Depósitio Sonoro

2024

Un nuevo comienzo: AMAZONICA presenta “New Start”, un himno de esperanza y renovación

AMAZONICA, la talentosa DJ y productora, está de regreso con un nuevo sencillo que plasma su estilo único y emotivo, “New Start”, un track de rock gótico melódico que destaca por su atmósfera oscura y su onda trap, todo combinado con paisajes sonoros épicos que provocan emociones intensas.  Este lanzamiento marca un nuevo capítulo en la carrera de Victoria ‘Harry’ Harrison, quien ha encontrado en la música una vía de escape y transformación personal. Esta rola fue creada en un momento crucial de su vida, dejando atrás adicciones y decadencias para dedicarse por completo a la música y a relaciones más saludables y constructivas. Harry es una de las DJs más respetadas del mundo. Ha compartido escenario con artistas como Marilyn Manson, Machine Gun Kelly y Bring Me The Horizon, y su habilidad para crear ambientes únicos y emocionantes la ha llevado a ser solicitada en eventos como el Festival de Cine de Cannes, el Festival de Cine de Venecia, los Premios Oscar, los Globos de Oro y las fiestas de BAFTA  y lanzamientos de marcas de lujo como Chanel, Cartier, Amfar, y Vanity Fair. Durante el confinamiento, lanzó Diamonds x Dragons, su sello discográfico y marca de merchandising, bajo el cual presentó su álbum Songs From The Edge, y la edición remasterizada del  20avo aniversario de su aclamado primer álbum The Trouble with… Harry. En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Harry sobre sus grandes influencias, el renacer después de tiempos turbulentos, cómo es participar en eventos globales de este calibre, y qué es lo que más disfruta escuchar.    ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info:  https://www.instagram.com/djamazonica

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Sobre Lives Outgrown, el nuevo disco de Beth Gibbons

A lo largo de su singular carrera de tres décadas, Beth Gibbons ha lanzado 4 debuts significativos y distintivos. En 1994, su legendaria banda Portishead lanzó el primero de tres álbumes de su abreviada pero no obstante perfecta discografía: Dummy, un híbrido oscuramente embriagador de cine negro y producción basada en ritmos que introdujo el trip-hop de Bristol a un público más amplio. Ocho años después, Gibbons formó pareja con Rustin Man, también conocido como el ex miembro de Talk Talk, Paul Webb, en el exuberante y melancólico álbum folk Out of Season. Después de otros 17 años, Gibbons asumió otra novedad como vocalista de una sinfonía, ofreciendo su interpretación vocal más desafiante hasta la fecha en la Sinfonía n.° 3: Sinfonía de canciones dolorosas, op. 36, compuesta por Henryk Górecki y dirigida por Krzysztof Penderecki. Y sólo ahora, casi 30 años después del lanzamiento de Dummy, Gibbons lanza su primer álbum propiamente dicho como cantante y compositora solista en Lives Outgrown. Anteriormente, en paralelo a Portishead, lanzó “Out Of Season” en 2002 junto a Paul Webb; sin embargo “Lives Outgrown” será su primer trabajo en solitario. El disco consta de 10 temas inéditos grabados a lo largo de una década. Este trabajo es el resultado, como lo diría la propia Beth de “muchas despedidas”. Despedidas a la familia, a amigos, incluso a su yo anterior […]. Antes tenía la capacidad de cambiar mi futuro, pero cuando te enfrentas a tu cuerpo, no puedes obligarle a hacer algo que no quiere”, añade. También refieren de la maternidad, la ansiedad, la madurez individual y la menopausia. El dominio de Gibbons sobre su impresionante material no es nada sorprendente después de una carrera de crecimiento y expectativas desafiantes. Sin embargo, la perspectiva que conlleva Lives Outgrown solo podría haber llegado en este momento, forjada en el dolor por los seres queridos y la sabiduría que proviene de la maternidad. Pero en esa maraña de emociones y experiencias vividas tan bellamente expresadas, la conclusión de Gibbons sigue siendo simple, como canta en “Floating on a Moment”: “Todo lo que tenemos es aquí y ahora”. Discografía:– Out of Season (2002) con Rustin Man– Henryk Górecki: Symphony No. 3 (Symphony of Sorrowful Songs) (2019) con Polish National Radio Symphony Orchestra– Lives Outgrown (2024)

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Este jueves 16 de mayo en Pasagüero: RANDOM Mexicanoiser

INFRALEVE es el nombre del Circuito Artístico del Centro Histórico, se trata de un concepto desarrollado por Marcel Duchamp sobre las energías destinadas a desaparecer a la velocidad del sonido, pero que dejan una huella indeleble en la memoria de quien observa con atención. El Circuito pretende convertir al Centro Histórico en una pieza de arte contemporáneo en sí misma, integrada por las y los artistas, sus obras y su audiencia. INFRALEVE es un readymade energético de la vida cotidiana y la experiencia estética que se produce en la intersección del museo, la galería y el espacio urbano del Centro Histórico, que por sí sólo “ya es un happening global” donde participa también el transeúnte pero muchas veces sin alcanzar a percibirlo, por lo que INFRALEVE apuesta por la producción de una escultura social, una obra de arte colectiva que busca incidir en la sociedad que le alberga. La anterior inauguración del Circuito ofreció a su público una paleta selecta de proyectos emergentes de la escena experimental y artistas consagrados, como Iván Naranjo + Aliona Pankina, cuyo acto osciló entre la exploración musical ultra académica y la presencia escénica de la representación vocal; o el ensamble Brama Solar, conformado por Dr. Kontra, José Álvarez, Ulises y Daniel Lazarini de las legendarias bandas OXOMAXOMA y Virgen Siamesa. La presentación de Cíclopes, conformado por Sarmen Almond, Enrique Arriaga y Carlos Amorales, nos transportó a las noches desérticas de la estepa mexicana, armados con sintetizadores analógicos tipo Euroracks pero también con instrumentos de simplicidad elocuente como lo es un güiro. Después, de entre las sombras, la banda de postpunk DATAíSMO, uno de los grandes descubrimientos de este año, tomó el escenario. Como en toda curatoría de Erick Diego siempre hay algo inesperado, en esta ocasión no fue diferente, pues la performance de Alina Sánchez, artista que actualmente cura videoarte y arte alternativo en uno de los pabellones de la Bienal de Venecia,sorprendió con un video a distancia apoyado por la acción física y deslumbrante de Hardcorette, quien estuvo elegantemente ataviada con un vestido de espejos bajo los rayos iridiscentes de un láser de última generación. Para cerrar la noche, el dúo de música electrónica de vanguardia Akira Kintsugi & Yomi, al estilo de Autechre, dispararon sonidos desde la penumbra en una batalla universal de imágenes grandilocuentes que acompañaban a sus beats y secuencias que se condensaban en el aire para luego resquebrajarse como gigantes témpanos de hielo. A lo largo de toda la noche, los visuales de Vj de Nova ofrecieron una fuga geográfica hecha postales, lo que hizo que todos estos proyectos disímiles se amalgamaran en el escenario del Pasagüero, un lugar que resiste y se mantiene firme al paso del tiempo, y que ha bailado a su propio ritmo aún cuando los cambios climáticos del contexto socio político mexicano han impuesto su propia sonoridad en una especie de mundo ocesalizado y cautivo de una alienación plástica y comercial. Para la segunda sesión del Circuito Artístico INFRALEVE se presenta nada más y nada menos que Guillermo Galindo, compositor mexicano radicado en los EE. UU. AA., famoso porque algunas de sus obras han sido interpretadas por la agrupación Kronos Quartet, así como también por la ejecución de una de las piezas más controversiales de John Cage, interpretada por Mariachis en el Salón Tenampa de Garibaldi; actualmente tiene una exposición individual en Ex teresa Arte Actual llamada Todos nuestros átomos dan cuerpo a miles de vidas. Se presentará también el impredecible, e imparable dueto de Rocío Cerón y Fabián Áviles Elizalde, con una poética sonora que recuerda a los grandes recitales del futuro. Por su parte, Paola Galletta, performer mexicana y una de las responsables con Martín Rentería del Festival internacional Transmuted, ofrecerá un acto de sensibilidad crepitante. Tilemy, productor transdisciplinario, compartirá sus visiones sonoras sobre la muerte, el dolor y la pérdida, resultado de su pasado como trabajador del ámbito forense. La noche estará también acompañada de las presentaciones de Payday Loans, un iluminador y artista visual experto en atmósferas involucrado en la organización de diversos festivales de música experimental como el legendario Antes, y NRML en sus últimas ediciones. Mexicanoiser ofrecerá su particular ruido de autor y romanticismo vernacular que explora lo que podríamos llamar bolero drone. La cita de esta vanguardista e imperdible noche de INFRALEVE Circuito de Arte del Centro Histórico es el jueves 16 de mayo en Pasagüero, Motolinia 33, a partir de las 10 de la noche, pues se trata del after más apropiado para el Festival

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Aparece en servicios de streaming el brillante disco de Pantha Du Prince, The Bliss (2007)

Pantha du Prince está lleno de texturas y de influencias. Su disco “This Bliss”, de 2007, es una especia de techno alemán contemporáneo. Está marcado por figuras geométricas sonoras y de entornos tan evocadores en los que el productor alemán creó su propio mundo. Cuando la historia recuerda el cruce entre la música indie y la música electrónica de baile en el lejano 2007, es probable que se fije en Justice, LCD Soundsystem o similares, pero esa no es la única manera de hacer música dance indie, como lo demuestra ‘This Bliss’. Que aunque tiene otra paleta de sonidos marcó un paso diferente con este su éste segundo LP. Es un disco hecho con suaves sintetizadores del Detroit techno, cuerdas y toques de campanillas a no un millón de kilómetros de la música ambiental post-rave hecha por gente como The Orb. ‘This Bliss’ es Minimal techno, es romanticismo melancólico, cuerdas susurrantes, beats, crujidos furtivos y lúgubres, podrían ser “el sonido de un bosque abandonado que elabora pacientemente su propia elegía, absolutamente distante y, sin embargo, silenciosamente triste mientras espera su propia desaparición”. Sucesiones de espectaculares arpegios de sintetizador que suenan casi esperanzadores. This Bliss fue nombrado el 55º mejor álbum de la década de 2000 por Resident Advisor. En días reciente el mismo Pantha Du Prince dio a conocer en sus redes sociales que el disco se encontraba en plataformas digitales (anteriormente al parecer no lo estaba). Lo anunció de la siguiente manera: “Tenemos el gran placer de presentar este Bliss por primera vez como una reedición digital.En 2007 este álbum provocó un huracán en mi vida.Amantes de la música de todo el mundo empezaron a escribirme y conocí a muchos de mis héroes de la época.Los periodistas escribían críticas entusiastas y entusiastas, de modo que mucha gente se interesó en mi trabajo como Pantha du Prince.Fue el boca a boca y las revistas curadas, myspace acababa de comenzar.Hoy se siente alineado para traer este disco nuevamente a la Luz después de no estar disponible físicamente durante una década y aparecerá por primera vez en servicios de transmisión (digital).Ahora es el momento de celebrar la Música desde un Corazón puramente poético y experimental.La mayoría de las piezas me llegaron mientras vivía en un antiguo monasterio secularizado en París y creaba una tienda de discos en St. germain, mientras disfrutaba de la vida nocturna, la escena artística y Fashion Guerilla de la ciudad. Me inspiré mucho en la música digital y hice un pequeño montaje de controladores y sintetizadores, así como grabaciones de campo de la ciudad y el entorno natural.Quería bailar y mover mi cuerpo con la música que estaba haciendo al mismo tiempo que disfrutaba de la atmósfera de eufórica melancolía que me faltaba en la mayoría de los clubes en los que había estado.Una forma de música de danza contemplativa que tiene una cualidad transportadora.Fui canalizado hasta mis oídos y huesos…Inspirado en la música concreta Pierre Schaeffer @INAGRM @daphneoram @Stockhausen @editionsmego música shoegaze de @slowdive, @ride y @mybloodyvalentine experimentos de @terrethaemlitz @snd @plaidmusic @aphextwin @boardsofcanada, Panasonic, ritmo y sonido, canal básico, Detroit Techno de @moodyman @carlcraignet @theoparish @undergroundresistace @ricardovillalobos70 @isolee _music @wolfgangvoigtEntonces creé la música que me faltaba para bailar, soñar, viajar en el tiempo y estar en un espacio de trance y conexión con mi entorno.Un lugar de Alegría algo rota“.

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¡Despierta!: la psicodelia nacional de Viv and The Sect está de vuelta con “Wake Up” 

La icónica propuesta de garage y rock psicodélico mexicano, Viv and The Sect, rompe el silencio y regresa a la escena musical con el anuncio de “Wake Up”, el primer sencillo de segundo larga duración, el cual llegará a tus oídos el próximo otoño de 2024. Este track es directo, tajante y divertido, pretende hacer bailar a la gente con su ritmo soul pop, inspirada en artistas como Bruno Lomas, Los Salvajes y Los Bravos. El video oficial del sencillo, dirigido por Beto Vargas, nos muestra un vistazo a la vida de la banda, y en que se expone la diversión sobre el escenario como principal enfoque del proyecto. Baile, música y un escenario. Todo lo que los Viv necesitan. Viv and The Sect es una banda originaria de la Ciudad de México conformada por Aleph Aguilar (guitarra líder), Francisco Mariner (voz), Waco Fuzz (órgano), Mario Anguiano (bajo electrico) y Rombo de la Rosa (batería), que surgió en 2012 con una fuerte influencia de R&B y Garage. En 2016 lanzaron su álbum debut, This Will Pass, bajo el sello Get Hip Recordings, trabajo que dejó en claro la seriedad con la que la banda trabaja, y que dejaba escuchar una fresca propuesta sonora. Ahora, se preparán para la llegada de su nueva creación y segundo disco oficial de estudio, que fue producido por los mismos integrantes de la secta, logrando capturar la energía y la madurez adquirida a través de los años, teniendo como resultado un disco lleno de colores, matices, nuevos sonidos e introspección.En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Aleph Aguilar sobre su regreso, cómo la pandemia cambió el mundo, sus pasiones, inspiraciones y este nuevo material que presenta una nueva época en la creatividad de la banda. ¡Checa AQUÍ la entrevista! Para más info: https://www.instagram.com/vivandthesect/ https://www.facebook.com/vivandthesect

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Déjate llevar por el Dream Pop regiomontano de Bilbao

Oriundos del norte del país, Bilbao es un cuarteto influenciado principalmente por los sonidos de Dream Pop, género que han adoptado como propio y que los han llevado a ser una de las propuestas más sobresalientes de la nueva ola de bandas que fueron descubiertas en la era post pandemia. Tras un 2023 llenó de emociones, shows y claro, mucha música, Bilbao comparte su primera canción del año “Yo le pido a Dios”, un tema cargado de nostalgia que te hará recordar aquel amor imposible. “Yo le pido a Dios” es una forma de amar y admirar pero en una forma distinta, a la distancia, manteniendo diversos límites y agradeciendo el milagro de simplemente coincidir dentro de este mismo plano existencial. Con esta canción, Bilbao nos muestra una perspectiva distinta del amor, de cómo a veces puede ser sincero, mutuo, sólido, puro y sin embargo, no terminar de la mejor manera para ambos. A cargo de la producción de David Sánchez Hinojosa y pos postproducción de  Erik Thorsheim, “Yo le pido a Dios” es también el primer adelanto de lo que será el álbum debut de la banda, quienes tras compartir algunos EP´s, se preparan para presentarnos un material de larga duración lleno de emociones.

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Construir sobre una narrativa histórica que se resiste a desaparecer: entrevista con Frente Cumbiero

El Frente Cumbiero es uno de los mayores abanderados en la exploración sonora de la cumbia Latinoamericana. Con el compositor y productor colombiano Mario Galeano Toro como líder de la propuesta (quien también es co-fundador de Ondatrópica y Los Pirañas), la agrupación es reconocida como la vanguardia para el movimiento de la nueva cumbia a nivel global.  Desde la aparición de Frente Cumbiero Meets Mad Professor (2010), la banda ha comandado un movimiento de redescubrimiento musical que encuentra en la historia discográfica colombiana su principal fuente de inspiración. Entre sus presentaciones en vivo destacadas están las del Museo de Arte Moderno de NYC (2011), Festival Estéreo Picnic (2011), Roskilde Festival (2011), Womad (2014), Fuji Rock (2018) y giras a lo largo de América Latina, África, Europa, Estados Unidos, Rusia, Australia, Nueva Zelanda y Japón.  Con otras importantes colaboraciones con músicos legendarios como Kronos Quartet (2017) y Minyo Crusaders (2020), el proyecto ha expandido las fronteras de la cumbia y la música latina más allá de la fiesta y hacia la reflexión social, política e identitaria. Cera Perdida, su álbum de 2020, es un claro y poderoso statement sobre la personalidad sonora y narrativa de la banda.    Con más de una década de actividad, Frente Cumbiero ratifica su apuesta cultural por las formas tradicionales de la música colombiana utilizando la experimentación como base central de su búsqueda sonora por encima de la tendencia creativa en el continente. Su objetivo: seguir construyendo sobre una narrativa histórica que se resiste a desaparecer. En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Mario sobre la importancia y trascendencia de la cumbia en el mundo, el concepto del tropicanibalismo, su despertar musical, sus orígenes en el punk, el equipo de trabajo que es el Frente Cumbiero y su próxima fecha en La Maraka en CDMX, acompañados de Sonido Gallo Negro.    ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info:  https://www.youtube.com/@FRENTECUMBIERO https://www.instagram.com/frentecumbiero

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La Realidad Fragmentada en ‘Real Artificial’ de Elsten Torres, Classic Rock

Elsten Torres, un artista venerado cuya trayectoria ha sido un constante viaje de exploración a través de sonidos y géneros, ha vuelto a encender los reflectores con su último sencillo, “Real Artificial”. Inspirado por las raíces del rock latino de los años 90 y su profunda inmersión en la música de The Beatles, Torres nos sumerge en una oda psicodélica a la realidad, tejiendo entre nostalgia y frescura en un lienzo sonoro que invita a la reflexión. Sin embargo, más allá de ser un simple retorno de Torres al género del rock en español, “Real Artificial” se erige como un recordatorio inquietante de la necesidad apremiante de cuestionar nuestra percepción de la realidad en un mundo que se ahoga en la digitalización. A través de letras penetrantes y reflexivas, Torres nos insta a adentrarnos en la complejidad de la existencia humana, y a encontrar la belleza en la dualidad entre lo real y lo artificial. Lo que sobresale de “Real Artificial” es su habilidad para capturar la esencia misma de la experiencia humana: la lucha constante por comprender nuestra propia realidad en un panorama saturado de imágenes y sonidos manipulados. Con una instrumentación que evoca los clásicos del rock y una producción que privilegia la autenticidad sobre la artificialidad, Torres consigue crear una pieza que se siente tanto familiar como innovadora, arrastrándonos a un abismo de introspección sonora. Pero más allá de las capas superficiales, el mensaje de “Real Artificial” se ve reforzado por el compromiso incansable de Torres con la autenticidad y la exploración creativa. Desde sus primeros éxitos como “Revolución” hasta su más reciente tributo a su Cuba natal en “Bendita Cuba”, Torres ha demostrado una y otra vez su capacidad para reinventarse y sorprender a su audiencia, erigiéndose como un faro en medio de la vorágine del panorama musical. “Real Artificial” no solo marca un emocionante regreso al rock en español para Elsten Torres, sino que también nos ofrece una profunda reflexión sobre la naturaleza misma de nuestra realidad. Con su fusión única de nostalgia y frescura, la canción no solo rinde homenaje al legado de Torres como pionero musical, sino que también promete cautivar a una nueva generación de oyentes con su mensaje atemporal y su sonido vibrante. En última instancia, “Real Artificial” se erige como una obra maestra en el arsenal de Torres, una composición que trasciende las fronteras del tiempo y el espacio para sumergirnos en un viaje sombrío a través de la realidad. Es un llamado a la reflexión, un recordatorio implacable de que, en un mundo cada vez más dominado por lo efímero y lo artificial, la búsqueda de lo auténtico se convierte en un acto de resistencia. Y en este escenario, Torres emerge como un guerrero de la verdad, un trovador de la realidad, cuya música resuena como un eco eterno en los recovecos de nuestra conciencia.

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