Depósitio Sonoro

Facebook Twitter Youtube Instagram Tiktok

DepósitoSonoro

Desde 2018. Contenido musical | Podcasts | Videos y Sesiones | Talleres OnLine Amplificador de ondas musicales. ((()))

Hall of Fame: Clásicos del Hip-Hop de los 90

/ Dejar un comentario / Listas / / ,

Los años 90 fueron una época dorada para el hip-hop, un período en el que el género alcanzó nuevas alturas en creatividad, producción y relevancia cultural. Con el auge de la Golden Era, el surgimiento del gangsta rap, el desarrollo del boom bap en la Costa Este y el G-funk en la Costa Oeste, la década estuvo marcada por álbumes que definieron el sonido del hip-hop y establecieron el estándar para futuras generaciones. En esta lista, exploramos los discos esenciales que forman parte del Hall of Fame del hip-hop de los 90, verdaderos clásicos que han dejado una huella imborrable en la historia del género. 1. Nas – Illmatic (1994) Considerado por muchos como el mejor álbum de hip-hop de todos los tiempos, Illmatic es una obra maestra de la narración callejera. Con solo 10 canciones, Nas pintó un retrato vívido de la vida en Queensbridge, respaldado por una producción impecable de DJ Premier, Pete Rock y Q-Tip. Temas como “N.Y. State of Mind” y “The World Is Yours” siguen siendo referencia obligada en el género. 2. The Notorious B.I.G. – Ready to Die (1994) El álbum debut de Biggie Smalls catapultó al rapero de Brooklyn a la cima del hip-hop con su mezcla de letras crudas y un flow impecable. Canciones como “Juicy”, “Big Poppa” y “Gimme the Loot” consolidaron su legado como uno de los mejores MCs de todos los tiempos. 3. 2Pac – All Eyez on Me (1996) Este doble álbum fue el pináculo de la carrera de Tupac Shakur, con un sonido que definió el G-funk de la Costa Oeste. Himnos como “California Love”, “Ambitionz Az a Ridah” y “I Ain’t Mad at Cha” hicieron de este disco un referente del rap gangsta y una muestra del carisma y la profundidad lírica de Pac. 4. Wu-Tang Clan – Enter the Wu-Tang (36 Chambers) (1993) Uno de los álbumes más influyentes de la historia del hip-hop, 36 Chambers introdujo un estilo crudo, oscuro y basado en samples de películas de kung-fu. RZA, Method Man, Ghostface Killah, Raekwon, Ol’ Dirty Bastard y el resto del clan revolucionaron el rap con tracks como “C.R.E.A.M.” y “Protect Ya Neck”. 5. Dr. Dre – The Chronic (1992) Si hay un álbum que definió el sonido de la Costa Oeste, es The Chronic. Dr. Dre popularizó el G-funk, un subgénero del hip-hop con bajos profundos, sintetizadores melódicos y un groove relajado. Temas como “Nuthin’ But a ‘G’ Thang” y “Let Me Ride” convirtieron a Dre en un productor legendario. 6. Snoop Dogg – Doggystyle (1993) El debut de Snoop Dogg, producido por Dr. Dre, fue un éxito instantáneo y consolidó a Snoop como un ícono del rap. Su flow relajado y carismático brilla en temas como “Gin and Juice”, “Who Am I? (What’s My Name?)” y “Murder Was the Case”. 7. Jay-Z – Reasonable Doubt (1996) Antes de convertirse en un magnate, Jay-Z era un MC hambriento con un talento lírico excepcional. Reasonable Doubt es un álbum lleno de rimas sofisticadas sobre la vida callejera, con joyas como “Dead Presidents II”, “Can’t Knock the Hustle” y “Brooklyn’s Finest” junto a The Notorious B.I.G. 8. OutKast – Aquemini (1998) El dúo de Atlanta OutKast rompió barreras con su sonido innovador y letras profundas. Aquemini es una obra maestra del rap sureño, con una mezcla de funk, soul y hip-hop que se siente adelantada a su tiempo. Canciones como “Rosa Parks”, “Da Art of Storytellin’ (Pt. 1)” y “SpottieOttieDopaliscious” siguen siendo legendarias. 9. A Tribe Called Quest – The Low End Theory (1991) Uno de los discos más influyentes del hip-hop alternativo, The Low End Theory fusionó el jazz con el rap de una manera única. Q-Tip y Phife Dawg entregaron un álbum sofisticado con clásicos como “Check the Rhime”, “Scenario” y “Jazz (We’ve Got)”. 10. Cypress Hill – Black Sunday (1993) El grupo Cypress Hill puso el hip-hop latino en el mapa con su sonido oscuro y psicodélico. Black Sunday es su álbum más icónico, con himnos como “Insane in the Brain” y “Hits from the Bong”, que se convirtieron en clásicos del rap y la cultura cannábica. 11. Mobb Deep – The Infamous (1995) Este disco capturó la dureza de las calles de Nueva York con una producción sombría y letras intensas. Prodigy y Havoc crearon un álbum esencial del hardcore rap, con tracks como “Shook Ones Pt. II” y “Survival of the Fittest”. 12. Beastie Boys – Ill Communication (1994) El trío neoyorquino Beastie Boys combinó el hip-hop con el punk, el funk y la experimentación sonora en Ill Communication. Canciones como “Sabotage” y “Sure Shot” mostraron su versatilidad y energía inigualable. El legado de los 90 en el hip-hop Los álbumes de esta lista no solo marcaron la década de los 90, sino que sentaron las bases del hip-hop moderno. Desde la innovación sonora hasta la profundidad lírica, estos discos siguen influyendo en artistas contemporáneos y manteniendo su estatus de clásicos.

Hall of Fame: Clásicos del Hip-Hop de los 90 Leer más »

Se cumplen 30 años de Maxinquaye, el primer disco de Tricky

/ Dejar un comentario / Nostalgia / / ,

Maxinquaye es el primer álbum de Tricky, un productor discográfico y rapero de Bristol, Reino Unido, emitido en 1995, con la colaboración de Massive Attack y su entonces novia Martina Topley-Bird como vocalista, el álbum es una combinación de hip-hop, soul, dub, rock y música electrónica. Cuando el álbum fue lanzado en los Estados Unidos recibió buena crítica. Lanzado en 1995, Maxinquaye es el álbum debut de Tricky, una obra maestra que ayudó a dar forma al trip-hop, un género que emergía en los años 90 desde la escena de Bristol, Reino Unido. Con una combinación de beats oscuros, letras introspectivas, influencias del hip-hop, reggae, soul y electrónica, Tricky creó un álbum revolucionario que sigue siendo influyente hasta el día de hoy. Nombrado en honor a su madre fallecida, Maxine Quaye, este disco es una exploración personal de la psique de Tricky, abordando temas como la identidad, la paranoia, la alienación y la lucha interna. Con la colaboración clave de Martina Topley-Bird, el álbum se convirtió en un clásico instantáneo y una referencia obligada dentro de la música experimental. Contexto y Creación Tricky, cuyo nombre real es Adrian Thaws, comenzó su carrera como parte del colectivo Massive Attack, participando en su álbum debut Blue Lines (1991). Sin embargo, buscaba un sonido más crudo y personal, por lo que decidió aventurarse en solitario. Con Maxinquaye, Tricky desafió las convenciones del hip-hop y la electrónica, optando por un enfoque más cinemático y distorsionado, con capas de sonidos que creaban una atmósfera claustrofóbica y enigmática. El disco fue grabado en Londres, con la producción de Mark Saunders y Tricky, quienes lograron capturar una estética única basada en samples, loops hipnóticos y una fusión de géneros. El Sonido de un Nuevo Género Maxinquaye no solo es un álbum fundamental en el trip-hop, sino que también anticipó muchas de las tendencias del hip-hop alternativo, el downtempo y la música experimental. Su sonido se caracteriza por: Canciones Clave 🔹 “Overcome” – Una reinterpretación de “Karmacoma” de Massive Attack, pero con un ambiente más oscuro y envolvente. 🔹 “Ponderosa” – Un tema que mezcla spoken word, beats narcóticos y una sensación onírica. 🔹 “Black Steel” – Un cover radical de “Black Steel in the Hour of Chaos” de Public Enemy, transformado en una versión industrial con guitarras distorsionadas. 🔹 “Hell is Round the Corner” – Uno de los temas más icónicos del disco, con una base sampleada de “Ike’s Rap II” de Isaac Hayes, que también fue utilizada en “Glory Box” de Portishead. 🔹 “Aftermath” – Un tema hipnótico que encapsula la melancolía y el misterio del álbum. Recepción y Legado Desde su lanzamiento, Maxinquaye recibió críticas entusiastas, siendo elogiado por su innovación y profundidad emocional. Fue un éxito comercial en el Reino Unido, alcanzando el número 3 en las listas de álbumes y convirtiéndose en Disco de Oro. El impacto de este álbum se extiende más allá del trip-hop. Artistas como Radiohead, Björk, Gorillaz, The xx y FKA twigs han citado a Tricky como una gran influencia. Además, el álbum demostró que la fusión de géneros y la producción experimental podían ser accesibles sin perder autenticidad. En retrospectiva, Maxinquaye es visto como uno de los discos más innovadores de los años 90, un trabajo que ayudó a establecer el trip-hop como un género influyente y abrió el camino para futuras exploraciones en la música electrónica y alternativa. Conclusión Maxinquaye es mucho más que un disco de trip-hop; es un documento sonoro de introspección y experimentación, una obra atemporal que sigue resonando con cada nueva generación de oyentes. Con su combinación de sonidos inquietantes, letras crípticas y una producción visionaria, Tricky creó un álbum que sigue siendo una referencia obligada dentro de la música contemporánea.

Se cumplen 30 años de Maxinquaye, el primer disco de Tricky Leer más »

Perfil sobre Merzbow: El Maestro del Noise y la Experimentación Sonora

/ Dejar un comentario / Shuffle / / ,

Merzbow es el seudónimo artístico del músico japonés Masami Akita, considerado una de las figuras más influyentes y radicales dentro del género noise. Desde finales de los años 70, Merzbow ha redefinido los límites del sonido y la música con su exploración de la distorsión, la saturación y el caos auditivo. Su vasta discografía, que supera los 400 lanzamientos, lo convierte en una de las entidades más prolíficas e intransigentes de la música experimental. Orígenes y Filosofía Sonora Masami Akita nació en 1956 en Tokio, Japón. Durante su juventud, estudió bellas artes y se interesó en el dadaísmo y el surrealismo, influencias que más tarde impregnarían su estética musical. El nombre Merzbow proviene de una obra del artista dadaísta Kurt Schwitters, titulada Merzbau, un collage de materiales reciclados, reflejando el enfoque de Akita de manipular sonidos y texturas para construir sus composiciones. Sus primeras incursiones en la música estaban inspiradas por el rock psicodélico, el free jazz y la música industrial, pero rápidamente evolucionó hacia una forma más extrema de expresión sonora basada en la manipulación del ruido puro. La Revolución del Noise Durante la década de los 80 y 90, Merzbow se convirtió en una fuerza dominante dentro del underground del noise. Publicó una gran cantidad de álbumes en formatos cassette, vinilo y CD, en su mayoría a través de su propio sello ZSF Produkt y colaboraciones con sellos especializados en música experimental. Uno de sus trabajos más emblemáticos es “Venereology” (1994), lanzado bajo el sello Relapse Records, conocido por su catálogo de metal extremo. Este álbum, repleto de estridencias y capas de ruido abrasivo, marcó un punto de entrada para muchos oyentes provenientes del metal. A finales de los 90, Merzbow lanzó el ambicioso “Merzbox” (2000), una colección de 50 CDs que documentan su carrera y evolución sonora, consolidándolo como un referente absoluto del noise. Discografía Esencial Si bien Merzbow tiene una discografía monumental, algunos de sus discos más influyentes incluyen: Legado e Influencia Merzbow ha influenciado a múltiples artistas dentro y fuera del noise, desde el metal experimental hasta la electrónica y el avant-garde. Bandas de metal extremo, productores de música industrial e incluso compositores contemporáneos han encontrado inspiración en su trabajo. A lo largo de su carrera, ha colaborado con figuras como Boris, Sunn O))), Balázs Pándi y Keiji Haino, expandiendo los límites del sonido y el concepto de la música. En los últimos años, Merzbow ha incorporado un mensaje ambientalista en su obra, enfocándose en la protección de los animales y el veganismo, reflejado en discos como “Animal Magnetism” (2019). Conclusión Merzbow representa la música llevada a sus límites más extremos, donde el ruido se convierte en arte y la saturación en un lenguaje propio. Su obra sigue desafiando la percepción del sonido y la música, estableciendo un legado que trasciende el noise y se instala en la historia de la experimentación sonora.

Perfil sobre Merzbow: El Maestro del Noise y la Experimentación Sonora Leer más »

Kylesa revela nueva alineación y anuncia primeros shows de reunión

/ Dejar un comentario / Shuffle /

Los grandes de Savannah sludge, Kylesa, han ido anunciando gradualmente fechas de reunión, incluidas apariciones previamente anunciadas en el festival holandés Roadburn en abril y el festival de Toronto Prepare the Ground en mayo/junio, y ahora han anunciado sus dos primeros shows como cabezas de cartel en clubes de EE. UU. Tocarán un show en su ciudad natal el 4 de diciembre en District Live con Royal Thunder y The Maxines, seguido de un regreso a Nueva York el 6 de diciembre en Le Poisson Rouge con las leyendas del gritón pageninetynine. Kylesa también arrojó más luz sobre su reunión en una nueva entrevista con Decibel, revelando que a los co-líderes Phillip Cope y Laura Pleasants se les unirá la sección rítmica de los veteranos del crust punk neoyorquino Nauseau: Roy Mayorga (batería) y John John Jesse (bajo). Ellos han dicho: ¿Por qué decidiste buscar nuevos miembros? Phillip Cope: Laura y yo somos los fundadores y miembros constantes de la banda. Carl [McGinley] fue nuestro compañero de banda más antiguo durante casi diez años, pero consultamos con él y ya no toca la batería y nos ha deseado lo mejor. No tenemos nada más que respeto por todos los miembros anteriores. Ahora que casi todos vivimos en ciudades diferentes, decidimos reformar nuestra sección rítmica de una manera que tenga sentido en el lugar donde nos encontramos actualmente, y sentimos que esta es una alineación realmente sólida. ¿Cómo te decidiste por Roy y John John? Agradables: John John me contactó en IG “presentándose al servicio”, en caso de que necesitáramos un bajista. Ya habíamos hecho nuestro primer anuncio sobre Roadburn e Inferno, por lo que se corrió la voz de que nos estábamos reformando. Aunque estábamos hablando de posibilidades de formación en el fondo, todavía no habíamos solidificado una banda. Me sorprendió un poco cuando escuché de John John, así que medio en broma le envié un mensaje de texto diciendo: “¡Claro! Simplemente llama a Roy y nos pondremos en marcha”. ¡Al día siguiente recibí una llamada telefónica de Roy! Cuando llamé a Phillip sobre la posibilidad de tocar con estos chicos, apenas pude contenerme. Yo estaba como, “Amigo… está bien… ¿estás sentado? Tengo algunas noticias…” Creo que fue Phillip quien me habló de Nausea en primer lugar cuando probablemente tenía 18 años. Somos fans desde hace mucho tiempo e incluso hicimos un cover de una canción suya en su día. Acerca de experimentar por primera vez a Kylesa, John John Jesse dijo: “Los vi por primera vez cuando tocamos juntos a principios de la década de 2000 en Brooklyn, cuando yo tocaba la guitarra en Morning Glory. Me dejaron boquiabierto y soy un fan desde entonces”. Roy Mayorga los vio por primera vez en 2009 y dijo que “quedó impresionado de inmediato”. Phillip también dijo que aún no han escrito música, “pero no se ha descartado”, y Roy agregó: “La química definitivamente está ahí. Estoy seguro de que una vez que nos conozcamos aún más, sucederá algo realmente genial. Lo siento”. Con información de Brooklyn Vegan.

Kylesa revela nueva alineación y anuncia primeros shows de reunión Leer más »

Los Discos Esenciales del Stoner Rock y Stoner Metal

/ Dejar un comentario / Listas / / ,

El stoner rock y stoner metal han sido géneros fundamentales dentro del rock y el metal desde los años 90, aunque sus raíces se pueden rastrear hasta el hard rock y el heavy metal de los 70. Caracterizado por riffs pesados, atmósferas psicodélicas y una vibra densa e hipnótica, el género ha crecido con una gran cantidad de bandas influyentes. Aquí tienes una lista extensa y detallada con los discos esenciales del género, desde los pioneros hasta los exponentes más modernos. 1. Pioneros y Raíces del Stoner Rock Aunque el término stoner rock se consolidó en los 90, su sonido tiene influencias claras en los 70. Bandas como Black Sabbath, Blue Cheer y Hawkwind sentaron las bases con riffs pesados y estructuras expansivas. Álbumes Claves Precursores: 2. La Explosión del Stoner en los 90 El término stoner rock cobró fuerza en los años 90 con bandas que mezclaban doom, grunge y hard rock. Esta es la era dorada del género, donde surgen discos que definen su identidad. Los Álbumes Más Representativos: 3. El Auge del Stoner Metal y Doom Stoner Mientras el stoner rock conservaba elementos más rockeros, el stoner metal tomó influencias del doom metal, generando discos más densos y pesados. Discos Claves del Stoner Metal: 4. Renacimiento del Stoner en los 2000 y 2010s Con el auge de festivales como Desertfest y Roadburn, el stoner rock y metal han vivido un resurgimiento con nuevas bandas que han revitalizado el género. Álbumes Esenciales de la Nueva Ola: 5. Stoner en la Actualidad El género sigue evolucionando con bandas que mezclan nuevos elementos sin perder la esencia del fuzz, los riffs pesados y las estructuras hipnóticas. Discos Relevantes Actuales: Conclusión El stoner rock y stoner metal han trascendido el tiempo con una identidad sonora única. Desde los clásicos de los 70 hasta las nuevas generaciones, el género sigue evolucionando sin perder su esencia: riffs aplastantes, atmósferas hipnóticas y una energía cargada de fuzz y distorsión. Ya sea que busques los sonidos densos de Sleep y Electric Wizard, la vibra desértica de Kyuss y Fu Manchu, o la evolución moderna con Elder y All Them Witches, esta lista te dará un recorrido por lo mejor del género.

Los Discos Esenciales del Stoner Rock y Stoner Metal Leer más »

Mira el docuemental “Sisters with Transistors”: El Papel Fundamental de las Mujeres en la Música Electrónica

/ Dejar un comentario / Shuffle / / ,

El documental “Sisters with Transistors” (2020), dirigido por Lisa Rovner, es una obra esencial que rescata la historia de las pioneras de la música electrónica, mujeres que fueron clave en el desarrollo del género pero que han sido ignoradas en gran medida por la historiografía musical tradicional. A través de material de archivo, entrevistas y narración en off de la legendaria Laurie Anderson, el filme arroja luz sobre figuras revolucionarias que transformaron la música con osadía y creatividad. Redefiniendo la Historia de la Música Electrónica Cuando se habla de los orígenes de la música electrónica, los nombres que suelen mencionarse son los de Kraftwerk, Brian Eno, Karlheinz Stockhausen o Aphex Twin. Sin embargo, mucho antes de su éxito, un grupo de mujeres innovadoras ya estaba explorando sonidos futuristas con sintetizadores, osciladores y computadoras, desafiando las normas establecidas. El documental se enfoca en artistas como: Tecnología y Revolución Sonora “Sisters with Transistors” no solo presenta biografías individuales, sino que también explora cómo estas mujeres desafiaron las limitaciones de su tiempo. Durante las décadas de los 50, 60 y 70, la experimentación con la música electrónica era vista como un territorio exclusivamente masculino, con acceso limitado a recursos y reconocimiento. El documental enfatiza cómo estas pioneras no solo innovaron con la tecnología disponible, sino que en muchos casos ayudaron a desarrollarla. La película resalta su uso de sintetizadores modulares, grabaciones de cinta y computadoras tempranas, herramientas que sentaron las bases para la música electrónica contemporánea. Recepción y Legado Desde su estreno, “Sisters with Transistors” ha sido aclamado por su enfoque histórico y su importancia en la corrección de una narrativa musical incompleta. Ha sido proyectado en festivales como SXSW, Sheffield DocFest y CPH:DOX, recibiendo elogios por su meticulosa investigación y la calidad de su montaje. El documental también ha generado discusiones sobre la falta de reconocimiento de las mujeres en la historia de la música. A través de su archivo visual y sonoro, la película deja claro que la música electrónica no sería lo que es hoy sin la contribución de estas pioneras. Conclusión “Sisters with Transistors” es una obra fundamental para cualquier amante de la música electrónica, pero también para quienes buscan entender la historia de la música desde una perspectiva más inclusiva. Más que un homenaje, es una reivindicación de las artistas que, a pesar de las barreras impuestas por su tiempo, lograron revolucionar la forma en que escuchamos y entendemos el sonido. Mira aquí el documental completo: https://ok.ru/video/4378447448579

Mira el docuemental “Sisters with Transistors”: El Papel Fundamental de las Mujeres en la Música Electrónica Leer más »

Discos de Jazz que Han Sido Sampleados en la Música Hip-Hop: Un Puente Entre Dos Mundos

/ Dejar un comentario / Shuffle / / , , , , , , , , , ,

El hip-hop y el jazz han mantenido una relación simbiótica desde los inicios del género en los años 70. Mientras que el jazz fue la banda sonora de la resistencia y la innovación en el siglo XX, el hip-hop tomó sus elementos rítmicos, armónicos y melódicos para crear algo completamente nuevo. Los discos de jazz han sido una de las fuentes más ricas de samples para los productores de hip-hop, quienes han transformado viejas grabaciones en beats icónicos que han definido el sonido del género. En este artículo, exploraremos algunos de los discos de jazz más sampleados en la historia del hip-hop, analizando cómo estos sonidos han influenciado a productores y MCs legendarios. 1. Miles Davis – Kind of Blue (1959) Sampleado por: Nas, The Roots, Madlib, J Dilla Uno de los álbumes más importantes de la historia del jazz y la música en general, Kind of Blue de Miles Davis ha sido una mina de oro para los productores de hip-hop. Su atmósfera relajada y su instrumentación evocadora han sido reutilizadas en múltiples ocasiones. 🔹 Ejemplo notable: 2. Ahmad Jamal – The Awakening (1970) Sampleado por: Nas, Gang Starr, Common, Jay-Z El pianista Ahmad Jamal ha sido uno de los músicos más sampleados en el hip-hop debido a su forma única de tocar, llena de espacios y pausas que permiten a los productores manipular sus sonidos con facilidad. 🔹 Ejemplo notable: 3. Herbie Hancock – Head Hunters (1973) Sampleado por: Digable Planets, De La Soul, A Tribe Called Quest, Dr. Dre Con su mezcla de jazz, funk y experimentación electrónica, Head Hunters ha sido un referente en la producción de hip-hop, especialmente en la era del boom bap de los 90. 🔹 Ejemplo notable: 4. Bob James – One (1974) Sampleado por: Run-D.M.C., LL Cool J, Wu-Tang Clan, MF DOOM Bob James es uno de los músicos de jazz más sampleados en el hip-hop, en especial su álbum One, que contiene sonidos icónicos que han sido reutilizados en incontables tracks. 🔹 Ejemplo notable: 5. Lonnie Liston Smith – Expansions (1975) Sampleado por: J Dilla, Madlib, The Beatnuts, Rakim Smith fue pionero en la fusión del jazz con el soul y la electrónica, lo que lo hizo una fuente perfecta para los productores de hip-hop, quienes han usado sus líneas de bajo y teclados espaciales en múltiples canciones. 🔹 Ejemplo notable: 6. David Axelrod – Songs of Experience (1969) Sampleado por: DJ Shadow, Dr. Dre, Lil Wayne, Mos Def Axelrod fue un innovador en la producción de jazz y rock psicodélico, lo que lo convirtió en una mina de oro para los beatmakers de hip-hop que buscaban atmósferas densas y cinematográficas. 🔹 Ejemplo notable: 7. Art Blakey & The Jazz Messengers – Moanin’ (1958) Sampleado por: Madlib, J Dilla, Black Moon, Jay-Z Art Blakey es un ícono del jazz, y su álbum Moanin’ ha sido una fuente frecuente de samples gracias a su energía vibrante y a sus secciones de vientos impactantes. 🔹 Ejemplo notable: 8. John Coltrane – A Love Supreme (1965) Sampleado por: The Roots, Mos Def, Flying Lotus, Madlib El legendario saxofonista John Coltrane ha sido un referente espiritual y sonoro para muchos raperos y productores, quienes han extraído de A Love Supreme su profundidad y misticismo. 🔹 Ejemplo notable: 9. Grant Green – Visions (1971) Sampleado por: Cypress Hill, RZA, DJ Premier, Madlib El guitarrista Grant Green es otro de los músicos de jazz más sampleados, en especial por productores como RZA y DJ Premier, quienes han utilizado sus líneas de guitarra para crear atmósferas cinematográficas. 🔹 Ejemplo notable: 10. Grover Washington Jr. – Mister Magic (1975) Sampleado por: Dr. Dre, 2Pac, A Tribe Called Quest, J Dilla Grover Washington Jr. es uno de los padres del jazz-funk, y sus melodías han sido utilizadas en múltiples canciones de hip-hop. 🔹 Ejemplo notable: Conclusión: El Jazz como Base del Hip-Hop El hip-hop se ha nutrido del jazz desde sus inicios, y los productores han encontrado en los viejos vinilos una fuente infinita de inspiración. Estos discos no solo han servido como material para samples, sino que han influenciado la manera en que se construyen los beats, la cadencia de los MCs y la estética sonora del género. Desde Miles Davis hasta J Dilla, el jazz y el hip-hop continúan entrelazándose en una conversación musical que sigue evolucionando. Lo que comenzó como una técnica de sampling ha dado paso a un diálogo más profundo entre estos géneros, con artistas que buscan integrar ambos mundos de manera más orgánica.

Discos de Jazz que Han Sido Sampleados en la Música Hip-Hop: Un Puente Entre Dos Mundos Leer más »

M Jazz Festival 2025, una experiencia musical al aire libre

/ Dejar un comentario / Agenda / / ,

El M Jazz Festival 2025 se llevará a cabo el sábado 22 de febrero de 2025 en el Parque Bicentenario de la Ciudad de México. Este evento al aire libre presentará seis destacados proyectos de jazz contemporáneo, tanto internacionales como nacionales, ofreciendo una experiencia musical única para los asistentes. Cartelera de Artistas: GoGo Penguin: Innovación en el Jazz Contemporáneo. GoGo Penguin es un trío británico de jazz instrumental conocido por su fusión de jazz, música clásica y elementos electrónicos. Originarios de Manchester. Azymuth: es una legendaria banda brasileña de jazz-funk y fusión, formada en la década de 1970. Su estilo combina jazz, funk, samba y elementos electrónicos, creando un sonido característico conocido como “samba doido” (samba loca). Melanie Charles: es una talentosa cantante, flautista, productora y compositora originaria de Brooklyn, Nueva York. Su música fusiona jazz, R&B, soul y hip-hop, con un enfoque experimental y una gran carga de improvisación. Troker: es una banda mexicana originaria de Guadalajara, Jalisco, que fusiona jazz, rock, funk y música experimental, creando un sonido único y poderoso. Su estilo se caracteriza por la improvisación, el virtuosismo instrumental y una energía que recuerda al jazz progresivo con tintes psicodélicos y de música cinematográfica. Klezmerson: es una banda mexicana que combina klezmer, jazz, rock progresivo y música tradicional mexicana, creando un sonido único y multicultural. Su propuesta es una de las más originales dentro de la escena del jazz fusión en México, integrando elementos de la música judía con ritmos latinos, psicodelia y estructuras progresivas. Bahía de Ascenso: es una banda mexicana de jazz que destaca por su enfoque contemporáneo y su capacidad de fusionar elementos del jazz tradicional con sonidos electrónicos, ambient y post-rock. Su música es atmosférica, introspectiva y cargada de texturas experimentales, lo que los ha posicionado como una de las propuestas más interesantes dentro del jazz moderno en México. Boletos. Los boletos están disponibles en diferentes categorías. Consigue los tuyos en https://www.passline.com/eventos/m-jazz-edicion-2025 Ubicación. El Parque Bicentenario se encuentra en Av. 5 de Mayo 290, Col. Refinería 18 de Marzo, Alcaldía Miguel Hidalgo, Ciudad de México. Próximas actividades previas al Festival:

M Jazz Festival 2025, una experiencia musical al aire libre Leer más »

Scroll al inicio