Depósitio Sonoro

DepósitoSonoro

Desde 2018. Contenido musical | Podcasts | Videos y Sesiones | Talleres OnLine Amplificador de ondas musicales. ((()))

Mira el documental The devil and Daniel Johnston, sobre la vida de este artista

Un genial documental que analiza la fascinante y terrible historia del cantautor norteamericano Daniel Johnston, fallecido el 10 de septiembre de 2019. “El documental descubre la fascinante y terrible historia del cantautor estadounidense Daniel Johnston (Sacramento, California, 22 de enero de 1961-Waller, Texas, 10 de septiembre de 2019). Un genio, compositor, cantante y artista maniaco depresivo a quien las drogas y la enfermedad mental llevan a imaginarios encuentros con el diablo. Desde muy pequeño, Daniel mostró rasgos de su genialidad y creatividad artística a través de sus comics y grabaciones en Super 8. “The Devil and Daniel Johnston” sigue al personaje y muestra también cómo se transforma en objeto de culto apoyándose en las grabaciones del propio Daniel Johnston”, señala el sitio www.filmin.es/ Sus canciones han sido calificadas como atormentadas, presentando una mezcla entre naif y música tenebrosa. En sus primeras grabaciones, Johnston cantaba en un registro alto, pero a lo largo de la década de 1990, su voz adquirió un nuevo carácter, tono y estilo completamente distinto en cuanto a registro y dicción. Este cambio puede haberse debido al efecto de su tabaquismo o por la pérdida de piezas dentales. Sus presentaciones, a menudo, parecían vacilantes e inciertas. ​

Mira el documental The devil and Daniel Johnston, sobre la vida de este artista Leer más »

Adiós a Lee «Scratch» Perry, gracias por tu magia en el dub y el reggae

La música te hace vibrar y viajar, sin caer en lugares comunes, esto en el dub realmente es literal, cuando estás lo suficientemente cerca de un Sound System, puedes sentir como tu cuerpo tiembla involuntariamente con los robustos y aletargados sonidos que emanan de esas enormes paredes con bafles apilados que conforman el sistema, es en ese momento donde comienza realmente el viaje. Si tuviera que elegir una “santísima trinidad” del dub, estarían, Augustus Pablo, King Tubby y por supuesto, Lee “Scratch” Perry, hechicero de la disrupción, poderoso transgresor e iconoclasta del género. Desde su fortaleza infranqueable en la isla de Jamaica, los Black Ark Studios creados en 1973, logró dar su toque mágico a muchos de los discos y músicos más importantes de la isla. Desde sus inicios con The Upsetter (1969) o Return of Django (1969) la magia del alquimista que fue tocado por Jah se hizo notar; no sólo permeó algunos de los mejores discos de Robert Nesta Marley y su tribu, si no también a otros como Junior Murvin, The Congos, Max Romeo o hasta Adrian Sherwood y The Orb, entre muchos otros. Todas las leyendas alrededor del mito de su vestimenta estrambótica multicolor, se pueden corroborar en “The Upsetter:The Life and Music of Lee Scratch Perry” (2008) de Ethan Higbee y Adam Bhala, documento cinematográfico donde el propio Lee nos habla sobre su universo, filosofía de vida, la importancia de la vibra espiritual y el fluir en el tiempo, como su sonido característico y forma de producción en los Black Ark Studios originales que se incendiaron y hasta su nueva vida con su esposa en Suiza. En México, la primera vez que se pudo constatar su magia en vivo, fue un 8 de junio de 2012, en el ya extinto Salón Cuervo junto a Mad Professor con una densa nube de ganja que se ceñía sobre la multitud congregada, fue una noche inolvidable. La última vez fue un 12 de Septiembre de 2019 en el Foro Indie Rocks junto a Subatomic Soundsystem con un Lee eufórico y lleno de vida, esa sería su despedida de este país. Su invaluable legado se queda con nosotros en la música, ayer su espíritu abordó la nave a otro viaje sin retorno, gracias por tu magia, hechicero del dub.

Adiós a Lee «Scratch» Perry, gracias por tu magia en el dub y el reggae Leer más »

Entrevista a los cubanos Toques del Río, 19 años fusionando ritmos

Entrevistamos a Toques del Río, agrupación explosiva y dinámica, fundada en 2002 en la ciudad cubana de Pinar del Río. En sus comienzos hacían música flamenca fusionándola con la música cubana y ritmos foráneos con 2 guitarras flamencas, cajón, bajo eléctrico y un cantaor. Con el pasar de los años comenzaron a mezclar diferentes géneros y ritmos, marcando siempre ritmos caribeños, mambo mezclado con polka, rock, timba, son y funk, sobre estructuras de la música cubana. 1.- ¿Todos son cubanos? R/ Sí, todos somos cubanos. 2.- ¿Cómo definirían su música? R/ Bueno, desde nuestra perspectiva, hacemos música total porque trabajamos un amplio espectro de géneros musicales, desde lo local a lo universal y siempre con la intención de divertir y sosegar a las personas. 3.- Vimos un concierto en Youtube de ustedes subido en mayo de 2021, ¿han hecho conciertos presenciales durante la pandemia? R/ La situación sanitaria no nos ha permitido realizar conciertos presenciales, hasta el momento solo han podido hacerse sin públicos y para transmitirse de manera on-line. 4.- En este sentido, ¿cómo han vivido esta pandemia en su país, nos referimos a nivel musical? R/ Hemos tenido que reinventarnos hasta para ensayar, pero la tristeza más grande en la parte musical hablando, es ese que extrañamos el calor del público, la interacción. Nos llenan de vida y simplemente en estos momentos, está congelado en el tiempo. No sabemos cuándo volveremos a nuestros espacios habituales de presentaciones. 5.- ¿Qué esperan sus seguidores en su música? Lo preguntamos porque muchas veces los fans cierran un poco el margen de maniobra de un músico al esperar que siempre suenen casi igual, parecido o al menos con los sonidos que lo tienen acostumbrados. R/ En este caso, cuando decidimos hacer lo que es hoy Toques del Río, lo primero fue divertirnos nosotros mismos, eso se fusionó con la energía de la banda en el escenario y nos funciona hasta hoy. El público nos pide precisamente eso, sin enmarcarnos en ningún géneroen específico, gracias al funcionamiento de la agrupación seguimos divirtiéndonos y divirtiendo a nuestro público. 6.- ¿De qué hablan sus letras?  R/ Nuestras letras hablan de situaciones, vivencias de nosotros, amores y desamores, no a la violencia, a los errores, pero todo desde el respeto a los demás. 7.- Cuéntenos un poco sobre el panorama general musical en Cuba, digamos, de 10 años para acá, ¿qué músicos cubanos podrían recomendar a nuestros lectores?  R/ Estamos orgullosos de nuestro panorama musical y te pudiera estar recomendando muchos, es difícil escoger, pero te mencionare algunos y que me disculpen los que falten, pero igual están en nuestra preferencia, Van Van, Síntesis, Habana D’ Primera, X Alfonso, Septeto Santiaguero, Interactivo, Cimafunck, Alain Pérez, Tendencia, Roberto Fonseca, Omara Portuondo, Roly Berrio, Haydeé Milanés, bueno bueno, son tantos que tampoco quiero aburrir sin discriminar a nadie… 8.- ¿Actualmente cómo distribuyen su música en la Isla para que sea más escuchada? R/ Realmente no tenemos un mecanismo que funcione para que llegue a toda la isla nuestra música, o para no ser absolutos, es poco. Simplemente las personas se van pasando de móvil a móvil, en memorias usb, discos, no sé en realidad. Lo que si te puedo decir es que nos han sorprendido mucho, pues cada vez que llegamos a algún lugar, la mayoría cantan nuestras canciones. También, vale agregar, que tratamos de tener nuestras redes sociales, lo más actualizadas posibles sobre lo que está trabajando Toques del Río. 9.- ¿Han tocado en el extranjero? R/ No hemos tenido el gusto, quisiéramos la verdad, teníamos algunos planes en el año 2020, pero la situación de la pandemia mundial puso en pausa todas las planificaciones de presentaciones. 10.- ¿Qué discos, películas o libros podrían recomendarnos que sea de su inspiración en la banda? R/ Ufff, realmente no había pensado en eso, pero todo tiene que ver, te pudiera decir algunos: los libros de El Señor de los anillos, El viejo y el Mar. Películas Fresa y Chocolate, Habana Blues entre otras… 11.- ¿Quiénes fundaron la banda y cuándo y quiénes forman la actual alineación? E/ Toques del Río se fundó en el 2002 haciendo música flamenca fusionándola con la música cubana y ritmos foráneos con un formato de 2 guitarras flamencas, cajón, Bajo eléctrico y un cantaor. Este formato fue evolucionando y en el 2013 se renovó, cambio totalmente la banda y creció hasta el formato actual. Somos 13 músicos en escena con un formato que cuenta con Drums, congas, miceláneas, Bajo eléctrico, Guitarra eléctrica, piano y teclados, 2 trompetas, saxo alto, saxo tenor, y 3 cantantes. 12.- ¿Quieren agregar algo más?R/ A pesar de la situación actual, seguimos creando y estamos trabajando en nuestro segundo CD en el cual tendremos muchas sorpresas. Deseando que en un futuro inmediato podamos seguir brindando nuestra música y energías al público, no solo de Cuba, también al mundo. Gracias. ¡Saludos desde Ciudad de México!Gracias a ustedes por la entrevista, Salud y Música.Zeney Alonso, director de Toques del Río

Entrevista a los cubanos Toques del Río, 19 años fusionando ritmos Leer más »

Perfil sobre Stars of the Lid y su disco The Ballasted Orchestra

The Ballasted Orchestra es el tercer álbum de estudio del dúo Stars of the Lid y el primero en tener su lanzamiento inicial en Kranky. Fue lanzado simultáneamente como un LP doble y un solo CD en marzo de 1997. El álbum presenta composiciones mínimas, monótonas, de duración variada, algunas de las cuales se mezclan entre sí. La pista “Taphead” es una referencia a la canción Talk Talk del mismo nombre, mientras que “Music for Twin Peaks Episode # 30 Part I” y “Part II” se nombran como un tributo al programa de televisión de culto. En términos generales, los discos más aclamados del grupo de ambient de Texas son The Tired Sounds y Refinement of the Decline, los cuales son discos más elegantes y minimalistas que también son muy, muy largos. Es el tipo de registro en el que resaltar pistas específicas frustra el propósito, ya que un álbum de drones de 70 minutos no es uno para los éxitos, pero si lo presionan para nombrar mis momentos favoritos, serían “Fucked Up (3:57 AM ) y “Platillo de 24 pulgadas ”, que por lo que recuerdo es una pista extra de vinilo. Cada uno de estos es un escaparate de un tipo de oscuridad atractiva que Stars of the Lid hace con tanta maestría. Es el tipo de ambient que puedo escuchar una y otra vez, pero sobre todo en los días grises y oscuros. The Ballasted Orchestra es largo, en gran parte porque tiene una suite completa en su segunda mitad que se supone que es la partitura de un episodio de Twin Peaks que no existe. Pero donde se diferencia de esos es que existe en un reino más siniestro, sus drones (que son creados principalmente por guitarras) tienen una calidad inquietante y misteriosa, algo que lo distingue de la belleza más trascendente de sus discos posteriores. El álbum fue elogiado por la crítica. Stephen Cook, que escribe para Allmusic, declaró: “Tomando hitos ambientales como la grabación Apollo de Brian Eno, Brian McBride y Adam Wiltzie de Stars of the Lid, crean 8 gemas flotantes con toques de ruido industrial y atmósfera de la banda sonora de películas. Aquí no hay baterías ni guitarras ruidosas, solo bloques oscuros y elegíacos de sonido etéreo que toman de 12 a 18 minutos en un pop. El efecto de este disco es a la vez calmante y provocador. Este dúo de música ambiental formado por Brian McBride y Adam Wiltzie, en Austin, Texas en el año 1993, tiene entre sus influencias compositores minimalistas y electrónicos como Arvo Pärt, Zbigniew Preisner, Gavin Bryars y Henryk Górecki, además de Talk Talk, los artistas del post-rock Labradford y el innovador ambiental. Brian Eno. Sus composiciones son en gran parte paisajes sonoros sin ritmo, compuestas por guitarras con zumbido, tratadas con efectos junto con piano, cuerdas y trompetas… Su sonido ha sido descrito como “un zumbido divino.

Perfil sobre Stars of the Lid y su disco The Ballasted Orchestra Leer más »

Reseña de Forest Epiphany, el nuevo disco de Alina Sánchez

Encuentra 10 diferencias entre escuchar Forest Epiphany de Alina Sánchez o ir de paseo al bosque y encontrarte con una revelación quizá el próximo encuentro contigo mismo en las profundidades del fango quizá, o en medio por los primeros rayos de sol que atraviesan las ramas proyectando SOMBRAS en un background en blanco y negro. Una obra a veces melódica y arrítmica pero con una extensa melancolía en su compleja sencillez. Para escuchar la música de Alina Sánchez debemos de entender que estamos viendo fotografías donde el oído desaparece para dar rienda suelta a los giros de un proyector analógico que una y otra vez atraviesa el tiempo y se apodera de las paredes blancas de la intimidad. No se trata de 9 tracks solamente, sino 9 de objetos físicos completamente palpables y muy bien ubicados por el sentido de la vista que ocupan un espacio y nos muestran en su volumen revelaciones iluminadas por un rayo que al partirnos en dos nos ilumina. Lanzado este 2021 en un contexto apocalíptico, fue producido y editado con algunas copias en físico por Alina, lo que le da un plus a esta obra, un valor agregado. Música de autor con todos los procesos de una artista independiente. “Alina Sánchez (1983, México). Es una artista multidisciplinaria egresada de la licenciatura en Artes Visuales, de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2009-2012). El live cinema, videoarte, la fotografía, el gif, las exploraciones sonoras e instalaciones in situ, han sido los principales medios y soportes para dar salida a su distintas búsquedas: el cuestionamiento de la existencia, la fragilidad del ser y la contemplación como medio de reflexión. En su obra ha dejado constancia de su exploración e investigación de conceptos relacionados con lo efímero, la catástrofe, la nostalgia y la trascendencia; se vale del lenguaje poético y metafórico; de la intuición y del azar como herramientas fundamentales para creación. “La naturaleza ha influido mi pensamiento respecto a la idea de lo transitorio, ya que el cuerpo muere, pero se expande en la naturaleza, se deja caer, y en esa evanescencia hay musicalidad. Todo perece, todo nace de nuevo”. Conoce en este link más sobre su trabajo. TEXTO POR: LUCIA TINTO

Reseña de Forest Epiphany, el nuevo disco de Alina Sánchez Leer más »

Marc Ribot lanzará el libro “Unstrung: Rants and Stories of a Noise Guitarist”

El gran guitarrista Marc Ribot, que ha tocado con Tom Waits, The Lounge Lizards, Elvis Costello, John Zorn y muchos más, lanzará su primer libro titulado: Unstrung: Rants and Stories of a Noise Guitarist, el 3 de agosto a través de Akashic Books. Ha participado en proyectos eclécticos que van desde el free jazz hasta la música cubana. El libro incluye historias de sus más de 40 años como músico, así como ensayos, reflexiones filosóficas, cuentos y “el ocasional ‘maltrato’ de películas no filmables”. De la contraportada del libro: En la primera sección del libro, “Mentiras y distorsión”, Ribot dirige su atención a su instrumento: “mi relación con la guitarra es de lucha, constantemente lo estoy forzando a ser otra cosa”, y reflexiona sobre sus influencias (y amigos) como Robert Quine (The Voidoids) y el productor Hal Willner (Saturday Night Live), mientras presenta una súplica apasionada en nombre de los derechos de los artistas. En otra parte, vislumbramos fragmentos de la vida de Ribot como músico viajero: captura tanto la monotonía de las giras como los pequeños momentos de belleza y desesperación en la carretera. En el corazón de la colección, “lo sentimos, estamos experimentando dificultades técnicas”, Ribot ofrece historias cortas de humor perverso que sintetizan los mejores elementos de la tradición absurda rusa con el peso imaginativo de George Saunders. En conjunto, estas historias y ensayos cimentan la posición de Ribot como una de las voces más dinámicas y creativas de nuestro tiempo. Marc promoverá ‘Unstrung’ en una breve gira virtual de libros en agosto: el 7 de agosto con la tienda City Lights de San Francisco, en conversación con Elliott Sharp (a través de Zoom); 8 de agosto con la tienda Word de Brooklyn, en conversación con Greg Tate (a través de Crowdcast); y el 15 de agosto con Book Cellar de Chicago, en conversación con Kurt Hollander (vía Zoom). Dando clic aquí lo puedes comprar.

Marc Ribot lanzará el libro “Unstrung: Rants and Stories of a Noise Guitarist” Leer más »

Entrevista con el español Nueva Desconocidos, música que surgió en una habitación

Nueve Desconocidos estrenó hace poco su nuevo sencillo “Llagas” que cuenta con una versión de la canción “Puente”, de Gustavo Cerati estaría encantado de escuchar. 1.- Sin duda 9 Desconocidos nos suena a ritmos evolutivos para la darkwave y new wave. ¿Cómo nació la idea de ese proyecto? Nueve Desconocidos surge en mi habitación, conmigo mismo, mis instrumentos y un ordenador. Previamente a Nueve Desconocidos tenía un proyecto llamado Dogma 95, un poco mas enfocado al sonido etéreo del Shoegaze y cantando principalmente en ingles. A finales del 2019 decidí empezar a componer únicamente en Castellano, ya que la experiencia de escribir en tu idioma es bastante mas enriquecedora a mi parecer. Decidí también pasar de un sonido mas orgánico a uno bastante más sintetizado, esto no tuvo un motivo de peso, simplemente me quería centrar en los sonidos más oscuros de los 80 y los 90. Aún así creo que la música que hago actualmente también bebe de alguna manera del Dream-Pop y el Shoegaze, ya que son géneros que consumo mucho a diario. 2.- ¿Cuánto tiempo llevas tocando con 9 Desconocidos y cuál es tu discografía? El proyecto comenzó a tomar forma en 2020, cuando decidí centrarme en el unicamente. A comienzos del año pasado empecé a subir música bajo este nombre y desde entonces no he parado de grabar en casa ideas y canciones para Nueve Desconocidos. Actualmente hemos lanzado 4 canciones, que en orden cronológico son: “Todos mis Cristales”, “Preguntas”, “Llagas” y la versión que lancé de “Puente”, de Gustavo Cerati 3.- Háblanos un poco de tus influencias, ya sean musicales o de otra índole, como podrían ser literarias, fílmicas, deportivas, etc. Musicalmente tengo muchas influencias de distntos sitios, muy dispares entre sí. Intento no imitar a ningún grupo ni basarme completamente en un solo subgénero, ya que me parece bastante más enriquecedora la experiencia de componer al libre albedrío. Me gustan mucho Tubeaway Army/Gary Numan y Depeche Mode, quizá esa busqueda de la mezcla entre la música oscura y el pop sea algo que comparta con estos dos grupos. Tambien escucho mucho a John Maus. Durante la producción del disco estuve escuchando mucho a Gainsbourg y las canciones que hizo para muchos otros artistas, a los Chichos, las Grecas o a Mort Garson o a Esplendor Geométrico. Supongo que todo esto también ha influido de alguna manera en mi música. Veo muchas películas, también dispares entre si respecto a géneros, épocas etc.. Me gustan mucho Gregg Araki, Bergman, Korine o Von Trier. Respecto al deporte he de decir que no sé mucho sobre nada. Nunca jugué a futbol ni a nada parecido. 4.- Tus últimos sencillos fueron creados durante buena parte de la pandemia, ¿cómo creaste los tracks, cuál fue tu proceso de trabajo en busca de inspiración? Si, de hecho la mitad del disco la compuse/produje durante el confinamento. Creo que la angustia y la soledad de estos meses propiciaron la inspiración para componer, aparte todo el tiempo libre que teníamos todos. Los creé en mi cuarto, con las persianas bajadas y con mis sintetizadores. 5.- ¿Cuál les gustaría que fuera el alcance de tu música? Nos referimos, que sea solo sean canciones para escuchas en internet, o piensas sacar algo en formato físico, o quizá hasta tener ya presentaciones presenciales. Hace un par de meses tuve mis dos primeros conciertos y me lo pase genial. El 15 de agosto tocare en Barcelona junto a mi amigo Gerard (Él Último Vecino). Mi disco, que saldrá en octubre, también saldrá en físico, me muero de ganas por tener una copia del vinilo, es un sueño al que he aspirado desde que comencé a hacer música propia. 6.- ¿Qué aparatos o programas usas para crear tus canciones? Utilizo un Nord Lead, que es un sintetizador analogo/virtual, se pusieron muy de moda en los años 90. Utilizo también un órgano de color beige, el Yamaha ps20, lo compré en un rastro hace 6 años y desde que lo adquirí lo he usado para prácticamente todo. Hace poco leí que la mayoría de las canciones de Beach house están hechas también con él. También utilizo un modulo de Roland, el jv2080. Hace poco adquirí un Moog Prodigy y un Yamaha cs40m, ambos los utilicé para el cover de “Puente”, estoy enamorado de ellos. Y lo ultimo que compre fue un korg m1, que estoy deseando usarlo. En cuanto a guitarras creo que para el disco solo he usado mi Fender Mustang del 69 y una Telecaster que tengo por casa. Bajo utilicé un jazz bass Ibanez de los años 70. Para grabar todo esto y producir las canciones utilizo Ableton. Es el programa que llevo usando desde que comencé a hacer música y me parece el mejor DAW. 7.- ¿En qué otros proyectos has trabajado en tu carrera como músico? Estudié 10 años de Conservatorio, de guitarra clásica y violonchelo. Aparte de eso, respecto a música propia, solo he lanzado música como Dogma 95 y como Nueve Desconocidos. 8.- ¿Algo que deseen agregar? ¡Muchas gracias por hacernos esta entrevista! Estoy deseando viajar a México para tocar y conocer el país.

Entrevista con el español Nueva Desconocidos, música que surgió en una habitación Leer más »

Mira el concierto de Fantômas en México en 2005

Dentro de las actividades de Radar 4: Espacio de exploración sonora, en el marco del 21 Festival de México en el Centro Histórico, se presentó la banda estadounidense Fantomas, compuesta por el guitarrista de la banda Melvins, Buzz Osborne; Dave Lombardo, ex baterista de Slayer, y el bajista de Mr. Bungle, Trevor Dunn, además de Mike Patton. El concierto fue el 28 de abril de 2005 en el Salón México. Navegando por YouTube nos encontramos con este video, que si bien no tiene la mejor calidad de audio y video, nos funciona para darnos una aproximación de lo que fue esa inolvidable noche. Parte del equipo de Depósito Sonoro estuvo presente. Fantômas se creó 1998, el conjunto comandado por Patton, también vocalista del grupo Tomahawk, adoptó el nombre de Fantômas en homenaje a un conocido antihéroe de la legendaria serie de historietas francesas de crimen. Fue hasta 1999, después de su debut en San Francisco, que la agrupación pudo grabar su álbum debut homónimo y con el cual inauguró el sello discográfico de Mike Patton, Ipecac. Durante esta legendaria en el Salón México ubicado en el Centro del Distrito Federar, presentación en la que Fantômas dio a conocer a sus seguidores mexicanos su más reciente disco de aquel entonces: Suspended animation (2005), durante un espectáculo de alrededor de 50 minutos que conjugó la energía del metal con ambientes experimentales y cinemáticos. Después de su actuación en el Salón México, Fantomas se dirigió para estar en el Festival Coachella 2005. En total hubo 1,500 espectadores y el costo del boleto fue de $300. Con información de La Jornada.

Mira el concierto de Fantômas en México en 2005 Leer más »

Scroll al inicio