Depósitio Sonoro

Ecosistema Musical

Assume Form el verdadero álbum de amor de James Blake

Assume Form ha sido considerado como “el álbum de amor” de James Blake, con baladas románticas que no están destinadas a formar parte de listas de reproducción de bodas. Género: Pop | Dance | R & B | Electrónica | Label:  Polydor 2019 ★★★ James Blake se convirtió en una estrella vocalista y productor hace casi ocho años y desde entonces parece estar permanentemente en la cúspide del estrellato pop siendo capaz de mantener la intriga e integridad de su sonido, sin embargo Assume Form podría ser su álbum más accesible hasta la fecha, con sonidos y emociones de todo tipo excepto simples.   Centrado en la devoción de James Blake por su novia, la maravillosamente talentosa Jameela Jamil, Assume Form está lleno de incertidumbre y desequilibrio de emociones, un concepto que no es nuevo en la música de Blake. Después de todo Blake ha pasado desde su debut reflexionando sobre el amor concluyendo que se trata de un sentimiento que provoca un estado de delirio sin fin. Assume Form es un álbum que refleja todas estas reflexiones y emana energía romántica pura, con voces que envuelven y crean un ambiente de intimidad ideal para acercarse lentamente a otra persona, sin embargo se trata de una intimidad rara que amenaza  con también hacerse alejar de ella.  Ciertamente los álbumes anteriores de James Blake no son geniales ni a pesar de la majestuosidad de algunas de sus letras, pero históricamente las palabras de cada tema han sido cuidadosamente elegidas y acomodadas de tal manera que le han permitido evitar temas fríos e imágenes sonoras más allá de lo que representan los sonidos de sus sintetizadores y algunas capas de audio casi fallidas. Si bien Assume Form es un álbum producido con pasión y generosidad, con grandes momentos cautivadores, se puede decir que en la mayor parte del disco existe un segundo plano como si se tratara de un proyecto alterno que Blake lleva al mismo tiempo.  Lo que vaya a ocurrir en la carrera de James Blake a partir de este nuevo álbum está por verse. La progresión del productor post-dubstep ha sido fácil de seguir pero no de una manera completamente predecible porque ha abierto su sonido sin lijar sus bordes. Anteriormente parecía que Blake estaría luchando contra si necesitaba más apaciguar su sonido experimental o resaltar sus sencillas inclinaciones hacia el pop. Al escucharse, Assume Form permite llegar a un punto muerto temporal de esta batalla interna y centrarse más en uno mismo y en aquellas personas que realmente nos importan.

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De cómo Thom Yorke es una máquina de hacer música y da cátedra en Suspiria (Music for the Luca Guadagnino Film)

Aprovechando los ‘en vivos’ de Thom Yorke en Electric Lady Studios que soltaron el día de ayer, y como gran admirador de su trabajo, escribí para ustedes algunas de mis apreciaciones sobre el OST del remake de Suspiria (creo que ya se vale platicarlos sin riesgo de spoiler).   El trabajo de Yorke es, una vez más, fenomenal y grandioso, y va de más a MÁS. En unas piezas me recuerda a Philip Glass en coros y melodías, y en otras a György Ligeti con sus características capas de armonías; particularmente en ‘A Choir of One‘. Pasa de música concreta en ‘Volk‘ y ‘Synthesizer Speaks‘, a dreamwave en ‘The Jumps‘. De guitarra al estilo barroco en ‘Open Again‘, a drones en ‘The Innevitable Pull‘. De piezas de solo de sintetizador, a piezas escritas para orquesta interpretadas por la London Contemporary Orchestra. Un minuto nos presenta la proyección multidimensional de una pieza de tintes ‘krautrock-ish‘ en ‘Has Ended’, para después meterse en estructuras de Asia y Medio Oriente en ‘Unmade’ y ‘The Universe is Indifferent‘, respectivamente.   De todas las piezas que presenta, podríamos decir que la más cercana al contexto convencional de un score sería ‘The Hooks‘, que tiene un ligero ‘hanszimmer-ismo’, pero mucho más sombrío; tal vez como la cinta o la naturaleza misma de Yorke, requiere.   Finalmente, del tema principal (‘Suspirium’) no es necesario hablar, es perfecto; es como un paseo eterno por el jardín en donde somos enterrados. Si no se lo han dado, denle una vuelta, es uno de los trabajos más valiosos del año pasado.   ¿Mi personal favorita? ‘Klemperer Walks‘. Es para enamorarse de nuevo. ¿De la pérdida? ¿Del dolor? ¿De los errores? ¿De las posibilidades de redención? No lo sé. Tal vez habremos más perturbados de los que creemos.      Texto por: Alfonso Guerrero, explorador musical. Puedes saber más de él en su cuenta de Twitter: @alfonsoguerrero.

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Chris Watson y El Tren Fantasma: una obra de arte sonora que retrata la ingeniería mexicana

Chris Watson es un veterano del ambient inglés famoso por sus trabajos en la grabación de audio en distintos documentales, trabajos para la TV y colaboraciones musicales. Chris Watson basa su trabajo en la creación de música ambient con grabaciones de campo, su especialidad. El tren fantasma es un álbum conceptual, es la versión sonora del viaje en tren del norte al sur de México, algo bastante nostálgico ya que esta ruta se encuentra concesionada a extranjeros desde hace décadas. El Tren Fantasma es el cuarto álbum en solitario para Touch de Chis Watson, uno de los artistas sonoros mas importantes del mundo. Álbum que fue nombrado por The Guardian como uno de los álbumes que se deben de escuchar antes de morir. Watson es un veterano experimentado de la arquitectura sonora. En 1971 fue miembro fundador de Cabaret Voltaire y de The Hafler Trio.  Al usar grabaciones de archivo y de campo, Chris Watson recrea un viaje de pasajeros por todo el país en una línea de ferrocarriles que ya no existe. Han pasado mas de tres décadas del ultimo servicio operado por Ferrocarriles Naciones de México (FNM). Watson pasó un mes a bordo de uno de los trenes como un grabador de sonido para el documental Great Railways Journeys de la BBC. Los ambientes capturados en los micrófonos sensibles de Watson revelan el ambiente en su entorno, abierto, intimo y natural. Una postproducción adicional de muestras de los sonidos los viajes en tren y el tratamiento sonoro necesario, convierten estas grabaciones de campo en un viaje fascinante. Más que un simple retrato sonoro de un programa de televisión, se trata de una narrativa sonora que lleva al oyente a un entorno inalcanzable y nostálgico a través de la imponente ingeniería mexicana.  Un álbum que invita a escucharse una y otra vez a través de los temas con nombres de las estaciones en las que se detenía en aquel momento el tren, lleno de nostalgia y fascinación. 

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The Soft Moon: del dark-horror a la experiencia humana

The Soft Moon explora algunos de los aspectos más oscuros de la experiencia humana entre la vergüenza, culpa, violencia, desesperación y el odio a sí mismo. Su música es un motor intenso entre lo dark y el noise que recorren tus sentidos, ya que los sintetizadores están grabados con tonos altísimos  que desequilibran al escucharse voces más matizadas que causan desesperación en lugar de pura ira. Se trata de algo minucioso, sin duda,  definido por sel horror. Moraleja: hay belleza en el espacio que se convierten en delicadas melodías.

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33 años del Psychocandy de The Jesus and Mary Chain

Lanzado al universo musical un noviembre de 1985, el álbum debut de The Jesus and Mary Chain sentó muchas de las bases de géneros que después vendrían a clasificarse como shoegaze, alternativo o noise garage, entre muchos otros. Nos referimos al Psychocandy que cumple 33 años.   Su lugar en la historia de la música ha sido permanente y con toda dignificación, no hay nadie que no esté relacionado al género y que no haya pasado por éste disco. Así pues, los hermanos Reid comandando el espíritu de JAMC comenzaron la granbación de este disco inspirados en  bandas como The Stooges y The Velvet Underground, esa tercia más la producción de  Phil Spector  fue una locura total de lo que ahora es considerada una obra de culto.  La pared de sonido es la mejor manera de describir este álbum. Es un lío de ruido y estática, de encanto y pasión, de melancolía ensordecedora y de rabia explosiva. Todo eso repartido y perfectamente suministrado en menos de 35 min, ayudaron a JAMC a lograr la dirección deseada de ser una banda de rock que logró tener éxito entre la emergente escena de la electrónica a finales de los años  80.  La apertura del álbum inicia con “Just Like Honey” que es considerada una de sus máximas creaciones. Es merecedor de todos los elogios por el ruido, las letras y la forma en que se presentaban en vivo, este álbum es la perfecta conjunción de melodías escondidas detrás de letras tristes sobre el amor perdido y las insinuaciones al sexo, todas lanzadas como un poema penetrante. https://www.youtube.com/watch?v=z50jjb4iAzE

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Nuevo álbum de remixes de El Búho, música para volar y soñar

Aunque Robin Perkins, El Búho es de Inglaterra, las vibraciones y los ritmos tropicales han estado en sus venas desde hace mucho tiempo.  Género: Downtempo | Nu-cumbia | Latin Alternative | Electrónica | Latin Folk Label:  Wonderwheel Recordings ★★★★ Robin Perkins es un Dj y productor originario de Glossop, Reino Unido con un profundo amor por el folklore y cultura latinoamericana. Su pasión por la riqueza y la variedad de la música, culturas e idiomas en America Latina lo hizo querer estudiar estudios hispánicos en la universidad. Su música se basa en lo global, lo tropical, los sonidos de la naturaleza (en especial aves) y en los ritmos cadenciosos que generan un movimiento natural y armonioso.  Robin Perkins quien trabaja bajo el alias de El Búho, acaba de publicar una compilación de remixes llamado Tributaries: A Remix Album, una composición orgánica de catorce temas que abarca colaboraciones con varios de sus grandes amigos añadiendo su muy particular estilo y sentimiento. En esta gran variedad de temas con influencias andinas, colombianas, venezolanas y mexicanas podemos encontrar desde cumbias arregladas con el poderoso sonido de El Búho, hasta temas casi puros que nos transportan hasta los rincones más tradicionales de cualquier zona latinoamericana.  Como parte de una evolución siempre activa, El Búho nos seguirá siempre sorprendiendo con su música que es ideal para bailar, volar y soñar. 

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Objekt, el multifacético productor con sede en Berlín regresa con nuevo disco y nuevo sonido

Después de una ausencia de cuatro años, Objekt regresa a PAN con Cocoon Crush, el segundo álbum del artista con sede en Berlín que presenta otro lado de su sonido multifacético. Género: IDM | Experimental | Techno Label: PAN ★★★ TJ Hertz es quizá uno de los artistas más completos dentro de la música electrónica en la actualidad. Como Objekt, el sonido del productor con sede en Berlín ha evolucionado desde sus primeros lanzamientos dentro del movimiento post-dubstep hasta el impresionante Flatland en el 2014, el álbum más comercial y estandarte del genio electro-IDM originario de Tokio.  El día de hoy Objekt regresa al escenario experimental y al sello PAN con Cocoon Crush, su segundo álbum de larga duración que representa el otro lado de su sonido, el cual está en constante evolución. Mientras que en Flatland (su primer álbum), crea un universo paralelo sintético y ultratexturizado, en Cocoon Crush, Hertz está más preocupado por los elementos del mundo real y la introspección.  El álbum está plagado de pistas agradables arraigadas en sonidos orgánicos que impregnan el ambiente con una sensación genuina de tranquilidad y de una especie de futurismo del lejano oriente. Un álbum que si bien puede no ser el más deslubrante de Objket, si es la otra cara de uno de los artistas más intrigantes de la música electrónica actual. 

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Encuentran álbum perdido de John Coltrane y es lanzado este 2018

Las expectativas fueron muy altas cuando se anunció hace algunas semanas que existía un álbum perdido de John Coltrane (1926-1967), titulado “Both Directions at Once”. Fue descubierto por la familia de su ex esposa Naima y finalmente lanzado para que lo escuchen los fanáticos en todo el mundo.  El álbum hace honor a su título, elegido por el hijo de Coltrane, Ravi Coltrane, como documento de transición, pero no particularmente sorprendente como algunos de sus álbumes lanzados en vida.  Varios críticos han sugerido, como dijo Ravi, que es “una especie de sesión para patear neumáticos”, y tal vez sea así. Sin embargo, funciona como un retrato de un artista y una banda apunto de la explosión histórica.  “La música tonificante, el sondeo, el auto cuestionamiento y la música intensamente tocada en esta colección es el eslabón perdido entre el trabajo provisional escuchado en Coltrane y los álbumes de estudio de época del cuarteto – ‘Crescent’ con el devoto A Love Supreme. Algunos otros críticos han llamado a Both Directions at Once como evidencia sólida de que todavía Coltrane estaba buscando nuevos sonidos dentro de estructuras antiguas. Richard Brody, de The New Yorker, describe la sesión como “algo de inventario” que equilibra los experimentos de la banda en vivo reinante de su trabajo de estudio de principios de los años 60.  Escucha los 7 cortes  con la interpretación del clásico cuarteto clásico de Coltrane (el bajista Jimmy Garrison, el baterista Elvin Jones y el pianista McCoy Tyner) vía Spotify aquí o puedes comprar aquí el disco en formato vinil.

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