Depósitio Sonoro

Darkwave

Rabbit Hutch Fest, nuevo festival enfocado en el darkwave, coldwave, Industrial y synthwave

La Ciudad de México cuenta con un nuevo festival especializado en música electrónica de la escena underground. Se trata del Rabbit Hutch Fest, que se llevará a cabo en el Frontón México el próximo 8 de octubre y cuya producción y curaduría son realizadas totalmente de manera independiente por la agencia Le Temps du Lapin. Este festival está pensado especialmente para todos los amantes de las variantes oscuras de la música electrónica como el darkwave, coldwave, Industrial y synthwave, entre otras, y que queda claramente demostrado por su cartel que hasta el momento y en orden alfabético integrado por: ADULT., Annie Claude Dêschenes (aka Budgie Free), Austra, Automatic, Drab Majesty, Maire Davidson (DJ Set), Vive la Fête y Void Vision, con más artistas aún por confirmar. Cabe destacar que varias de las bandas participantes estarán estrenando nuevos materiales y prácticamente tendrán su primera presentación en México desde la pandemia, por lo que la fiel base de fans que muchas de ellas tienen en México podrán volver a disfrutar de los sonidos oscuros en el céntrico foro ubicado en la colonia Tabacalera. Vendrán nuevos anuncios por parte de los organizadores, quienes prometen sorpresas adicionales para que la experiencia del festival sea memorable. Los boletos ya se encuentran a la venta a través de este: enlace y en taquillas del Frontón México.RABBIT HUTCH FESTFrontón México | 8 de octubre 2022General – $1900 + cargosGradas – $1950 + cargosGalería – $2500 + cargos #RabbitHutchFest

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Paranormales, el sonido de la darkwave actual desde Barcelona

Paranormales sacó un disco este 2020 llamado Contra, un trabajo sólido y extremadamente bien producido con grandes líricas, es enérgico y fresco basado en la darkwave y el post punk, como principales motores de creación.     Contra es interesante y tiene ritmos mecánicos y guitarras heladas que acompañan las letras, pero no todo es oscuridad. Se sienten esas pulsaciones que le dan vida al disco y un desenfreno también en la producción, perfeccionando un estilo musical que se conocen bien y en donde los sintetizadores son en parte su mayor contribución a lo largo del disco, crean diversas atmósferas impactantes. No hay nostalgia y eso es bueno, se mantiene un sonido fresco aunque las influencias de décadas atrás sean innegables, a través de esos ruidos que hacen eco y que eventualmente se vuelven ásperos.     Paranormales llama la atención por su inclusión conceptual, su arte y concepto, Contra es un disco perfectamente planeado, es el contenido y no la cantidad, es el arte y no la moda, es el sonido y no el ruido, y eso es lo que lo hace parecer apropiado, también tiene sus toques alienígenas y distópicos, todo por lo que el mundo ha pasado o pasará en cuanto a temas que sacuden a la humanidad o con los que muchos humanos sueñan, soñamos. El disco está lleno de destellos lejanos pero también cercanos, del precipicio hacia el alba y viceversa. Es el sonido del under de Barcelona vía Cleopatra Records que alza la voz.  

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La contra ola del synth wave y el post punk español: Entrevista a Jordi Serrano fundador del sello Domestica Records

Después de la caída de la dictadura franquista, España vivía cambios políticos importantes a principios de la década de los ochenta. El foco de atención se centró en Madrid: las revueltas sociales, los movimientos culturales, la estética de la moda y el espíritu de la música. El movimiento contracultural La Movida Madrileña fue el más mitificado, pero sólo fue un punto de intersección con otras escenas que ocurrían al mismo tiempo: El Rock Radikal Vasco y la contra ola del synth wave y el post punk. Esta es una entrevista con Jordi Serrano, fundador del sello Domestica Records. De hecho hay un sello en Suiza llamado Bongo Joe que hizo un recopilatorio en la misma línea de lo que hago que se llama La Contra Ola, entonces es un término muy apropiado – explica en entrevista Jordi Serrano fundador de Domestica Records. Desde mi punto de vista en España ocurrieron eventos importantes, por una parte, el país tenía poco que salía de una dictadura y se produjo un efecto de foco hacia Madrid, entonces todo lo que no sucedía en aquella zona geográfica tenía muchas dificultades para, no solamente ser escuchado, sino respetado incluso. El hecho de no haber formado parte de ese contexto me ha permitido romper con los prejuicios y he intentado nivelar tanto lo que fue producido en Madrid, como también rescatar y normalizar los movimientos musicales que surgieron fuera de ese lugar. Se trata de romper con los prejuicios y hacerles un poco de justicia cultural a esas bandas. De hecho muchos grupos que no eran de Madrid, se fueron hacia allá para seguir con su carrera musical. Por ejemplo, la banda TodoTodo era alicante de una población alejada de la costa del mediterráneo del sur de Cataluña que se fueron Madrid justamente porque veían que ahí si tenían posibilidades, pero claro, esta lectura es con este grupo. Hay otros con los que pasa precisamente lo contrario, o sea, me han transmitido algunos de ellos que hubo una especie de marginación, porque culturalmente si formabas parte de un territorio como Cataluña, País Vasco, etcétera, influía, entonces tenías que romper varias barreras en su momento. Eran artistas que se encontraban un poco aislados a nivel de escenas, entonces bueno, producían su música de manera bastante solitaria. ¿Qué mensaje intentaban transmitir las bandas de la periferia española que rescatas para tu sello? JS: Con las bandas que yo he trabajado, el mensaje político va implícito por el mismo hecho de producir la música de forma independiente sin la necesidad de tener a terceras personas grabando sus maquetas en sus casas. Esto de por sí es muy reivindicativo en asociación con el do it yourself del movimiento punk, aunque con la música electrónica. A nivel de mensaje obviamente los grupos tenían sus conceptos y a veces no eran tan concretos, tenían sus propias ideas, asimismo, emulaban la estética New Wave y el sonido de ciertas bandas europeas que llegaban aquí, fue lógico para aquel tiempo. ¿Cómo empiezas a armar el proyecto de Domestica Records? JS: Comencé a recopilar material junto a Carlos Paneque en 2008, quien dejó el proyecto al año y medio. Había un creciente interés en descubrir música que quedó relegada por muchos años, estuvo relacionado con la aparición de internet y de los blogs de ese momento. Mucha gente de manera totalmente altruista empezaba a digitalizar cassettes y se empezó hacer una especie de archivo virtual que en ese momento era accesible para todo mundo, incluso hay blogs que siguen activos aunque los links han desaparecido. En España no había nadie dispuesto a recuperar ese material y editarlo en vinilo; yo en ese momento estaba estudiando diseño y justo antes de terminar ya teníamos en la cartera unos diez proyectos: Aviador Dro, Funeraria Vergara, Kremlyn, Línea Vienesa, Interacción, Mosgaten, Modern Art, el recopilatorio Non Plus Ultra. Sé que trabajas toda la parte visual de las portadas de los vinilos ¿en qué te inspiras para hacerlos? JR: Tengo un estudio de diseño, esto ha sido para mí un aprendizaje y a la vez una vía de escape para poder experimentar. Creé un universo visual que iba asociado a la música, yo me inspiré mucho en la obra de Neville Brody y a la vez también tomé muchas referencias de diseños underground publicados en los ochenta. Iba cogiendo aleatoriamente lo que me interesaba y poco a poco se fue generando una estética muy peculiar con Domestica. El hecho de trabajar con ediciones muy limitadas permite ocuparte con sistemas de impresión más artesanales y esto es una cosa que le puede dar un valor añadido importante. Entonces si conjuntas el elemento musical, que es el fundamental, e incorporas algo a nivel de envoltorio, bueno, pues ahí tienes algo que es diferente de lo común. Yo creo que ahora cualquier sello discográfico tiene que tener en cuenta estas dos facetas, para diferenciarse y aportar algo nuevo. Editas a bandas españolas de los ochenta ¿qué tan importante es rescatar esta música en nuestro idioma? JS: Yo creo que es muy importante. El mercado que ha dominado a la industria musical es el anglosajón y esto quizá ha hecho que muchas bandas piensen que van a tener mucho más visibilidad, lo cual es comprensible. Quizá esto lo digo de una manera muy valiente, pero en los mercados anglosajones si detectan cierto acento extranjero no son muy receptivos. Yo creo que es muy importante dejar un lado los prejuicios y este sentimiento de no sé si sea inferioridad de cantar en castellano, pues el hecho de que el idioma sea minoritario puede ser interesante. Precisamente la banda TodoTodo, intentaba que la fonética de las palabras sonara al ritmo de las canciones. Yo creo que hay que romper un poco con esto y saber que en cada país, aunque quisieran emular a otras bandas, el encanto de ser genuinos, de cantar en su propio idioma y hacer canciones sin ningún tipo de complejo, es una magia y un valor cultural importante que deberíamos

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Danzando bajo la luna, discos oscuros para días místicos

Hay vibras y sentimientos que florecen y permanecen. La luz de la luna nos llena de energía sin importar el punto en el que la observemos, desde la ventana o por su simple presencia; el aire helado que cala los huesos comienza a sentirse por las noches anunciado la llegada de seres y entes. Nuestra cabeza comienza a llenarse de la sensación fúnebre y oscura típico de la época ambientado por diferentes temas como los son los típicos Thriller de Michael Jackson o I Put A Spell On You de Screamin’ Jay Hawkins; tampoco se olvida la mítica banda sonora de John Carpenter en Halloween o Mike Olfield en El Exorcista. Otros disfrutan de temas industriales y saturados como los de Rob Zombie y el soundtrack para sus respectivas películas. En estas celebraciones de Halloween y Día de Muertos, se presenciarán las lunas más bellas del año, por lo que diferentes artistas guían a poner el ambiente con sus álbumes y temas. A continuación, una pequeña selección de álbumes para seguir disfrutando de estos días místicos. Franckensteina Strataemontanus es el álbum conceptual más reciente de la banda Carach Argen, inspirado en la historia de Johan Conrad Dippel teólogo, alquimista y médico alemán pietista. A lo largo de 12 tracks sinfónicos, la banda holandesa nos transporta a una atmósfera fría y oscura, con altas y bajas velocidades, mucha estridencia y voces que narran la historia. La combinación de black metal e industrial, nos envuelven en un ambiente épico rodeados de rumores y secretos de la vida de Johan Conrad, así como el supuesto invento de la nitroglicerina, su experimentación con animales muertos y cadáveres humanos. Por otro lado, Sarah Lipstate mejor conocida como Noveller presentó Arrow, un álbum ambiental y abstracto en el que nos invita a adentrarnos a un mundo en donde ella pone los escenarios y nosotros las acciones que se llevarán a cabo. Los temas meramente instrumentales nos cubren de una neblina hipnótica e inquietante en donde las cuerdas y sintetizadores se vuelven en algo complejo en cada tema que transcurre. Aunque la tranquilidad sea evidente por lapsos muy cortos, las sinfonías y ecos no dejan que la neblina se disipe. La obsesión por parte de la californiana al incorporar varios elementos logra la adopción de millones de facetas, dejando al oyente paisajes sonoros. La banda de goth rock Rosetta Stone reapareció con el álbum Cryptology. Después de más de 20 años la banda británica nos muestra los claroscuros del darkwave de los noventa con el post punk actual. La instrumentación simple con cajas de ritmo, teclados característicos, bajo, guitarra, y una voz profunda evocan atmósferas fúnebres y sentimientos góticos, provocando que piedra tras piedra puedan consolidarse en una nueva generación. Un álbum nos recuerda las pasiones, la melancolía de épocas lejanas, cuando lo gótico estaba en su esplendor; pasando de lo sentimental a lo político con cierto minimalismo, dejando relucir los momentos cúspide. Para subir la intensidad de la noche, Minuit Machine presentó Don’t Run From The Fire, un EP conformado por 4 temas contundentes y determinados. Aunque llegara a ser repetitivo, constantemente danzan entre lo opaco y lo brilloso manteniendo el ritmo con cajas de ritmo y sintetizadores mientras que la voz nos engancha en el tema. Amandine Stitoui y Hélène de Thoury exploraron nuevos horizontes para experimentar y de esta manera presentar nuevos conceptos en altas dosis de EBM industrial. Este juega con el miedo y el deseo afectando la estabilidad emocional del ser humano. Finalmente, Clan of Xymox se mantiene sombrío y fiel a su con Spider On The Wall un álbum de darkwave con tintes electrónicos, en el cual Ronny Moorings se encarga de afinar cada detalle. Con este nos acercamos a la sensación de perdernos en espacio tiempo. pero también nos lleva a un romanticismo inspirándose en elementos cotidianos de la vida, el amor, incluso en series que juegan con la mente de la persona planeando posibles futuros en donde la tecnología nos controla y domina. Hay un gran espectro de atmósferas entre voces que se alternan, líneas de guitarra y reverbs que evocan al espíritu dentro de nosotros. Aunque es un sonido familiar y característicos de la banda, los años logran evidenciarlos. Sí, la oscuridad y los halos de luz neón se extrañan, pero antes hay que rendirle culto a la luna, por unos minutos o unos días. Mejores tiempos llegarán.

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Anna Von Hausswolff y su disco All Thoughts Fly, álbum de instrumento para órgano tubular

La artista de vanguardia darkwave Anna Von Hausswolff ha anunciado un nuevo álbum de instrumento para órgano tubular. Se titula All Thoughts Fly y sale a través de Southern Lord. Von Hausswolff explica en un comunicado de prensa: “Hay una tristeza y un desierto que me inspiraron para escribir este álbum, también una eternidad. Creo que este parque ha sobrevivido no sólo por su belleza sino también por la iconografía, se ha liberado de ideas e ideales predecibles. Las personas que construyeron éste parque realmente liberaron sus mentes e imaginación. Todos los pensamientos vuelan, es un homenaje a esta creación y un esfuerzo por articular la atmósfera y los sentimientos que este lugar evoca dentro de mí. Es una interpretación muy personal de un lugar que me falta las palabras para describir. Me gustaría creer que Orsini construyó este parque monumental por el dolor de su esposa muerta, y en mí “Sacro Bosco” usé esta historia como un núcleo para mi propia inspiración: el amor como base para la creación”. Esta la lista de canciones que tendrá el álbum. Theatre Of Nature Dolore Di Orsini Sacro Bosco Persefone Entering All Thoughts Fly Outside The Gate (For Bruna)

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De vuelta a 1998 : Una charla con Acid Fader

La visión de un futuro con sabor a presente y con ojos del pasado, así es como se presenta 1998, la más reciente producción de Acid Fader, una de las bandas independientes que más ruido ha hecho en la escena regia: resalta por su estilo y el peso conceptual en su producción Tuve la oportunidad de hablar con Raúl Álvarez, vocalista de la banda y un clavado en su arte. Platicamos sobre el desarrollo de 1998, su concierto junto a Human Tetris y hasta de anime, les dejamos aquí nuestra charla: ¿Cómo nació 1998? Inicialmente teníamos la intención de seguir con el sonido synth pop de nuestro primer EP (Project Bedroom), pero en ese año fue el boom de toda la escena nacional de este género, y vimos que ya estaba saturado por todos lados: no tenía caso intentar hacer algo de este estilo ya que honestamente no creíamos poder aportar algo nuevo o, mejor de lo que se había hecho. Optamos por tratar de hacer lo opuesto: un sonido un poco más oscuro, como ya comprendíamos un poco los sintetizadores quisimos que predominara más este instrumento sobre todo el sonido de lo que fuéramos a componer; luego que ya vimos cómo componer tipo darkwave, ahora sí le metimos nuestras influencias más personales como Placebo e Interpol. Quisimos prácticamente hacer un intento de “¿qué tal si estas bandas hubieran usado synths en vez de guitarras ?” Por eso mismo le terminamos poniendo 1998 al disco, ya que muchas de las influencias tanto en sonido como en estética surgieron alrededor de ese año, en el que, por alguna razón, dominó mucho este estilo acá decadente y medio digital. ¿Cómo fue su experiencia de grabación de este material? Primero hicimos las maquetas de todo en logic, en mi casa; luego acudimos con un amigo de la banda que es productor y estudiaba en el Tec de Monterrey, ahí en el estudio del Tec re-grabamos parte de los instrumentos y de las voces. La verdad me gustó mucho grabar el disco, sólo nos prestaban el estudio de madrugada y, pues ahí nos quedábamos hasta que amanecía ¿Cuáles fueron sus influencias para desarrollar el concepto del álbum? Definitivamente, en imagen, Placebo, me gusta mucho esa imagen decadente y oscura noventera que dan; en los instrumentos Linea Aspera, Crystal Castles y Depeche Mode. En lo visual y en las temáticas de las rolas, probablemente, de caricaturas Lain y Berserk, de libros El camino y Meridiano de sangre, de Cormac McCarthey y de películas Matrix. Veo que te nutres de mucha cultura pop y esto se nota en la música de Acid Fader, mencionas dos animes en tus influencias ¿Te late mucho la animación japonesa?, ¿que animes te gustan? En general me gusta mucho la animación 3D y 2D, por eso tratamos de hacer algo animado con nuestro sencillo “Lain”, pero de anime me gusta también Hajime No Ippo, Goblin Slayer y Ghost in the shell. ¿Crees que la música de Acid Fader nace más de una introspección, o es un reflejo de todo el arte que consumes? Es más una introspección que se nos hizo más fácil comunicarlo a través de cosas que nos gustaban a los cuatro. Por ejemplo, a la hora de componer tratamos de definir un tema sacado de alguna anécdota personal y luego lo hacemos sonar como algo que consumamos. ¿Cómo ha sido el recibimiento del público a este nuevo material? Supe que tuvieron una presentación con Human Tetris. ¿Cómo les fue? En general ha sido mejor de lo que esperábamos, pero sí hemos estado trabajando en promoverlo para hacerlo llegar a más gente. Algo que nos llegó de sorpresa fue que varios medios de otros países, por ejemplo de Rusia, han compartido y agregado el disco a sus compilaciones, y mencionándonos en notas. Lo de Human Tetris nos gusto bastante, fue mucha gente a nuestra hora, cosa que no esperábamos y la banda se portó muy buena onda con nosotros, al final nos quedamos platicando con ellos. ¿Qué viene para Acid Fader? Una de nuestras metas es el próximo año tocar en CDMX, donde se ve que hay muy buena escena para este tipo de música, y sacar probablemente un par de sencillos y colaboraciones para antes de terminar este año. Ya puedes oír 1998 en todas las plataformas digitales. No olvides seguirlos en sus redes sociales: Facebook | Instagram 

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El regreso de la oscuridad: escucha el nuevo EP de Ritualz

Texto: Ruvaak Malembe Uno de los grandes de la música electrónica oscura en México Ritualz, regresa con su más reciente EP Satánico Supremo, experimento sonoro que funciona como acercamiento por parte de JC Lobo a géneros como el future pop o el synth-pop,  desde la perspectiva y estilo que caracteriza a su proyecto Ritualz es uno de los artistas más respetados en el género, lleva haciendo ruido en la escena desde su aparición en 2010 y, hasta hoy, cuenta con diversas producciones, como Satánico Supremo. El séptimo EP del artista cuenta con cuatro temas que abordan el tema de la llegada de Satán a nuestro mundo como una reinterpretación del libro Apocalipsis de la biblia cristiana; canciones con una carga simbólica muy densa que contrastan con música bailable y una producción excelente.  Esta carga simbólica también se refleja en el material audiovisual con el que vino “REVELATION 666”, sencillo del disco que cuenta con un video genial dirigido por Francisco Ohem, el cual pueden disfrutar aquí: Satánico Supremo responde a la pregunta ¿cómo sonaría Ritualz si quisiera hacer pop? Un EP muy bien hecho de principio a fin, con una carga conceptual muy fuerte. Puedes escuchar este material completo en el bandcamp del artista y, próximamente, estará disponible en todas las plataformas. Bandcamp No olvides seguir a Ritualz en redes sociales: Facebook | Instagram 

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Xeno & Oaklander estrena su disco Hypnos

Xeno & Oaklander son reyes del minimal electronics, llevan demasiado tiempo haciéndolo bien, en términos de síntesis, Hypnos parece haber alcanzado el siguiente nivel. Xeno & Oaklander han aumentado el poderío de su lluvia de ritmo sintético y han formado una relación más suave y cerebral con sus múltiples capas nuevas y acogedoras. A primera escucha puede sonar como algo habitual, pero si lo escuchas atentamente, puedes apreciar los matices refinados y la nueva actividad energética y sobre todo estética en sus nuevas composiciones. También se puede sentir el efecto de sus exploraciones ambientales debido a la madurez y estado de ánimo. Es un nuevo respiro, la verdad, tanto para ellos como para sus fans, creo que han abierto un nuevo catalizador para generar nuevas ideas y eso siempre se agradece. Hypnos tiene el alma y densas armonías con voces increíblemente matizadas. Ojalá podamos verlos en vivo alguna ocasión.

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