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Así le paga Spotify a los artistas

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Se ha hablado mucho sobre si los artistas están ganando menos que antes ahora que existe la música en streaming, tanto que hasta algunos artistas no han querido subir sus canciones a plataformas de streaming. Sin embargo, a los talentos no les queda de otra que hacerlo. De todos modos aún queda uno que otro que se queja de la manera en la que Spotify les paga así que la app sacó un video en el que explica cómo funciona su sistema. Primero que nada, Spotify no les paga a los artistas sino a los dueños de los derechos de las canciones (que algunas veces son las disqueras) y ya las disqueras distribuyen a los artistas, eso no lo controla Spotify. Hay disqueras que les dan más y hay algunas que les dan menos, eso depende del contrato que tengan con sus talentos. Spotify les paga a las disqueras el 70% de los ingresos y ellos se quedan el 30%; YouTube y la App Store tienen el mismo split. Lo que hace Spotify es que suma todo el dinero que le entra en cada país, esto es el que cae de suscripciones más el que cae de publicidad (que escuchan los que no tiene premium) y todo ese dinero lo divide 70–30. Con el 70% de los artistas ahora hace lo siguiente, lo reparte según el porcentaje que tenga un artista de reproducciones conforme a todas las reproducciones del país. Es decir, si en México hubo 100 reproducciones en mayo, y una canción la reprodujeron 10 veces, entonces el 10% de ese 70% se va para el artista. No te pagan por reproducción, sino por marketshare, por así decirlo. Es por eso que no es buena idea sacar tu single el mismo mes que lo saca algún artista muy reconocido como Bad Bunny, ya aunque las reproducciones aumenten 1000%, no ganará mucho share del mercado y no van a pagar tanto. Los artistas tienen que empezar a conocer y a enfocarse en mejores estrategias digitales también. ¿Sabías que funcionaba así? Checa este video:

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Álbumes pioneros del Stoner Rock y Stoner Metal ideales para el 4/20

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El Stoner es un subgénero del rock y del metal con gran influencia del rock psicodélico de fines de los años 60 y principios de los 70. Está conectado tanto con el rock alternativo como con el heavy metal. El stoner rock habitualmente usa tempos de lentos a medios y presenta guitarras afinadas grave, un sonido pesado de bajo y​ en ocasiones voces melódicas. La marihuana y la música pesada se han complementado durante décadas, desde que Ozzy Osbourne hizo pública su afinidad; y con ello nació el stoner rock (al menos el concepto). El stoner rock, sin embargo, no requiere que la música sea conceptualmente sobre marihuana, solo que evoca una cierta sensibilidad psicodélica nebulosa que evoca una especie de humo, como con el fuzz de la banda Sleep. Hoy en día existen infinidad de bandas con diferentes ramificaciones dentro del género, podemos encontrar en casi todos los países de Occidente varias bandas representativas, ahora hablaremos sólo de algunas de las más importantes o las que iniciaron el género, faltan bastantes, aquí daremos solamente una pincelada. Black Sabbath – Master of Reality (1971; Warner Bros.) A Black Sabbath se le ha atribuido el mérito de inventar esencialmente el heavy metal, así como el doom metal con los cantos fúnebres y lentos de su álbum debut, por lo que es lógico que la banda más importante de la música pesada también sea responsable de inventar el stoner rock. Kyuss – Welcome to Sky Valley Kyuss refinó el arte de la pesadez psicodélica al final de su carrera con Welcome to Sky Valley. La colección más concentrada y cohesiva de las jams de “rock del desierto” de la banda, Sky Valley, fue secuenciada de una manera que permitió que las pistas se mezclaran entre sí, agrupadas en grupos de 3 para una escucha óptima del vinilo (con mejora química opcional). Melvins – Stoner Witch (1994; Atlantic) Melvins siempre han sido bastante extraños en lo que respecta al metal y al hard rock, aunque, con mucho, no son la banda más extraña que termina en un sello importante, pero siempre se han caracterizado por tener un sonido muy propio. Dentro de las primeras pistas de Stoner Witch, la banda muestra su rango en algunos cambios bastante amplios, desde el lento y fangoso trabajo de “Queen” al galope del riff maníaco de “Sweet Willy Rollbar”, y se meten en un carril experimental infernal con varios minutos de retroalimentación y ruido al abrir “Magic Pig Detective”. Monster Magnet – Dopes to Infinity (1995; A&M) Este LP de Monster Magnet ofrece una versión casi de buen gusto de su embriagador heavy metal. Su rango se puede escuchar fácilmente en las pistas consecutivas “Ego, the Living Planet”, llenas de una producción arremolinada del fuego del infierno y el himno de folk oscuro “Blow‘ em Off “. Fu Manchu – In Search Of… (1996; Mammoth) Fu Manchu vivieron una vida inicial como una banda con esencia punk. Sin embargo, en lugar de sumergirse en el thrash o el death metal, la banda buscó refugio en sonidos del vintage y el proto-metal como Blue Cheer o Black Sabbath. In Search Of … se parece un poco a lo que podría sonar el valor de un álbum completo de “Sweet Leaf”. Electric Wizard – Dopethrone (2000; Rise Above/The Music Cartel) Los maestros británicos del stoner-doom Electric Wizard dejaron bastante clara su misión en la portada de su titánico álbum de 2000 Dopethrone: un mago con cuernos con una barba retorcida fuma una pipa que parece del tamaño de su cara. Más que la mayoría de los álbumes en el canon stoner / doom, Dopethrone es un material brutal y un tanto diferente al Stoner convencional. Sleep – Dopesmoker (2003; Tee Pee) El Dopesmoker de Sleep definitivamente se apoya más en el metal. Existe un argumento para que la titánica grabación del trío de Bay Area sea el álbum más pesado de todos los tiempos. Una sola pista que dura más de una hora, Dopesmoker es Sleep en su forma más potente y cósmica, entregando riffs épicos que son tan poderosos como psicoactivos.

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#Perfil sobre la banda CAN, un todo sublime

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CAN, es a veces una banda más difícil de hablar que de simplemente experimentar. Sus mejores momentos a menudo vienen en forma de pistas largas de más de 15 minutos que los encuentran explorando los confines más lejanos de una idea musical singular, ya sea un atasco de funk, un rock psicodélico o un collage sónico inspirado en Stockhausen. A menudo tomaron rumbos radicalmente diferentes de una canción a otra, y abrazaron lo difícil y oblicuo de una manera que incluso los actos más extravagantes de los años 60 y 70 no lo hicieron, ya sea a través de los gritos abrasivos de cualquiera de sus dos primeros vocalistas principales o su frecuente adopción de la improvisación sobre la composición. Cuando colocas todo esto en una página, no parece que las piezas deban conectarse. Pero musicalmente, convergen en un todo sublime. Influyente hasta un grado absurdo, puede tener el tipo de reputación que también han disfrutado bandas como Wire y The Velvet Underground, una especie de atractivo de “todos los que escucharon este álbum comenzaron con una de tus bandas favoritas”. Y eso es esencialmente cierto; Radiohead, The Flaming Lips, Caribou, Stereolab, Broadcast, Pere Ubu, Public Image Limited, The Fall, Sonic Youth… la lista sigue y sigue. Eso tiene mucho que ver con las innovaciones en las que se embarcó la banda en sus primeros años, desde armar piezas de sesiones de improvisación extendidas en algo parecido a una canción de rock hasta la idea muy básica de la banda en sí, que era que ningún músico era un músico. Más importante que todo, rompiendo el concepto de una banda de rock y reconstruyéndolo en una especie de utopía sobrenatural. Formado en Colonia, Alemania, en 1968, Can comenzó con el teclista Irmin Schmidt, quien encontró inspiración en la ciudad de Nueva York 2 años antes (en sus palabras, estaba “corrompido”) a través de compositores minimalistas como La Monte Young y Steve Reich, así como la esfera cultural de Andy Warhol. Se unió a Holger Czukay y David C. Johnson en Alemania, los 3 músicos clásicos y estudiantes de Karlheinz Stockhausen, y finalmente comenzó a experimentar con nuevos sonidos, invitando más tarde al baterista Jaki Liebezeit y al guitarrista de 19 años Michael Karoli a unirse a ellos. Johnson se fue poco después y la banda adoptó el nombre de Inner Space antes de cambiarse el nombre a Can y completar la formación con el primer cantante Malcolm Mooney. La experiencia y el interés únicos de la banda tanto por el funk como por la vanguardia, el free jazz tanto como el rock, es en última instancia lo que alimenta su híbrido único, un sonido que a menudo se ha tomado prestado pero nunca se ha duplicado realmente. En realidad, ninguna banda pudo hacerlo; incluso pueden ellos mismos transformarse en algo más libre y menos limitado por las restricciones de las listas de canciones y la formalidad estructural en el escenario. Pero, en última instancia, es el pedigrí único de la banda y los elementos inusuales por los que se sintieron atraídos lo que los hizo reveladores. Álbumes de estudio“Monster Movie” (1969)“Soundtracks” (1970)“Tago Mago” (1971)“Ege Bamyasi” (1972)“Future Days” (1973)“Soon Over Babaluma” (1974)“Landed” (1975)“Flow Motion” (1976)“Saw Delight” (1977)“Out Of Reach” (1978)“Can” (también conocido como “Inner Space”) (1979)“Rite Time” (1989)

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Roger Waters, Brian Eno, Tom Morello en un Livestream por la ciudad palestina de Gaza

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El sábado por la noche, un puñado de artistas participó en Live For Gaza, un evento de recaudación de fondos en vivo que celebra el lanzamiento del primer Centro de Artes Delia en Gaza, Palestina. La alineación vio una mezcla de músicos palestinos e íconos internacionales, incluidos Roger Waters, Tom Morello, Roger y Brian Eno, uniendo fuerzas para defender la igualdad. Durante la transmisión en vivo, Morello debutó una canción inédita que rindió homenaje a los problemas que enfrentan actualmente los músicos en Gaza. Mientras tanto, los hermanos Eno interpretaron “Celeste”, obra audiovisual por encargo compuesta por paisajes sonoros e imágenes de la ciudad. Live For Gaza también incluyó sets de la superestrella palestina Mohammed Assaf, Adnan Joubran de Le Trio Joubran, Rola Azar, Lina Slebi, Wafaa Alnjeili y Badeel Band. Actualmente, solo la presentación de Waters está disponible para volver a visitarlo en línea. Para su presentación, el ex miembro de Pink Floyd ahogó un antiguo discurso de Ronald Reagan que sonaba en un televisor cercano al lanzar “The Bravery of Being Out of Range”, extraído de su álbum de 1992 Amused to Death. Waters entregó su parte de piano con mucha emoción, mientras que Lucius y sus otros compañeros de banda intervinieron desde sus respectivos hogares en todo el mundo, puliendo su sonido en vivo antes de su gira de 2022. Los fanáticos notarán que esta versión de la pista también contó con un nuevo verso, especialmente escrito para esta ocasión. Míralo a continuación: Gaza (en árabe, غزة‎ Ġazza, en hebreo עזה Azzah) es la mayor y principal ciudad de la Franja de Gaza (Palestina), denominada a veces como Ciudad de Gaza para distinguirla de la propia Franja. Según la Oficina Central de Estadísticas de Palestina, su población estimada en 2020 es de unos 629.723 habitantes, lo que la coloca como la ciudad más poblada de Palestina.

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Conoce BizBat, la app musical gratuita para eventos digitales

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BizBat se crea como la primer red profesional musical donde los músicos pueden tener un contacto directo con fans, productores, managers, bookers, establecimientos y demás actores de la industria, con el único propósito de generar mayor impacto con sus proyectos y poder ser contratados internacionalmente, de forma rápida y segura. Platicamos con Alan Duclaud Ampudia, Fundador y Presidente de BizBat Music App, para conocer más al respecto. 1.- ¿Cómo nace la idea de crear BizBat?BizBat se crea como respuesta a un problema muy grande en la industria musical: 9 de cada 10 músicos del mundo, jamás son descubiertos. Esto quiere decir que cada proyecto musical debe ser entendido como un “emprendimiento” con alta volatilidad de fracaso, apesar de que la propuesta artística sea muy buena. Como todo emprendimiento, necesita de estructura, marketing, análisis de resultados y, sobre todo, que llegue a las personas correctas para escalarlo. 2.- ¿Cómo puede un artista o promotor formar parte de su plataforma?Es muy sencillo, lo único que tiene que hacer es recargar nuestra app 100% gratuita desde cualquier tienda y hacer su perfil como cualquier otra red social/profesional. La información va desde la descripción del proyecto, casos de éxito, videos, fotografías y conexión a sus redes sociales y plataformas de streaming.Con esta información, cualquier contratante, fan, agente o establecimiento puede conocer el proyecto musical a la perfección, de forma mucho más completa a lo que se sube en otras redes sociales. 3.- ¿Con quiénes han participado hasta la fecha?Hemos trabajado con festivales nacionales e internacionales. Desde foros pequeños que buscan talento nuevo hasta festivales internacionales de renombre, han utilizado BizBat para generar convocatorias y encontrar el artista ideal para su evento.Nombres importantes como el Latin Alternative Music Conference (LAMC), con sede en Nueva York, Festival Marvin, Festival Zapal, Cantoya Fest, LIFA Global y muchos otros festivales se han sumado a la plataforma para encontrar y contratar músicos de forma rápida y segura. 4.- ¿Cómo trabajan ahora y cómo trabajarán cuando se reactiven los conciertos y festivales presenciales?De momento, la mayor parte de las contrataciones que se publican en la App son para eventos digitales, dada la situación de salud mundial que se atraviesa. Algunas fiestas privadas y bodas sí han continuado contratando para el mundo físico, pero no son muchas.Esperamos que la industria se restablezca a partir del mes de octubre de 2021. Seguramente los músicos volverán a tocar en bares, restaurantes y foros, mientras que los fans encontrarán eventos que puedan buscar por geolocalización y género dentro de la app. 5.- ¿Creen que los conciertos virtuales llegaron para quedarse o son solo transitorios?Sin duda llegaron para quedarse. El mundo digital cobra cada vez más relevancia y abrió un nuevo modelo que permite impactar a cientos de miles o a millones de usuarios, mientras que el modelo de festival “presencial” solo puede impactar a algunos cuantos que hayan podido acudir al evento.Los festivales digitales cuentan con muchas ventajas, pues permiten al músico grabar o transmitir desde un ambiente controlado, al tiempo en que el fan puede disfrutarlo desde la comodidad de su casa. Es claro que las marcas están invirtiendo publicidad importante para aparecer como patrocinadores de estos eventos y, en un futuro muy cercano, lasadaptaciones para disfrutar los conciertos con realidad virtual harán que la experiencia sea tan buena como el evento presencial. 6.- ¿Qué puede hacer dentro de la App el usuario después de descargarla?Tenemos 4 perfiles principales: Músico, Fan, Agente y Establecimiento (venue). Para cada uno de estos perfiles tenemos funcionalidades distintas, pero en esencia todos coexisten en una atmósfera que está 100% enfocada a la música.Los usuarios pueden publicar comentarios e interactuar con la comunidad subiendo fotos y videos, dando likes o comentando en cualquier publicación, además de tener mensajería privada.Se pueden crear y publicar eventos de música para que los demás usuarios atiendan y compren tickets (en caso de no ser gratuitos).Cualquier usuario puede crear una oferta de trabajo o convocatoria para algún evento musical, colaboración, pasterización, o demás cosas que puedan necesitar sobre la industria musical. Los usuarios interesados aplican a las convocatorias y esperan a que se les informe si quedaron seleccionados o no; es así de sencillo. También tenemosbuscadores de músicos, agentes, establecimientos y clases magistrales sobre la industria impartidas por gente relevante.Todo lo que necesites sobre la música, lo puedes encontrar en BizBat. 7.- ¿Cuándo tienen la próxima convocatoria?El pasado jueves 8 de abril se publicó la nueva convocatoria para el “Gateway” de Festival Marvin; su segunda edición digital que se espera tenga tanto o más éxito que la primera.Escogerán 25 finalistas y habrá 4 bandas ganadoras que serán seleccionadas para el festival.También se publicará la nueva edición del Indie Fest que tendrá su sede en Campeche, a finales del mes de abril y estamos en pláticas con muchos festivales y establecimientos más. BizBat es el lugar perfecto para desarrollar una carrera musical con las siguientes facilidades:▪ CONECTAR con otros profesionales de la industria alrededor delmundo.▪ INTERACTUAR como fan, músico, establecimiento, o agente con lacomunidad BIZBAT, donde podrán descubrir y compartir música.▪ CONTRATAR músicos con pagos dentro de la app de forma rápida ysegura.▪ CREAR ofertas de trabajo y convocatorias para tu evento musical. Más detalles dando clic en este link de su sitio web.

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Cómo se crean los sonidos que escuchamos en las películas

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“The Magic of Making Sound”, el video de Great Big Story, revela el trabajo de los artistas de Foley, algunos de los artesanos menos conocidos de la industria del entretenimiento. Por lo general, pensamos en el realismo como una cualidad principalmente visual, alabando algo que “parece real” casi tan a menudo como nos quejamos de lo que “parece falso”, pero gran parte de lo que hace que la acción dramática en pantalla se sienta real ocurre en un nivel completamente invisible. Los artistas de Foley (llamados así por el primer diseñador de efectos de sonido Jack Foley) crean todos los sonidos incidentales que esperarías escuchar en la vida real, así que si y solo si hacen bien su trabajo, nadie en la audiencia lo notará. (El trabajo mínimo de Foley, combinado con el diálogo doblado en un estudio en lugar de grabado durante el rodaje, contribuye en gran medida a la calidad “onírica” ​​de algunas películas más antiguas, especialmente de Europa y Asia). El video de The Great Big Story, junto con el breve perfil del veterano artista de Hollywood Foley Gary Hecker, muestran a los maestros del oficio que emplean una variedad de sus herramientas: bolsas de almidón de maíz para la nieve, guantes con sujetapapeles pegados a las yemas de los dedos para las patas de los perros, y para ese inevitable (aunque inverosímil) movimiento de una espada desenvainada, una espátula de cocina. Al igual que las imágenes, el sonido requiere un cierto grado no solo de imaginación, sino de exageración para lograr esa sensación de “más grande que la vida”. Aún así, la artesanía de Foley tiene sus orígenes en los sonidos hechos a mano para acompañar los dramas de radio en la década de 1920. Es posible que la profesión haya pasado de los cascos de caballo con cáscara de coco de hace casi un siglo (estos videos muestran el estándar actual de la industria, un dispositivo de aspecto de jerry hecho de tazas de émbolo), pero la mayor parte de su equipo se ha mantenido sin cambios de manera confiable.

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Un nuevo libro documenta con fotografía los años de la carrera de Patti Smith

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Patti Smith siempre sorprende a sus fans con nuevos trabajos y nuevas oportunidades para admirar su compromiso con el arte y el activismo. Desde los años 60 con sus cámaras Polaroid y una Minox 35EL alemana. “No soy fotógrafa”, dice, “sin embargo, tomar fotografías me ha dado una sensación de unidad y satisfacción personal. Son reliquias de mi vida. Recuerdos de mi deambular “. Pero a pesar de lo cómoda que se ha sentido Smith detrás de la cámara, se ha mostrado aún más relajada frente a ella: “ampliamente considerada como un ícono de estilo”, escribe Stephanie Eckardt en la revista W, “ha sido un imán para los fotógrafos casi inmediatamente” después de que llegó a Nueva York “para pasar el rato en CBGB y posar para Robert Mapplethorpe”. Apareció en muchas fotos con Mapplethorpe cuando los 2 eran solo niños. El fotógrafo Frank Stefanko capturó su descanso bohemio en los años 60 y 70 en blanco y negro. (Cuando la encontró por primera vez en el sur de Jersey, dice, se veía como “el chico malo entrando en un salón en una vieja película del oeste”). “Hay muchos fotógrafos que han fotografiado a Patti que son artistas maravillosos”, escribe Lynn Goldsmith, cuyo sorprendente registro fotográfico de la carrera de Smith se está publicando ahora en un nuevo libro de Taschen titulado Before Easter After. Sin embargo, a diferencia de Goldsmith, “no hicieron un documental, ni un concierto ni un trabajo de estudio con ella. Eso nos permitió a Patti y a mí tener una narrativa en el libro que pudiéramos compartir con la gente sobre lo que estaba sucediendo en ese momento “. Smith describe lo que estaba pasando con su lirismo casual habitual: Seguimos el camino del rock ‘n’ roll, saboreando su arrogancia, pero esquivando las trampas. [Lynn] fue testigo de noches formativas en CBGB, ganando terreno en todo Estados Unidos, mi accidente en un estadio de Tampa y la lucha por volver a levantarse. Dando clic aquí puedes comprar el libro.

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Las pinturas de Miles Davis: el arte visual inspirado por Kandinsky, Basquiat, Picasso y Joni Mitchell

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Pocos artistas han vivido tantas vidas creativas como Miles Davis en sus 65 años, y continúan evolucionando incluso después de su muerte con el lanzamiento póstumo de un álbum perdido Rubberband. La portada del álbum, con una pintura original del propio Davis, puede haber convertido a los fanáticos en otra faceta de la evolución artística del compositor / líder de banda / trompetista: su carrera como artista visual, que comenzó en serio solo una década antes de su muerte, en 1991. “Durante principios de la década de 1980”, escribe Tara McGinley en Dangerous Minds, Davis “hizo de la creación de arte una parte tan importante de su vida como de la música…. Se decía que trabajaba obsesivamente todos los días en arte cuando no estaba de gira y que estudiaba regularmente con el pintor neoyorquino Jo Gelbard “. Davis, que nunca hizo nada a medias, resultó lienzo tras lienzo, aunque no exhibió mucho en su vida. Pintó principalmente para sí mismo. “Es como una terapia para mí“, dijo, “y mantiene mi mente ocupada con algo positivo cuando no estoy tocando música”. Siendo el intimidante Miles Davis, sin embargo, no fue exactamente fácil para él encontrar compañeros artísticos con quienes poder comunicarse. Cuando se acercó a Gelbard por primera vez, el artista dijo: “¡Estaba muerto de miedo! Apenas podía hablar “. Los dos vivían en el mismo edificio de Nueva York y Gelbard finalmente se relajó lo suficiente como para darle lecciones a Davis, luego se convirtió en su novia, colaborando con él en trabajos como la portada del álbum Amandla de 1989. Como ella caracteriza su estilo: “La forma en que Miles pintaba no era la forma en que tocaba ni la forma en que dibujaba. Era tan mínimo y ligero en su sonido, en su caminar. Su cuerpo era muy ligero; era un hombre delgado, un tipo delicado. Sus bocetos son ligeros, aireados y mínimos, pero cuando tomó su pincel y pintura era como un niño con pinturas en el jardín de infantes. Lo vertía y lo mezclaba hasta que se empañaba demasiado y se pintaba demasiado. Le encantaba la textura y la sensación. Se le manchó la ropa, las manos y el cabello y fue divertido para él…“ Miles también encontró un compañero en el pintor Joni Mitchell. Ella describe cómo la llamó un día y le dijo: “Joni, me gusta ese cuadro que hiciste. Bonitos colores. Quiero venir y verte pintar “. Davis, su héroe musical, no grabaría con ella (aunque más tarde se enteró de que él era el propietario de todos sus discos). “Hablaba de pintura pero no de música conmigo”. En 2013 apareció una edición de tapa dura de su colección de pinturas, con un prólogo de Jones, quizás el más ávido de los coleccionistas de Miles Davis. Hay muchas otras voces en el libro, incluido el autor Steve Gutterman, quien entrevistó a Davis antes de su muerte y escribe una introducción, y varios miembros de la familia que contribuyen con historias personales. Miles resume su propia “actitud refrescante y sin pretensiones” hacia su obra de arte en una breve declaración: “No es tan serio”.

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