Depósitio Sonoro

Entrevista

Un sonido único: el metal yóguico de Society of the Silver Cross

Una instrumentación exuberante y bombástica con voces tipo canto, melodías hipnóticas, tonos oscuros y un guiño a una Americana retorcida. Darkwave distintivo, atmósferas envolventes y un estilo único de composición. Esto es Society of the Silver Cross, dúo musical originario de Seattle y conformado por Joe Reineke y Karyn-Gold Reineke. Su sonido, rico en texturas, está influenciado por los viajes de Joe y Karyn a la India. La crítica ha descrito su sonido como embrujado, graceland gótico, rock de funeraria e incluso “metal yóguico”, y toda esta magia sonora sucede en el Temple of the Trees, su exclusivo estudio de última generación, diseñado y construido por la pareja, a partir de árboles majestuosos que crecían en su propiedad. En 2019, el dueto lanzó su álbum debut 1verse, trabajo con diez tracks que fue alabado como una pieza única y cautivadora, con un humor oscuro y cinemático, pero a la vez épica y divertida.  Ahora están de vuelta con “Circle Cast Around”, segundo sencillo de su próxima y muy esperada placa Festival of Invocations, por lanzarse el viernes 14 de junio de 2024. Con esta pieza mantienen la tradición del dark-wave con un ambiente opresivo. Este track abre el álbum debido a que en él exploran el poder místico del círculo como un espacio para la magia y los rituales, donde las fuerzas etéreas pueden ser aprovechadas y canalizadas. Cada dirección dentro del círculo -Norte/Tierra, Este/Aire, Sur/Fuego y Oeste/Agua- tiene su propio significado elemental, agregando capas de profundidad a la canción. Para esta rola, tuvieron el honor de colaborar con John Fryer, conocido por su trabajo con Cocteau Twins y Depeche Mode, en la mezcla y producción. Y por si fuera poco, Mike Squires, de Peter Hook and The Light, contribuyó con su experiencia al tocar la distintiva línea de bajo.. Festival of Invocations promete ser una experiencia auditiva transformadora y cautivadora, con un enfoque en la exploración de temas profundos y la creación de paisajes sonoros únicos que transportan a los oyentes a un viaje emocional y espiritual a través de la música, desafiando las percepciones tradicionales de lo darkwave.  En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Karyn y Joe sobre el origen del nombre de la banda, la libertad que genera trabajar en tu estudio propio, recomendaciones musicales contemporáneas de Seattle, trabajar con artistas nuevos, influencias, inspiraciones y su pasión por la creación auténtica.      ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info:  https://www.facebook.com/SocietyoftheSilverCross https://www.instagram.com/societyofthesilvercross https://twitter.com/i/flow/login?redirect_after_login=%2Fsocietyofthesc

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¡Despierta!: la psicodelia nacional de Viv and The Sect está de vuelta con “Wake Up” 

La icónica propuesta de garage y rock psicodélico mexicano, Viv and The Sect, rompe el silencio y regresa a la escena musical con el anuncio de “Wake Up”, el primer sencillo de segundo larga duración, el cual llegará a tus oídos el próximo otoño de 2024. Este track es directo, tajante y divertido, pretende hacer bailar a la gente con su ritmo soul pop, inspirada en artistas como Bruno Lomas, Los Salvajes y Los Bravos. El video oficial del sencillo, dirigido por Beto Vargas, nos muestra un vistazo a la vida de la banda, y en que se expone la diversión sobre el escenario como principal enfoque del proyecto. Baile, música y un escenario. Todo lo que los Viv necesitan. Viv and The Sect es una banda originaria de la Ciudad de México conformada por Aleph Aguilar (guitarra líder), Francisco Mariner (voz), Waco Fuzz (órgano), Mario Anguiano (bajo electrico) y Rombo de la Rosa (batería), que surgió en 2012 con una fuerte influencia de R&B y Garage. En 2016 lanzaron su álbum debut, This Will Pass, bajo el sello Get Hip Recordings, trabajo que dejó en claro la seriedad con la que la banda trabaja, y que dejaba escuchar una fresca propuesta sonora. Ahora, se preparán para la llegada de su nueva creación y segundo disco oficial de estudio, que fue producido por los mismos integrantes de la secta, logrando capturar la energía y la madurez adquirida a través de los años, teniendo como resultado un disco lleno de colores, matices, nuevos sonidos e introspección.En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Aleph Aguilar sobre su regreso, cómo la pandemia cambió el mundo, sus pasiones, inspiraciones y este nuevo material que presenta una nueva época en la creatividad de la banda. ¡Checa AQUÍ la entrevista! Para más info: https://www.instagram.com/vivandthesect/ https://www.facebook.com/vivandthesect

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Entrevista con Nürnberg: “nos unió el amor por bandas como The Cure y The Smiths”

El post punk y la new wave han resurgido de forma sin igual en los últimos años, tomando con fuerza nuevos tintes y matices que se mezclan para brindarnos sonidos nuevos dentro de un estilo muy apreciado. Te presentamos con una entrevista con una de esas bandas que han estado haciendo algo de ruido: Nürnberg. La nueva oleada eslava, que se conforma de países pertenecientes como Rusia, Bielorrusia y Ucrania, ha traído consigo bandas tan frescas como influyentes dentro de aquellos géneros, tales como la ya ahora difundida Molchat Doma, la densa Ploho, la fresca Human Tetris o la muy querida Motorama, por poner ejemplos. Dentro de las mismas se encuentra una banda que se forma en el año 2016. Inspirada en los paisajes grises y nostálgicos de los estragos que la época soviética dejó tras, influenciada por bandas legendarias de la misma era, así surge y nace Nürnberg en la colorida capital de Bielorrusia: Minsk. El dúo hace su debut en el 2018 con un EP deleitable, grisáceo y estruendoso al cual titulan U Nikudy para posteriormente hacernos entrega de un álbum completo con el cual se hacen de reconocimiento, titulado “Skryvaj” donde la atmósfera enérgica pero melancólica se hace presente con mayor ímpetu. El segundo y último álbum del momento ha sido “Paharda” en donde los reverbs esplendorosos, las líneas de bajo densas y la melancolía que la guitarra rítmica emana se encuentran envueltos nuevamente. Hace un par de días que pudimos charlar con el vocalista y bajista de la banda, Jerzy Niewierzy, el cual nos dio a conocer algunos datos así como detalles de la situación actual, planes posteriores y nuevo material de estudio que se lanzará para febrero. A continuación les dejamos la entrevista completa… Jerzy nos comenta que el interés musical mutuo que posee con el guitarrista: Aleh Sautin, así como las ganas de expresar sus ideas y sentimientos a través de los sonidos fue lo que los motivó a la creación de la banda. “Nos motivó el conocimiento, la comunicación cercana y el sentimiento común de buena música. Nos conocemos desde hace mucho tiempo y nuestra unión fue el amor por bandas como «Кино (Kino)», «The Cure», «The Smiths» y otras.” También nos comenta sobre el nombre de la banda y su relación e importancia con su país Bielorrusia. “Elegimos este nombre porque Nuremberg como ciudad tenía una conexión con la historia de Bielorrusia: el Gran Ducado de Lituania. El viejo duque Vitaut iba a ser rey y obtener la soberanía total y su corona para la ceremonia se había hecho en Nuremberg. Se suponía que sería un momento histórico importante para toda Europa, pero desafortunadamente no sucedió por alguna razón desconocida: la corona había desaparecido y probablemente había sido robada en algún lugar de Polonia.” La inspiración y creatividad es de los aspectos más curiosos que causa a todo oyente así que preguntamos por la relevancia de los mismos así como de su surgimiento, sus sentimientos respecto al público latinoamericano, la situación del coronavirus y finalmente unas palabras cálidas que otorgaron a los fans en México. 1.- Todo artista necesita inspiraciones de otros artistas. Sabemos que Nürnberg se refiere a Kino, esta gran banda de Rusia de los 80, pero cuando están haciendo música, ¿su inspiración también nace de tus sentimientos o de algo que buscan transmitir?  ¿Es difícil para Nürnberg crear sonidos o la inspiración mencionada anteriormente les beneficia Jerzy (Nürnberg): Mencionamos las bandas más influyentes justo anteriormente pero también podemos agregar a Motorama y Аквариум (Aquarium), The Sound, For Against, la francesa Asylym Party y la alemana Stille Hoffnung. También estamos disfrutando mucho del coldwave polaco del llamado Zimna Fala, bandas como Madame, 1984, Siekera, etc. Música de los 80 que actualmente suena muy moderna, fresca y experimental. Muchos grupos musicales anticiparon el sonido moderno. Pero no diríamos que hacemos música al estilo de los 80, hacemos música bielorrusa moderna basada en las tradiciones. No hicimos específicamente ese sonido: este sonido nos lo dicta nuestro entorno. Toda la vida pasa por diversas emociones relacionadas con el amor, pero al final, de todas formas, estas emociones se reducen a negativas: tristeza, nostalgia, reflexión melancólica. Al final, incluso experimentas la catarsis, que puede tomar una nueva visión del mundo interior. 2.- Sabemos que estos son tiempos difíciles para bandas y artistas ya que los conciertos fueron cancelados por el tema de la pandemia. ¿Cómo se ha vivido esto en su país? ¿Sienten que sus actividades se han vuelto más lentas o, por el contrario, se han beneficiado de tener más tiempo para inspirarse y crear más canciones? Jerzy (Nürnberg): De hecho, estábamos muy molestos por la situación con el virus, porque hemos cancelado muchos conciertos en Rusia y Europa y en este momento algunos festivales de verano están amenazados. Por otro lado, la mayoría de la gente está ahora en cuarentena y esperamos que nuestro álbum pueda ayudarlos moralmente en tiempos difíciles. Estamos muy contentos cuando la gente encuentra la salvación en nuestro álbum. Cuando estábamos grabando y planeando lanzar un álbum, no esperábamos que la situación fuera así. Es tan bueno cuando nuestra música motiva a las personas en cuarentena. 3.-Viendo tantas respuestas del público latinoamericano con su trabajo, particularmente de México ¿Qué sienten al respecto? ¿No les sorprende que sus ritmos y sonidos lleguen al otro lado del mundo? Jerzy (Nürnberg): La principal impresión que tenemos sobre los oyentes latinoamericanos es la gente de mente abierta, emocional y amable. Probablemente sepan que esta difícil situación política, social y económica sin perspectiva en los países de Europa del Este es un buen terreno para toda esa música oscura y depresiva que surge aquí, sin importar lo triste que suene. Por supuesto, esto también es influencia de la arquitectura soviética, el estilo de vida soviético que todavía se conserva aquí y probablemente un tributo a las tendencias globales. Creemos que estas cosas son interesantes para personas de todo el mundo. Y en este momento la gente necesita escuchar música más fresca y “exótica”.

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Spin That Sh!t

  En esta serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México, Latinoamérica y Europa. En esta ocasión platicamos con Roma y Ernest Hemingroove (fotógrafo, documentalista, locutor y dj selector, coleccionista de vinilos, cintas, libros, películas y fanzines) del proyecto Spin That Sh!t, un espacio para platicar de nuestros vinilos favoritos y quienes cumplieron 3 años de realizar esa hermosa actividad con transmisiones en vivo por su página de facebook. Los felicitamos inmensamente y nos entusiasma presentar su Ecosistema a continuación.  1- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música?   Roma: The California Raisins y Jimi Hendrix.     Hemingroove: Uno de mis favoritos es Sun Ra, creo en la música como una forma de estar en equilibrio o en caos con el universo, creo en su espíritu sanador y de alguna forma en la capacidad de hacer viajes interespaciales mientras la escuchas, la Arkestra es todo eso y más.     2-Artista nacional más emocionante actualmente.   Roma: Amparo Carmen Teresa Yolanda (ACTY)     Hemingroove: Rogelio Sosa, creo que desde hace tiempo está siempre buscando nuevas formas de retomar el sonido sin necesariamente caer en lo que ya está establecido o sucediendo en el momento, su forma de construir en la improvisación me parece sumamente audaz. A veces la industria de la música no ayuda al desarrollo creativo y la necesidad de reinventarse todo el tiempo que músicos como Rogelio intentan.     3-Disco que marcó un antes y un después en tu vida.   Roma: The Jimi Hendrix Experience – Are you Experienced? No sólo por sus discos sino por la psicodelia que acompaño su música. Tenía 17.     Hemingroove: Podría decir varios pero en este momento se me vienen a la mente un par: Bitches Brew de Miles Davis, ese jam infinito y alucinante que va trazando Miles como una de sus pinturas y por otro lado Naked City de John Zorn ecléctico, sorpresivo e impredecible, la primera vez que lo escuché fue como un gancho de Muhamed Alí en la mandíbula.   4-Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación.   Roma: Electrónica: Boards Of Canada ‎– Music Has The Right To Children y de rock: The Jimi Hendrix Experience – Axis: Bold as Love     Hemingroove: Electrónico creo que el primer disco homónimo de la Yellow Magic Orchestra, pioneros de un sonido que se volvió mítico. De rock, un clásico de una de mis bandas favoritas: Velvet Underground & Nico, puedo oír ese disco al infinito y siempre llega al corazón.   https://www.youtube.com/watch?v=GXmkU5Sv7tc   5-. Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer.     Roma: El combo de música de librería: Music De Wolfe, Easy Tempo, Irma Records y Plastic Records.     Hemingroove: Blue Note, cambiando al mundo desde 1939, recomiendo ver un par de documentales sobre uno de los sellos mas importantes de la historia del jazz: Blue Note a story of Modern jazz y Beyond the Notes. Otros sellos que han marcado mi vida son Impulse, Trojan Records, Rough Trade, SST, Sub Pop, 4AD, Dischord, Mo Wax, Ninja Tune, Def Jam, Stones Throw, Daptone, Tzadik, hay muchos.     6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué?   Roma: Toda la música que se hizo de mediados de los 60’s y finales de los 70’s de diferentes géneros. Porque sentaron las bases para todo lo que vino después, del rock hasta la electrónica experimental que escuchamos hoy día.   Hemingroove: Para la industria musical podría ser lo “alternativo” en la década de los 90 que retomó mucho de lo que sucedía en el pasado como el punk, post punk, heavy metal, jazz, funk, etcétera, e hizo un sin número de proyectos muy diversos que convivían entre sí. Sin embargo creo que la música más allá de la industria siempre crea nuevas formas de reinventarse.     7-Canción que te recuerda a tu adolescencia.   Roma: I Wonder de Blind Melon.       Hemingroove: Alive de Pearl Jam.     8-Anécdota junto con algún músico al que hayan conocido y recuerden con cariño.   Roma: Bombino, tuve la oportunidad de platicar con él y estrechar su mano en el Austin Psych Fest del 2012. Para mí fue como haber platicado con Jimi Hendrix en persona, mágico porque considero que es uno de los más grandes guitarristas.     Tommy Guerrero y Ray Barbee en su visita a México con BLKTOP Proyect. Tuvimos la oportunidad de hacer el warm up de sus dos conciertos en Caradura (2013) y nos felicitaron personalmente por la música que pusimos para abrir sus tocadas.   Pavarotti en Chichén Itzá (1997), todo fue muy rápido y surreal. Estaba muy chavo pero tocó conocer y estrechar la mano de uno de los más grandes en su camerino     Hemingroove: Afortunadamente he tenido varias , una que recuerdo con mucho cariño es con el percusionista brasileño, Cyro Baptista, no soy músico y sin embargo tomé un taller gratutito de improvisación con él y su banda Banquet of the Spirits, ver como un brujo de las percusiones vive la música fue una experiencia maravillosa, su vibra y emoción se trasnsmiten, además de crear sus propios instrumentos con basura y hacerlos sonar increíble.   Otra fue platicar brevemente con Nick Cave después del soundcheck de su ultimo concierto en CDMX, un tipo muy amable que también tiene una muy buena vibra, nunca se me va a olvidar.     9- ¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que tienes de haber asistido a un concierto en vivo, cuál, quién y cuándo fue?   Roma: Austin Psych Fest (2011) después Levitation. Vi por primera vez a dos de mis bandas favoritas, Black Moth Super Rainbow y Tobacco. También vi por primera vez

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Robert Proco (Ford Proco)

En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Robert Proco del proyecto de música electrónica Ford Proco, pioneros de la síntesis en nuestro país con base en Tijuana. 1- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? Serían varios artistas. Definitivamente lo que afianzo mi pasión por los sonidos fue cuando mis padres compraron una grabadora portátil (de dos mini rieles), esto debió suceder antes de terminar la primaria. Con esa grabadora capturaba música que pasaban en la radio fronteriza como Gary Numan, Blondie, The Cars y Devo. 2-Artista nacional más emocionante actualmente. No estoy al tanto de la actualidad. De Tijuana me gusta Loodrop y Elephant Woman. De Guadalajara, los proyectos de Carlos Pesina y Diego Martínez. 3-Disco que marcó un antes y un después en tu vida. No podría decidir por uno. Me son muy significativos: Anvil de Visage, Micro-phonies de Cabaret Voltaire, Cromosomas Salvajes del Aviador Dro, Moon & the Melodies de Cocteau Twins. Avestruces de La Dama se Esconde, es entrañable. Con el EP Aqua Regis de Coil y Chainsaw de Skinny Puppy, descubrí que el miedo y lo visceral se podía musicalizar. 4-Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación. Dare de The Human League y Ocean Rain de Echo & The Bunnymen 5-. Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer. DRO (Discos Radiactivos Organizados) para mí es total, tiene todo el bagaje tecno pop y after punk de España en esa época. También Wax Trax y 4AD. 6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué? Al inicio de este milenio (para bien y para mal) se dio un boom de producción musical derivada de la democratización de herramientas digitales para componer, y el acceso a las plataformas de stream para publicar material. 7-Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgulloso. Producción: en 1992 lanzamos el primer álbum de Bostich, en cassette, con nuestro sello Noarte. Colaboración: los tracks de Ford Proco con Coil. Release: hacer el compilado de tecno pop nacional BACKUP (At At Records), que incluye a Size, Syntoma, Silueta Pálida, Volti, y otros. 8-Canción que te recuerda a tu adolescencia. Cities in Dust de Siouxsie and the Banshees y El Diablo en el Cuerpo de Size. 9-Anécdota junto con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño. El año pasado (2019) recibimos la invitación del Aviador Dro para tocar como Ford Proco en su concierto aniversario en Madrid. Presentamos un track del nuevo álbum en que estamos colaborando. Tuvimos la oportunidad de charlar y brindar con Ana Curra de Parálisis Permanente, Luis Prosper de Bretón Armada y Carlos de Azul y Negro. 10- ¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que tienes de haber asistido a un concierto en vivo, ¿cuál, quién y cuándo fue?   En abril de 1988, asistí al concierto de Clan of Xymox, en Los Angeles, acompañado de Daniel Rivera (Dj Tolo). Presenciarlos en un sitio pequeño como el Roxy, con material de sus primeros dos discos, muy especial. Recuerdo en particular el tema “7th Time” con Anke Wolbert en el bajo y voz, como un momento flotante. Idea original: Rob Anaya.   Edición de foto y diseño visual: Ozz Ramos.

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Equinoxious (Rogelio Serrano)

Soy Rogelio Serrano de Equinoxious, músico electrónico, especialista y tallerista en sintetizadores analógicos y modulares, actualmente estudiante de la carrera de Comunicación y Periodismo. En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Rogelio Serrano alias Equinoxious, un gran músico y amante de los sintetizadores quien actualmente es un referente de la escena actual de CDMX. 1.- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? Sin duda fue Jean-Michel Jarre, con su segundo trabajo Equinoxe, lanzado en 1978. A partir de ahí, mis gustos musicales se enfocan en las composiciones minimalistas, pero con gran valor en el modelado sonoro, disfruto mucho de la música en donde predomina el uso de sintetizadores para crear atmósferas, ambientes y pasajes rítmicos dinámicos. 2.-Artista nacional más emocionante actualmente… Mi banda favorita nacional es Syntoma y Robota, ambas extintas. Actualmente no podría mencionar a alguien en especial, pero existen proyectos que están haciendo cosas muy buenas, editan material en Europa y han viajado a otros países presentado su proyecto. Me emocionan las personas que están haciendo música con pasión y explorando nuevos sonidos en vez de solo adaptarse a formatos o tendencias actuales, por el miedo a no ser rentables para el público que consume ciertos géneros underground. 3.-Disco que marcó un antes y un después en tu vida. Klaus Schulze – Time Wind. El track “Wahnfried” 1883, es una pieza hermosa. Al escucharse detenidamente emana una especie de saudade eclosionando a través de electricidad en campos sonoros que funcionan como mecanismos debajo de la piel, los acordes del viejo Elka Strings amalgaman el nacimiento de mil partículas solares en secuencias difusas pero vigorosas. 4.-Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación. John Foxx – Metamatic Agitation Free – Second 5.-Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer.   Wierd Records, FRKWYS, Domestica, Mecanica, Kernkrach. 6.- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué? La nueva época de oro de los sintetizadores en la última década. El sincretismo de lo analógico-digital ha traído resultados increíbles, ya que ha estado supliendo las limitaciones que el campo de los instrumentos controlados por voltaje tenía en tiempos anteriores, pero esta nueva âge d’or del sintetizador, también se ocupa de exaltar todas las bondades que quedaron olvidadas por mucho tiempo en el fondo del baúl analógico. Muestra de ello, es la gran cantidad de fabricantes de sintetizadores, cajas de ritmo, y modulares en formato eurorack que constantemente fungen como alquimistas o creadores de quimeras dando vida a artefactos híbridos con pieles digitales y almas controladas por voltaje, las posibilidades musicales a través de estas nuevas herramientas son increíbles. Fabricantes de eurorack favoritos: Manhattan Analog, 4MS, Intellijel, Synthesis Technology. 7-Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgulloso. Extraños Accesos. Creo que es aquí cuando he logrado un sonido con el que verdaderamente me siento cómodo a diferencia de mi primer trabajo Cosmódromo, que es el más conocido, a razón de esto, algunos tracks formaron parte del soundtrack en una serie de HBO. Extraños Accesos, marca una nueva faceta musical-performativa en mi trayectoria, mi transición en el uso del hardware pesado y obsoleto al formato modular. 8.-Canción que te recuerda a tu adolescencia… Photographic – Depeche Mode 9.-Anécdota junto con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño. Existen muchas experiencias, desde cosas muy gratificantes y otras no tanto, pero que ahora son muy graciosas. Recuerdo cuando compartí escenario con Sixth June y después acabamos en casa de Dante Gonzales en Lima, haciendo un jam con sintetizadores en su estudio El Paraíso del Silicio, un búnker repleto de artefactos analógicos vintage, fue una experiencia muy linda. Haber tocado en Alemania con la artista griega Kriistal Ann, con quien tengo algunas colaboraciones. Fue fantástico coincidir y conocerla después de solo tener interacciones virtuales Otra experiencia curiosa aconteció cuando participé en un festival también en Perú con Simeon Coxe de Silver Apples. En el salón en donde terminé de dar un curso de sintetizadores, pidió que quitaran un hermoso Roland SH5 entre otros instrumentos que utilizamos para dar los talleres, Coxe iba a ser entrevistado y no quería que salieran en el fondo porque él “solo tocaba con osciladores”. Con Sean Mcbride (Martial Canterel/Xeno & Oaklander) que es uno de mis artistas contemporáneos favoritos de la electrónica underground, después de su visita a México, y de compartir escenario surgió una buena amistad, continuamos compartiéndonos material inédito de nuestros proyectos o llamándonos, simplemente para escuchar los sonidos de las cosas nuevas en las que estamos trabajando. 10.- ¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que tienes de haber asistido a un concierto en vivo, ¿cuál, ¿quién y cuándo fue? Aviador Dro, en una peluquería en la colonia Portales. Eso ocurrió en 2015, fue un evento muy discreto (mejor dicho, secreto) y algo improvisado, solo pudimos asistir unos pocos debido a rumores que se fueron dando entre amigos.  Fue muy divertido el estar bailando entre temas como “Baila la Guerra” o “Selector de Frecuencias”, al final repartieron su clásica propaganda con ilustraciones futuristas, desafortunadamente me puse muy ebrio y perdí la mía. Idea original: Rob Anaya.   Edición de foto y diseño visual: Ozz Ramos.

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Microscopia Musical, entrevista con Inés Gutiérrez de Cirrina Lab

  Inés Gutiérrez es periodista de ciencia y una artista visual dedicada el mundo de la microscopia musical y otras ramas, su trabajo como creadora explora imágenes absolutamente espléndidas, y encima, creó su propio laboratorio para que ese mundo se ilumine cada vez más: Cirrina Lab. Platiqué con ella para conocer su presente y su futuro partiendo del pasado. ¿Cómo fueron tus inicios como creadora?   Todo empezó a finales del 2015 cuando un amigo me enseñó el teaser del álbum Immunity de Jon Hopkins. El vídeo del teaser eran puros timelapses del crecimiento de cristales de azúcar filmados con un microscopio. Me voló la mente. Justo en ese momento yo estaba a la mitad de mi carrera de Biología en la UNAM y todo el tiempo usábamos microscopios en los laboratorios para ver distintas cosas, como hongos, bacterias y cosas así; entonces pensé que yo podría hacer algo como el vídeo. Al poco tiempo contacté a mi amiga Florencia Díaz, que es una fotógrafa increíble, y le platiqué la idea de que hiciéramos un proyecto de arte visual a través de microscopios. Igual que a mí, le emocionaba muchísimo la idea, pero no sabíamos bien de dónde íbamos a sacar los microscopios, ni qué íbamos a grabar.     Más o menos por esas épocas iba un día caminando por el edificio de biología de mi facultad (la Facultad de Ciencias de la UNAM) y vi un letrero en una puerta que decía “Microcine” y pues me sonó justo a lo que queríamos hacer. Toqué la puerta y me abrió Alejandro Martinez Mena, el director de ese laboratorio, me platicó lo que hacían y me enseñó los microscopios que tienen. Le platiqué mi idea y me dijo que todo le sonaba muy bien, menos porque yo en realidad no tenía ninguna experiencia con la fotografía microscópica. Entonces, me sugirió que tomara su clase optativa (que justo era sobre fotografía macro y microscópica) y que luego veíamos. Entonces me inscribí, tomé la clase y pedía tiempo extra en el lab para practicar e ir agarrándole la onda a la composición de imágenes y a la parte técnica de montar la cámara en el microscopio.    Y ya, al poco tiempo me escribió mi amiga Paulina Olea que tiene un proyecto de música electrónica que se llama Amnl Prnt y me pidió que le hiciera la portada y unos visuales. Para entonces ya era muy amiga de Alejandro, entonces empecé a grabar cosas como espermatozoides de rata, aprendí a cristalizar vitamina C y además me hice amiga del director del Acuario de mi facultad que me regalaba (y sigue regalando) microorganismos acuáticos, como los seamonkeys. Después Ana Druker, una amiga que es artista y también le hace a los visuales, me enseñó a usar Resolume Arena, un software para mezclar vídeo en vivo. A partir de ahí empecé a colaborar más y más con artistas músicos.  ¿Qué visión sentimental o inspiración encuentras en al arte visual que has hecho? Para mí, el arte que hago es una manera de comunicar lo que siento cuando veo y entiendo el universo microscópico. Es como un homenaje a esa dimensión. Siempre me ha parecido que aunque son organismos y procesos de los que rara vez nos enteramos (porque literalmente no los podemos ver), tienen su propia historia que es igual de compleja y fascinante que la historia de lo macroscópico. De hecho sin lo microscópico no existiríamos nosotros, la materia y los seres vivos estamos hechos de partículas o moléculas chiquititas. Entonces sí, creo que el sentimiento principal que mi arte quiere comunicar es ese asombro por las vidas y procesos del microcosmos. El punto es enseñar en pantallas enormes lo gigante que es lo diminuto para mí. ¿Cómo nace la necesidad de crear Cirrina Lab y con qué objeto? Creo que en general mi propósito de vida es comunicar la ciencia a los demás. Para mí el pensamiento crítico y la ciencia deberían de ser parte fundamental de la vida de las personas, no solo porque es importante cuestionarnos sobre las cosas que nos rodean, sino porque tiene un lado que a mí me ha inspirado mucho y me recuerda con frecuencia a ser humilde ante lo enorme que es la vida fuera de los seres humanos. Cirrina Lab es una forma de comunicar la ciencia pero de una forma subjetiva o indirecta. No es un texto clavadísimo en donde te explico equis cosa sobre los quehaceres de la ciencia, son imágenes abstractas que a veces se entiende que vienen de algo microscópico y a veces no, pero que según yo evocan esa curiosidad por entender lo que estás viendo. Mi objetivo es invitar a la gente a sentir lo chido que siento yo cuando me asomo por un microscopio. La influencia de la Microscopia es muy recurrente en tu trabajo, ¿qué es lo más emocionante de explorar ese mundo? Lo más emocionante de explorar el microcosmos es que es inagotable y siempre es nuevo. Un ejemplo es en la cristalización; puedes tener una solución de una sustancia, como la vitamina C, que sea idéntica siempre, con las mismas proporciones y así, pero cuando la pones a cristalizar, el resultado siempre es diferente; los cristales nunca crecen de la misma forma. Además en la microscopía hay muchísimas texturas y colores que son únicos de las cosas que tienen ese tamaño, lo cual me da mucha materia prima para crear imágenes visuales interesantes. Además me parece una locura que en una sola gota puedan estar pasando tantas cosas, que en un espacio tan chiquito haya lugar para tantos procesos, interacciones, organismos. Cuéntame un poco sobre como es el proceso cuando colaboras con algún otro artista o músico y con quiénes lo has hecho, ¿importa la música? ¿escuchas la música primero para crear ese balance creativo? Mi proceso cuando colaboro con artistas sonoros o músicos puede darse de dos formas: que empiece desde lo auditivo o que empiece desde lo visual. En el primer caso el músico me comparte una

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Carlos Vivanco (Decibel, Bardo Thodol)

Carlos Vivanco, nacido en la Ciudad de México el 25 de Noviembre de 1955. En los años setentas y principio de los años ochentas toqué en grupos como Atrás del Cosmos, Queso Sagrado, Syntoma y Broken Heart; en 1982 me mudé a la Ciudad de Nueva York, en donde trabajé con grupos como In The Service Of, Kings East, Fist of Facts, Desire, Dense Undergrowth, Devils Breakfast, Matahari, Like Wow, Muse Mob, Zenith, Monster, Andromeda Crash y Night Shade. Trabajé en colaboraciones con Hector Zazou y Harold Budd, Elliott Levin, Keith Macksoud, Bettina Koster, Barbara Gogan y muchos más. Al final de los años ochentas y durante los años noventas trabajé componiendo música para televisión Estadounidense y Alemana, como PBS, MTV, Cartoon Network, Bravo Network, Fax TV, Chanel1, Viacom y algunos “Jingles” para marcas como Coca-Cola, Pepsi, Liberty ScienceCenter, AT&T, Reebook, Toyota, J C Penny, MCI, Mc Donalds, etcétera. Actualmente trabajo con Decibel, Bardo Thodol y Kathmandu Ensemble.   En esta serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Carlos Vivanco, uno de los más grandes y excepcionales músicos que ha tenido la Ciudad de México.   1- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? Paul Desmond, John McLaughlin, L. Shankar, Ravi Shankar, Anoushka Shankar, Zakir Hussain, T.H. Vikku, John Coltrane. Miles Davis, Dennis Charles, Bela Bartok, J.S. Bach, Cecil Taylor, Duke Ellington, Johnny Hartman y muchos mas.         2- Artista nacional más emocionante actualmente… Ana Ruiz, Alex Eisenring, Walter Schmidt, Carlos Robledo, Adriana Camacho, Ramses Luna, Luis Bishop Murillo, José Alvarez, Humberto Alvarez y muchos, muchos mas.       3- Disco que marcó un antes y un después en tu vida. Time Out –  The Dave Brubeck Quartet     4- Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación. Stockhausen – Mantra  y John McLaughlin – The Essential Mahavishnu Orchestra       5-. Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer. Fax +49-69/450464     6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué? De J.S. Bach hasta la fecha, la revolución musical no ha parado y no parará, la música es parte inherente de la vida.     7- Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgulloso. Hector Zazou & Harold Budd  – “Glyph”     8- Canción que te recuerda a tu adolescencia. Piece of my Heart de Janis Joplin     9- Anécdota junto con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño. Esto sucede en la ciudad de Philadelphia en 1993, en una gira con un grupo llamado Like Wow, en el publico había solo un par de trabajadoras del sexo y su representante, no nos importó la falta de público y tocamos de todas formas, al finalizar una de ellas se nos acercó al escenario y nos dijo: “You guys really suck”.   10- ¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que tienes de haber asistido a un concierto en vivo, cuál, quién y cuándo fue? De 1982 al 1999 salí casi diario de noche a conciertos en la ciudad de Nueva York, no sé cuántos pero todos fueron muy gratos recuerdos, aunque uno de ellos que recuerdo con cariño, fue en Music Factory y tocaba The Unsane con Clint Ruin, me visitaba mi amigo Alex Eisenring, y fuimos juntos por lo que aún lo guardo en mis recuerdos.     Idea original: Rob Anaya.   Edición de foto y diseño visual: Ozz Ramos.

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