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Cuánto paga Spotify a los artistas en este 2025 versus las demás plataformas de streaming

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Comparativa de plataformas de streaming Plataforma Pago por stream Costo suscripción individual (USA) Streams ≈ $1 000 Spotify $0.003–$0.005 $10.99 (Premium) 200 000–333 333 Apple Music $0.007–$0.01 $10.99 (Individual) 100 000–143 000 YouTube Music $0.0071 promedio $9.99 (Música Premium) ~140 000 Tidal $0.01284 $10.99 (HiFi, variable por nivel) ~78 000 Amazon Music $0.00402 $10.99 (Individual) ~250 000 Deezer $0.0064 $10.99 (Premium) ~156 000 Napster $0.019–$0.021 ~$9.99–12.99 ~52 000 Qobuz $0.0187 $14.99 (Hi‑Res) ~53 000 Suscripciones: precios al usuario (EE.UU.) Análisis del pago vs costo al usuario Reflexiones clave Apple Music y Tidal ofrecen tarifas significativamente mejores por stream, y plataformas como Qobuz o Napster otorgan los mayores retornos por reproducción. La clave para los artistas en 2025 es activar una estrategia diversificada: visibilidad masiva en Spotify + ingresos reales en plataformas de mayor compensación, más iniciativas directas con su público. Daniel Ek genera controversia por invertir en inteligencia artificial militar, Reacción de los artistas y colectivos A mediados de junio de 2025, se conoció que Daniel Ek, fundador y director ejecutivo de Spotify, reforzó su inversión en Helsing, una empresa alemana de inteligencia artificial enfocada en tecnología militar (drones, submarinos, aviones). La inversión supera los €100 millones y Ek actualmente preside el consejo de esta compañía, valorada en unos €12 mil millones. Ek ha defendido públicamente su decisión, argumentando que se trata de una “defensa de democracias amenazadas”. Sin embargo, no han faltado las críticas: músicos, colectivos y críticos han calificado el movimiento como un apoyo indirecto a la industria bélica. Contexto general ¿Por qué es tan polémico? Aspecto Detalle Inversión Daniel Ek invirtió más de €100 M en Helsing, presidiendo la empresa. Royalty típico $0.003–$0.005 USD por stream; necesitas cientos de miles o millones de reproducciones para ingresos significativos Umbral mínimo 1 000 streams/año para generar pagos Distribución 70 % derechos a labels; ingresos netos dispersos Reacción artístic Varios artistas retiraron su música, acusando a Ek de financiar armas e hipocresía ¿Qué es Helsing y por qué genera tanto rechazo? Helsing es una startup tecnológica con sede en Alemania que desarrolla software de inteligencia artificial para armamento y vigilancia militar. Entre sus clientes se encuentran gobiernos europeos y fabricantes de equipos militares. Daniel Ek no solo invirtió una cifra millonaria, sino que también forma parte activa del consejo de administración. El problema, para muchos artistas, no es solo que se trate de una empresa de defensa, sino el hecho de que Ek esté financiando herramientas de guerra mientras miles de músicos apenas reciben unos pocos dólares por sus millones de reproducciones. Artistas que han retirado su música de Spotify 1. Deerhoof La veterana banda de art rock y noise-pop estadounidense fue una de las primeras en tomar una posición tajante. A inicios de julio de 2025, anunciaron que retirarían toda su discografía de Spotify, alegando que “no querían que su música ayudara a financiar la industria bélica”. El baterista Greg Saunier fue especialmente vocal, señalando que la inversión de Ek es incompatible con cualquier compromiso serio con la cultura o la ética artística. “¿Cómo puedes defender la música y al mismo tiempo financiar el desarrollo de inteligencia artificial para bombardear gente?” — Greg Saunier 2. Skee Mask Este productor alemán de música electrónica, conocido por sus mezclas entre techno, breakbeat y ambient, ya había abandonado Spotify en 2022 en protesta por el modelo de pagos a artistas. Ahora, con esta nueva polémica, ha reafirmado su decisión públicamente, declarando que Ek “solo está interesado en tecnología de control, no en la música”. 3. Poolroom (Charlie Waldren) El joven artista estadounidense de bedroom pop y sadcore viral también decidió borrar su obra de la plataforma. A través de TikTok, expresó que “no puede permitir que su música coexista con armamento disfrazado de innovación”, y llamó a otros músicos independientes a tomar medidas similares. 4. Artistas anónimos y colectivos Aunque no todas las protestas son públicas o de figuras famosas, se ha registrado una ola silenciosa de pequeños músicos y colectivos que han comenzado a eliminar su contenido, sobre todo en escenas DIY, experimental y punk. En redes como Reddit, Bandcamp y TikTok, crece un sentimiento generalizado de rechazo hacia Spotify como modelo ético viable. Críticas colectivas y organizaciones Varios colectivos de músicos y críticos culturales han denunciado la contradicción central en el comportamiento de Ek: mientras Spotify paga entre $0.003 y $0.005 USD por stream a los artistas, su CEO canaliza sus ganancias a industrias diseñadas para la guerra y la destrucción. Entre los pronunciamientos más fuertes: ¿Estamos ante un boicot masivo? Aunque el retiro de artistas no ha alcanzado todavía un efecto dominó, esta polémica representa un punto de inflexión ético: Palabras finales La inversión de Daniel Ek en inteligencia artificial militar no es solo una apuesta financiera: es una declaración de valores. Y para muchos artistas, representa una traición imperdonable a los principios sobre los que debería sostenerse una plataforma cultural. El impacto está en curso. Quizá no veamos un éxodo masivo, pero sí un desplazamiento progresivo hacia plataformas éticamente más claras, y una pérdida de confianza difícil de reparar. Spotify podrá seguir liderando el streaming, pero tal vez lo haga sin el alma de los músicos que la convirtieron en lo que es.

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Lingua Ignota: El rugido sagrado de la furia y la redención

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Lingua Ignota no es solo un proyecto musical: es una exorcización. Un cuerpo desgarrado hecho canto. Detrás del seudónimo de resonancias místicas, se encuentra Kristin Hayter, una artista que ha reformulado los límites entre la música experimental, la composición sacra, el noise y el trauma personal como materia prima estética. Desde su irrupción en la segunda mitad de la década de 2010, Hayter ha hecho de Lingua Ignota un proyecto de culto y una declaración emocional brutalmente honesta. Sus obras no se escuchan con facilidad: se experimentan, se soportan, se encarnan. Origen y formación: de la academia a la catarsis Kristin Hayter nació en Del Mar, California. Tiene formación clásica en piano y composición, y es graduada de la Brown University, donde desarrolló investigaciones en torno a las estructuras patriarcales dentro de la música sacra. Su tesis se tituló “Burn Everything Trust No One Kill Yourself”, lo que ya anticipa el tono confrontativo de su carrera. Cansada del lenguaje limitado de la academia, creó Lingua Ignota como un canal para explorar el abuso, la misoginia, la venganza, la religión y el cuerpo femenino como campo de batalla. Su nombre artístico está tomado de una lengua inventada en el siglo XII por la mística cristiana Hildegard von Bingen, otra mujer que hablaba desde los márgenes del poder eclesiástico y patriarcal. III. Discografía y evolución 1. Let the Evil of His Own Lips Cover Him (2017) Su debut autoeditado es una obra cruda y dolorosa, grabada casi en su totalidad de forma casera. Aquí se puede rastrear el germen de su estilo: loops distorsionados, cantos litúrgicos, gritos abrasivos y una fuerte carga emocional autobiográfica. Este disco fue una bomba de tiempo en foros de música experimental, atrayendo la atención de comunidades noise y académicas por igual. 2. All Bitches Die (2017 / reeditado en 2018 por Profound Lore Records) Este fue el verdadero punto de inflexión. La reedición de All Bitches Die por el prestigioso sello Profound Lore (conocido por su catálogo de metal extremo y experimental) expandió el culto alrededor de Lingua Ignota. Canciones como “Holy is the Name (Of My Ruthless Axe)” y “Woe to All (On the Day of My Wrath)” ofrecen una mezcla devastadora de cantatas barrocas, power electronics, death industrial y dramatismo sacro. La estructura de las canciones rompe con la lógica pop: cada tema es un acto litúrgico, una misa negra que transita entre lo hermoso y lo terrorífico. El uso de referencias religiosas como lenguaje de redención y venganza es central en esta etapa. 3. Caligula (2019) Su obra maestra (hasta el momento), publicada por Profound Lore y aclamada por medios como Pitchfork, The Quietus y The Guardian. El disco incluye colaboraciones con miembros de Full of Hell y The Body, pero el protagonismo es absoluto de Hayter. Caligula es monumental, barroco, casi operístico. Aquí mezcla gritos desgarradores con pianos clásicos, orquestaciones siniestras y sampleos extremos. Canciones como “Do You Doubt Me Traitor”, que comienza como una plegaria dolorosa y termina como una declaración vengativa de empoderamiento absoluto, muestran su capacidad para convertir lo íntimo en universal. Caligula es una obra de arte total: teatral, abrumadora y profundamente emocional. 4. SINNER GET READY (2021) El álbum más espiritual y musicalmente refinado de su carrera. Abandonando el ruido industrial, Hayter explora una estética más folk, minimalista y basada en música religiosa de los Apalaches y del cristianismo estadounidense radical. Grabado en Pensilvania rural, SINNER GET READY sigue siendo intenso, pero en una clave distinta: más recogida, más contemplativa, menos colérica pero igual de devastadora. Temas como “Repent Now Confess Now” o “Pennsylvania Furnace” hablan desde un lugar de duelo más que de ira. La voz de Hayter se mantiene poderosa, pero aquí explora más el canto clásico, sin abandonar su carga emocional. IV. Temas centrales: trauma, religión, furia y transfiguración Lingua Ignota se sostiene sobre una poética que fusiona: V. Impacto e influencia Aunque su obra no está dirigida a las masas, su impacto ha sido profundo: VI. Fin de una etapa: el adiós a Lingua Ignota En 2023, Kristin Hayter anunció que cerraría el ciclo de Lingua Ignota, como acto de autocuidado y renovación. Según sus propias palabras, había cumplido su propósito: exorcizar el dolor y transformarlo en arte. Aunque sigue activa como artista (recientemente bajo su propio nombre), el proyecto Lingua Ignota es ahora una obra cerrada, un monumento personal y colectivo. VII. Conclusión: un legado escrito con sangre y luz Lingua Ignota no solo es música: es grito, liturgia, herida y sanación. Kristin Hayter no buscó consuelo en la suavidad, sino en la confrontación. Cada disco es un espacio donde el horror es enfrentado de forma radical, donde la víctima se convierte en narradora y la fragilidad se convierte en fuego. En una época saturada de discursos vacíos y superficies brillantes, su obra quedará como un testimonio ferozmente humano: imperfecto, brutal, bello y necesario. Discografía esencial:

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Yo La Tengo – Old Joy (2025): la música como espacio, memoria y emoción silenciosa

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La banda de culto por excelencia del indie norteamericano, Yo La Tengo, regresa en 2025 con Old Joy, un álbum peculiar no solo por su título sino por el tipo de propuesta sonora que encarna: no es un disco convencional de canciones, sino la publicación oficial de la banda sonora que compusieron para la película Old Joy (2006), dirigida por Kelly Reichardt. Aunque estas piezas ya se habían escuchado dentro de They Shoot, We Score (2008), compilación de sus trabajos cinematográficos, es la primera vez que esta partitura es tratada como un disco en sí mismo. Y vaya si lo merece. El origen: una película que hablaba bajito La cinta Old Joy es un relato silencioso, contemplativo y profundamente íntimo. Narra la historia de dos viejos amigos que se reencuentran para pasar un fin de semana en la naturaleza. No hay giros narrativos, no hay picos dramáticos; hay, en cambio, una profunda observación de la nostalgia, la amistad y el paso del tiempo. Es en ese espacio, en esa cadencia, donde Yo La Tengo encuentra terreno fértil para esculpir sonidos. Grabado en una sola tarde en Hoboken, Nueva Jersey, Old Joy está compuesto por seis piezas instrumentales que, en su aparente sencillez, contienen toda la sensibilidad acumulada por la banda a lo largo de sus más de 40 años de trayectoria. 🎧 Lo que se escucha (y lo que no) A diferencia de otros discos más “tradicionales” como I Can Hear the Heart Beating as One o This Stupid World, Old Joy se construye desde el susurro, el eco y la contemplación. Aquí, Yo La Tengo se convierte en un paisaje. Las guitarras eléctricas limpias, las percusiones mínimas, el uso de drones suaves y pianos reverberantes, funcionan como una banda sonora de emociones contenidas. Pistas como “Driving Home” o “End Credits” nos recuerdan a bandas como Tortoise, Brian Eno o Labradford, pero sin abandonar nunca esa calidez intransferible que define al trío. Una estética del silencio Lo que hace extraordinario a Old Joy es su negativa a ser grandilocuente. Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew —quienes también lo produjeron— se permiten desaparecer tras la música. No hay voz, no hay letra, no hay presencia de ego: solo atmósfera. Y eso lo vuelve revolucionario en un momento en el que la música muchas veces se define por su viralidad o impacto inmediato. Lo suyo es, en cambio, una resistencia elegante al ruido, una afirmación poética de que la belleza también puede estar en lo mínimo, en lo que no se dice, en lo que apenas se escucha. Una publicación que también es política La reedición y publicación en vinilo (ediciones en negro y rosa transparente, vía Mississippi Records) no es sólo una estrategia de catálogo: es una apuesta por rescatar una obra que merece su espacio autónomo. No es una rareza para completistas, es una joya de ambient lo-fi emocional, ideal para los días donde se necesita menos explicación y más resonancia. Un nuevo capítulo en una historia impecable Desde Ride the Tiger (1986) hasta This Stupid World (2023), Yo La Tengo ha pasado por fases de distorsión, pop melódico, noise rock, folk pastoral y psicodelia. Sin embargo, Old Joy conecta con esa veta instrumental e introspectiva que ya habían mostrado en momentos como And Then Nothing Turned Itself Inside-Out o sus improvisaciones en vivo. Este álbum no inaugura un nuevo Yo La Tengo, pero sí refuerza una de sus caras más conmovedoras: la del grupo que no teme desaparecer entre notas suspendidas. Para fans nuevos y veteranos Si llegaste a Yo La Tengo por sus himnos indie rock (“Sugarcube”, “Autumn Sweater”, “Stockholm Syndrome”), este disco podría parecerte demasiado calmo. Pero si los conoces por su capacidad de construir texturas, o por sus célebres sesiones en WFMU donde improvisan durante horas, Old Joy será un manjar. Conclusión: música para acompañar(nos) En un año musical dominado por lanzamientos expansivos y producciones grandiosas, Old Joy se siente como una brisa entre el bosque. Es un disco que no exige, sino que acompaña. Una música que no busca agradar, sino estar ahí. Como un viejo amigo al que no necesitas explicarle nada. Yo La Tengo no ha vuelto con este disco. Nunca se han ido. Escucha recomendada: O simplemente cuando necesites recordar que existe belleza en lo pequeño. En silencio, con audífonos. Durante una caminata al atardecer.

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5 ilustradores sobresalientes mexicanos que debes conocer

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En Depósito Sonoro comenzaremos una serie de publicaciones para visibilizar a creativos que trabajan en torno al mundo de la música desde diferentes ramas. Comenzamos con 5 ilustradores mexicanos que están redefiniendo el vínculo entre música y arte visual, que enriquecen el panorama musical con su trazo y creatividad. La música no solo se crea desde el sonido, también hay quienes la construyen desde la imagen. Conocer su trabajo. Mike Sandoval (mike_sandoval_) Por supuesto, y lo tengo clarísimo. Después de siete tortuosos años trabajando en publicidad, mi alma estaba deshecha. A raíz de que me despidieron de la última agencia en la que trabajé, decidí tomar las riendas de mi vida y, de una vez por todas, dedicarme a lo que siempre había querido: Ilustrar y que me pagaran por ello. Esto no se dio de la noche a la mañana, estuve generando una cartera de clientes previo a mi despido, trabajando con bandas de la escena local, lo cual me permitió tener un portafolio de proyectos reales que me sirvió para buscar cosas más grandes a las que ahora podría dedicarles mi atención por completo sin tener un trabajo de oficinista. Dante (sr._oper) Fue en la prepa, el skate y la música siempre han sido una fuerte influencia y fuente de inspiración para mi, recuerdo que uno de mis mejores amigos que se llama Victor me empezó a pasar discos de bandas como Nofx, No use for a name, Lagwagon, MXPX entre otras, lo que llamo mi atención fueron las portadas de algunos discos que eran totalmente ilustradas y la musica estaba muy enfocada al skate lo cual se me hizo una combinación brutal. Desde ahí supe que era lo que quería estudiar y dedicarme profesionalmente. Ratta Rodríguez (ratta_rodriguez) Los puntos decisivos fueron 2, cuando el buen Rodado Ponchado Rekordz trajo a Mamá Ladilla, una banda española a tocar a México (2016) y fue mi primer gig poster, el segundo fue con Mercadorama, ya que intenté hacer una propuesta para Maximum the Hormone y su show en el Knotfest pero nunca pude contactarlos, ahí Mercadorama conoció mi trabajo y me se armó un póster para Foo Fighters y QOTSA en Brasil, de ahí despegó todo. Salvador Verano C. (amordeveranostd) La música siempre ha estado bien presente en mi vida y ha sido una de mis pasiones; en la adolescencia aprendí a tocar la guitarra eléctrica y llegue a tener una banda con mi hermano y amigos, mi sueño era estar de gira y tocar , sin embargo la banda no prospero y eventualmente estudie diseño gráfico, un poco por la influencia de otros amigos diseñadores que tenían bandas y ellos eran los encargados de diseñar el flyer o la mercancía. Ya estudiando diseño gráfico descubrí el mundo de la ilustración y me enamoré de ello así que empece a realizar mis primeras ilustraciones, algunas de ellas influenciadas por la música. Posteriormente realice fan arts de bandas nacionales con las que crecí y así me fui a dando a conocer nacionalmente llegando a tener mis primeras comisiones y poco tiempo después también internacionalmente con la ayuda del internet hasta que conocí al colectivo Mercadorama por allá del 2017, descubrí el mundo del gigposter y me abrió muchas puertas. Alan Porter (@alan_porterrific) Desde que estudié la carrera de diseño publicitario siempre quise diseñar carteles, portadas y materiales gráficos para proyectos musicales. Estuve trabajando en agencias de publicidad y siempre que podía trataba de realizar trabajos que se fueran acercando a esta meta, en una agencia mi director creativo me presentó a Ahmed Bautista (director de Mercadorama, colectivo de artistas gráficos que se deidca a hacer carteles y merch para la industria musical) para colaborar en un proyecto relacionado al aniversario de México 68 que tiene una estética que ha sido inspiración y referente para mí estilo gráfico. Posteriormente a este proyecto hablé con Ahmed para poder mandar propuestas para hacer carteles para bandas y él me pidió que armara un book con ejemplos de mi trabajo para así poderme meter al pool de artistas del colectivo Mercadorama. Mike Sandoval (mike_sandoval_) Creo que mi estilo es una mezcla de muchas cosas: los cómics, el cine de terror, cientos de ilustradores y artistas e incluso la gráfica del skateboarding han servido como mis influencias. Dante (sr._oper) En esos años cuando empezába a crear cosas tenía como referentes a Seher One, Dr. Alderete, Saner, Mr. Kone, creo que son de los artistas y diseñadores que fueron una fuente de inspiración en esos primeros años y que sigo tendiendo como referentes ya que se mantienen vigentes y con mucha frescura en sus propuestas. Ratta Rodríguez (ratta_rodriguez) Una de mis influencias y de los primeros posters que compré, fue uno de Kraken para Black Sabbath en 2013, ese me influenció mucho para hacer lo que hago. Y artistas son muchos pero entre los que recuerdo ahorita mismo son Paul Romano, Shepard Fairey o Yōji Shinkawa. Los videojuegos también son gran influencia por todo el concept art y la dirección de arte atrás de ellos. Salvador Verano C. (amordeveranostd) En un principio descubrí el trabajo del Dr Alderete y me voló la mente su estilo que conectaba la música surf con la cultura popular, las luchas, etc y después me atrapó el arte de ilustradores mexicanos como Smithe y Mike Sandoval así como otros ilustradores extranjeros como Kevin Tong, Ken Taylor, Pedro Correa, Coop, Tara Mcpherson y de igual forma corrientes artísticas como el surrealismo, el pop art, art nouveau así como el arte popular mexicano. Alan Porter (@alan_porterrific) Desde la preparatoria empecé a ser muy fan de la banda Pearl Jam, que es una de las agrupaciones musicales estandarte en el movimiento del “Gig Poster” o póster de concierto y los Ames Bros. son unos de los artistas gráficos más importantes o que más carteles han diseñado para dicha banda entonces ellos han sido gran inspiración en mi carrera como cartelista sin dejar de lado a otros exponentes como Blumoo, Ken Taylor, Santiago Pozzi, Quique

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Clay, el nuevo disco de Matthew Herbert & Momoko Gill: Una obra maestra de introspección rítmica

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El último disco colaborativo del visionario británico Matthew Herbert junto a la polifacética Momoko Gill, Clay, llega a nuestras manos el 27 de junio de 2025 a través de Strut Records. Se trata de once composiciones que fusionan la estética electrónica y experimental de Herbert con el pulso orgánico de los tambores y la voz emotiva de Gill, dando como resultado una experiencia sonora tan íntima como expansiva Un paseo por las 11 piezas Técnica y proceso creativo Herbert, conocido por su uso de objetos de la vida cotidiana como instrumentos, incorpora desde kotos japoneses hasta sonidos de balones de baloncesto, integrándolos en un universo orgánico que parece respirar. Por su parte, Gill no es una invitada pasajera: batería, voz, composición y una sensibilidad jazz-folk que dialoga constantemente con Herber. El álbum fue desarrollado durante un año, primero a distancia, luego en sesiones cara a cara que consolidaron la química creativa del dúo. Recepción crítica & comunidad ¿Por qué Clay resuena? Conclusión Clay es mucho más que un disco electrónico o un experimento rítmico: es un diálogo íntimo entre dos artistas libres, que hablan desde las entrañas del sonido. Es contemporáneo, sincero, delicado y subrepticiamente poderoso. Un álbum para escuchar en auriculares al caer la tarde, o en club al despuntar el alba: una obra que reconcilia lo bailable con lo meditativo.

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Entrevista a Brisa Vázquez, cofundadora de Tutti Frutti

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En una charla abierta y llena de energía, Brisa Vázquez —cofundadora de Tutti Frutti, proyecto que une música latinoamericana — y actual baterista de Los Ezquisitos, comparte con Depósito Sonoro su visión sobre este lugar que tuvo sus puertas abiertas del año 1985 a 1992. La entrevista, conducida por Iván Luna Luna, explora la historia de este lugar. Su paso por Tutti Frutti —plataforma que surgió con la intención de celebrar la diversidad sonora latinoamericana— le mostró el valor de generar comunidad desde el latido musical, una lección vital para su carrera. Existen antros que marcan la vida nocturna de una ciudad. En la de México existió un pequeño bar entre los 80 y los 90 donde se armaba el aquelarre los fines de semana: el Tutti Frutti. Hoy los documentalistas Laura “Loretta” Ponte y Alex Albert buscan producir un documental con Danny Yerna y Brisa Vázquez, los artífices del también llamado “templo del underground”.    En ese tembloroso año de 1985, cuando la ciudad bailó, quienes la atravesábamos hasta el extremo norte para llegar al Tutti en realidad formábamos lo que hoy se llama una “comunidad musical”. Porque los asistentes al Tutti Frutti íbamos esencialmente a escuchar y a bailar la música que sólo sonaba entre las tornamesas de Danny y su colección de vinilos. Esa colección traída desde Bélgica y engrosada con los años ya era considerada patrimonio del under: garage, punk, new wave, psycho, glam, hardcore, cold wave, straight edge, dark, techno, cyber, rockabilly, gothic, grunge, noise… Por supuesto, caía pura fauna fina de las faldas urbanas, era un enclave de tribus subterráneas, la gente que vivía bajo el asfalto y que se enteraba del Tutti por un pitazo, por uno de sus míticos flyers, o porque algún amigo lo había iniciado. No cualquiera llegaba a la bodega del restaurante Apache 14 en Avenida Politécnico Nacional, un antro sin nombre exterior porque nunca hubo un letrero que indicara su existencia o ubicación. Llegabas por instrumentos, entrabas por la puerta de atrás y subías unas escaleras: de pronto la música te pateaba hacia un rincón psicodélico con una barra ilegal, una pista-escenario diminuta, la cabina de sonido y la cabina de tatuajes donde el Piraña tatuaba ocasionalmente. Esa barra era atendida por Brisa, que despachaba las Victorias y las bebidas con mano dura, golpeadora, la mano que hoy tunde la batería de Los Esquizitos.

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Jesse Beaman presenta una nueva fase sonora: una propuesta electroacústica íntima y minimalista

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Jesse Beaman —músico, compositor y productor— ha colaborado con figuras de peso como Sam Fogarino y Brandon Curtis (Interpol), Joe Berry (M83) y Hoshiko Yamane (Tangerine Dream). Durante la década pasada giró por más de 25 países bajo el nombre My Empty Phantom, compartiendo escenario con proyectos como Silver Mt. Zion, Julianna Barwick, Cocorosie y This Will Destroy You . En 2021 lanzó Mira, su primer álbum bajo su propio nombre, producido por Brandon Curtis. El resultado es un trabajo cuidadosamente construido, con loops, sintetizadores y piano minimalista que crecen de forma pausada, revelando texturas y atmósferas sutiles. Este 2025, Beaman presenta una nueva fase sonora: una propuesta electroacústica íntima y minimalista. El álbum se gestó durante 2023 mientrascompuso en las montañas cerca de Ciudad de México. Antes de lanzarlo, lo puso a prueba en vivo para sus presentaciones a inicios año realizadas en México, Chile, Argentina y Brasil, afinando dinámicas y estructuras con base en la respuesta del público. Recientemente ha lanzado el primer sencillo de este material de larga duración bajo el nombre de “What Was There Now Is Not”, anunciando que el estreno del álbum completo será el próximo 11 de Julio y que estará exclusivamente en distribución por medio de Bandcamp y Youtube. En cuanto a presentaciones en vivo a futuro, este verano 2025 abrirá para This Will Destroy You en EE.UU. y Canadá, destacando lugares como The Chapel (San Francisco), Meow Wolf (Denver) y Lincoln Hall (Chicago). Además, en 2026 se anuncia una gira junto a Tangerine Dream. Con este giro, Jesse fusiona su experiencia DIY, trabajo con loopers y sensibilidad minimal en una nueva firma musical: más personal, directa y cargada de atmósfera, sin renunciar a su énfasis en la exploración sonora y la cercanía con el público.

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BRUIT ≤: Arquitectura sonora desde Toulouse al corazón del post-rock contemporáneo

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BRUIT ≤ emerge como un proyecto que trasciende géneros, etiquetas y fórmulas. Esta banda francesa, oriunda de Toulouse, ha logrado trazar un camino tan audaz como refinado dentro del post-rock, el neoclásico y la experimentación electroacústica, convirtiéndose en una de las propuestas más emocionalmente resonantes y conceptualmente comprometidas de la última década. Un origen sin concesiones Formado por violinistas, cellistas y músicos con formación académica, BRUIT ≤ (que se pronuncia brü-ē) nace como un proyecto instrumental, sin vocales, pero cargado de discurso. Su nombre, que en francés significa “ruido”, está acompañado del signo “menor o igual que”, una declaración visual de su posición crítica frente al estado actual de la música industrializada: menos ruido, más sustancia. En sus propias palabras, BRUIT ≤ busca hacer “una música que no grite más fuerte, sino que diga más”. Estética sonora: entre la sinfonía y el colapso La música de BRUIT ≤ se sitúa en un delicado equilibrio entre lo orquestal y lo distorsionado. Las composiciones son extensas, densas, estructuradas como movimientos sinfónicos que evolucionan con una intensidad cinematográfica. Su uso del violín, cello, guitarras procesadas, sintetizadores modulares y grabaciones de campo construyen paisajes sonoros que van desde la melancolía pastoral hasta la furia tectónica. Influencias como Godspeed You! Black Emperor, Mogwai, Stars of the Lid, Steve Reich o Arvo Pärt se filtran sutilmente en su paleta, pero BRUIT ≤ ha sabido forjar un lenguaje propio: no hay gratuidad en su grandilocuencia, ni post-rock para playlist. Discografía esencial Monolith (EP, 2018) Debut breve pero poderoso. Un manifiesto sonoro con capas que revelan una urgencia emocional y precisión compositiva. Aquí se delinean los cimientos de lo que vendría después. The Machine is burning and now everyone knows it could happen again (2021) Su primer LP, ampliamente elogiado por la crítica, es una obra conceptual sobre el colapso de los sistemas modernos y la necesidad de retornar a lo esencial. Cada track es una meditación sobre la decadencia estructural, la ecología, el tiempo y la esperanza, todo envuelto en un dramatismo cuidadosamente contenido. Con piezas como “Industry”, “Renaissance” o “The Machine Is Burning”, BRUIT ≤ logra lo que pocos en el género: hacer política sin palabras, solo con sonido. A Floating World (2023) Una evolución hacia lo más etéreo y espiritual. Este disco, que juega con el concepto japonés de ukiyo, transita por atmósferas más introspectivas sin perder la fuerza narrativa. Aquí se exploran la impermanencia, la memoria y la belleza de lo efímero, en una suerte de post-rock zen. Una banda con pensamiento Más allá de su virtuosismo técnico o su estética envolvente, BRUIT ≤ representa una resistencia ética y estética dentro de la música instrumental. Rechazan activamente el algoritmo, el click fácil, el contenido masticado. En sus presentaciones, se oponen a la mercantilización de la experiencia artística y abogan por el arte como acto transformador. Ellos no hacen música de fondo. Su música exige escucha. Y recompensa con sentido.

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