Depósitio Sonoro

Reseña

“El Arte de Crear: Una Manera de Ser” de Rick Rubin: Una Filosofía sobre la Creatividad

Rick Rubin es una de las figuras más influyentes en la historia de la música. Como productor, ha trabajado con artistas de múltiples géneros, desde Johnny Cash, Beastie Boys y Red Hot Chili Peppers hasta Jay-Z, Metallica y Adele. Su enfoque minimalista y su capacidad para extraer la esencia más pura de cada músico lo han convertido en una leyenda. Sin embargo, “El Arte de Crear: Una Manera de Ser” (The Creative Act: A Way of Being) no es un libro sobre producción musical ni sobre su trayectoria profesional. En cambio, es una exploración profunda sobre la creatividad como un estado del ser, una guía filosófica para cualquier persona interesada en el proceso creativo, independientemente del medio en el que trabaje. En este artículo, desglosaremos el contenido del libro, su mensaje central y su impacto en artistas y creadores de todo el mundo. I. Rick Rubin y su Filosofía Creativa Desde sus inicios en la escena hip-hop neoyorquina hasta la creación de Def Jam Recordings y su trabajo con artistas icónicos, Rick Rubin siempre ha priorizado la autenticidad y la expresión artística sobre las tendencias comerciales. Su enfoque en la simplicidad y la emoción lo ha llevado a redefinir el sonido de múltiples géneros. Pero, ¿qué hace especial a Rubin como creador? Su habilidad para escuchar profundamente, eliminar lo innecesario y ayudar a los artistas a conectar con su visión interior. Esta misma filosofía es la que estructura El Arte de Crear. El libro no es una autobiografía ni un manual técnico, sino una colección de reflexiones sobre la creatividad como una práctica espiritual y una forma de estar en el mundo. II. Principales Temas del Libro 1. La Creatividad como un Estado Natural Rubin no ve la creatividad como un talento exclusivo de artistas o genios. En cambio, argumenta que todos los seres humanos son creativos por naturaleza, pero muchas veces nos alejamos de esa capacidad debido al miedo, la autoexigencia o las distracciones del mundo moderno. Para él, la creatividad es más bien una forma de percibir y conectar con el universo. No se trata de forzar la inspiración, sino de aprender a estar abiertos a las ideas cuando lleguen. 🔹 “El arte no es sobre hacer cosas. Es sobre descubrir lo que ya está ahí.” 2. La Importancia de la Sensibilidad y la Observación Rubin enfatiza que los artistas son observadores del mundo, personas que ven lo extraordinario en lo ordinario. Gran parte del proceso creativo ocurre en la mente antes de que cualquier obra se materialice. Para desarrollar la creatividad, Rubin recomienda: ✔ Reducir el ruido mental: Menos redes sociales, menos distracciones.✔ Observar sin juicios: No etiquetar ideas como “buenas” o “malas” demasiado rápido.✔ Estar presente: Vivir el momento y prestar atención a los detalles. 3. La Inspiración como un Flujo Una de las ideas más poderosas del libro es que la inspiración no es algo que poseemos, sino algo que fluye a través de nosotros. Los artistas no crean de la nada, sino que funcionan como receptores de algo más grande. 🔹 “No somos los dueños de las ideas, solo somos el canal por el que llegan al mundo.” Para Rubin, la clave está en estar abiertos y permitir que las ideas fluyan sin resistencia. En lugar de obsesionarnos con el resultado final, debemos enfocarnos en el proceso. 4. El Miedo y la Autoexigencia como Obstáculos Muchos creadores se enfrentan al bloqueo artístico, la duda y el miedo al fracaso. Rubin argumenta que estos obstáculos son normales y que debemos aprender a navegar a través de ellos. ✔ El perfeccionismo mata la creatividad. Muchas veces, el deseo de que algo sea “perfecto” nos impide siquiera empezar.✔ El miedo al juicio nos paraliza. En lugar de crear con la expectativa de ser reconocidos, debemos hacerlo porque lo necesitamos.✔ El error es parte del proceso. La experimentación es esencial para la evolución artística. 🔹 “El miedo a equivocarnos es lo único que nos separa de hacer algo grandioso.” 5. La Importancia del Espacio y el Entorno Rubin también habla del papel que juega el entorno en la creatividad. Un espacio lleno de ruido, distracciones o energías negativas puede dificultar el proceso creativo. ✔ Crear rituales. Establecer una rutina o ambiente propicio para la creatividad.✔ Reducir el desorden. Un entorno limpio y ordenado facilita la concentración.✔ Buscar inspiración en la naturaleza. La conexión con el mundo natural potencia la creatividad. 6. El Arte como un Acto de Servicio Para Rubin, el arte no es solo una expresión personal, sino también un regalo para los demás. Una canción, un cuadro, un poema… pueden cambiar la vida de alguien. 🔹 “La mejor manera de hacer arte es sin esperar nada a cambio. La recompensa es haberlo hecho.” III. El Impacto del Libro en Creadores y Artistas Desde su publicación en 2023, El Arte de Crear ha sido elogiado por músicos, escritores, pintores y cineastas como una obra profundamente inspiradora. A diferencia de otros libros sobre creatividad, no se enfoca en técnicas o estrategias, sino en la mentalidad detrás del proceso creativo. Muchos artistas han adoptado sus principios para desbloquear nuevas formas de trabajo: 🎵 Músicos han cambiado su enfoque hacia la grabación y composición, liberándose de la presión del perfeccionismo.📖 Escritores han aprendido a confiar más en el proceso, sin juzgar sus ideas demasiado pronto.🎨 Pintores y diseñadores han encontrado en sus palabras una guía para explorar su arte de manera más intuitiva. IV. Conclusión: Un Libro para Todo Creador “El Arte de Crear: Una Manera de Ser” no es un manual técnico ni un libro de autoayuda convencional. Es una obra filosófica que invita a cualquier persona —ya sea artista, emprendedor o simplemente alguien que busca más creatividad en su vida— a repensar la manera en que nos relacionamos con la creatividad. Rick Rubin nos recuerda que todos somos artistas, que el arte no es sobre el ego o el éxito comercial, sino sobre la conexión con el mundo y con uno mismo. Nos enseña que el acto

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20 años del ‘Fever To Tell’, disco que comenzó el incendio sonoro de los Yeah Yeah Yeahs

A dos décadas del lanzamiento de su primer álbum de estudio, el trío neoyorkino recoge sonidos del garage rock, indie y punk, creando un sonido sucio, estridente y contagioso que marcó el inicio de su carrera y del nuevo milenio. Tenía 16 años cuando el ‘Fever To Tell‘, de los Yeah Yeah Yeahs, entró en mis oídos, tras haber sido lanzado al ruedo de una industria musical que había puesto al pop en la cima de las listas de popularidad. Sin embargo, entre ese enramado de boy bands y solistas creados para el mainstream, la vocalista Karen O, el guitarrista Nick Zinner y el baterista Brian Chase consiguieron despegarse de esa directriz, haciendo del garage rock y el punk las bases sonoras que definirían el estilo de sus primeros tres discos y que serían la materia prima de su álbum debut que este 29 de abril de 2023 cumple 20 años. Había pasado más de año y medio del atentado a las Torres Gemelas en Nueva York. La sociedad estadounidense estaba temerosa y dolida, pero también furiosa y harta, sensaciones que alcanzaron a la tercia fundada en 2002 y que, en cierto modo, están presentes en las 12 canciones que componen su primer disco de estudio. Bajo el sello discográfico Interscope Records y co-producido por David Andrew Sitek y la tercia de músicos, los Yeah Yeah Yeahs grabaron una placa de casi 40 minutos de duración que, al igual que su portada, nos comparte un collage repleto de estridencias, suciedad, caos y rebeldía. 20 años del ‘Fever To Tell’ de Yeah Yeah Yeahs El álbum arranca con “Rich”, tema que nos da una probadita de lo que los dedos de Zinner pueden lograr sobre las seis cuerdas de su guitarra. Escasos segundos después Chase hace lo propio con el bombo, toms y platos, y junto con él la también pianista, en plena metamorfosis, nos atrapa con unos agudos y guturales que emanan de una garganta lista para lanzar gritos en su siguiente canción, “Date with the night”. Para entonces, los riffs de Nick abren nuevamente, dando paso a una Karen O que en la noche tiene una aliada para hacer lo que se le dé su regalada gana, algo que queda muy claro con su interpretación que raya en lo sexual y gritos sugerentes que incitan el headbanging y saltos interminables. Luego de poco más de seis minutos de un sonido estruendoso por los guitarrazos y baquetazos, llega “Man”, rola que con solo 1:49 minutos de duración hacen que la female fronted saque su lado Riot Grrrl, escupiendo energía y desenfreno, demostrando que el punk también está hecho por y para mujeres. Para “Tick” los tres músicos se dejan venir con todo. Mientras los guitarrazos de Nick y los golpeteos de Brian sobre la batería salen de las bocinas, la voz y gritos de Karen completan este track breve, pero al mismo tiempo intenso y ensordecedor. En “Black Tongue” lo ruidoso baja un poco, pero no la fuerza y pesadez de sus riffs y batería, ni la feroz interpretación de una mujer que, además, desprende sensualidad a través de la garganta. De nueva cuenta Zinner y su instrumento de seis cuerdas se apropian del álbum con “Pin”, al tiempo que Brian hace su entrada al sonido de bombo y platillos, mientras Karen nos ataca con una velocidad y agudeza vocal que combina perfecto con la melodía que la envuelve. Llega “Cold Night” y con ella un ligero cese en la rapidez de los instrumentos y voz que pronto se ve compensado con riffs ásperos y macizos, más una batería furiosa y vigorosa, elementos que se impregnan en “No, No, No”, canción que en sus últimos segundos apuesta por bajar las revoluciones y abrirle las puertas a la experimentación sonora, creando una atmósfera futurista. Y como el amor y desamor siempre han sido materia prima de la música, “Maps“, acrónimo de ‘My Angus Please Stay’ y uno de los cuatro sencillos del ‘Fever To Tell‘, hace su arribo triunfal, siendo hasta ahora una de las canciones más coreadas de toda su discografía, tema que destaca por la sinceridad y fragilidad que salen de la boca de Karen O, regalándonos una interpretación emotiva, honesta y que, en cierto modo, baja la guardia de la cantante ante una relación sentimental que se diluye entre sus dedos. Pero esta tristeza y lucha por rescatar lo insalvable empieza a mutar hacia un equilibrio y redirección del rumbo con “Y Control”, en donde el caos gutural se transforma en una voz más suave, al igual que los sonidos que la acompañan. Para “Modern Romance” , la cantante de 44 años de edad, junto con Nick y Brian, nos transportan a un lugar apacible en donde todo parece suceder más lento, fórmula melódica que se repite en “Poor Song”, la última pista de este álbum con la que los Yeah Yeah Yeahs aceptan que tener miedo es parte de nuestra naturaleza, pero no por ello una limitante para aventurarnos a tomar riesgos y confiar. ‘Fever To Tell‘ fue catalogado como uno de los mejores álbumes del 2003, y está incluido en el libro “1001 discos que hay que escuchar antes de morir”, del escritor y editor inglés Robert Dimery, placa que durante su primera edición se distribuyó en formato CD y que hoy habita en el mundo virtual en varias plataformas digitales. A pesar de que cada canción tiene un sonido distintivo, hay elementos que prevalecen en su primogénito. La rapidez, brevedad, simplicidad e intensidad extraídas del punk, más lo rasposo, pesado y sucio del garage rock, mezclados con el estilo sonoro e interpretación vocal, hacen de la propuesta musical de los Yeah Yeah Yeahs una de las más icónicas de la Gran Manzana que hace dos décadas llegó fuerte con el nuevo milenio y que al día de hoy se mantiene activa, regalándonos sonidos que a muchos nos remontan a una adolescencia donde solo había cabida para la rebeldía y ruidos ensordecedores. Para celebrar el

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Reseña de Sci-Fi Sky, el nuevo disco de Lebanon Hanover

Sci-Fi Sky: el pandemónium musical de la música gótica actual, con sonidos glaciales que se asemejan a dos hielos chocando, la música de Lebanon Hanover nos hace sentir que el infierno no es caliente sino frío. Pese a la gran oscuridad del darkwave, este género musical nos brinda la oportunidad de bailar en la vastedad de las sombras al estar compuesto de una caja de ritmos melodiosa que se complementa con la densidad de un grave bajo y de las voces de Larissa Iceglass y William Morris (Lebanon Hanover). Ellas, alternan el protagonismo en cada canción del nuevo álbum “Sci-Fi Sky” lo cual nos lleva a disfrutar de sus cualidades propias. Lebanon Hanover logra un deleite auditivo que permanece hasta penetrar en toda esencia corporal que incita a moverse al ritmo de la oscuridad y desde el instante en el que suenan los sintetizadores de Living on the Edge comenzamos a notarlo; volviéndose más denso en Golden Child y tornándose enérgico tras la primera línea de bajo en Garden Gnome.     Pero no sólo es la propia música en sí, la única que atrapa los mensajes líricos son otros de los aspectos a admirar y apreciar. La banda más que caer en el martirio de la muerte y depresión, expresa la inconformidad que ante la decadencia sentimental por la pérdida de la empatía y sensibilidad en las personas; aferrándose a la tristeza como un arma humana. Esta visión del mundo es reflejada a través de la preocupación explícita dentro de Digital Ocean misma que encierra elementos a notar por el golpe tecnológico e industrial como elemento del cambio climático y natural; tras el impetuoso grito de William en esta canción y el juego de guitarras que nos saben a un black metal atmosférico, complementa un ambiente de descanso amargo con The Last Thing, acompañada de un paisaje rural y un cielo azul por el vídeo debut de hace unos meses.     Este ligero letargo continúa en la acústica Angel Eyes que parece tener segunda parte cuando posterior a ella escuchamos Hard Drug, una canción que es una oda del amor a distancia. Third Eye in Shanghai viene con un aura de irreparable destrucción pues al ser trágicamente lenta y sombría con un protagonismo de sintetizadores. da la señal de ser el clímax de esta preocupación por el uso excesivo de la tecnología y la industrialización del mundo. Your Pure Soul es, quizá la forma de expresar la decadencia al ser la más densa de las melodías culminando con Come Kali Come, pieza acompañada de un ambiente misterioso y etéreo, muy oscuro y con sonidos digitales cerrando el álbum sin coros; con lo fácilmente se puede imaginar un paisaje dominado por lo que ahora llamaremos: Ciencia ficción.     Así es como, nuevamente, la banda hace entrega de otro trabajo donde plasma su sentir a través de nuevos sonidos oscuros que nos inunda en este ambiente gótico. Esperemos disfrutar de estas nuevas creaciones en vivo, el siguiente año en su presentación del 2021 en el Foro Indie Rocks.  

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Reseña “Yoshino”, el nuevo sencillo de la banda Kaguu

Hoy en día el math-rock en México parece que empieza a tomar más fuerza. Esto después de un estancamiento con propuestas que rápidamente morían en intentos fallidos por despertar a un público que, quizá, aún no estaba listo para este tipo de bandas.  Sí, Austin TV dejó un hueco enorme en estos géneros instrumentales y complejos, pero poco a poco empiezan a surgir más bandas que se esmeran en armar proyectos de calidad muy apegados a estos sonidos. Ahí tuvimos a los extintos Vicente Gayo, a No Somos Marineros al inicio de su carrera, pero más recientemente podemos ver a Ikiatari, Awful Traffic, Wohl (que en su nuevo material se notan más inclinaciones hacia el math que hacía el post), y DJ Perro, quienes hacen honores al género compartiendo escenario con bandas relevantes no tan apegadas a éste y dando cátedra en el Catrina Fest del año pasado.  Así mismo, Kaguu comienza a dar mucho de qué hablar después de que lograran pisar (junto a DJ Perro) uno de los escenarios más relevantes en el mundo de estos géneros: Arctangent (2019), en Reino Unido. Para seguir con el gran trabajo musical que hasta ahora nos habían presentado con sus 2 primeros EPs, presentan el primer sencillo del que será su tercer material en una carrera de apenas 3 años.  Con sus claras y muy bien elaboradas referencias al mundo de Nintendo y el anime, Kaguu nos voló la cabeza con “Yoshino”, un material al que se nota le metieron una gran producción. Realmente pocas bandas hemos podido escuchar con esta calidad en estos géneros en México. A eso le añadieron un aura muy de jungla, onda un Donkey Kong Country, con unos tambores africanos muy exóticos. Avanzan a unas progresiones del minuto 1:46 al 2:00 y ahí todo se para por un momento, tan solo para darnos un cambio drástico en el track y de repente toman un ángulo más inspirada en música de anime, pero con la batería siempre presente y matizando todo con excesiva precisión.  Definitivamente, Kaguu no dejará de sorprendernos y pintan para ser uno de los proyectos más relevantes no sólo en México sino a nivel internacional en su género. Por lo pronto esperen al 29 de mayo que liberan todo el EP completo y les podemos ir adelantando que les va a encantar.  Facebook | Instagram

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Así se vivió Bahidorá 2020: el ecosistema radial de la música

Definitivamente, Bahidorá es un festival que ofrece una atmósfera como ninguna otra, al presentar algunas de las alineaciones más diversas en un entorno natural encantador. Es un festival que vale la pena visitar si aún no lo has hecho. ¿Qué pasó en esta edición? Después de un largo viaje hasta Las Estacas, no queda más que entregar el espíritu a su reserva ecológica y ahí están: Theo Parrish y Marcellus Pittman en El Umbral para inaugurar, lo que ya de entrada, sabes que será el principio de una gran dosis musical. El primer acto que nos sorprendió fue Ibibio Sound Machine, quienes salieron después de Sotomayor y Buscabulla;una poderosa unión global de sonidos la que traía esta máquina de personas: la unión del calor africano con las sonoridades londinenses. La vibra que dejaron en el escenario figuró por su carisma y la forma de conectar con el público y de hacerlos interactuar dejó a todos bailando. Channel Tres El ambiente quedó servido y más que encendido para que llegara Channel Tres con sus intensos beats y sus rimas de poder. Supimos inmediatamente que fue una buena decisión quedarnos a esperar en el escenario de Sonorama, que funge como el principal del festival. Su performance también conectó con los asistentes, bailes exóticos sincronizados con el fluir de las pistas que terminaron siendo una combinación perfecta de electrónica y el hip-hop. Una gran postal sonora para la tarde. Dengue Dengue Dengue   Mientras tanto, en los otros escenarios los que queríamos ver a Dengue Dengue Dengue lo logramos, pero no sin antes enterarnos de que hubo un cambio de horarios con Teto Preto, quienes ofrecieron un show sin límites, sin duda, uno de los actos en vivo con más poder y descarga sexual que se vivió en el escenario La Estación: su especie de baile psicodélico y sus bases sólidas hicieron de ello un ritual perfecto. Pasemos al escenario El Amate, destacado por su forma geométrica de triángulos y, porque es en donde los dj’s toman el control; y parece que Palms Trax se lo tomó bastante en serio, ya que no nos tiembla decir que quizá fue el número uno y único momento en el festival; su set fue increíblemente excepcional al igual que su técnica, podemos hablar o dividir el tiempo que estuvo al mando en un antes y un después de hacer sonar el clásico “Supernature” de Cerrone, momento mágico e inolvidable para los presentes. A partir de ese momento, cada track fue una bomba que nos abrazaba entre ritmos disco, tropical-natural y con decentes tintes de high energy hasta el final de su set. Palms Trax dejó claro el porqué es uno de los djs más populares en la actualidad. Palms Trax Después de un retraso de 40 minutos, pero con un anuncio a tiempo de los organizadores del festival, llegó el acto estelar del festival; la primera visita histórica a nuestro país de la reina del neo-soul: Erykah Badu, quien con su imponente presencia, acompañada de diversos vestuarios y de los visuales más impresionantes de todas las presentaciones que vivimos, movió los sentimientos de los asistentes; aclamada y aplaudida, quizá el sentimiento colectivo de amor más fluido que atestiguamos. Años de espera en los que artistas, fans y nuevos descubridores  quedaron satisfechos y con una sonrisa que no se olvidará. Erykah Badu Después vino Pantha Du Prince para hacer lo que sabe hacer, aunque sin mucha sorpresa para los que lo hemos visto en más de una ocasión. Sin embargo, Bahidorá tiene el destello de que siempre habrá nuevos entusiastas parados en el escenario sin saber qué presenciarán, y Pantha ganó nuevos fans: nos cautivaron con pistas demasiado largas de una forma brillante cuyo sonido definitivamente se mantiene igual desde el origen, pero que, con un ambiente natural como el que se vivió, todo cobra otro sentido al interpretar temas viejos y nuevos y con la gentileza de agradecer con un “muchas gracias” en español. Pantha Du Prince David August también dirigió algunas de sus brillantes obras de arte en la exposición del festival, más sombrío y con un escenario oscuro la mayor parte del tiempo; porque así es el show y la música de August: sombría, trabajada y contemplativa, rastros de IDM que de repente se encuentran con un sonido acid que vuelve locos a todos. Siendo y sabiendo de su potencial del gran productor que es y que dicho sea de paso sonó impresionante, lo cual nos hizo pensar que su interfaz de audio es una de las mejores para interpretar esta música en vivo, la nitidez de su show realmente fue destacable a nivel sonoro y de escucha. David August Después de una diversa paleta de presentaciones llegó el turno de los Masters At Work para cerrar el escenario principal con una incansable chispa y perspicacia para su selección de música creativa, para mantener a los asistentes optimistas ya que el cansancio en algunos se hacía presente, pero no las ganas de dejar de bailar. Y así con esa silueta de ellos en los visuales iluminados en su contorno con sus característicos sombreros no pudo existir mejor cierre en el escenario Sonorama, que fue uno de los más concurridos. Masters At Work Bahidorá sigue siendo ese festival en el que los amantes de la música y de artistas específicos en su cartel que la gente quiere ver siempre van a estar acompañados de gente que la pasará bien, y descubrir nuevos sonidos. Terminó con las exóticas presentaciones de la reina del dance-hall: Sister Nancy y Equiknoxx el domingo.   Fotografías por: Paola Baltazar.

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Reseña del nuevo disco de Nymbvs

Por Ruvaak Malembe Estamos de estreno con la más reciente producción de Nymbvs, que más que un disco se siente como una experimentación sonora desde la libertad e inocencia en su máxima expresión Nymbvs es una banda originaria de la Ciudad de México, destable por tener un sonido fresco y lleno de juventud. En anteriores producciones, la banda nos había presentado un sonido muy promesa del post rock en nuestro país con su debut de 2016 Hidrometeoro, producido por una de las personalidades más respetadas de la música alternativa en México Mario Sánchez “Chavo“, ex guitarrista de Austin TV. Ahora, con este nuevo álbum con título homónimo buscan una experimentación mayor, tanto a la hora de la composición como de la producción, potenciando su sonido que llevan trabajando desde hace varios años.  N y m b v s es un disco repleto de texturas, voces dulces con melodías muy sencillas, y que llegan a sonar hasta infantiles, pero para nada simplonas. Es un juego con efectos como un genial vocoder, algunas canciones con letras cercanas y otras más en las que crean espaciosos ambientales sonoros con un uso excesivo de reverb y delay en coros espaciales con los que es fácil perderse. Al contrario de las anteriores producciones de la banda, en este disco las guitarras son más tenues y contagiadas con sintetizadores juguetones y percusión electrónica muy bien hecha; igualmente, cuenta con arreglos que llamaría “ruidismo dulce”, pero que, en ocasiones, se muestra estruendoso creando un contraste único y unos matices que hacen que las canciones no sean aburridas o tediosas. No todas las canciones usan el recurso de la percusión electrónica y se agradece demasiado, ya que da un dinamismo más amplio al disco extendiendo su panorama, con temas como “Noctámbulo” en el que la banda nos recuerda sus raíces en el post rock con una batería cañera y guitarras eléctricas con más protagonismo que en otros temas. Sin duda, N y m b v s es un álbum honesto y original sin pretensiones: es lo que es, para disfrutarse de principio a fin.  Te recomendamos escucharlo completo y en orden porque varias de las canciones están unidas entre sí, lo que hace este viaje musical una gran experiencia. Facebook | Instagram

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Magia tribal en Paris: ¡Celebrando 15 años de Sublime Frequencies!

Ha pasado el tiempo en los estantes de las tiendas de discos, de revisar con dedicación esa sección oculta y extrañamente llamada “música del mundo” donde el sello Sublime Frequencies –entre otros- se ha ganado un lugar preferencial en dicha categoría. Lanzando música de diversas partes del mundo, desde el sureste Asia, norte de África y Medio Oriente, y haciendo especial referencia a los collages de las radios locales o registros de campo de urbanos y rurales. Responsables de presentar al mundo algunos de los nombres más relevantes en la escena global, como lo pueden ser: Omar Soueymann, Bombino, Group Doueh, y más. El sello fundado en Seattle, por Alan Bishop (Sun City Girls) y Hisham Mayet, se ha posicionado como uno de los más importantes en los últimos 10 años, publicando álbumes tan especializados como intrigantes, donde no solo se presta atención al registro, sino, también al texto que acompaña dicha aventura sonora, una premisa de garantía. Sublime Frequencies, está por cumplir 15 años de trayectoria, y lo está por celebrar en parís, el próximo 9, 10 y 11de noviembre, 3 noches que prometen ser inolvidables para los asistentes, por un lado la presencia del ensamble, Baba Comandant And The Mandingo Band, en lo que promete ser una de las pocas presentaciones en vivo del grupo proveniente de Burkina Faso; el proyecto artístico y multidisciplinario Group Porest, El músico y capturista sonoro, Robert Mills acompañado de Jesse Paul Miller, además de Bothers Unconected; Alan y Sir Richard Bishop, en su faceta como tributo a lo que fue Sun Cirty Girls y al legado de su baterista Charles Gocher, quien falleció hace un par de años; aunado a exposiciones efímeras, dj sets y proyecciones documentales. El sello además anunció el lanzamiento de 3 discos que acompañaran dicha celebración, el segundo material de Baba Comandant, registros sonoros de Calcuta, y Madagascar y el primer lanzamiento de Senyawa (indonesia), quienes también se presentarán en vivo en dicha celebración

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La poesía sonora de Gaspar Peralta: Entre el Clamor a Coro de las Estrellas del Alba

Gaspar Peralta es, por sí solo, uno de los artistas baja californianos más llamativos de los últimos 4 años. Peralta de 28 años ha logrado crear un obra basada en lo onírico, en esas tomas largas y contemplativas de la neblina, el bosque y el horizonte en el alba. Entre el Clamor a Coro de las Estrellas del Alba by Gaspar Peralta Peralta ha resonado como una joven promesa dentro del circuito nacional de la música contemporánea. En 2016 el joven nativo de Tijuana y de extracción clásica, lanzó su primer Ep, titulado, Prontuario Sosiego Míriada (Otono) expuso la complejidad de su obra, mismo material que tuvo la oportunidad presentar en el MUTEK MX de dicho año. Ahora Peralta se prepara para presentar su próximo álbum, Entre el Clamor a Coro de la Estrellas del Alba, el cual cuenta con la colaboración del cuarteto de cuerdas Virá; bajo el legendario sello tijuanense, Static Discos, el 24 de septiembre. El álbum que, cuenta con 8 movimientos o tracks, es la cara de un compositor maduro; la obra posé la narrativa y melancolía de algún lejano film soviético, donde la tristeza y la esperanza se intercalan alrededor de todo el álbum. Un disco donde se cruza la alquimia compositiva del pianista, aunado al silencio, el cual juega como un integrante más de éste corte, mismo que acompaña toda la obra y se convierte en ese respira para pasar de página y dar respiro al escucha. Éste corte, funciona, no como un disco, sino, como una pieza larga de 8 movimientos como tal, como un respiro largo y profundo, como la última exhalación de un personaje ficticio. El cuarteto acompaña de manera magistral el letárgico piano, y los electrónicos envuelven todas las piezas entre ondas y texturas que abrazan cada movimiento bajo la poética del compositor. Un disco que sobrepasa por mucho, la expectativa del compositor, y que si bien viene de un campo fértil como lo es Baja California, la envergadura del pianista se viste de un paño diferente al resto, con este disco Gaspar Peralta logra consagrar su propia voz, su propio sello, y se separa de su propia obra, como si la misma cobrará vida por sí sola, mientras el álbum avanza. Con este álbum, Peralta se convierte en un elemento indispensable en la escena musical de vanguardia en México, logrando entregar lo que, seguramente será uno de los mejores discos del año.

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