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Entrevista con David J de Bauhaus y Love & Rockets

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David J, conocido por ser el bajista de la banda de post punk: Bauhaus y también por ser uno de los miembros fundadores de Love & Rockets, nos regaló esta entrevista exclusiva para Depósito Sonoro. David J  también cuenta con una carrera solista que para algunos se mantiene bajo la sombra pero no por eso pierde relevancia, al igual de estar involucrado en otros proyectos musicales como The Sinister Ducks, The Jazz Butcher, Three y Cabaret Oscuro, por mencionar algunos. Lo interesante de esta entrevista es que queda retratada la influencia del dub y del reggae que tuvo para David y para el resto de los integrantes de la banda, como fue vivir esa mezcla de culturas de cuando eran jóvenes. También nos habla de bandas que han sido influenciadas por ellos como Interpol, su relación con algunos músicos mexicanos como Nortec Collective y les manda un mensaje especial a todos los fans que esperan ansiosos los conciertos de Bauhaus  en CDMX, Noiselab anunció hoy en sus redes que no se va a cancelar, solo han sido reprogramados para el 12 y 13 de agosto del 2020, respectivamente. MIRA AQUÍ ABAJO LA ENTREVISTA EN VIDEO:

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Radiografía de la autenticidad musical

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Del “true” o fan verdadero al “posser” o posador. ¿De qué hablamos cuando hablamos sobre ser auténtico? ¿Qué hace auténtico a alguien o algo? ¿Existe la autenticidad musical? Me queda claro que los objetos pueden tener ese sello de distinción de autenticidad a través de una calcomanía, holograma o etiqueta, pero cómo saberlo en una persona, o mejor aún, cómo saberlo en algo intangible como lo es la música. Todas estas preguntas las planteo a partir de lo que es un true y su antítesis, el tan satanizado posser. El posser es aquel señalado por no ser auténtico, por copiar o no saber a profundidad sobre algún género o banda. También se le atañe de ser un fan de moda u ocasional, pero aquí lo que realmente importa, son los parámetros y criterios que condenan a estos personajes ante su falta o nula conciencia del tema, es decir, los trues.   La música además de ser un campo del saber, es también un factor que refuerza o en muchos casos crea la identidad de un individuo que a su vez conforma comunidades al rededor del mismo gusto musical. No sólo a través de la música, sino a través de signos, valores, lenguajes y códigos que pueden ir desde la vestimenta hasta formas de corporalizar la música, es decir, bailes como son el northern soul o la cumbia, bailada por comunidades como los chicanos o los cholos.   Todo esto nos lleva a una relación estrecha entre la música y nuestra identidad. Stuart Hall, importante pilar en la fundación de la escuela de Birmingham en estudios culturales, señala que la construcción de nuestra identidad se da a partir de la negación, es decir, de lo que no quiero ser. Este argumento puede darnos pistas de lo que pretende el true ante el posser. Sin embargo, hablar de la autenticidad ya sea en la música, en la literatura o en el cine, siempre viene precedida de un proceso histórico artístico y cultural. Por ejemplo, el neoclásico que quiso recuperar los cánones pictóricos y escultóricos frente el destello de algunas vanguardias. También el romanticismo tuvo cierto fulgor implícito de la autenticidad, sobre todo en obras literarios donde se buscaba exaltar valores como la libertad y la originalidad. Lo auténtico siempre estuvo ligado a grupos sub-alternos o de resistencia, desde los grupos de conciencia negra como los Black Panthers, pasando por grupos literarios como la generación beat; logrando crear una estética e ideología donde se resaltaban ideas como la libertad, la espiritualidad, la originalidad, el uso de drogas y el concepto del underground.     La exaltación de la pobreza fue otro de los valores que se arraigaron al concepto de autenticidad, y siempre tuvo como enemigo a los burgueses, la autoridad y los lujos. El cuadro de Laura Martínez Hernández de su libro “Música y Cultura Alternativa” lo pone en contexto:     De esta forma y bajo estos criterios se resaltaba la “buena” y la “mala” música, o el “buen rock” y el “mal rock”. Estas divisiones no tardaron en llegar a la distinción de la sociedad donde en actos radicales violentaron a otros grupos bajo la consigna de “no ser auténticos”, basta recordar los sucesos en el 2008 en CDMX, donde grupos de metaleros y punks agredieron a otro grupo de jóvenes llamados: emos. La autenticidad también se fue colocando como una lucha ante lo comercial y lo masivo, el hecho de que una banda pasara del underground a lo comercial, era muy mal visto por sus seguidores, pues sentían que su símbolo culto se convertía en un símbolo de consumo, perdiendo su valor original, algo parecido a lo que se refería Walter Benjamin referente a las industrias culturales y el aura del arte. La apropiación de la música o de bandas bajo esa distinción de ser underground y auténticas, se viene abajo cuando comenzamos a ver que se industrializa con playeras de la banda o firmas de autógrafos o cuando el vecino que creemos no ser digno ya los conoce. Sin embargo, la autenticidad también fijó un valor de percepción referente al mercado como etiqueta, pues a nadie le apetece comprar la copia del original, lo cual algunas bandas han capitalizado muy bien al sólo lanzar cierto número de copias limitadas, obligando a sus seguidores a hacerse de una copia original por el medio que sea. Así pues, la autenticidad más allá de un ideal artístico o de vanguardia, se fue transmutando, sirviendo como carne de cañón del mercado, de la distinción para refrendar cierta superioridad ante aquellos escuchas de lo “no autentico”. Hoy en día, me parece que la autenticidad además de ser un valor de percepción, es la construcción de la exclusividad, reproduciendo elitismos que no tienen que ver con la clase o la posición económica, pero sí se reviste de esnobismo creando canonjías de la autenticidad musical.

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Ecosistema personal: discos, canciones y anécdotas con Ana Valencia

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Mi nombre es Ana Valencia “Vampi”, soy locutora, ingeniera en audio, productora musical y bajista. Soy parte de Ibero 90.9 FM, fungiendo tanto como productora sonora, así como locutora del programa Ciudad Zonar, que intenta poner en el reflector a aquellos conciertos, venues, eventos y panoramas musicales nacionales que muchas veces no tienen la difusión adecuada. En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Ana Valencia, quien también ha trabajado en post-producción para cine y televisión, haciendo mezcla stereo y 5.1, grabación y edición de foleys, ambientes, efectos y música para lograr el producto final deseado. Vampi respondió a nuestras siguientes preguntas. 1- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? Gustavo Cerati, definitivamente; creo que es una de las mentes musicales y líricas más brillantes de latinoamérica. Empecé a escucharlo cuando recién iniciaba su carrera como solista cuando yo era niña, y despertó esas ganas de formar parte del mundo de la música. Gracias a él también me fui interesando en el audio, la producción y los conciertos. Él fue al primer músico que vi arriba de un escenario. 2-Artista nacional más emocionante actualmente. Para mí es imposible poder escoger sólo uno. Justo el objetivo de Ciudad Zonar es dar a conocer proyectos nacionales que no están tanto bajo el oído público y que traen propuestas interesantes: hay de todo. Últimamente he escuchado a De Algún Tiempo a Esta Parte, una banda poblana de rock progresivo con mezclas rítmicas y emocionales increíbles, Ramona y Jardín, ambas bandas de Tijuana, con un sonido más romántico y meloso pero de igual calidad, Urss Bajo el Árbol que me han sorprendido por su manera de evolucionar y no casarse con un sonido o estilo en particular, además de que en vivo son brutales, y por último Pirámides con altas reminiscencias psicodélicas que forman parte de esta tendencia muy fuerte hacia los sonidos del pasado. 3-Disco que marcó un antes y un después en tu vida.   Bocanada de Gustavo Cerati, es el disco al que siempre regreso y regresaré toda la vida. Cada vez que lo escucho le encuentro algo nuevo, algo emocionante. Desde sus letras exquisitas, sus samplers, sus juegos con sonidos electrónicos y sobretodo ese viaje emocional al que nos arrastra Cerati debido al momento de su vida en el que lo hizo. Imposible no escucharlo diferente en cada etapa de la vida que vas pasando. Si estás enamorado, lo escuchas romántico; si estás triste, es devastador; si eres indiferente, va a alimentar ese desinterés: es mágico. 4-Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación.   El primero en el que pensé del mundo de la electrónica fue Psychic de Darkside, proyecto de Nicholas Jaar y Dave Harrington. Lo escucho constantemente, es un disco delicioso en el que amo sus pasajes ambientales y texturas. Y con temor a caer en lugar común, creo que el disco de rock más importante en mi formación tanto como audiófila, como productora, ha sido The Dark Side of The Moon de Pink Floyd. Lo analizamos a profundidad en la carrera y terminé completamente obsesionada con su proceso de grabación, sobretodo ante los impedimentos que tenían en esa época, como el número limitado de tracks para grabar y demás aspectos técnicos; el proceso de mezcla y producción forman parte fundamental del espectro creativo del álbum. 5-. Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer.   Sacred Bones, Domino y Ninja Tune.   6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué?   Soy muy adepta al rock en español, crecí escuchando a Fobia, Caifanes, Soda Stereo, Santa Sabina, La Lupita, etc. Y eso me hace pensar que en el país la última revolución musical sucedió en 1994, en el marco de las movilizaciones sociales a cargo del EZLN. Bandas como Café Tacvba y algunas de las antes mencionadas, que en ese entonces manejaban un discurso político claro apoyando este movimiento, aquellas bandas que direccionaron y plantearon un análisis profundo y político a las generaciones jóvenes y que su influencia fue tal que no bastaban las manifestaciones y los conciertos gratuitos en universidades y espacios públicos. Incluso ellos dieron pie a que se creara un festival que hasta la fecha los sigue resguardando y poniendo como headliners: el Vive Latino.  Estoy ansiosa por otras revoluciones musicales que deriven en que bandas “nuevas” tomen el lugar de esos headliners y otra revolución que impulse la música creada por mujeres. 7-Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgullosa.    Me siento muy orgullosa de Ciudad Zonar como un todo. Es un proyecto que ideé a falta de espacios para apoyar los recintos que guardan música tan increíble semana con semana, venues que han ayudado a crecer a muchas bandas y también la búsqueda de apoyar a las bandas mismas. También ha sido un medio en donde contar las historias de los personajes que hacen la escena sin estar en un escenario: bookers, managers, productoras, agencias, etc.   Me daba mucha impotencia ir a conciertos de bandas independientes y/o emergentes y que estos estén en su mayoría vacíos, a pesar de ser eventos de entrada libre o que cuestan lo que una cerveza en un festival grande, es impresionante cómo la gente prefiere gastar miles de pesos en bandas que ya han visto muchas veces, que apoyar a los nuevos talentos. Es difícil hacer que la gente voltee a ver esta escena, no voy a mentir, pero tenía que empezar a intentarlo.   También es muy gratificante la sinergia que hemos logrado como estación por este programa. Con venues como Caradura en su momento, Bajo Circuito, Foro IndieRocks, 316centro, Pata Negra, The Real Under, por mencionar a algunos.

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Ecosistema personal: discos, canciones y anécdotas con Oscar Adame

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Oscar Adame: escritor y periodista nacido en la Ciudad de México en 1996. Actual editor en jefe de WARP Magazine y locutor – colaborador en W Radio   En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y, desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. Ahora es el turno de Oscar Adame, periodista con enfoque musical y cultural que ha colaborado para más de una docena de medios, incluyendo Chilango, Summa Inferno, Revista IndieRocks!, Revista Picnic y Fuera De Serie (Argentina). Dirigió su propio medio musical Poolp durante cinco años, lo que le generó sus primeras oportunidades laborales. Ha hecho entrevistas a músicos y artistas internacionales de rock y pop, incluyendo a Gorillaz, Billie Eilish, Björk, Cage The Elephant, The Strokes, Animal Collective, Mew, Xiu Xiu, Sigur Rós, The National, Deafheaven, Deerhunter, Snow Patrol, Grizzly Bear y The Horrors, entre otros. Ahora mismo trabaja con un objetivo en particular: borrar los prejuicios clasistas en contra del reggaetón y el género urbano. Para ello ha escrito ensayos y artículos de opinión; al mismo tiempo que ha realizado entrevistas con gente como: Tainy, DJ Luian, Rosalía, Dalex, Alvaro Díaz, Los Rivera Destino, Cazzu, DJ Rosa Pistola, e iLe. Oscar respondió a nuestras siguientes preguntas. 1.- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? La primer agrupación musical de la cual caí enamorado es una que no existe en la vida real y fue con una colección de videos musicales que mi madre coló a un reproductor MP4 en el que solía ver caricaturas cuando me encontraba en cuarto de primaria. Ella agregó la presentación de Gorillaz en los Brit Awards del 2002 donde interpretaron “Clint Eastwood”. No tardé mucho para escuchar toda su discografía, que en ese entonces sólo era el álbum homónimo, dos álbumes de lados b y Demon Days (2005), que se convirtió en el primer álbum que tuve en físico y en mi material favorito de la historia, aún hoy en día. Creo que no pude haber tenido una mejor introducción a la música, considero que gracias a Gorillaz he adoptado una flexibilidad muy interesante con respecto al tango de géneros musicales que me gustan. 2.- Artista nacional más emocionante actualmente… Seguro será una respuesta polémica, sobretodo tomando en cuenta el giro de Depósito Sonoro, pero Natanael Cano es un chico de 18 años que está generando una revolución en un género tan polémico e histórico para nuestro país como lo es el corrido. Sus dos álbumes son una exquisitez instrumental repleta de pasajes hermosos a guitarra acústica y un discurso sencillo e inocente, cambiando la adoración a los narcotraficantes que se ha mostrado en el género a lo largo de las últimas décadas, a la diversión de las fiestas juveniles. 3- Disco que marcó un antes y un después en tu vida… El último gran cambio dentro de la banda sonora de mi vida, lo llevó a cabo sin lugar a dudas el álbum X100PRE (2018) de Bad Bunny. Lo considero uno de los álbumes más catárticos que haya escuchado en relación al desamor y el miedo al abandono, todo adornado con detalles nostálgicos que parecen sacados de mi propia infancia. Además, antes de él, estaba sesgado con respecto al grado de discurso que manejan algunos traperos y reggaetoneros en relación a la representación de las clases oprimidas en la cultura popular. Tampoco cargaba con un discurso a favor únicamente de las propuestas con cierto grado de latinidad dentro de nuestra música. 4.- Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación: El álbum de música electrónica que más ha impactado en mi vida es drukQs (2001) de Aphex Twin. Aquel material terminó por dictar lo que busco en relación a las producciones de música electrónica; piezas caóticas, preciosas, repletas de detalles inimaginables que tengan sus bases en los artistas de la música académica del siglo XX. Me encantan las referencias a Erik Satie en aquel material. El último álbum de rock que cambió mi percepción de lo que es el buen arte fue Fabulous Muscles (2004) de Xiu Xiu. El impacto de las letras de Jamie Stewart combinado con sus instrumentales adornados con rompimientos armónicos derivados golpes y gritos me hicieron dar cuenta de lo importante que es la sinceridad sin barreras en la creación de una obra artística, al mismo tiempo que me impregnaba el amor al fluxus. 5-. Disquera que amas y amarás, y que la gente debería conocer: No soy un gran fan de una disquera específica, pero si tuviera que elegir una me quedo con WARP Records por haber sido el hogar de los grandes artistas de IDM, entre ellos Aphex Twin, Boards Of Canda y Autechre. Además, tienen a Danny Brown. 6.- Para ti, ¿cuál fue la última gran revolución musical y por qué? Sin lugar a dudas es la masificación internacional que ha logrado el reggaetón a lo largo de los últimos tres años. Es el rompimiento del sistema tradicional de industria discográfica. Se trata de una invasión cultural nacida en Latinoamérica, cantada en español y liderada por artistas que, en su mayoría, son completamente independientes. Tanto Daddy Yankee como Bad Bunny funcionan dentro de compañías autogestadas desde sus inicios. 7.- ¿Mejor anécdota periodística para recordar? La oportunidad que más me ha alegrado dentro de esta industria fue la solicitud de mandarle varias preguntas a los personajes animados de Gorillaz. Las contestaron Jamie Hewlett y Damon Albarn, pero fue mucho mejor que cualquier entrevista tradicional, pues me dio la oportunidad de integrarme oficialmente al mundo de ficción del cual me enamoré de niño. 8.- Canción que te recuerda a tu adolescencia… “The Universal” de Blur 9.- Anécdota que tenga que ver con algún músico con el que hayas compartido escenario o entrevistado y recuerdes con cariño. El recuerdo más interesante que tengo de unos años para acá fue la entrevista

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas Con Dimitri Berzerk

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Mi nombre es Dimitri Berzerk, productor de música electrónica y DJ. Fundador del sello Sector Industrial. Residente del programa de radio Patrones y Secuencias transmitido a través de Rock101 En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, djs, gente de la radio, productores y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México; en esta ocasión nos honra contar con la presencia de una de las figuras más importantes de la escena oscura como lo es Dimitri Berzerk, quien ha compartido escenario con artistas como Front 242, Clan of Xymox y VNV Nation, además de haber participado en festivales como Viva Glam, Synthfest o los 10 años del festival Töcksfors en Suecia. Aparte, como exclusiva de sus planes nos cuenta que está prácticamente listo el lanzamiento de su siguiente producción en este 2020, donde contará con la participación de Claus Larsen de Leaether Strip en Resist EP. Dimitri nos respondió a las siguientes preguntas. 1.- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? Es difícil mencionar sólo uno ya que a lo largo de mi vida muchos se han llevado el mérito. Desde Frédéric Chopin hasta Metallica siempre he estado rodeado de música. 2.- Artista nacional más emocionante actualmente… De mis favoritos por su calidad en composición podrían ser Cid Project o Neuvision, aunque C-Lekktor no se queda atrás con la fuerza de sus beats. 3.- Disco que marcó un antes y un después en tu vida The Prodigy – The Fat Of The Land 4.- Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación   Es difícil elegir sólo uno así que pongo cinco de cada uno. De música electrónica:   Time Modem – Transforming Tune Apoptygma Berzerk – Welcome To Earth Silke Bischoff – To Proctect And To Serve Pouppeé Fabrikk – Rage Fischerspooner – #1 Y de música rock: Dissection – Storms of The Light’s Bane Devil Doll – Dies Irae Nick Cave And The Bad Seeds – Let Love In The Cramps – Smell Of Female La Polla Records – Salve 5.- Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer: Sector Industrial. 6.- Para ti, ¿cuál fue la última gran revolución musical y por qué? Todo el tiempo la música se está reinventando y remezclando a si misma, sólo que no nos damos cuenta de ello, ya que; son procesos que se desarrollan durante largos periodos de tiempo. Estamos acostumbrados a mirar siempre hacia atrás y enaltecer los logros que la música de antes alcanzó puesto que nos es difícil deducir cuáles serían las conclusiones de los procesos que actualmente se están gestando. Quizá en unos años los veremos pero aun así necesitaremos de un tiempo mayor para verdaderamente comprender el impacto que tuvo ese momento dentro del proceso evolutivo de la música. 7.- ¿Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgulloso? Producción: My Love Is Electric Tiene un significado muy fuerte para mí. Además de ser mi sencillo debut siempre guardará un sentimiento muy especial debido a la época y contexto en el que fue producido. Remix: Dramatic – Into Darkness (DMT Berzerk Remix) De mis remixes favoritos últimamente y con un muy buen resultado para la pista de baile. Colaboración: Trabajar con Claus Larsen de Leaether Strip para las voces de mi próximo disco titulado Resist EP. En él se incluirán dos canciones de mi autoría cantadas por él junto con otros temas propios y algunos interesantes nombres remixeandome. Este disco está planeado para ver la luz el día del solsticio de verano del 2020 para que estén al pendiente. Release: El Real Under, 10 Años de Contracultura. Un álbum recopilatorio en formato de doble vinilo en una edición de lujo con el cual inicié el camino de Sector Industrial como sello discográfico. 8.-Canción que te recuerda a tu adolescencia Covenant – No Man’s Land 9.- Anécdota que tenga que ver con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño Patrick Codenys de Front 242, escuchando y disfrutando de mi DJ set previo al concierto que dieron en el Salón José Cuervo en enero del 2014. Al bajarme y percatarme de que me estaba esperando para felicitarme por la selección musical que programé. 10.- Uno de los mejores recuerdos que tienes de haber asistido a un concierto en vivo: ¿cuál, quién y cuándo fue? Nick Cave en México. Octubre 2018, Pepsi Center. Por alguna razón no había podido verlo en vivo antes. Al día de hoy, sigue sorprendiéndome la fuerza y emotividad de este señor en el escenario durante su presentación. Simplemente impecable. Idea original: Rob Anaya. Edición de foto y diseño visual: Ozz Ramos.

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Ecosistema personal: discos, canciones y anécdotas con Ejival

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Hola, soy Ejival, fundador de los sellos Nimboestatic y Static Discos, parte del curating team en MUTEK México; host de Himnos para La Deriva en Ibero 90.9 FM. He escrito sobre música para medios nacionales como Vice, Noiselab, Rolling Stone, e internacionales como Wire, URB y XLR8R. Me gusta mucho la chela artesanal y también soy co-fundador y embajador de Cervecería Lírica en Tijuana     En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México; y no podríamos tener mejor padrino que Ejival, quien respondió a las siguientes preguntas.     1.- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? A temprana edad fueron los Beatles, después Kraftwerk y The Police, de hecho estos últimos fue el primer concierto que fui a ver, tenía como 13 años y me fui sin permiso a verlos a San Diego. Me fui solo y al no tener ride de regreso me encontré con unos chicos de prepa de Tijuana que se apiadaron de mí y me regresaron en la cajuela de su auto.   Para mí no es un sólo artista, son varios, diferentes épocas, la música disco, en particular, fue una época que recuerdo mucho, a finales de los 70s. El hecho de ir a tiendas de discos en ambos lados de la frontera y desarrollar un respeto y amor por la cultura de la música en sí.   2.- Artista nacional más emocionante actualmente… Ando muy desconectado del resto del país para tener una respuesta bien informada. Me gustan siempre los artistas de Tijuana, de la Baja, que siempre están en desventaja por no estar cerca de este país centralista que es muy rudo a veces con los músicos que no son de la capital. Gaspar Peralta, Braulio Lam, Fax, los SPEC, Grenda, Myuné, Entre Desiertos, Ramona, etc. Son proyectos que respeto y apoyo de alguna manera. 3- Disco que marcó un antes y un después en tu vida No puedo reducirlo a un disco: qué difícil. Pero entre ellos, el Tin Drum de Japan; el Script of the Bridge de los Chameleons; The Idiot de Iggy Pop; Computer World de Kraftwerk; Treasure de los Cocteau Twins; Itl End In Tears de This Mortal Coil; Secrets of the Beehive de Sylvian. Son muchos, imposible reducir la experiencia de escuchar música en un disco. 4.- Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación De repente escuchas música a lo largo de tu vida y te das cuenta que muchos discos son constantes, no pierden su relevancia. A Walk Across The Rooftops de The Blue Nile; Steve McQueen de Prefab Sprout; Laughing Stock de Talk Talk. 5-. Disquera que amas y amarás, y que la gente debería conocer: Muy básicas: 4AD, Factory, Warp, Cherry Red, Sarah, Brain, Mille Plateaux y todos sus sub labels. 6.- Para ti, ¿cuál fue la última gran revolución musical y por qué? Creo después de esa estética de electrónica experimental, basada en lo digital, de a principios de siglo, llevada por Mille Plateaux y sellos allegados, desde Alemania, inspirado en esas teorías para sobrevivir bajo el capitalismo por Deleuze y Guattari, ya no ha habido revolución.   Se ha regresado a formas clásicas de innovación musical, todo es reciclaje y revaloración ahora, todo es devolución. 7.- ¿Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgulloso? Pues el primero que hice, el de Nona Delichas, una banda de Tijuana en onda dreampop, en 1997, es el único proyecto en el que he fungido como productor musical. Sin duda es un honor haber contribuido con algunas ideas para el debut de Murcof, y también esa intersección entre el minimal techno y Nortec, al inicio, tuve algo que ver, me gustaría pensar. 8.- Canción que te recuerda a tu adolescencia “Solsbury Hill”, de Peter Gabriel. 9.- Anécdota que tenga que ver con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño Estar en un desenfocado e irreverente back to back con Thomas Brinkmann en La Perla en el “DF”, durante un Technogeist en el 2001.   “No empates beats, la técnica se aprende, pero el buen gusto no”, me dijo Brinkmann, mientras arremetimos contra las vacas sagradas de los dj’s del Love Parade que estaban muy ofendidos por nuestro estilo dadaísta de mezclar música. Quizás la más grande lección que he aprendido de alguien en un escenario. 10.- Uno de los mejores recuerdos que tienes de haber asistido a un concierto en vivo: ¿cuál, quién y cuándo fue? Era muy fan de Love and Rockets y los seguía por todos lados; la primera vez que los vi fue abriéndoles a Siouxsie and the Banshees, en junio de 1986, en el Open Air Theatre de SDSU en San Diego. No podía creer que tenía frente a mí a los ex Bauhaus. Prendí un cigarro de clavo durante su performance y sentí que el mundo se derretía junto a mí en ese trance neo-psicodélico lanzado por Ash, J y Haskins. Todos a mi alrededor estaban igual de hipnotizados, habíamos llegado al Seventh Dream of Teenage Heaven. ESCUCHA AQUÍ ABAJO LA PLAYLIST : Idea original: Rob Anaya. Foto: Braulio Lam. Edición de foto y diseño visual: Ozz Ramos.

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#Estreno. Nils Frahm – “All Melody”

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Música extraordinaria, increíblemente bella, celestial, casi enviada por la deidad. Es todo lo que he escuchado esta semana en el nuevo álbum de Nils Frahm, All Melody, no hay nada mas decir y no me importa admitirlo; ese tipo que estaba caminando por la ciudad con audífonos y con una gran sonrisa en el rostro, era yo. Descubrí a Nils Frahm justo después de mudarme de casa, en un mal momento, especialmente cuando la gloria de su álbum en vivo Spaces se hizo evidente. En la portada del nuevo álbum de Nils Frahm se observa su nuevo estudio construido con la ayuda de sus amigos en un edifico histórico en la parte antigua de Berlín. En los últimos años Frahm ha crecido rápido en popularidad siendo después de Ólafur Arnalds el músico más popular que con frecuencia mezcla música neoclásica con música electrónica. Su nuevo estudio le permitió experimentar el contenido de su corazón sin tener que preocuparse por los vecinos. Poder trabajar en paz claramente le ha dado frutos y logró proporcionarnos más de setenta minutos de placer auditivo. Este álbum revela una amplia gama de sonidos e ideas, más que en sus trabajos anteriores. Según Frahm los sonidos que imagina en su cabeza parecen imposibles, pero Frahm produce música extraordinariamente bella y radiante que presumiblemente es la aproximación más cercana a sus pensamientos.  All Melody es un álbum encantador, el mejor que Nils Frahm ha hecho en un estudio hasta la fecha, sería fascinante escuchar lo que hace con el en el escenario. 

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#Estreno. Alva Noto – “Unieqav”

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Alva Noto (Carsten Nicolai) concluye la trilogía de álbumes prefijados por UNI con Unieqav, la tercera instalación y la más centrada a la pista de baile. La continuación de Unitxt (2008) y Univers (2011) une oscilantes ritmos electrónicos de gran amplitud y techno minimalista a manera de recordarnos con gran fuerza la última producción de Monolake e Ilpo Väisänen, sin embargo, a pesar de todas las comparaciones se sabe inconfundiblemente que se trata de Alva Noto.   Siguiendo las raíces del proyecto en la pista de baile del Club UNIT en Tokio hasta un final lógicamente satisfactorio, Nicolai despliega 12 temas típicamente intensos pero conmovedores definidos por la dinámica y el flujo de sus sonidos y dimensiones ideales para renderizar en un club nocturno o poner la cabeza bajo el agua gracias a una conjunción notable de minimalismo-maximalismo tonal y sensibilidad estudiada hacia la propiocepción. Los resultados de este último trabajo de Alva Noto son frágiles pero robustos, altamente placenteros en un contexto de auriculares y sofá manteniéndonos cautivos entre sus líneas con el punzante puntillismo de Uni Clip y la asombrosa escala ascendente de Uni Normal; con el drama panorámico de Uni Blue y con un movimiento rápido similar a un movimiento de pies con Uni Edit, mientras que las voces de Anne-James Chaton dan fuerte contraste a Uni Dna.  Otro álbum más de Alva Noto altamente recomendado. 

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