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Con la intención de sumarnos a las voces de comunidades desplazadas, individuos sistemáticamente violentados y explotados por los grandes capitales, los gobiernos y las mafias en México y el resto del mundo, presentamos el segundo volumen de la compilación De aquí y de allá: homenaje a la Caravana de Madres Centroamericanas que buscan a sus Hijas e Hijos. Con gran admiración por las madres de la caravana, celebramos con música sus 20 años de resistencia activa, de lucha organizada por un grupo de mujeres y aliados que por voluntad propia y sin esperar apoyo de ningún tipo, decidieron lanzarse a hacer el trabajo que los gobiernos no hacen: proteger los derechos humanos aquí y allá. Esta compilación es el resultado de una convocatoria abierta a la comunidad cultural a crear piezas sonoras para sumarse a la causa de los migrantes y las organizaciones que los apoyan, una invitación a ser parte de las luchas en favor de la vida y del amor. Un mundo que no se puede transitar, no es mundo. La movilidad humana es un derecho constitucional, una búsqueda ancestral y un ejercicio primordial de la libertad en muchos casos urgente. Desde un inicio, la humanidad ha sido empujada a moverse por muy diversas causas: catástrofes naturales, crisis sociales, emergencias de diversa índole, y también por voluntad propia, impulsada por la curiosidad y el deseo. Es derecho de todxs transitar por este mundo que surgió sin fronteras. Sin embargo, los gobiernos no avanzan en garantizarnos ese derecho. Muy al contrario, se han mostrado incapaces y manipulados por los grandes capitales. Sus leyes y regulaciones han provocado que moverse por el mundo se convirtiera en uno de los negocios más sangrientos de nuestra historia. Las políticas económicas donde el comercio es un fin y no sólo un vehículo de desarrollo han resultado en prácticas siniestras como la venta prepactada de mano de obra en condición de esclavos, de trabajadores expulsados y negociados desde sus lugares de origen, ó la sistematización del mercado criminal de la trata de personas, el secuestro y la salvaje venta de órganos de jóvenes migrantes. La crisis humanitaria que enfrentamos actualmente sólo puede ser contrarrestada con un cambio radical en las leyes migratorias actuales. Para llegar a eso y mientras tanto, necesitamos esfuerzos colectivos que protejan la movilidad humana. Necesitamos transformar el sistema neoliberal explotador vigente en donde sea que nos encontremos. Necesitamos asumirnos parte de esta única familia e integrarnos a la lucha con acciones solidarias. Necesitamos reconocer que nadie más hará caminos si no somos nosotros. La Caravana de Madres Centroamericanas que buscan a sus hijos desaparecidos en tránsito por México ha logrado reencontrar a más de 300 familiares con quienes habían perdido contacto debido a procesos de migración injustos. Esas madres, sus caminatas y su lucha nos recuerdan que somos un sólo pueblo, una familia, y que nos concierne, nos compete directamente lo que les pasa en EEUU y en el resto del mundo a nuestros compatriotas y familiares. Debemos involucrarnos y dar la lucha conjuntamente, sin fronteras, contra los enemigos de la vida que nos ofenden aquí y allá. Los artistas participantes (Andy Mountains, Asocial, Bárbara Riquelme, Cecilia Fras, Cyuna, Ensamble Allaire, Gwenn-Aëlle Folange Téry, Héctor Flores, Los Músicos de José, Mar de Sombra, Otero Vargas, Renato del Real) donarán las regalías que generen las reproducciones digitales de sus piezas al Proyecto Puentes de Esperanza. Les invitamos también a realizar un donativo directo a la cuenta de la organización:Banco: BanamexNo. de Tarjeta: 5256 7836 4282 1095Nombre: Rubén FigueroaDonaciones vía PayPal: @RubenFigue Donaciones en especie y otros tipos de ayuda: [email protected]  

En el mundo del cine de terror, pocos elementos son tan fundamentales para crear una atmósfera escalofriante como la música. Los soundtracks no solo acompañan la narrativa visual, sino que también intensifican la experiencia emocional del espectador, envolviéndolo en tensión, misterio y, en muchos casos, puro terror. Las películas de Halloween, ya sean clásicos del horror o nuevos lanzamientos, dependen de sus bandas sonoras para generar ese impacto memorable y atemporal. A continuación, exploramos algunos de los soundtracks más icónicos de películas de Halloween que han dejado huella en la historia del cine. 1. Halloween (1978) – John Carpenter Quizás el soundtrack más reconocible de todos los tiempos en el género de terror sea el de “Halloween”. Compuesto por el propio director, John Carpenter, la banda sonora de esta película es minimalista pero absolutamente efectiva. La melodía principal, interpretada en un teclado simple y repetitivo, genera una sensación implacable de peligro inminente. La música de “Halloween” no solo acompaña los momentos de tensión en la trama, sino que en muchos casos los crea, con su ritmo rápido y sus tonos repetitivos que imitan el latido del corazón. Este soundtrack se ha convertido en sinónimo del horror en su forma más pura y sigue siendo un referente para los compositores modernos. 2. The Exorcist (1973) – Mike Oldfield Aunque “The Exorcist” cuenta con una banda sonora variada, es el uso de la pieza “Tubular Bells” de Mike Oldfield lo que realmente ha quedado en la memoria colectiva. La composición, con su estructura progresiva y su sonido atmosférico, añade una capa de inquietud a la historia de posesión demoníaca. Lo que comienza como una melodía suave y calmada se transforma en algo perturbador a medida que avanza, reflejando el descenso de los personajes en el caos. Esta música se ha convertido en un símbolo de lo inquietante y es imposible escucharla sin asociarla con el terror puro de “The Exorcist”. 3. Psycho (1960) – Bernard Herrmann El clásico de Alfred Hitchcock “Psycho” no sería lo mismo sin la inquietante música de Bernard Herrmann. Con el uso dramático de cuerdas agudas y tensas, Herrmann creó un sonido que, hasta el día de hoy, es inmediatamente reconocible. La famosa escena de la ducha, con sus violentas notas agudas de violín, es quizás una de las más icónicas del cine de terror. La banda sonora de “Psycho” no solo potencia las emociones en las escenas clave, sino que también es responsable de mantener al espectador en un constante estado de alerta. 4. Suspiria (1977) – Goblin La banda sonora de “Suspiria”, compuesta por la banda italiana Goblin, es un ejemplo perfecto de cómo un soundtrack puede definir la estética de una película. El filme de Dario Argento es un cuento de brujería visualmente impactante, y la música, llena de sonidos oscuros, sintetizadores y percusiones hipnóticas, crea una atmósfera que es tanto espeluznante como encantadora. La música de “Suspiria” destaca por ser experimental y arriesgada, acompañando las imágenes de pesadilla con una mezcla de terror visceral y fascinación. Este soundtrack ha sido fuente de inspiración para muchos otros proyectos dentro del cine de horror. 5. A Nightmare on Elm Street (1984) – Charles Bernstein El tema principal de “A Nightmare on Elm Street”, compuesto por Charles Bernstein, captura la esencia surrealista y perturbadora de los sueños y las pesadillas en la icónica saga de Freddy Krueger. La música de Bernstein es ominosa, con sintetizadores oscuros que crean una atmósfera fantasmal, combinada con melodías extrañamente melancólicas. Este enfoque musical aporta una sensación de desesperanza y temor, lo que aumenta la eficacia de los momentos más terroríficos de la película. 6. Trick ‘r Treat (2007) – Douglas Pipes “Trick ‘r Treat”, una película de culto que celebra la esencia de Halloween con sus cuentos entrelazados de horror, presenta un score brillante compuesto por Douglas Pipes. Este soundtrack es una combinación perfecta de melodías siniestras y coros fantasmales que capturan el espíritu festivo y terrorífico de la noche de Halloween. La música acompaña las escenas de susto y sorpresa con una mezcla de orquestación clásica y sonidos más contemporáneos, elevando la película a un nivel icónico dentro del género. 7. It Follows (2014) – Disasterpeace El soundtrack de “It Follows”, compuesto por Disasterpeace (Rich Vreeland), se ha convertido en uno de los más influyentes en el cine de terror contemporáneo. La película, que se centra en una maldición transmitida de persona en persona, depende de su banda sonora para crear una sensación constante de amenaza. Con una mezcla de sintetizadores oscuros y sonidos retro que evocan el cine de horror de los años 80, la música de “It Follows” es inquietante y persistente, envolviendo al espectador en una sensación de peligro inevitable. 8. The Shining (1980) – Wendy Carlos y Rachel Elkind “The Shining” de Stanley Kubrick es otro clásico del cine de terror que se apoya fuertemente en su banda sonora para generar una atmósfera de miedo y tensión. Compuesto por Wendy Carlos y Rachel Elkind, el soundtrack combina piezas clásicas con música experimental, creando una sensación de malestar constante. Las largas notas de sintetizador y los tonos discordantes reflejan la creciente locura del personaje principal y la inquietante atmósfera del hotel Overlook. Conclusión Los soundtracks de las películas de Halloween son más que simples acompañamientos musicales; son parte integral de la experiencia del horror. A través de la música, los compositores logran intensificar el miedo, crear tensión y hacer que las emociones se filtren más allá de la pantalla. Cada uno de estos soundtracks icónicos ha dejado una huella indeleble en la historia del cine, y seguirán siendo parte esencial de la celebración de Halloween para los amantes del terror en todo el mundo.

El Krautrock, un término inicialmente despectivo pero que con el tiempo se ha convertido en un género musical icónico, surgió en Alemania a finales de los años 60 y principios de los 70. Esta corriente musical, impulsada por una mezcla de innovación sonora, influencias de la psicodelia, y una ruptura con las tradiciones del rock anglosajón, resultó fundamental para la evolución de la música moderna, sentando las bases para el desarrollo de géneros como el post-rock, la música experimental y la música electrónica. A pesar de sus raíces germanas, el impacto del Krautrock trascendió fronteras, influyendo a artistas de todo el mundo y moldeando el sonido de futuras generaciones. Este artículo explora su historia, su evolución y su importancia en la música contemporánea. Los orígenes del Krautrock: Un país dividido y una juventud en busca de identidad El Krautrock nace en un momento de gran agitación social y política en Alemania. Tras la Segunda Guerra Mundial, el país estaba devastado y dividido en dos bloques: la República Federal de Alemania (Alemania Occidental) y la República Democrática Alemana (Alemania Oriental). Esta división no solo afectaba lo político, sino también lo cultural. La generación que emergió en los años 60, principalmente en Alemania Occidental, se rebelaba contra las tradiciones de sus padres, la cultura conservadora y, sobre todo, contra la herencia nazi que aún pesaba sobre la sociedad alemana. Musicalmente, los jóvenes alemanes estaban cansados de la influencia predominante de la música anglosajona, especialmente del rock británico y estadounidense, y querían crear un sonido propio que representara su realidad y experiencias. Es aquí donde comienza a gestarse lo que luego se conocería como Krautrock. La experimentación y el rompimiento con las reglas del rock El término “Krautrock” fue originalmente acuñado por los medios británicos para describir la música experimental que venía de Alemania. “Kraut” era una palabra despectiva que hacía referencia a los alemanes, pero los músicos que formaban parte de esta escena abrazaron el término y lo redefinieron. Uno de los aspectos más notables del Krautrock es su rechazo a las fórmulas tradicionales del rock. En lugar de seguir las estructuras convencionales basadas en el blues o el rock and roll, los grupos de Krautrock optaron por una música más experimental, basada en largas improvisaciones, exploraciones sonoras y el uso de tecnología avanzada para la época, como los sintetizadores y secuenciadores. El minimalismo, la repetición hipnótica y la exploración sonora eran elementos clave. Los músicos de Krautrock buscaban ir más allá de las fronteras del rock convencional, experimentando con nuevas formas de ritmo, armonía y textura. Influenciados por la música de vanguardia, el jazz experimental y la música electrónica temprana, crearon un sonido que fue tan innovador como influyente. Bandas esenciales del Krautrock El Krautrock no es un género con un sonido homogéneo; en realidad, es una etiqueta que abarca una gran variedad de estilos musicales, desde el rock psicodélico hasta la música electrónica y experimental. Algunas de las bandas más importantes y definitorias del movimiento son: La importancia del Krautrock en la música contemporánea El Krautrock dejó una huella indeleble en la música contemporánea. A pesar de que su apogeo fue en los años 70, su influencia ha perdurado y se ha extendido a través de las décadas, afectando a una amplia gama de géneros. Conclusión El Krautrock fue más que un movimiento musical; fue una respuesta cultural a una época de cambios radicales, una ruptura con el pasado y una búsqueda de nuevas formas de expresión. Aunque sus bandas clave surgieron en Alemania, su impacto se sintió en todo el mundo y su influencia sigue vigente en la música contemporánea. Al rechazar las convenciones y abrazar la experimentación, el Krautrock abrió nuevos caminos que permitieron la evolución de géneros que hoy consideramos esenciales. En resumen, es un testimonio del poder transformador de la música y su capacidad para desafiar y trascender fronteras.