Depósitio Sonoro

Joy Division

Golden Crack, creatividad mexicana con covers a Bowie, Kraftwerk, Joy Division y más

Golden Crack es un artista mexicano que se ha dedicado en esta última mitad del 2020 a coverear a algunos de los artistas y bandas que más le gustan y lo han influenciado, entre ellos Bowie, Kraftwerk, Joy Division, Gary Numan y Pink Floyd. Golden Crack se toma su profesión con bastante pasión, y las versiones que ha sacado merecen una escuchada y ser calificadas por ustedes mismos, nosotros simplemente somos el filtro de algo que nos parece bastante interesante, el arte del cover, tan amada por unos y tan castigada por otros pero eso sí, nunca fácil o simple, nunca desapercibida y tiene su magia también. Te dejamos aquí con esta selección del trabajo que ha hecho.   Joy Division – Love Will Tear Us Apart   Kraftwerk – Radioactivity   David Bowie – Fame   Gary Numan – Metal   Pink Floyd – Welcome To The Machine

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So This Is Permanent: homenaje a Ian Curtis de Joy Division a 40 años de su suicidio

Ian Curtis de Joy Division tomó la decisión ahorcarse en su casa el 18 de Mayo de 1980 de hace 40 años, acabando con un trágico sufrimiento personal, peor que dio vida a una de las leyendas más increíbles de la música underground, hoy por hoy, bastante popular, pero que no ha perdido su esencia.   So This Is Permanent es un tributo/homenaje para recordar la importancia de Ian Curtis, una especie de recordatorio de que pase lo que pase y terminen las cosas como terminen, algo bueno quedará para siempre.   Ian Curtis después de 4 décadas todavía sigue llorado por algunos, recordado por otros y conocido por nuevos. La única razón por la que sigue estando presente es gracias a la música que compusieron y a las letras que escribió, Joy Division logró definir el post punk británico y cambiar la música de Manchester y el mundo quizás, para siempre.     So This Is Permanent estará disponible todo el día de hoy 18 de mayo del 2020, míralo a continuación.   https://www.youtube.com/watch?v=Zr7pgDxS_kI

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Entrevista con la banda de Bilbao: Hermana Mary

Hermana Mary es una banda radicada en Bilbao con antecedentes desde 1994, a partir de la musicalización del trabajo poético de Raúl Lomas, uno de sus integrantes y encargado de la composición musical y letras. Es una banda que fusiona estilos musicales y líricos, que van desde la música clásica al punk, del jazz experimental a la música oscura; con tintes teatrales, frenéticos y desesperados Actualmente, la agrupación está integrada por Javier Lomas (voz), Raúl Lomas (piano / sintetizador – voz),  Aitor Aguiriano (guitarra) y Lander Cuenca (batería). Su material de estudio se integra con el disco Banco Amor (1997); el EP Incertidumbre (1998); y el EP México- Resurrección (2014). Algunos de estos trabajos han contado con la producción del polifacético artista Javier Corcobado. Es la segunda ocasión que se presentará en México; la primera ocasión fue cuando vinieron como teloneros del grupo Doctor Deseo con un par de presentaciones en Puebla y la Ciudad de México durante noviembre de 2014. En esas fechas, una vez que culminaron las presentaciones con Doctor Deseo, gracias a miembros del incipiente grupo de difusión cultural Contenido Maldito, se organizó lo que sería su primer concierto en solitario en tierras mexicanas, este evento sorpresa y gratuito se llevó a cabo en un extinto bar del zócalo de la Ciudad de México. Ahora, en 2020, se presentan como acto principal en dos fechas en la Ciudad de México, el 28 y 29 de febrero en La Mezcalli. En ambos conciertos, los acompañará como telonero Edgar Torres (Sr. Gasolina) con su trabajo como solista; músico mexicano que ha grabado y girado con Javier Corcobado en escenarios nacionales e internacionales. Dj perro Negro y Callejero y 368 Abrazos para un Corazón Enfermo, proyecto de poesía expandida de Marco Grosso Morales. A continuación nuestra entrevista: 1.- ¿Cuál es la reacción sonora de Hermana Mary frente a estos tiempos? Siempre hemos seguido nuestro propio camino ajenos a las modas, pero conscientes de lo que nos rodea. 2.- Si la banda compone sus canciones basadas en algunos principios poéticos, ¿cuales serían? Ser fiel a uno mismo y tener sensibilidad, en el sentido más amplio de la palabra, con lo que te rodea. 3.- Sabemos que su sonido es experimental basado en la palabra hablada, ¿pueden decirnos cuáles son sus influencias musicales y literarias? Yo diría que nuestro sonido más que experimental es experimentado, ya que lo trabajamos concienzudamente. Literarias: Rimbaud, Bukowski. Musicales: Leonard Cohen, Nick Cave, Einsturzende Neubaten y Joy Division. 4.-¿Qué aportación tiene Javier Corcobado en su obra? Destacar la producción que realizó en nuestros trabajos: Banco Amor e Incertidumbre. Es un gran artista y un gran amigo. 5.-¿Planean grabar algún material pronto? Planeamos grabar en vivo en México. Tanto en Radio Educación como en la Mezcalli. Con algunos temas inéditos y añadir aportaciones de otros autores. Entre los temas nuevos se encuentra un poema de Javier Jeth que hemos musicado. A partir de ahí nos concentraremos en hacer nuevas canciones.

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Escucha la versión electro-vocoder de Bis a “Love Will Tear Us Apart” de Joy Division

En este breve episodio editorial de covers sensacionales, presentamos a Bis con “Love Will Tear Us Apart”, de Joy Division   La historia de los covers si bien puede ser muy lastimada, siempre habrá algunos artistas que renueven o ganen con sus versiones, y más cuando se trata de hacer un cover a una canción que significa mucho para la historia moderna. Bis hizo magia con el uso de vocoders y un ritmo electro que definió gran parte de la música que salió en estas últimas dos décadas, que se terminan desde el 2000 y que forman parte del continuo colectivo creativo de un sub género como el synthpop.

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Entrevista con Reverbs: ama lo que hagas e impulsa la escena

Reverbs explora y conjuga varias etapas del rock and roll: instrumentación sólida comandados por Arturo “Tulus” en voz, guitarra y teclados, Dion en el bajo y Joel (Joy) en la batería. Tienen un disco homónimo que salió en el 2017, y durante su andar desde el 2009 han acumulado varios sencillos y Eps. Han tenido la fortuna de trabajar con David Pérez de la banda Radio Kaos y masterizar su disco debut con el ingeniero Pepe Ortega, ganador de premios Grammys   Reverbs ha compartido escenario con bandas como She Past Away, Cohete, Meffisto y muchos más. Platicamos con ellos para saber más acerca de su trayectoria, rol, visiones y experiencias.   ¿Cómo se forma la banda? Hablemos de sus inicios. Oficialmente fue en 2006, cuando Arturo (voz, guitarra, teclado) se integra de forma definitiva, pero Dion (Bajo) y yo (Joel, batería) iniciamos en 2005. Comenzamos a desarrollar una serie de maquetas que se grababan entre la habitación de Dion y el cuarto de ensayo con ayuda de diferentes amigos cantantes y guitarristas, hasta que finalmente el click en todo sentido se dio con Arturo.   ¿Cuál ha sido el impulso en el que han trabajado para que la escena crezca desde su trinchera en los últimos años? Creo que el hecho de seguir editando música de forma independiente y bajo nuestros propios términos, nos hace parte de una escena activa a la que se impulsa precisamente con eso, música nueva. Creemos que no sólo nosotros, sino un montón de bandas mantienen viva la escena saliendo a tocar a otros estados y países. El hecho de poder abrir conciertos para bandas más grandes nos pone a todos en el mapa. Definitivamente, el uso de las redes y plataformas musicales para auto promoción ha sido un parteaguas para todos los involucrados, igual, las colaboraciones con otros artistas o con gente que de forma independiente trabaja en circuitos subterráneos.   ¿Cómo filtran su inspiración e influencias en su creatividad colectiva como banda? Con los años hemos establecido que, al momento de componer, toda pretensión queda fuera. Desde el inicio de las sesiones de composición nos planteamos no querer sonar a algo en específico, más bien fluye y conforme las canciones toman forma, se sugieren ciertas cosas que podemos tomar de cualquier banda e influencia que se tenga de forma grupal o particular. Creo que, en nuestro caso, es una cuestión de permitir que cada uno explore y aporte lo que tiene de forma personal, porque si bien hay puntos en común, todos tenemos gustos variados, que pueden ir desde Sepultura y Dream Theater hasta The Police, U2, My Bloody Valentine, Joy Division, Green Day o los Caifanes.   ¿Hay algo que mejorar en el circuito musical de la CDMX? Bueno, en comparación a como estaba la escena en 2006 a la fecha, creo que hay muchas batallas ganadas. Aunque es curioso, hoy en día, algunos promotores siguen enganchando y engañando a las bandas con la venta de boletos para tocadas, y si no cubren sus “cuotas de recuperación mínimas”, siguen cobrándoles con parte de su equipo, se debería tener mayor control sobre esos fenómenos. Igual existe un grupo de gente a los que ya denominamos como “vividores musicales”, que básicamente es banda que renta estudios o espacios para grabar y ensayar y que se tardan mucho en settear, entorpeciendo totalmente lo que planeaste, pues todo el proceso se extiende horas y  se sacan costos adicionales de la manga. Por otro lado, creo que los encargados y dueños de venues, promotores y bandas se han unificado de una forma nunca vista.   ¿Cuál es una de las tocadas que más recuerdan? ¡Hay un montón! Una que recuerdo con mucho cariño, es la que compartimos con Cohete, los Meffisto y otra banda llamada Teatro Arlequín en la terraza de un hostal en el Centro Histórico, al final cayó un chingo de banda que estaba hospedada y se volvió una locura; hubo una serie de presentaciones en el Ghetto de la Roma que igual nos marcaron muy cabrón, y definitivamente, nuestras participaciones en los llamados Synth Fest y el Festival Hecho en México.   Si tuvieran que elegir entre algunas de sus canciones para que los recordaran siempre hasta este momento: ¿cuál sería y por qué? ¡Es muy complicado! Voy a caer en el cliché de los hijos, no puedo querer más a uno por sobre todos. De forma personal escogería “Nada”, porque para mí, nos ayudó mucho a madurar en el sentido de apreciación musical y en la composición: es una canción que nos rodeó por años, de hecho, se convirtió en una especie de fantasma, pues dejamos de tocarla y perdimos interés en terminarla, pero revivirla nos puso a prueba y nos ayudó a superar ciertas limitaciones que creíamos tener, creo que es una de las canciones con mejor sonido e identidad que Reverbs tiene.

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La nostalgia del Pinups de Human Drama que versionaba a Bowie, Joy Division y Lou Reed

En efecto, el título de la nota evoca perfectamente la nostalgia del Pinups de Human Drama que versionaba a David Bowie, Leonard Cohen, Joy Division, Lou Reed y demás compositores de la llamada época dorada de la música Pinups es un regalo en todos los aspectos: las visiones que presentaron al sacudir los clásicos de algunos artistas ya mencionados en la introducción nos deja claro que Johnny Indovina buscó en su caja de pandora a todos aquellos músicos que lo inspiraron: desde Mick Jagger y Keith Richards hasta Pink Floyd, pasando por  John Lennon y Ray Davies de los Kinks y la extraordinaria Nico y el Genesis de Peter Gabriel. Pinups es un oasis que explora entrañablemente los espíritus de décadas musicales que marcaron a muchos melómanos, que fue de lo silencioso a lo potente hasta convertirse en un tesoro que queremos dar a conocer por siempre. ¡Disfruta y difunde!    

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Entre la new wave y el post punk de In The Spirit World Now, nuevo disco de Ceremony

Los californianos están de regreso con un disco vertiginoso que nos interna en un sonido ochentero, post-punk con pinceladas de new wave y carisma de un grupo que ha sabido reinventarse con cada placa. Si estás dispuesto a ir más allá del power-violence y explorar nuevos/viejos territorios sonoros podrían llevarse una sorpresa. Ceremony es una de las bandas insignia del punk californiano, sin embargo, su sonido siempre ha estado lejos de ser complaciente y han ido a contracorriente para marcar su propia tendencia. Han labrado su propio camino y han cimentado una carrera con base en la necesidad de no complacer a nadie más que a sí mismos. Si bien nos habían maravillado a todos con su Violence Violence en 2006 pero durante 9 años y 4 discos más su sonido fue mutando hasta llegar a lo que en 2015 fue The L-Shaped Man, disco completamente aterrizado en una línea post punk, que, si bien en un inicio no fue recibido de la mejor manera por los fans y la crítica, al paso de los años se ha convertido en un disco referente de la carrera del grupo. Ahora en 2019 nos presentan In The Spirit World Now, un disco nuevamente en la línea de su tradicional sonido, pero con pinceladas de new wave que adhieren sintetizadores, lo cual revitaliza las canciones. Debo confesar que, en un inicio, el primer sencillo, no fue nada sorprendente, pero al momento del lanzamiento de toda la placa entera, entendí lo que realmente estaba sucediendo; al grado que se ha convertido en uno de mis discos favoritos de este 2019. Si en The L-Shaped Man la banda nos presentó un sonido muy Joy Division, en In The Spirit World Now se acercan a New Order; tanto así que en la canción “Further I Was” el intro de la batería es un tributo meramente a “Blue Monday”. Otro punto muy acertado, son los interludios de pequeños poemas recitados por Ross y que logran aterrizar el disco aún más en este contexto artsy ochentero. In The Spirit World Now es uno de esos discos que se van rápido y nos dejan con ganas de seguir escuchando. A pesar de todo, no es para nada un disco pretencioso, simplemente es el material de una banda que sigue oscilando sobre sus influencias y busca refrescar y dar otra perspectiva al sonido de un género que se encuentra en constante construcción y deconstrucción. Esperemos que  algún promotor o promotora se anime a traerlos a CDMX en lo que reta del año o todo lo que nos espera para el 2020.

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Trisomie 21 visita por primera vez México y los entrevistamos previo a su presentación en Eutanasia Fest

A veces sucede que, sin buscarlo, las obras de ciertos músicos capturan el espíritu de su tiempo para inmortalizarlo, es el caso de la banda de culto Trisomie 21 (T21), quienes comparten la creencia de que la música puede modificar los esquemas más convencionales y llegar a nuevos horizontes sonoros. Bajo la influencia de Kraftwerk y Joy Division la legendaria banda inicia su proyecto en los años 80 por los hermanos Phillipe y Hervé Lomprez en una localidad al norte de Francia. Aquel preámbulo hoy en día suele ser un recuerdo lejano, una vieja historia para el proyecto que cumple ya casi 40 años: Phillipe: Éramos un par de jóvenes que nos gustaban las cosas especialmente extrañas. Imaginábamos la música que nos gustaría hacer. Los sonidos helados y maquinales, nos resultaban especialmente atrayentes. -¿Por qué deciden llamarse Trisomie 21? Phillipe: Trisiome 21 es una anomalía genética. La palabra normalidad no nos gusta. Para nosotros la palabra normal está mal utilizada. Preferimos a la gente atípica porque son más interesantes y más originales. Nuestra música busca acercarse a esos mundos. Con la premisa de la anormalidad, el dúo buscó contradecir las tendencias, ello se reflejó en su sonido melancólico y en la personificación lírica de cada una de sus canciones que retratan a las sociedades industriales más maltratadas de Francia, pero que también hablan, en voz de Phillipe “de emociones que expresan cada parte de nuestras vidas”. -Pienso que “The Last Song” es una icónica de 1984 que definió a toda una generación, ¿cómo vivieron el espíritu del post punk de aquel tiempo? Hervé: Es difícil hablar de “The Last Song” porque es una canción muy vieja. Para nosotros han cambiado las cosas desde el “Chapter IV, le je ne sais quoi et le presque rien” al “Elegance Never Dies”. Phillipe: No podríamos decir que vivimos el espíritu del post punk. No escuchábamos esa clase de género, sólo hacíamos la música que queríamos. Hervé: La gente generalmente dice que Trisomie 21 es una banda de post punk, pero para nosotros eso no es una realidad. Phillipe: No sabemos ni lo qué es el post punk (risas). – Se trata de aquel mito de la clasificación musical ¿no es así? Phillipe: Claro. Yo creo que todo esto del “post punk” es una invención de los medios, es una forma de vendernos una idea de lo que es nuestra música. Habitados por la idea anti rockstar y los falsos ídolos, la música de T21 se convierte en un refugio, en un universo basado en un incendio personal. De esta manera, el lanzamiento de cada uno de sus álbumes se convierte en una tarea que se evapora y resurge por largos periodos de tiempo. -Después de 8 años de ausencia en 2017 lanzaron su último álbum de estudio “Elegance never dies”, ¿cómo fue el proceso creativo de este material? Hervé: Phillipe y yo nos juntamos para hacer el álbum, junto al nuevo guitarrista. Queríamos crear nuevas canciones y sonidos, intentando representar toda la obra de Trisiome 21. -¿Es difícil trabajar entre hermanos? Phillipe: Algunas veces sí. Vivimos en países diferentes, entonces sólo nos vemos cuando vamos a realizar un nuevo material o estamos en el escenario. Fuera de eso nos vemos 2 veces al año. No somos gemelos. Hervé: Al principio de la historia de la banda sí lo hacíamos. Ahora es algo muy especial, porque cuando trabajo en una canción lo hago solo y él también. Es un proceso por separado. Jamás nos vemos al principio de cada proyecto. Para los hermanos Lomprez persistir en un mundo donde la industria musical favorece las ventas y no la creatividad del artista, marca una diferencia entre las bandas que buscan definir su sonido a través de su sello particular y de quienes producen en serie fórmulas auditivas ya establecidas. Hervé: No nos gusta trabajar como si esto fuera una fábrica musical. Trabajamos en lo que queremos y cuando queremos, hemos descubierto que esto es de la mejor forma de hacerlo. Para nosotros esto no es un trabajo, no hicimos T21 para enriquecernos, hicimos T21 porque nos gusta la música, para hacer canciones con actitud. Phillipe: Esto es música independiente y esto es de lo que se trata, es la meta. Creamos nuestra propia escena o eso intentamos. De cierta forma para nosotros hacer música es una necesidad. Para finalizar la entrevista les pregunto ¿qué nos espera para el show de la noche del 2 de marzo? Phillipe: Placer, placer para ustedes. Verán un T21 muy feliz, es muy especial para nosotros estar aquí. Hervé: Trataremos de tocar cosas que la gente quiera escuchar. Y bueno, quienes pudimos tener la oportunidad de verlos tocar en vivo el sábado por la noche confirmamos aquella sentencia, pues Trisomie 21 entregó un show impecable, en el cual hicieron bailar a su público más oscuro de la Ciudad de México a través de los ritmos más misteriosos con canciones como Breaking Down, La Fête Triste, The Last Song y Jakarta.

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