Depósitio Sonoro

Stereolab

25 años de ‘Dots and Loops’ de Stereolab, análisis sobre este álbum que resignificó el siglo XX

Que haya pasado un lustro desde el debut de Stereolab hasta la llegada de su primera obra maestra —la segunda es ‘Sound-Dust’ del 2001, en opinión de quien escribe estas líneas— revela mucho de la ambigüedad con la que abordamos el concepto de genialidad musical. Por lo demás, 1997 fue un año donde dicha genialidad bebió de aquella “tensión pre-milenio” que Tricky apuntó meses antes.El ‘Ok Computer’ de Radiohead, gran obra de ése año, no sólo cristalizó los temores que rodeaban la llegada del siglo XXI, sino que también pasó a la historia como la más grandilocuente y acertada expresión de esta inquietud. Sin embargo, ‘Dots and Loops’ de Stereolab, lanzado el 22 de septiembre de 1997, resulta un álbum tan desafiante en el mismo sentido como la magnus opus del quinteto de Oxfordshire. El ensayista Chuck Klosterman apunta en su libro ‘Los noventa’ (2022) que, durante la década del mismo nombre, surgió una tendencia de etiquetar a toda la producción cultural como “posmoderna”. Sin embargo, una escucha atenta a ‘Dots and Loops’ revela una construcción y una filosofía que bien hacen a este álbum merecedor del título de estandarte de las ideas posmodernas en la música popular. Un año después de haber encontrado su sello definitivo con ‘Emperor Tomato Ketchup’ (1996), Stereolab dejó de lado la fascinación por el krautrock para explorar de lleno los sonidos que entonces dominaban el mapa de la música electrónica, como el drum n’ bass, el ambient y el IDM, proeza que se consiguió gracias al apoyo de Andi Toma y Jan St. Werner de Mouse on Mars, entonces representantes máximos de aquel último estilo. Pero ‘Dots and Loops’ no solo apuntó a la comunión entre la vanguardia del pop y la música retro —la influencia del lounge, la tropicalia y el space pop está más presente, aunque sutil—, sino a la reconstrucción de la historia musical del siglo XX en un lenguaje único, nacido de las posibilidades electrónicas que Stereolab supo explorar de una forma más lúcida con relación a algunos de sus contemporáneos del post-rock. Al igual que en anteriores materiales —y la realidad es que nunca dejó de hacerlo—, Stereolab deconstruyó en ‘Dots and Loops’ fragmentos aislados de la historia sonora del siglo XX, y los proveyó de un nuevo contexto en clave de (retro)futurismo. “The Fearless Vampire Killers” de Krzysztof Komeda sirvió de base para las melodías de “The Flower Called Nowhere”; las progresiones de “Cadê Jodel?” de Joao Donato y “Love Is Everywhere” de Pharoah Sanders se convirtieron en sinfonías casi no-humanas en “Parsec” y “Diagonals”, respectivamente; y la introducción de “Ticker-Tape of the Unconscious” es una referencia directa a los primeros compases de “Divino, Maravilhoso” de Gal Costa. “Brakhage”, pieza que abre ‘Dots and Loops’, encapsula en su título el sentido global del álbum, pues rinde homenaje al cineasta experimental estadounidense Stan Brakhage, quien construyó un centenar de obras a partir de la yuxtaposición de elementos aislados provenientes del mundo real con los del mundo fílmico (los primeros 20 segundos de la canción, por cierto, apelan a la nostalgia de la era pre-Google, con aquel sonido intermitente que remite a las primeras conexiones de internet). En ‘Dots and Loops’, Stereolab se sirvió de un nuevo universo sonoro y de préstamos musicales que casi son un détournement para resignificar la historia cultural del siglo XX, frente al advenimiento del nuevo milenio con todas sus incertidumbres humano-tecnológicas. El reconocimiento como obra maestra de su época —y del art pop y la indietronica— ha sido tímido, relegado apenas a un puñado de audiófilos. Sin embargo, ‘Dots and Loops’ se mantiene como una obra única en su tiempo, cuya música hoy en día sigue sonando a “futuro”, pues fue esta misma y no su letra la enunciadora sobre la inquietud por los misterios del mañana. Si ‘Ok Computer’ de Radiohead le cantó al miedo a la máquina, ‘Dots and Loops’ de Stereolab fue su contraparte femenina.

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Stereolab anuncia ‘Pulse Of The Early Brain’, quinto compilado de rarezas

El pasado 26 de junio, Stereolab celebró 30 años de su debut formal, marcado por el estreno de su primer álbum Peng! (1992). Desde entonces y hasta ahora, la discografía del grupo londinense se ha mantenido como un work in progress gracias a las constantes reediciones, remezclas y colecciones de rarezas que estrena año con año. A esta serie de lanzamientos se sumará el álbum Pulse Of The Early Brain, quinto volumen de la serie de compilados Switched On, dedicada a reunir lados B y tracks inéditos de Stereolab. Pulse Of The Early Brain será distribuido por Duophonic Records y Warp Records en formato digital y físico, de doble disco compacto y de 3 vinilos. La compilación incluirá un total de 21 piezas que abarcan los 30 años de existencia de Stereolab, desde piezas de la época de su EP seminal Low Fi (1992) hasta rarezas de Chemical Chords (2008), último álbum oficial del grupo. Como primer adelanto de este material, Stereolab compartió la canción “Robot Riot”, pieza que el grupo compuso originalmente para una exposición del artista estadounidense Charles Long —con quien la banda había colaborado anteriormente, en una obra que quedó registrada con el álbum Music for the Amorphous Body Study Center de año 2000—. Además de “Robot Riot”, el compilado incluirá piezas como “ABC”, cover estrenado originalmente en un tributo al grupo neoyorkino de los sesenta Godz; “Magne-Music” y “The Nth Degrees”, las cuales vieron la luz dentro de la edición japonesa del álbum Chemical Chords; “Blaue Milch”, grabada originalmente para un compilado de Peter Thomas Sound Orchestra, y “XXXOOO”, tema lanzado en 1992 como promocional del fanzine Tea Time. Asimismo, Pulse Of The Early Brain incluirá canciones conocidas, como una versión en vivo de “Cybele’s Reverie” grabada desde el Hollywood Bowl en 2004, así como “Refractions In The Plastic Pulse”, esta vez remezclada por Autechre. De igual forma, el compilado incluirá los temas que Stereolab estrenó en colaboración con Nurse With Wound en 1997, y las versiones en físico reunirán también las remasterizaciones de las cuatro canciones que conformaron el EP Low Fi (1992). Pulse Of The Early Brain es el segundo lanzamiento de la serie Switched On desde la entrada de los años 2000, siendo el primero Electrically Possessed, lanzado a mediados de 2021. Sin embargo, es también el quinto volumen de la serie Switched On, la cual comenzó en 1992 con el compilado del mismo nombre, dedicado a reunir los tres primeros EP de Stereolab; continuó en 1995 con Refried Ectoplasm, donde se juntaron rarezas de los primeros años del grupo, y siguió en 1998 con Aluminum Tunes, uno de los compilados favoritos de los fans. El lanzamiento de Pulse Of The Early Brain coincidirá con la gira que Stereolab dará por Estados Unidos y Canadá, la cual abarcará más de 20 ciudades entre los meses de septiembre y octubre de este año. Por su parte, Pulse Of The Early Brain se estrenará este 2 de septiembre y la preventa ya está disponible en el Bandcamp del grupo (https://stereolab.bandcamp.com/) y en su sitio web oficial (https://stereolab.co.uk/).

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Lætitia Sadier, vocal de Stereolab, lanza nueva canción en solitario

Lætitia Sadier de Stereolab ha lanzado un nuevo single en solitario, titulado ‘New Moon’. La pista es la primera vista previa del próximo álbum en solitario del artista, que actualmente no tiene título y está programado para ser lanzado en algún momento del próximo año a través de Duophonic Super 45s y Drag City. Puedes ver el video de ‘New Moon’, que fue codirigido por Sadier y Tanya Smalls, más abajo de la nota. Sadier grabó ‘New Moon’ con el ingeniero de grabación Hannes Plattmeier en Londres. El sencillo sigue a su álbum de 2017 Find Me Finding You. ‘New Moon’ ya está disponible en Drag City. Lætitia Sadier es la vocalista, sintetizador, órgano, pandereta, trombón, guitarra, de Stereolab, grupo inglés formado en Londres a principio de los años 90, cuyo estilo combina elementos de rock, música lounge e easy-listening de los años 50 y 60 con influencias del krautrock y el pop de los años 60.

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Entrevista con la banda chilena Maifersoni

Entrevistamos a Maifersoni, una interesante banda chilena que con 10 años de carrera crea collage sonoros. y desarrolla ideas musicales con absoluta libertad. Citando entre sus influencias a The Durutti Column o Stereolab. Hola, ¿de dónde nació la inspiración para crear Maifersoni? ¿Cuál es su historia? De muy joven empecé a explorar la música. Partí aprendiendo la guitarra alrededor de los 12 años gracias a un cancionero de The Beatles que tenía mi familia, me parecía enorme y con él aprendí mis primeros acordes. Luego, en la escuela, tuve mis primeras bandas, obviamente todas tributo: canciones punk, pop, era una forma de divertirse. Ya en la universidad tuve otros grupos pero esta vez con pretensiones más grandes, con temas propios, en esa época muy influenciado por bandas como Sonic Youth y sonidos más alternativos. Sin embargo, llegó un momento en que renuncié a la idea de seguir teniendo bandas porque me di cuenta que era muy difícil, siempre había choques de perspectivas difíciles de transar. Así que llegó un minuto en que me propuse armar un proyecto personal con el nombre de Maifersoni, de esa forma podría desarrollar mis ideas musicales con absoluta libertad. ¿Cuánto llevan tocando? Como tal parte en 2010 con el álbum Telar Deslizante, editado en 2010 por un sello chiquito y autogestionado llamado Michita Rex, desde el cual surgieron varios músicos que siguen tocando hasta hoy. En esa época tocaba con una guitarra, un sampler y una cadena de pedales con las que armaba capas de sonido y loops. Con el lanzamiento del segundo LP, Maiferland -editado por Quemasucabeza en 2015-, se sumaron Juan Pablo Órdenes (guitarra), Daniel Ramos (bajo) y Pipa Ugarte (batería) para darle al formato en vivo una nueva dimensión. Con este formato viajamos a México en 2016, cuando tocamos en el foro Indierocks, una experiencia que sería hermosa de repetir. ¿Cuáles son sus influencias directas? Soy muy susceptible de ser influenciado, es mucha la música que me gusta y de diversos géneros. Además no dejo de consumir música actual, cosa que no siempre pasa en muchas personas que superaron los 30 años. Sin embargo, si tengo que resumir en algo, creo que por estos días me identifico con aquellos músicxs de sonido escurridizo que transitan por más de un género, impulsados por su libertad creativa o la mera curiosidad. Algunos de estos nombres pueden ser Robert Wyatt, The Durutti Column o Stereolab. En un momento en que la música popular está tan codificada en etiquetas ultra definidas llegando hasta el algoritmo, me gustan más aún aquellos nombres escurridizos. ¿Cómo componen su música? En general con alguna guitarra o algún sintetizador como base, improvisando alguna melodía o texturas que evoquen algún desarrollo. Esa etapa creativa la trabajo en mi hogar donde tengo un pequeño estudio con las condiciones necesarias para producir. ¿Qué música les inspira? La música que cultiva la imaginación y es capaz de inducir climas. La música, con o sin voz, con o sin melodía, consiste en comunicar algún sentimiento, entonces si una sola tecla o el sonido de una banda completa me transporta hacia algún lugar, me doy por satisfecho. Al contrario, la música que tiene todo resuelto y pierde misterio, o aquella que persigue cánones o fórmulas más o menos conocidas, son cosas que generalmente paso de largo. ¿Qué otros temas les inspira más allá de la música? Sin duda la principal inspiración es la misma música que puedo estar escuchando, pero fuera de esa arena, muchas veces me resultan muy inspiradores mis amigxs, personas que también están creando desde otros lugares con otras interrogantes. También hay ciertas contingencias que me nutren de algún relato trasladable a la música, alguna reflexión del día a día, también pueden ser un motor creativo. ¿Qué bandas actuales de Chile o de otros países podrían recomendarnos? Hay varios nombres para recomendar, si bien este es un país pequeño y lejano, hay mucha creatividad que nace desde una independencia genuina con nombres más o menos conocidos. En el plano de la electrónica y la música texturizada recomendaría Las Mairinas, Juan Cacciuttolo, IIOII, Asunción, Motivado y Bruxista; Dolorio & Los Tunantes, Columpios Al Suelo, Las Brumas, Chini.png, Niños del Cerro o Protistas son proyectos con un sonido más crudo y visceral que cultivan los aspectos más elementales del indierock y que coquetean de cerca con el pop también. Hay otros proyectos que trabajan propuestas sonoras más delicadas, quizás con cierta emotividad, como Isla del Sol, Juan Pablo Abalo, Niña Tormenta y Pol del Sur; otros proyectos experimentales y juguetones como Alejandro Palacios o AyeAye, quien vive en México. Sin duda me estoy quedando corto en nombres, pero aquí comparto una lista que hice hace unos días con varios de estos nombres y otra más larga con varios proyectos chilenos llamada “Chile for Aliens”. ¿Cómo era Maifersoni antes de la contingencia y cómo se imaginan será después de la contingencia? Antes de la pandemia era un proyecto que se proponía lanzar en vivo su tercer álbum, Monstrws (Sello Fisura, 2019), cuestión que evidentemente no fue posible. Hoy es un proyecto que se propone ir sacando música sin tener muy claro el panorama. Durante este período sacamos un álbum colaborativo con el poeta Juan Santander, llamado “Que ningún sentimiento amanezca en su casa” (Sello Fisura 2020), además de los tracks “La Sabiduría del Agua” y “Gotitas”, todos trabajos que han salido durante este período de encierro. En cualquier caso, la cuestión antes, durante y después de la pandemia siempre ha consistido en crear música, lo demás es accesorio. A nivel personal y como grupo, ¿qué lado bueno y lado malo han sacado de la contingencia sanitaria? Por el lado bueno, supongo que este confinamiento obligado ha empujado procesos de autorreflexión que ponen en tela de juicio el exitismo y la forma de vida general de la vorágine anterior. Lo negativo ha sido el costo que terminamos pagando las personas comunes en tiempos de crisis. Ojalá no dure mucho más.

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Hipnosis 2019: El revival de la psicodelia

Por tercer año consecutivo, el Festival Hipnosis se llevó a cabo por segunda ocasión en Las Caballerizas, Huixquilucan, a las afueras de la Ciudad de México Con la misma experiencia del año pasado, los asistentes al festival llegaron preparados con impermeables, botas y varias capas de chamarras para escuchar a las bandas del cartel acompañados por la lluvia y frío del lugar. Los banda encargada de comenzar actividades fue Sei Still, originaria de la Ciudad de México cuya canción más reciente “Tácticas de Guerrilla Urbana” abrió las puertas de la percepción de las primeras personas en llegar. Acto seguido, las chicas de The Darts (US) encendieron la energía del público con su garage rock, otro de los géneros principales del festival. Tajak fue otro de los actos nacionales en participar en el evento. Fue aquí cuando la lluvia comenzó a hacerse presente, convirtiendo al público en lo que parecía una secta de encapuchados bailando. Tajak presentó canciones influidas de space rock con paisajes de noise, las cuales provocaron un ambiente ideal para ese momento. La música ha servido como una forma de expresión que trasciende fronteras. En el caso de The Holydrug Couple, banda originaria de Chile, su música sirvió como una forma de catarsis ante los acontecimientos de los últimos días en ese país. Su música llena de energía transmitió fuerza y belleza que se llegó a manifestar en el sentir del público.   Directo de Nueva York, Crumb ofreció un show cargado de nuevas canciones de su último disco Jinx, dedicando su concierto a los presentes del festival. Ingresando un gran puñado de globos rosas a mitad del show, la guitarrista y cantante Lila Ramani se mostraba agradecida con los mexicanos al ser éste su primer show en el país, y prometiendo volver. El momento más eufórico de su presentación fue el cierre con su sencillo “Locket”.   El sol comenzaba a brillar, brindando unos instantes de calor para recibir a la banda japonesa Kikagaku Moyo. Ésta fue una de las bandas más interesantes del festival al fusionar rasgos de la música oriental con ritmos jazzistas y melodías psicodélicas. La sitar eléctrica de Ryu Kurosawa le daba un toque místico a las canciones, provocando fiesta y descontrol en el Festival Hipnosis.   Cayendo la noche, la lluvia volvió a hacerse presente con fuerza torrencial creando la atmósfera ideal para la presentación de Uncle Acid and the Deadbeats. El show de esta banda llenó de oscuridad el ambiente del festival, entregando un show fuerte con canciones como “Death’s Door”, “I’ll Cut You Down” y “13 Candles”, mostrándose como herederos del sonido de bandas como Candlemass, Black Sabbath y Blue Öyster Cult.   Dando un giro de 360 grados, el ambiente gótico se disipó con la presentación de Mild High Club, quienes ofrecieron la parte más relajada del festival. La banda de California, liderada por Alexander Brettin, interpretó canciones de su disco Skiptracing, incluso una versión con mayores adornos de la canción que abre el disco de Sketches Of Brunswick East, de King Gizzard & the Lizard Wizard, en el que Mild High Club colaboró en su totalidad.   El festival estaba en su pico sólo faltaban los tres actos que encabezaban al cartel y uno de ellos era The Claypool Lennon Delirium. La banda formada por Sean Lennon, hijo John Lennon, y Les Claypool, de Primus, sorprendió con su inicio al interpretar uno de los himnos de la psicodelia “Astronomy Domine” del primer disco de Pink Floyd. El humor de este dueto amenizó a los asistentes, quienes se entregaron al delirio causado por canciones de su último disco como “Little Fishes”, “Boriska” y “South Of Reality”. Sin embargo, los momentos más memorables de su presentación fue cuando rindieron homenaje a King Crimson y a The Beatles, tocando “In the Court of the Crimson King” y “Tomorrow Never Knows”, respectivamente.   Todo estaba listo para recibir por primera vez en México a la esperada banda Stereolab, quienes presentaron una antología de sus canciones iniciando con “Anamorphose”, de su disco Mars Audiac Quintet. Con gozo, el público se entregó a canciones como “Brakhage”, “Miss Modular” y “Rainbo Conversation”, siendo la interpretación a mayor velocidad de la canción “French Disko” el momento con mayor energía de su presentación. A casi 30 años de su primer disco, Stereolab demostró el por qué es un referente e influencia para la música moderna, dejando en el público de Hipnosis una huella que será difícil de borrar. Para finalizar el show y, a pesar de la cancelación de Electric Wizard, la banda californiana de stoner rock Fu Manchu se encargó de cerrar esta entrega del festival. La banda abrazó a los fanáticos del género con los distorsionados riffs de canciones como “Evil Eye”, “Clone of the Universe” y “Hell on Wheels”. Los asistentes que permanecieron para ver esta banda poco les importó armar una fiesta en medio del lodo, donde los empujones y algún aventado eran amenizados por el fuzz. Un momento memorable de esta presentación fue cuando el público comenzó a corear el riff de “Laserbl’ast!” para continuar posteriormente con el mosh de lodo.   El Festival Hipnosis volvió a ofrecer un espacio para los asiduos de géneros como la psicodelia, el stoner y el garage. Apostar por realizar un festival fuera de la ciudad resultó un acierto más, al mostrar que lo único que se necesita para realizar un buen evento descentralizado es la óptima planeación, cartel y facilidades de acceso. El hecho de que incluso la gente haya tomado consciencia de estar preparada para vivir el festival en medio de la lluvia, sirvió para reafirmar la convicción del público de asistir a un evento que, a pesar de todo, puede disfrutar a sus bandas favoritas en un buen ambiente, siendo un punto a favor para espacios como Hipnosis.  

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Guía para conocer mejor el mundo sonoro de Stereolab

John McEntire, de Tortoise, dijo una vez que Tim Gane poseía un “conocimiento totalmente enciclopédico de todo, y eso no es exageración en absoluto”. Éste es un hecho importante para recordar cuando uno se sumerge en el voluminoso, ecléctico y aparentemente abrumador catálogo de Stereolab. La banda de Reino Unido, formada en 1990 podría describirse con precisión como el producto de sus influencias: colecciones de discos, arte y cine. Stereolab escuchó muchos de los mismos discos que muchas bandas a principios de los años 90: The Velvet Underground, Suicide, Can, Neu!, Silver Apples, The Beach Boys, pero su interés no era recrear esos sonidos. Para Stereolab, el estudio era un lugar para la experimentación y el descubrimiento, cada uno de ellos rastreaba un equilibrio de compuestos sónicos y una integración fluida de partes aparentemente dispares. A lo largo de su carrera de 1990 a 2009 y con su regreso en 2019, Stereolab ha lanzado 11 álbumes de estudio, casi dos docenas de EPs, más un puñado de compilaciones, una banda sonora de instalación de arte y varias otras grabaciones de lanzamiento amplio y raras. Nos adentramos a algunos de sus principales discos. Emperor Tomato Ketchup, (1996; Elektra) El álbum es un mosaico de influencias culturales y políticas pop que la banda lució con orgullo; título prestado de una película japonesa, letras que hacen referencia a la teoría marxista, la portada de un álbum con el patrón de una grabación de actuación de Bartók. Este es un pop caleidoscópico que se retuerce y gira y se desliza y se desliza hacia el infinito. Este es un gran álbum con grandes ideas, repleto de elementos que funcionan en armonía y contrapunto. Dots and Loops (1997; Elektra) Dots and Loops de 1997 es quizá su producción más impresionante. Todo se siente más grande, más brillante, más exuberante y lujoso. Lo que hay aquí es en su mayoría un arte pop maravillosamente orquestado, asombrosamente estratificado e innovador, ya sea en forma de planetario de jungle-jazz o impresionantes vals exóticos. Mars Audiac Quintet (1994; Elektra) En sus primeros discos, Stereolab aludió, asintió y tocó varios puntos de entrada en el canon del krautrock, droning noise–rock, pop francés de los años 60, lounge – exótico y slowcore, aunque podrían haber sido llamados con mayor precisión Neu!, Mars Audiac Quintet es el álbum en el que esos elementos dispares pero complementarios se congelaron en un todo más cohesivo y máximo, no tanto cambiando su fórmula como dándole espacio para respirar. En otras palabras, es el álbum en el que Stereolab se convirtió en el Stereolab que hoy conocemos. Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night (1999; Elektra)  Un lugar peculiar para comenzar con Stereolab. De hecho, es una de las piezas más estáticas y vibrantes de la banda, una realización sobrecargada del potencial creativo de la banda disparando en todas las direcciones posibles. En solo media década, Stereolab progresó de un enfoque de drone-pop más minimalista a uno inmerso en todo. Transient Random-Noise Bursts With Announcements (1993; Elektra) Dos cosas cruciales sucedieron para Stereolab en los años entre su álbum debut Peng y su seguimiento. Uno, la banda firmó con el sello discográfico Elektra, dándoles así una plataforma más grande y recursos más amplios para cultivar su hipnótico art-rock. La otra fue una expansión de la alineación de la banda, trayendo a Mary Hansen, cuya capa vocal adicional ayudó a caracterizar el sonido de la banda, prestando un contrapunto más lúdico a las canciones estoicamente melodiosas de Laetitia Sadier. El resultado es un álbum más grande, ruidoso y extraño que su predecesor, y posiblemente uno de los álbumes más grandes y extraños de todos los tiempos.

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La psicosis cósmica de Nurse With Wound con Stereolab

Nurse With Wound y Stereolab sacaron el Simple Headphone Mind en 1997, una obra esencialmente psicodélica y paranoica de vibraciones espectaculares.   El Ep. encapsula a la perfección el propio resumen de un ambiente líquido en abundancia fundido en un choque universal étereo que poco a poco se adentra en una ola de sonidos de guitarra por el tercer cosmos y bajo acompañados de sintetizadores mágicos, la colaboración raya en la inteligencia empática y deja registros que son una maravilla del mundo del rock retro-futurista enbelezando los sonidos maliciosos de sus guitarras que a su vez hace se torna en momentos soñadores, distraídos y ligeramente paranoicos. https://www.youtube.com/watch?v=Avxkc7srEuA

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Disfruta de algunas de las presentaciones en vivo del Primavera Sound 2019

Primavera Sound es desde hace algunos años uno de los festivales más importantes, eclécticos, propositivos y de una gran curaduría dentro de la órbita mundial, cada año tienen grandes bandas y artistas conformando su cartel, mira a continuación algunas de las presentaciones del festival de esta edición 2019 que ya se encuentran disponibles en YouTube.   1.- Beak> 2.- Cuco 3.- Modeselektor 4.-Low 5.- Suede 6.- Mac Demarco 7.- Built to Spill 8.- Courtney Barnett 9.- Nas 10.- Stereolab  

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