo, mas que una clasificación estilística o formal tan solo se pueden usar dos palabras para sintetizar la esencia de Uwe Schimidt: innovación y calidad. Poco después de mudarse a Santiago de Chile en 1997 Uwe lanzo el aclamado álbum El Baile Alemán bajo el proyecto de Señor Coconut siendo editado a nivel internacional en 12 países.  Actualmente Uwe Schimidt cuenta con mas de 1800 temas originales en mas de 200 discos  con diversos sellos y una multiplicidad infinita de nombres. Uwe Schimidt continua produciendo música para una amplia gama de proyectos y recientemente ha lanzado un nuevo disco llamado Beauty>>Forward bajo el alias de Atom™, el proyecto más activo de Uwe en los últimos años.   

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¿Cuándo vendrá Death Cab For Cutie a México?

Por alguna extraña razón nunca han venido y no sabemos si algún día lo harán. We have the facts, and we’re voting yes: Hace unos días, gracias a la inmediatez de las redes sociales, me enteré del aniversario no. 15 del único y maravilloso disco de The Postal Service: Gave Up y fue inevitable no pensar en Death Cab For Cutie, y específicamente en Ben Gibbard, compositor y voz principal en ambos proyectos. Little Bribes Pero lo que en verdad llamó mi atención fue que tratando de recordar alguna presentación de DCFC en México, ¡oh sorpresa!, descubrí que NUNCA han pisado tierra azteca y, aunque las razones podrían ser muchas: desde que su booking manager pida lo imposible para traer a la banda, no aprovechar el timing de sus giras en festivales y presentaciones cercanas a México, su capacidad de vender boletos en México (que tiene mucho que ver con cuantos fans cuenta la banda en México, que no son pocos, debo decir), cuesta trabajo entender cómo es que los organizadores de conciertos y/o curadores de festivales en México hayan dejado de lado a tan importante banda del llamado Indie Rock. Sobre todo ahora que la cantidad de festivales aumenta y se diversifica exponencialmente año con año y que permite que bandas incluso más nuevas y con pocos recursos puedan presentarse en venues muy pequeños pero con una exposición mediática a nivel mundial. Y, ¿por qué tanto alboroto por una banda así? Podrían pensar… pues, por varias razones que ahora expongo:   This Charming Man Benjamin Gibbard nació y creció en Washington escuchando a las bandas punk de su escena local, desde Bad Brains, Fugazi y Minor Threat, hasta Sunny Day Real State, Scream, Mudhoney, Soundgarden y Nirvana (¡vaya escena!), lo cual lo lleno de bríos para comprar su primer guitarra en 1997, año en el que él solo grabó y editó todos los instrumentos de su primer disco, realizando las maquetas de sus primeras canciones, mezclando y produciendo todo hasta tener como resultado: You can play this songs with chords, un demo grabado en cassette que Ben repartiría con sus amigos durante fiestas, algunas radios locales y universitarias que terminaron por programar un cover muy punk y ultra lo-fi de “This Charming Man”, original de The Smiths. A partir de entonces, algunas radios comenzarían a programar dicho cover y a pedir que “la banda” (a pesar de ser un trabajo solista, Ben ya utilizaba el nombre de Death Cab For Cutie como agrupación) se presentara para algunas entrevistas, por lo que de la noche a la mañana tuvo que reunir a algunos amigos y conocidos para poder interpretar sus canciones en vivo, así surgiría la primer alineación de DCFC para su disco debut Something About Airplanes un año después y para los dos discos posteriores: We have the facts and we’re voting yes y The Photo Album, trabajos con los que ganarían el reconocimiento de la prensa especializada como Spin, Paste y Pitchfork, obteniendo criticas medianamente positivas; pero no sería sino hasta el 2003, tras la salida de dos de sus miembros fundadores: Nathan Good y Micheal Schorr, y la llegada de Jason McGerr, que junto a Christopher Walla y Nick Harmer y Ben, formarían la alineación clásica de DCFC.     So, this is the new year!! Hoy en día, es innegable que DCFC es uno de los pilares de la música Indie-Rock de EU, especialmente en Seattle, gracias a una trilogía de discos impecable y soberbia: Transatlanticism Plans y NarrowStairs,  pero también ha de reconocerse que fue gracias a la serie de drama juvenil The OC, que su carrera musical se disparó de la noche a la mañana, llevándolos al éxito comercial gracias a que uno de los personajes principales, Seth Cohen, era fan de la banda en la serie (y en la vida real), lo cual justificaba sus reiteradas apariciones tanto en el soundtrack como en la serie. Y es que The OC fue para el género indie (a nivel internacional) lo que Saturday Night Live fue para los actores de comedia norteamericana, o lo que Sub Pop Records fue para la escena Grunge en los 90, un verdadero semillero de talento que le daría vida a todo un género. En otras palabras no se puede hablar de DCFC sin hablar de The OC, o viceversa. Fue casi una relación simbiótica de la que ambos salieron beneficiados. Your heart is an empty room Después del éxito de la banda, Ben se dio el lujo de comenzar una relación con la hermosa e insufrible Zoey Deschanel, conocida en el bajo mundo hipster como “Summer”, con quien contraería nupcias en 2009, justo después de terminar la grabación del increíble Narrow Stairs, mientras su compañera grababa 500 Days of summer. 3 años después firmarían el divorcio. Algunos fans afirman que la mayoría de las canciones del Narrow Stairs están dirigidas a su ex esposa, con quién ya tenía problemas desde antes de su boda, y aunque nadie lo sabe con certeza, canciones como “The Ice is Getting Thinner”, “Your New Twin Sized Bed” y Talking Bird”, bien podrían ser cartas de desamor y decepción dirigidas hacia Deschanel. Así que, de alguna forma, habría que agradecerle a la señorita ser la musa inspiradora del disco más depresivo y azotado de DCFC.   Tiny vessels Sin importar su decepción amorosa, Ben continuó su trabajo con la banda, editando 2 discos más de estudio: Codes and Keys y Kintsugi; participando en soundtracks como Twilight (tal vez lo único bueno de esas películas); lanzando su primer disco solista: Former Lives y colaborando con Steve Fisk y AJ Schnack en el documental Kurt Cobain: About a Son; por si fuera poco, volvió a casarse algunos años después con la manager de su banda Rachel Demy; grabó una canción con Foo Fighters para su álbum/documental Sonic Highways, además de compartir escenario con Lauren Mayberry de CHVRCHES en su última gira en norte américa. Todo esto hace de Death Cab For Cutie, una banda que se debe ver y

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Broadcast, o sucumbir ante la escritura automática de los botones tiernos

Es un tanto llano el día de hoy buscar la casilla para definir una música como la de Broadcast, desde lo más amplio y abstracto como sería denominarle Indie Rock, hasta clavadeces más estilizadas como pudo ser electropop experimental. Ambas definiciones un tanto válidas… un tanto escuetas. Para robustecer esta mirada por el retrovisor apelamos a uno de sus álbumes más exitoso, y no por ello menos denso: Tender Buttons (Warp, 2005). Un disco en el que hay que estar preparados para escuchar sintetizadores saturados, comprimidos, electrostáticos, corto-circuitos y demás ruidos relacionados con aparatos que emiten sonidos provenientes de la electrónica de bulbos. En tiempos donde Audiogalaxy y su básico sistema de algoritmos nos llevaban de una banda a otra esperando horas (quizá días) para bajar algún disco que parecía interesante, cierta vez me topé con este material que me atrapó de manera permanente y merecía la pena utilizar todo el internet de conexión telefónica posible. Las letras nos llevan por caminos ambiguos basándose en el método de escritura automática, Trish Keenan nos lleva por de resonancias y psicodelias de corte más bien pop que se quedan como una goma de mascar con muchas tonalidades en sabores y colores a explorar mientras se van degustando. I found the F, es el tema que abre el disco con una especie de escala básica de acordes de sintetizador y una batería que recuerda a algunos fills del clásico Starr. Todas las piezas conservan esta estructura verso-coro- verso que; sin embargo, nos remontan a música experimental. Un tanto por la saturación de los efectos y ruidos armónicos, un tanto por las letras en aparente irracionalidad. Tears in the typing pool nos frena y nos da un respiro del ambiente fuzzy previo. Es una canción de corte casi acústica y tonos nostálgicos en cuya letra no encontramos más que atmósferas de situaciones: The letters are sighing // The ink is still drying // I told you the truth // And now I sigh too. Escenas efímeras, nada explícitas porque no hay mucho que explicar. ¿Para qué? Tender buttons es un disco que merece escucharse tanto para crearse imágenes oníricas en la cabeza, como para dejar que esos ruidos exploren diferentes partes a las que nuestro cerebro no está acostumbrado… o no tanto.

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Underworld: titanes de la música electrónica contemporánea

Como olvidar la ya tan sonada “Born Splippy” (sí, esa rola de la película Trainspotting  que ponen al final cuando Mark Renton va caminando). Corría el año de 1996 y la música electrónica estaba en total auge,  fue así que Underworld supo llevar el techno a otros niveles de los cuales no se estaban acostumbrados. La música electrónica ha pasado por diferentes etapas, desde sus inicios con los pioneros Kraftwerk,  abrieron una brecha para que el beat tomara forma y se  empezaran a diversificar distintos sub géneros y se empezaran a formar grupos a los cuales estaban llenos de propuestas frescas e interesantes dentro del género, uno de ellos fue Freur (sí, los mismísimos Underworld actualmente). A principios de los 80, Karl Hyde y Rick Smith pusieron en marcha las ideas de nuevos sonidos de los cuales no se había puesto atención alguna, su primer sencillo lanzado en 1983: “Doot Doot” fue lo que los dio a conocer como un grupo de música experimental el cual gustaba de jugar con diferentes sonidos dentro de las primeras cajas de ritmos en esa década, más tarde en 1988 ya con el nombre de Underworld, presentaron el siguiente sencillo: “Underneath the Radar” el cual mostraba un Hi-Energy totalmente estilizado pero aun algo difícil de entrar en el mainstream, al siguiente año lanzaban su tercer disco Change the Weather, mediante el cual seguían buscando su propio sonido. Para la década de los 90,  Underworld re definiría su sonido dentro de la electrónica, Dubnobasswithmyheadman  lanzado en 1993 fue el boom dentro de lo que el techno podría ser capaz de sonar en cada rave que se celebraban en cada parte de Europa y Reino Unido en especial, sellaron su sello característico para ubicarlos y llegar a decir “Ah sí definitivamente son Underworld”. Dirty Epic  es una muestra de cómo se puede vocalizar serenamente en un ritmo semi lento pero no por eso aburrido, Karl Hyde encontró la manera de como adecuar las vocales en cada track que creaban y mostrar una vez más que en la música electrónica se puede cantar con unas líricas atrevidas, agridulces y un tanto ácidas. En 1996 llegaria el Second Toughest In The Infants, un disco en el cual se podía apreciar que seguían esa línea innovadora y atrevida de crear ritmos más estilizados, “Juanita Kiteless To Dream of Love” es una rola de más de 14 minutos (la versión de 12 pulgadas) que te hace perderte y mover los pies mediante un ritmo que no tiene fin, esto se ve reflejado en el DVD que sacaron en vivo en 1999 llamado  Eveything, Everything donde venían a mostrar porque eran los reyes del techno, fue monumental escucharlos y estar moviendo el cuerpo con rolas como “Jumbo”, “Cowgirl” y al final cerrar con “Born Slippy” que pareciera que marcara al final de un milenio.

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Future Islands y sus poemas conmovedores y efusivos

La música de la banda de Baltimore es inquietante, increíblemente poderosa y única. Nunca había escuchado algo como la voz del líder de los Future Islands, Samuel Herring. Es conmovedor y efusivo, pero también tiene momentos en los que se ríe maniacamente extendiéndose en la línea de un ser extraño y maravilloso al mismo tiempo. Por este tipo carismático y terriblemente teatral los Future Islands son reconocidos. En mi biblioteca musical los Future Islands están clasificados como “indie pop”, y supongo que eso es bastante preciso. Son una banda muy synth-heavy que no varía mucho de la música de la década de los 80, pero su sonido se debe mucho a la música pop creada hace 30 años. A veces en sus canciones se escuchan toques de un rock dance moderno, pero en general hay una sensación de un rock suave y ligero. La música de los Future Islands es interesante, es a la vez dinámica sin ser dinámica; es decir, que musicalmente tiene muy poca variación y eso tiende a sonar igual en muchas de sus pistas, pero es la voz de Samuel Herring con ese gran rango vocal y entrega única que continuamente trata de hacer que eso se escuche interesante pero a la vez puede ser la parte fatal del grupo. Una banda como Future Islands se toma mejor en pequeñas dosis. Tal vez por eso fue que disfruté tanto An Apology cuando la escuché por primera vez hace años. Pudieran considerarse como una banda pop para adultos. La pronunciación increíblemente gruesa y clara de las letras de Samuel Herring hacen que se distingan fácilmente y no dejen ningún tramo de la vida a la imaginación. Musicalmente es indiscutible, las canciones pueden ser poco memorables al final, pero atrapan a uno. Aparte de los extravagantes movimientos del frontman, Future Islands está haciendo algo bien.

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Arca, estructuras musicales de lava y esperma digital

Hace un año el tercer disco de larga duración del artista venezolano Alejandro Ghersi, mejor conocido en la escena electrónica como Arca, es una obra maestra y paradójicamente el mejor disco del mundo Alterlatino de 2017; la grabación con título homónimo es su disco más personal, el culmen de una búsqueda de texturas y de una identidad sonora y el primero en el que se atreve con el canto; si su música ya era abrasiva y lisérgica ahora con la lírica Ghersi ha dado la estocada final, penetrando e infectando con letras sencillas y versos directos la consciencia y la emotividad del oyente. Cada corte en Arca, es una herida hecha por un clavo que se ha oxidado con todo el dolor, el desasosiego y una forma única , sin reparos, sin máscaras y muy sincera de amar. Arca, un DJ radicado en Londres con una carrera musical forjada en New York University, puede jactarse de un curriculum en el que se incluyen tres mixtapes, igual número de EP ́s (“Barón libre” y “Stretch” 1 & 2; 2012-2014), la androginia bizarra y la síntesis monótona de su album debut (“Xen”, 2014), la crudeza y organicidad en un intento por esculpir con beats y secuencias la deformidad-heredera del genio del Aphex Twin mas oscuro- de “Mutant” (2015) y además, celebradas colaboraciones, mezclas y producciones con nombres tan importantes del mainstream como FKA Twigs (“LP1”, 2014), Kanye West (“Yeezus”, 2013), Frank Ocean (“Endless”, 2016) y Björk (“Vulnicura”, 2015). Con Arca el artista lleva sus obsesiones a un nuevo nivel en el que su talento, experto en generar estructuras de lava y esperma digital, se completa con una voz dulce y operática, en la que hasta la forma de respirar y el mínimo susurro cuentan. Como producto final tenemos el pop más enraizado y despechado que se haya escrito desde los días de Chavela Vargas, aquí sodomizado por capas de ambient, industrial, IDM y glitch. En tiempos en los que palabras como amor, alma o sentimiento carecen de valor funcional, espiritual o evolutivo, se han trivializado o se han cambiado por memes y publicaciones arrogantes y descorazonadas, la sensibilidad de Arca y su sexualidad convulsa, visceral- aunque desprovista de frivolidad queer barata- nos recuerdan lo importante que es para nuestra existencia como humanos, sintonizar con todas esas palabras, vivirlas y entregarlas sin temor, puesto que nunca nos van a abandonar, solo podemos aprovecharlas, domesticarlas, hacerlas canción. “Ámame otra vez / Si te atreves”. ARCA / “ARCA” / XL RECORDINGS / 2017  

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