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Soft Machine: los pioneros del jazz fusión

A cincuenta años de su debut, Soft Machine es íntegramente recordado por sus experimentaciones en la escena del jazz y rock progresivo. Formado en 1966 por Kevin Ayers, Robert Wyatt, David Allen y Mike Ratledge en Canterbury Inglaterra, fueron los pilares que originaron la escena del “Sonido de Canterbury”. Llamada en honor al libro “The Soft Machine” de William Burroughs, la agrupación de Canterbury fue muy inestable y cambió su alineación numerables veces. Se les podría relacionar como los exploradores del Jazz fusion por su mezcolanza entre el jazz y rock progresivo. Sin embargo, Soft Machine se mantuvo siempre en un perfil bajo dentro de la escena Underground de Londres, a finales de los sesentas. Su primer álbum maneja un sonido mucho más primitivo y psicodélico con tintes de jazz. Es también su único trabajo con la alineación original. Se puede ver cómo coexiste una variedad de influencias (como Frank Zappa) y sonidos que fueron explorados más a fondo mientras la agrupaciòn iba avanzando. Con su tercera entrega de estudio, “Third” (1970), fue que realmente encontraron su propio sonido, que oscilaba entre el jazz y rock experimental y progresivo. En éste álbum, Soft Machine presentaba un sonido que marcaba una distinción considerable con todo su trabajo anterior y fue su primer álbum completamente instrumental. Un álbum con drásticos cambios de tempo y ritmo, melodías complejas en saxofón y flautas, una eufórica y libre batería, bajos juguetones y sintetizadores que remiten a sonidos más psicodélicos y difieren de sus bien establecidas pinceladas de jazz. Su siguiente àlbum, “Fourth” (1971) fue el sucesor con un estilo ya definido. De esta forma, la agrupaciòn britànica fue saliendo de una escena en la que ya no pertenecìan y creando la suya. Paulatinamente, muchos otros grupos se fueron también envolviéndose en ésta mezcla de jazz y rock experimental (como Caravan, Egg, Matching Mole, etc). Soft Machine siguiò creando nuevas formas de expresarse mediante el jazz fusion y el rock experimental en los años siguientes, cambiando constantemente tanto de sonido como de alineación con más de diez proyectos de estudio durante la década de los 70.

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10 álbumes esenciales del jazz

“Las únicas cosas que Estados Unidos ha dado al mundo son los rascacielos, el jazz y los cocktails”, dijo alguna vez el poeta Federico García Lorca. Hoy les recomendamos escuchar y perderse entre las notas de los 10 mejores (o clásicos) discos del jazz, los que inventaron el género. 1. Miles Davis – Kind of Blue 2. John Coltrane – A Love Supreme 3. Dave Brubeck Quartet – Time Out 4. Charles Mingus – Mingus Ah Um 5. Ornette Coleman – The Shape of Jazz to Come 6. Charles Mingus – The Black Saint and the Sinner Lady 7. Cannonball Adderley – Somethin’ Else 8. Sonny Rollins – Saxophone Colossus 9. Miles Davis – Bitches Brew 10. John Coltrane – Blue Train

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Bruno Pronsato y L.A. Teen “A Face Wasted On The Theatre”

El productor de música electrónica de origen alemán Bruno Pronsato se ha asociado formalmente con su frecuente colaborador bajista israelí Yonatan Levi (L.A. Teen) para lanzar su último álbum llamado A face wasted on the theatre. Género: Dance | Electrónica | Jazz | Rock | Minimalista Label: Foom Music ★★★ Como era de esperarse, hay mucho énfasis a la esencia de los trabajos de Pronsato anteriores, dando al álbum una sensación de urgencia desplegada a sus reflexiones melódicas previas. Son destacables los ritmos de baile acompañados de este tipo jazz afrobeat y el extraño triphopismo que Pronsato y Levi lograron crear. Ritmos que le dan al álbum una tonelada de matices sin pretensiones para que los oyentes entusiastas lo asimilen. Sin embargo, podría ser fácil pasar por alto la gran cantidad de encantos musicales y texturales si uno no le presta toda su atención. Y este podría ser su punto álgido, la espeluznante mezcla oscura con la que ambos cocinaron este disco a veces exige toda la atención del oyente, pero queda extraña y generosamente balanceado si esto no ocurre.  Un álbum que para disfrutarte totalmente se debe escuchar minuciosamente más de una sola vez (aunque si esto no ocurre también se disfruta) y que sugiere por momentos lo que pudo haber sucedido si se hubiera dado una colaboración intencionada entre David Lynch y Frank Zappa.    

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Art Ensemble of Chicago, del jazz a la gestión del free-jazz

Art Ensemble of Chicago es un grupo estadounidense de jazz nacido en 1966, considerado uno de los iconos del free jazz. Art Ensamble of Chicago derribó de todo el concepto que existía en torno al jazz en la década de los años 60. Siempre estuvieron en la vanguardia. Roscoe Mitchell y Don Moye se mantenían con la cara la cara con colores de guerra, des-domesticar el jazz y vuelven a demostrar por qué su nombre va junto con el de Ornette Coleman, Albert Ayler, Cecil Taylor, Sun Ra, Rahsaan Roland Kirk o Anthony Braxton.  Alternaban en su música la historia del jazz con la vanguardia, desplegada con humor y espectacularidad en escena (pinturas, ropajes, iluminación). El grupo exhibió desde sus comienzos un interés obsesivo por la improvisación y en los sonidos heterodoxos de sus instrumentos atípicos, como carillones, cocteleras, para pájaros y hasta bocinas de coches. El grupo consiguió una sólida reputación dentro del mundo del free jazz y colaboró ocasionalmente con otros músicos, como la francesa Brigitte Fontaine, la cantante Fontella Bass, o los pianistas Muhal Richard Abrams y Cecil Taylor The Art Ensemble tuvo sus primeras raíces en la banda experimental del pianista Muhal Richard Abrams, un grupo de ensayo (tristemente no grabado) dedicado a explorar las ideas compositivas de los jóvenes músicos de Chicago. Tres de estos intrépidos creadores, los saxofonistas Roscoe Mitchell y Joseph Jarman y el bajista Malachi Favors, estuvieron entre los primeros miembros de la Asociación de Abrams para el Avance de los Músicos Creativos (AACM) desde sus inicios en 1965. Favors, tenía ya ha estado tocando en conjuntos de jazz de área desde mediados de la década de 1950; Jarman y Mitchell se conocieron en el programa de música en Wilson Junior College antes de que cada uno hiciera una temporada en el ejército. Y así continua una historia de 5 décadas. Lanzaron alrededor de 40 discos hasta el año 2006, en el que iniciaron una pausa de casi una década. Basta de historias y dejemos que su música hable por sí sola. Es momento de que escuchemos a fondo uno de sus conciertos en vivo. A continuación. 

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John Zorn celebra sus 65 años con 4 días de conciertos

El saxofonista de vanguardia John Zorn celebrará sus 65 años con una serie de conciertos. En la mayoría él forma parte de los proyecto, como son Masada y Secret Chief. Zorn nació y creció en New York. Su fama en el mundo de la música de vanguardia comenzó en la década de los 80, gracias a que supo meter a la licuadora varios géneros en boga: el jazz, música agresiva como grind core y noise, cultura japonesa (de la que él se ha declarado seguirdor), y cinefilia. Sus proyectos prominentes fueron  Naked City, Spillane, inspirado en el célebre detective, o Spy vs. Spy, donde trituraba el legado de Ornette Coleman. Neoyorquino de sepa más no poder él ha dicho de su ciudad lo siguiente: “Lo que mejor define a Nueva York es el cambio. Llevo toda la vida aquí y aún descubro algo nuevo cada día”. Cuenta con una disquera llamada Tzadik Records (en hebreo se interpreta como “fe de los justos”). En Tzadik Zorn ha lanzado parte de sus intereses musicales y estéticos. Actualmente organiza Filmworks (25 álbumes de música para películas), Hermetic Organ (discos de órgano solo) o la serie Radical Jewish Culture, en la que trabaja “a través de la experimentación y la vanguardia”. También mediante la revisión de la obra de compositores judíos como Marc Bolan, Serge Gainsbourg o Burt Bacharach. Entre los proyectos que ha lanzado destacan Cobra, Naked City, Masada, Bar Kokhba Sexted, Electric Masada, Painkiller, Moonchild y Hemophiliac. E inagotable lanzamientos como solista y en su FilmWork Series.

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Turning Jewels Into Water, explosión sonora retrofuturista de New York y Haití

Turning Jewels Into Water es un dueto iniciado por el percusionista neoyorquino Ravish Momin y por la ingeniera electrónica experimental Val Jeanty , de Haití. Su misión recae en exponer la realidad contaminante del presente distópico con una explosión sonora infecciosa y retrofuturista. Mitad orgánica, mitad maquinista, en su debut Which Way is Home? se plantea un camino de liberación empática. La unión del dúo inició en el Otoño del año pasado en Brooklyn, Nueva York, durante una sesión de jam en Pioneer Works, plataforma creativa y aventura multidisciplinaria en la que Momin realizó una residencia que rápidamente evolucionó hacia una revelación ritual y profunda ceremonia. Voces, beats dislocados y una amalgama digital se descifraron entre sueños linguísticos y fantasmas espaciales; como si el imaginario de Bladerunner se encontrará con la poesía negra de Nathaniel Mackey, para desencriptar cifras gnósticas desde un cableado quemado. El surgimiento espiritual del proyecto se nutre de tradiciones afroamericanas y la infancia en Mumbai de Ravish Momin, así como el voodoo nativo de Jeanty: juntos vuelan hacia nuevos mundos y estallidos musicales.   Así, Turning Jewels Into Water es un nuevo inicio con raíces futuristas que dan lugar a dubs mutantes, ondas senoidales, percusiones polirrítmicas e interferencias estáticas de una consola áerea, mediante tornamesas embrujadas y sintetizadores post-apocalípticos fundidos en la herencia del jazz, el illbient y la afroelectrónica. Turning Jewels Into Water es Ravish Momin (batería electrónica, loops en vivo, programaciones) y Val-Inc (tornamesas y percusiones electrónicas). Which Way Is Home? ve un lanzamiento en vinil y formato digital en verano de 2018, vía FPE Récords.

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Una carta para John Zorn

Este 2021 cumples 68 años, quizá sabiendo que mucho de tu trabajo ha generado frutos y ha desencadenado una serie de influencia y resonancia alrededor del mundo.  Te conocí en el lejano año 2002, en una edad muy temprana de mi vida, gracias a un video VHS que tenía un gran amigo sobre un concierto de Naked City (1988-1993), en The Marquee Club de New York, con aquella grandiosa alineación: Bill Frisell, Wayne Horvitz, Fred Frith, Joey Baron y Yamatsuka Eye. Una noche vi a ese dream team y me voló los sesos, sencillamente cambió mi forma de ver y apreciar la música, fue un antes y un después. Naked City mezclaba todo lo que me gustaba entonces –punk, hard core, grind-core– con cosas que aún no conocía. Bossanova, jazz y free jazz en estado puro más todo lo mencionado antes.  Un par de años después, en 2003, te vi en México con tu ensamble Cobra y 2 días después en Bellas Artes. Recordemos esto como algo que marcó una generación de gente joven y asidua por escuchar algo de vanguardia que tú venías años atrás encabezando con otra serie de artistas.  Años más tarde con Painkiller y en 2013 con Moonchild; en fin, cada que has venido. Y con entusiasmo te seguí también gracias a los releases de tus sellos Tzadic Records, que tratar de enlistarlos aquí sería por demás extenso y seguramente dedicaré una nota especial para hablar de los favoritos.   Esta vez quiero ser breve y mencionar parte de lo que aprendí con tu trabajo: *Sí hay futuro (y presente) para la música experimental. *El mundo es de los arriesgados. *Todo músico debe trabajar con lo que tenga a su alcance, con los otros que están ahí y ser feliz dando pasos como un bebé, uno tras otro. *Escribir música es una oleada de éxtasis. *Cada momento es un duelo y una analogía al free jazz: constantemente se deben tomar decisiones. Tampoco hay momentos iguales en la vida. *El Klezmer se puede en Occidente. *Los viajes inspiran, el el suyo de 10 años por Japón para formar Tzadick Records es una muestra cristalina. La música de *Japón ha inspirado al mundo.  *Un obsesivo de la música debe saber explorar muchos terrenos. *Tu método de crear momentos e imágenes musicales que luego se condensan en estructuras y momentos de repeticiones es una excelente forma de composición. *Despedacemos la música, reinventémosla y creemos nuevas formas. *NO TODO ESTÁ DICHO EN ESTE MUNDO. Y por último, gracias a Zorn conocí el trabajo de Cyro Baptista, Anthony Coleman, Sylvie Courvoisier, Dave Douglas, Annie Gosfield, Erik Friedlander, Fred Frith, Pauline Kim, David Krakauer, Ikue Mori, George Lewis, John Medeski, Evan Parker, Fred Sherry, Trey Spruanc, Derek Bailey, Otomo Yoshihide, Tim Sparks, Keiji Haino, Merzbow, Gordon Mumma, Kayo Dot, Time of Orchids, Syzygys,Yoshida Tatsuya, Noah Creshevsky. John Zorn & Ennio Morricone

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Mira la sesión audiovisual de la banda Futuremen

El pasado 1 de julio entre el horario del cierre de las casillas electorales y la espera de los resultados de las tendencias de los que serían los nuevos gobernantes en México, Futuremen transmitió una sesión audiovisual por medio de Facebook Live. Como medio para hacerse presente y sumarse a todo el ruido de información y desinformación generado durante las elecciones, la banda decide hacer esta transmisión en vivo. El resultado es una sesión improvisada que usa como elemento principal 3 secuencias de base a los que se suman diversos elementos sonoros y visuales creando una experiencia de ánimo diferente para cada versión. Siguiendo esta estructura, Futuremen planea continuar desarrollando música nueva con lanzamientos esporádicos.

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