Depósitio Sonoro

Indie

Entrevista con Descartes a Kant: entre el romanticismo del Victims of Lovepropaganda

Descartes a Kant es una de las bandas más irreverentes y entusiastas de los últimos tiempos en México, han sabido renovar sus ideas y el contacto con su público siempre ha sido muy importante para ellos, el registro perfecto fue el Victims of Lovepropaganda, del que platicamos a fondo en la siguiente entrevista. El cual, sin duda, es uno de los proyectos más ambiciosos y más extraordinarios que han hecho. 1.- Victims of Love Propaganda es un gran nombre, ¿a quién y cómo se les ocurrió?   Gracias. ¡Me gusta también! El título estaba en un top 5 de otros títulos que tenía escritos. Les mostré a los demás la lista y todos votamos por este porque era el que mejor explicaba lo que era este álbum. Otro título era Emotional Porn hahahaha y en cierta manera es lo que es para mí todo esto. Exhibir a la audiencia lo que pasa en nuestro mundo psicoemocional. Oscar Wilde dijo: “El arte es la forma más intensa del individualismo que el mundo ha conocido.”   La concepción de este disco es el resultado inspiracional de una investigación que hice sobre el amor a partir de una devastadora experiencia personal. Mi investigación buscaba observar este fenómeno no sólo desde el punto de vista romántico, poético, filosófico y humano, sino también desde un marco psicológico, científico, social y de marketing.   Tal vez el amor sea universal, pero la manera en que cada cultura lo interpreta está definida, tanto literal como figuradamente. En los mensajes que se dan sobre el modelo del amor occidental y cómo se ha fijado a través de la historia de la literatura, la cinematografía, la música y la humanidad en general.   Lo que quiere decir Victims Of Love Propaganda es que no es solo nuestra culpa salir tan decepcionados de nuestras relaciones, ya que las vivimos basándonos en nuestro concepto de amor; y eso está fijado en idealizaciones y conceptos pre existentes de la consciencia colectiva. Somos herederos del romanticismo. 2.- ¿Cómo nace la idea de llevar al en vivo y conectar con sus fans la concepción por esa vía sobre el amor moderno?     Siempre nos gusta crear un universo para cada disco y cuando terminamos la grabación de este, hubo un espacio creativo solo para imaginar cuál sería la mejor manera de ensamblar estos mensajes. Algo que trascendiera la música y la experiencia de solo escuchar un disco. Al pensar en videoclips pensaba en una historia un tanto cinematográfica que al final sería el meta mensaje sobre todas esas cosas que aprendemos de las películas. Visualicé cuadros oníricos representados por una pareja ficticia y a través de ellos contaríamos la historia. Eso nos daría mucha libertad para explorar y concretizar el mensaje a través de diálogos concretos, un alter ego con una voz en off comunicando desde lo sensorial hasta lo racional, sus propias ideas acerca del amor, el dolor y la decepción. Siendo un trabajo no conclusivo, el encanto era que el público completara la historia según su propia experiencia en el amor. 3.- ¿Qué los llevó a referenciar un espectáculo o musical de Broadway pero con su visión para que Victims of Love Propaganda fuera una realidad?     Es un tema del disco pasado que existe cuando se sembró en mí la idea de que en un concierto de punk debería sería genial, de la nada, incluir un solo de tap, referenciando los musicales de broadway. Era en un tiempo en el que no dejaba de escuchar Chicago. Me enamoré y me aprendí todas las canciones, incluso tuve que estudiar musicalmente la estructura del musical. Fue todo un reto. Es una completa rapsodia de 8 minutos y medio que jamás habíamos logrado tocar en vivo por el nivel de complejidad. Pensamos que sería una de esas canciones que solo existen en el disco pero, los fans siempre pedían que la tocáramos. Este show hecho a la medida para un teatro sería el mejor pretexto para lograrlo. Era una deuda hacia ellos y hacia nosotros mismos. Pensamos que no lo lograríamos con todo y bailarín de tap, ¡pero después de mucho esfuerzo en el montaje se logró! 4.- Victims of Love Propaganda es lo más ambicioso que han hecho, sin duda, y parece que prepararlo fue todo un reto, ¿qué fue lo más difícil pero también lo más satisfactorio de estos conciertos?   Ciertamente, la dualidad siempre presente. Para mí lo más difícil fue tener que ser tan multitask como grupo. No solo teníamos que preocuparnos por la producción y ejecución musical, por diseñar una narrativa visual, por diseñar vestuarios y ensayar montajes coreográficos, sino que también vender boletos y hacer promoción para llenar el teatro, y generar contenidos para nuestras redes sociales y contestar varias entrevistas diarias, así como tener juntas con el equipo de producción constantemente. Afortunadamente se hizo todo con mucho corazón y con un equipo pequeño de trabajo de gente cercana al grupo. Al final la sensación fue como un triunfo para todo el equipo que nos apoyó en momentos muy estresantes. Y cada segundo valió la pena lo más satisfactorio fue sentir que crecimos no solo músicos y creadores sino como equipo de trabajo autogestivo. Todo se compensó cuando al final del show la gente llora y te abraza y te dice que es lo más conmovedor que han presenciado en mucho tiempo. Hasta el día de hoy los fans y amigos se remueven al recordar el concierto y eso por eso que queremos compartirlo con el mundo. 5.-Se hace mucho énfasis al amor/desamor en el concierto y en todo el concepto a fondo, desde el encanto hasta la ruptura, ¿sirvió de catarsis personal de alguna manera?     Indudablemente, todo este trabajo es una catarsis. El arte tiene la capacidad de llevarnos a otros lugares. Como artista tomas lo que ves y vives todos los días y lo elevas fuera de lo ordinario. Cada artista se apropia del mundo, y al hacerlo lo eleva y

Entrevista con Descartes a Kant: entre el romanticismo del Victims of Lovepropaganda Leer más »

La importancia del disco Give Up de The Postal Service a 20 años de su creación

En 2003, Benjamin Gibbard llegaría a la encrucijada de su vida artística gracias a The Postal Service, un proyecto alterno que conformaría junto al productor musical Jimmy Tamborello (Dntel) y Jenny Lewis, vocalista de Rilo Kiley     El impacto de un disco debut que estaba pensado como un “simple proyecto alterno” fue tal, que bien pudieron renunciar sus antiguas bandas para seguir al frente de TPS, sin ningún tipo de culpa. De pronto, The Postal Service era más grande y más conocido que las tres bandas de sus integrantes juntas.   En ese momento, Gibbard y su banda Death Cab For Cutie ya contaban con cuatro discos de estudio y un EP, publicados de manera independiente, y se mantenían a flote en un incipiente sector juvenil que a la postre conformaría el subgénero musical denominado indie. Sin embargo, aún no contaban con ningún éxito comercial que los identificara.   Por otro lado, Jenny Lewis al frente de Rilo Kiley ya contaba con dos discos de estudio; mientras que Tamborello, tenía tres discos en su haber bajo su nombre artístico Dntel, con el que pudo trabajar con Benjamin en la canción “(This Is) The Dream of Evan and Chan” en 2001.   Con tan sólo tres sencillos (Such Great Hights, The District Sleeps Alone Tonight y We Will Become Silhouettes) y 12 canciones en su totalidad, Give Up llevó a The Postal Service a los primeros lugares de miles de estaciones de radio en el mundo; en especial gracias a “Such Great Hights”, que fue usada incluso para promocionar M&M’s, los procesadores de Apple en 2006 y alguna que otra película.     Ese nivel de éxito no lo había conocido ninguno de sus tres integrantes con sus respectivas bandas. Por lo que resultaba tentador dejar todo atrás para enfocarse de lleno en este nuevo proyecto. Afortunada o desafortunadamente no fue así.   Gibbard entendió a la perfección que atravesaba por un gran momento creativo y era una oportunidad que podía llevar a su primer banda, sabía que una genialidad de tal proporción pocas veces lograba repetir el éxito y decidió que, después de una extensa gira de promoción con The Postal Service, lo mejor sería dejar al disco existir como una joya solitaria en el tiempo, a la par de discos como The Yardbirds, Temple of The Dog y Mad Season, y regresar a su antigua banda.     Algunos meses después del debut con TPS, Death Cab For Cutie publicaría el disco que cambiaría su carrera por completo y la daría el último empujón a la escena indie: Transatlanticism. El resto es historia.   La última vez que The Postal Service regresó a los escenarios fue en el décimo aniversario de Give Up en 2013, cuando los tres miembros originales decidieron reunirse por última vez y ofrecer una serie de presentaciones en Norteamérica y Europa, como el Primavera Sound en Barcelona, una de las tocadas mejor documentadas. Asimismo, dejarle a la disquera Sub Pop, el segundo LP más vendido de toda su historia.     Hoy en día Give Up, de The Postal Service es de tal importancia para el indie, el synthpop y el electro-pop, que aún sigue siendo un disco referente para bandas como Chvrches, The Shins, Warpaint, The Decemberists, Matt & Kim y Stars, sigue sonando tan fresco y propositivo de principio a fin como hace 17 años.   Un álbum seminal que cada día cobra más importancia en medio de la vorágine de las masas polarizadas y anticlimáticas, en un mundo convulso y dominado por el reguetón y el trap.     Vale la pena escucharlo nuevamente en su totalidad, una especie de futuro idealista que sigue aquí. Por y para siempre.    

La importancia del disco Give Up de The Postal Service a 20 años de su creación Leer más »

Mira el documental Music For Misfits: The Story Of Indie

Los documentales de la BBC son por mucho unos de los mejores documentados con testimonios de sus protagonistas, en Music For Misfits: The Story Of Indie disfrutamos de una etapa en que la forma de hacer música cambió para siempre Escritores, periodistas, músicos, productores e impulsores son la magia de este documental, desde el punk hasta la música de los dos mil todo va ilustrado con apariciones y referencias a The Specials, Daniel, Miller, Tony Wilson, New Order, Manic Street Preachers, Buzzcocks, Happy Mondays, Genesis P-Orridge, Orange Juice,  Cabaret Voltaire, Peter Saville, Chris and Cosey y muchos más. Porque nunca se deja de aprender de quienes lo vivieron.  

Mira el documental Music For Misfits: The Story Of Indie Leer más »

Gold Standard Laboratories: Un recorrido por su historia y sus mejores lanzamientos

Cuando uno es adolescente se encuentra en una etapa confusa, donde el lugar que ocupa como persona se vuelve tan frágil como absurdo, periodo en el que buscamos respuestas a preguntas que jamás nos hacemos. En esa etapa fue que encontré un sello que cambió la forma en que consumó música, una etiqueta que hizo las cosas de manera independiente y sin seguir patrones o tendencias de su momento, siempre con un guiño a la nostalgia y la agresividad de confrontar a las audiencias: Gold Standard Laboratories GSL fue un sello californiano fundado en 1993 (inicialmente en Boulder, Colorado) por el artista visual Sonny Kay, aunque no inició operaciones de manera más formal hasta el año 2001. Si bien, el sello acarreó fama por tener en su catálogo a The Mars Volta, también fue hogar de un sinfín de bandas y proyectos que canalizaron el movimiento punk en la década de los 2000, un espíritu que no sólo se manifestaba en un género y una idea simplista sino que, no se limitaba a un sonido; se incorporaron mundos tan dispares -en su momento- como el dub, la experimentación sonora, el jazz, el progresivo, el funk y, el mismo punk. También sirvió como incubadora de proyectos que con el tiempo maduraron en otros sellos y que, con el paso del tiempo se adquirieron cierto culto y un espacio en audiencias mucho más grandes que del nicho de donde nacieron, como lo pueden ser The Locust o !!!. Corrosiva desde sus inicios, GSL fue uno de los sello que abrazó no sólo el género del que provenía, sino todo el concepto autogestivo de la escena de California, lanzando en sus siete años de existencia un vasto catálogo que conglomerara a bandas que pensaban de una manera similar y que, entre ellas, se comparten principios estéticos e, incluso, ideológicos y en los que hemos visto su presencia en bandas fronterizas como Maniqui Lazer, Lipstick Terror o X=R7, por mencionar algunos. Esta disquera angelina dejó una gran cantidad de discos que sirven como un escaparate para dar carta abierta a presentar el sello. Por eso he elaborado una lista de lo que considero los lanzamientos más memorables a lo largo de su existencia. The Locust ‎– Flight Of The Wounded Locust (2003) Uno de los primeros lanzamientos del cuarteto sandieguino, un EP brutal, rápido y de producción austera, pero contundente en cada uno de sus tracks, y que diera paso a la leyenda que son hoy. Una cara de lo que la banda ofrecía, una combinación del powerviolence y grindcore con sintetizadores de un futuro (o pasado) amenazante. !!! – !!! (2000) El primer álbum del grupo nativo de California; un álbum que muestra el horizonte bailable al que se avecinaba y que, muestra un grupo joven aventurándose por pasajes funk y en otros más disco, experimentando a su paso por toda cantidad de ritmos bailables en lo que se convertiría en uno de los conjuntos más memorables de la actualidad en cuanto a música dance en vivo se refiere. De Facto – Megaton Shotblast (2001) El pasajero proyecto dub de Cedric Bixler Zavala y Omar Rodriguez-Lopez, un proyecto que si bien duró poco, éste es el primer registro de la banda como ensamble puramente enfocado en el dub. Influencias claras de artistas como Augustus Pablo o Lee Scratch Perry, la banda aglomeraba la tradición dub y las presencias melódicas con el espíritu punk que nunca abandonaron. Rhythm Of Black Lines ‎– Human Hand Animal Band (2004) Un trío casi desconocido de Austin pese a que entregaron un gran segundo álbum, lleno de inesperadas melodías pop que se armonizaban con la complejidad de sus progresiones sónicas. Un disco redondo y que representa la parte más amable del sello. Year Future ‎– First World Fever (2006) La banda del fundador del sello, Sonny Kay, Year Future fue uno de los conjuntos más apreciados del circuito en la época de los 2000, en este primer y único álbum lo muestran de manera magistral. Punk abrasivo sin ningún tipo de ataduras, transgresor y que recuerda a ese hardcore de mediados de los 90 en California. Crime In Choir ‎– Trumpery Metier (2006) El conjunto instrumental de San Francisco entregó uno de sus mejores materiales en su paso por el sello, uno de sus trabajos más finos y complejos, una placa que experimenta desde sus orígenes matemáticos del grupo hasta lo más clásico del rock progresivo en sus transiciones tan abstractas como épicas. With Love – A Great Circle (2006) El proyecto del artista conceptual italiano Nico Vascellari, una aproximación al punk desde el espacio más abstracto posible. Un disco que muestra una faceta furiosa y contemplativa del canal artístico del creador en lo que conformó un disco con espacios finos, pero con la agresividad naciente que desprende el hardcore, sumado a la experimentación constante que adorna la obra. Omar A. Rodríguez-López ‎– A Manual Dexterity: Soundtrack Volume One (2004) Lo que pretendía ser el score de una de sus obras cinematográficas jamás publicadas, el primer trabajo como solista de Rodríguez-López es un referente ideal en su carrera, un álbum en constante movimiento en el que experimenta por lugares inhóspitos, desde esa energía que se devela y que es natural para el puertorriqueño, coqueteando con géneros como la electroacústica o incluso la salsa.

Gold Standard Laboratories: Un recorrido por su historia y sus mejores lanzamientos Leer más »

Reseña del efervescente regreso de Clinic con Wheeltappers and Shunters

Dentro de toda esta vorágine de sonidos, Clinic regresa a nuestros oídos con Wheeltappers and Shunters, un disco con una fórmula confiable, un producto sólido y musicalmente vigente. El octavo álbum del cuarteto de Liverpool es, en palabras del  frontman Adrian Blackburn, un lanzamiento diseñado para hacernos mover en cualquier pista de baile en un tiempo que se torna oscuro y conservador, es una apología a la diversión y al desprendimiento de los temores más ocultos. Bajo el sello discográfico Domino Records, Wheeltappers and Shunters evoca todo ese revival del garage, la neopsicodelia y el art punk que experimentamos auditivamente con el debut Internal Wrangler (2000) y al Walking With Thee (2002). El nuevo material tiene doce tracks muy cortos, pero incisivos, los cuales te introducen desde “Laughing Cavalier” a una atmósfera lúgubre, eléctrica y abrasiva. El ritmo es continuo hasta “Ferryboat of the Mind” y “Mirage”, piezas altamente hipnóticas por la base de guitarra y los disparos de sintetizador. Mientras en “D.I.S.C.I.P.L.E” y “Congratulations” nos encontramos, por su propia retórica y cadencia sonora, con vibraciones paralelas al dúo neoyorkino: Suicide. A pesar de que el regreso de Clinic es como un inesperado relampagueo, su material destaca por su sonido al más estilo británico, su seductor misticismo y nivel de experimentación. Recomendable para los nostálgicos del pasado y los fanáticos de resonancias envolventes.

Reseña del efervescente regreso de Clinic con Wheeltappers and Shunters Leer más »

Blumfeld, la banda que fusionó a The Smashing Pumpkins con My Bloody Valentine

Blumfeld es una banda nacida y formada en Hamburgo inspirada en un cuento de Franz Kafka. Su sonido nos recuerda básicamente a la escena noventera naciente y propositiva que abanderaron bandas como los Smashing Pumpkins y My Bloody Valentine, entre otras.   Guitarras mágicas por aquí y pedales distorsionados emocionalmente por allá. Además de que sus letras  se caracterizan o toman un camino  distintivo de la sociedad de consumo moderna. Los miedos, las depresiones, la incertidumbre, la falta de orientación y el amor como motivo principal son los temas más importantes que se convierten en el núcleo no pesimista y a la vez sí de sus composiciones. Nosotros los disfrutamos mucho.

Blumfeld, la banda que fusionó a The Smashing Pumpkins con My Bloody Valentine Leer más »

American Football lanza su tercer álbum de estudio titulado “LP3”

El esperado tercer álbum de American Football fue lanzado esta 22 de marzo. American Football ha abandonado su querida casa en Urbana, Illinois, que apareció en la portada de sus 2 primeros álbumes. Esa casa se convirtió en un avatar para la nostalgia juvenil, y ahora ha sido reemplazada en la portada de éste su tercer álbum de estudio: un amanecer en medio de la niebla.    Este nuevo disco titulado LP3, ya que todos los álbumes de estudio de la banda se titulan con números, despierta con campanas microscópicas y estremecimientos de vibráfono mientras los 7 minutos de “Silhouettes” envuelven las celosías de la guitarra en reverberación y escape de color gris brillante.   El disco es aderezado con la participación en las vocales por parte de Hayley Williams, de la banda Paramore; y Rachell Goswell, de Slowdive.   Los héroes Midwest Emo a finales de los años 90 se están transformando musicalmente y personalmente en gente madura, varios de ellos son ya padres de familia, lo cual se refleja en la evolución delos sonidos. Se nota el trabajo hecho en LP3, en comparación de su segundo disco (2016), que fue tan esperado y apenas logró ser la sombra de su primer disco (1999), el cual los consagró como una banda y un disco de culto en la escena Emo, Indie y hasta Math -Rock. Midwest emo se refiere a la vibrante e influyente escena de emo y subgénero que se desarrolló en la década de 1990 en el medio oeste de los Estados Unidos. Empleando estilos de voces no convencionales, distintos riffs de guitarra y melodías arpegiadas, las bandas se alejaron de las raíces punk del género y se inspiraron en los enfoques indie rock. Según el autor y crítico Andy Greenwald: “este fue el período en que el emo se ganó muchos, si no todos, de los estereotipos que han perdurado hasta el día de hoy: los chicos, los anteojos, los más sensibles, los más inteligentes…” Volvemos a escuchar algunas trompetas en este tercer álbum de American Football, voces calmadas de Mike Kinsella y canciones entrañables, dulces, suaves, irrepetibles, con paisajes. Canciones largas, bien trabajadas, que si bien parten y se desarrollan en ritmos convencionales en cuatro cuatros cubren una paleta de colores y complejidad emocional que pocas bandas pueden transmitir.

American Football lanza su tercer álbum de estudio titulado “LP3” Leer más »

Mira el nuevo vídeo de Beak>

Beak> ha compartido otra nueva canción y vídeo llamado “Brean Down”. El nombre es probablemente una referencia a un promontorio en el suroeste de Inglaterra, en el que se encuentran las ruinas de un fuerte. “Brean Down” tiene la mezcla característica de  sonidos y ritmos krautrock, con letras que hablan de cómo el futuro es un tanto vago. Es toda su esencia.

Mira el nuevo vídeo de Beak> Leer más »

Scroll al inicio