Depósitio Sonoro

Ivan Luna Luna

Fundador de Depósito Sonoro| Músico | Marketing Digital | Lector  | DJ en vinil | Coleccionista Twitter: @yosoychapu

Crean Cuarentena Fest, festival que transmitirá música en línea y a distancia durante marzo

Quizá ya escuchaste hablar de Cuarentena Fest, “festival de música en streaming para tiempos difíciles”. Una de las primeras iniciativas creadas para presentar música en línea en vivo en estos tiempos del coronavirus Su manifiesto es el siguiente: “En realidad somos gente como tú, que no quiere parar aunque todo a nuestro alrededor se desmorone. Somos sellos y artistas que decidimos unirnos para seguir tocando y que la gente pueda disfrutar de la música, porque somos más fuertes que la cuarentena y no nos detendremos tan fácilmente”. En este enlace puedes entrar a la página del proyecto y ver conciertos pasados así como los que están por ocurrir —> https://cuarentenafest.tumblr.com/page/2

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Un recorrido por la historia del jazz espiritual: John Coltrane, Sun Ra y Herbie Hancock

El jazz ha inspirado muchas creaciones; más de uno ha encontrado su aspiración al mirar o escuchar lo divino de esta música Experimenta el espectro completo de visiones auditivas, desde lo profundamente personal hasta lo insondablemente cósmico, en esta lista de reproducción con 12 horas de jazz espiritual de la estación de radio en línea de Londres, NTS. Esto culminó en la obra maestra de John Coltrane A Love Supreme, que abrió las puertas a otros músicos de jazz que buscaban lo trascendente, utilizando todo: desde el sonido sagrado de una iglesia bautista hasta la iluminación de las prácticas esotéricas del sudeste asiático, como la meditación trascendental y el yoga. No hace falta decir que no se puede hablar de jazz espiritual sin hablar de John Coltrane. Tampoco se puede ignorar la música y la teología, distintiva de Sun Ra, compositor, director de banda, musicoterapeuta, afro-futurista y profesor de un curso llamado El hombre negro en el cosmos. Este mix de la nota ofrece trabajo tanto de ellos como de otros artistas como: Alice Coltrane, Herbie Hancock, Gil Scott-Heron, Ornette Coleman y muchos más (incluidos músicos de lugares remotos, como el lugar de nacimiento del jazz o Japón). Comienza a escuchar.

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Entrevista con la banda Fumata antes de su presentación en NRMAL 2020

En el subsuelo del metal mexicano y, específicamente del sub género sludge, hay una banda que condensa el trabajo hecho por varios músicos y colectivos por casi una década. Su nombre es Fumata Fumata está conformada por:  Javier Alejandre – Guitarra (Terror Cósmico) Maximo Mateo – Voz (El Escuadrón de la Muerte, El Ahorcado) “Mico” Cardoso – Batería (Nazareno el Violento, Apocalipsis) Juan Tamayo – Bajo (Vinnum Sabbathi) Platicamos con Juan Tamayo (JT) y Máximo Mateo (MM) con motivo de su próxima presentación en el Festival NRMAL 2020. 1. Cuéntenos un poco sobre cómo nació Fumata. JT: Ya nos conocíamos de un rato, en la época en la que nuestras bandas empezaron; esos tiempos en la era de Los Grises. Nos hicimos buenos amigos y, por ahí de 2016, empezamos a jammear Javier, Mico y yo; y ya cuando empezó a salir algo más en forma invitamos a Israel (Máximo Mateo) para que le metiera voces. Así nació. En 2017 fue cuando grabamos el primer disco y tratamos de hacer algo diferente de lo que hacíamos en nuestros otros proyectos. 2. ¿Qué caracteriza a Fumata de otras bandas similares en su género? MM: Somos una banda de sludge metal con un sonido particular, pero cada quien tenía sus influencias y algo distinto que aportar a la banda; ellos como músicos. Me parece que las letras son algo diferente. Nos han preguntado varias veces que por qué en español (lo cual se me hace algo medio raro), en general, todo en conjunto ofrece una experiencia diferente. Aunque son show sencillos, porque visualmente no presentamos algo que pueda ser atractivo, pero todo se enfoca más por completo en lo que hacemos como músicos arriba y el sentimiento que se proyecta. 3.  Trasladándonos al plano lírico, ¿de qué tratan las letras de Fumata? MM: Las letras son pesimistas, son ideas, planes de suicidio. Nos emociona mucho la parte de alcanzar estados alterados: hablamos de la muerte como el máximo estado alterado y un poco de más, que en su momento se han sentido. El español como lenguaje es en el que tenemos más dominio, y es agradable ver que la gente lo digiere mejor; es bueno ver que la gente se sabe las canciones. De alguna forma, meterle inglés a la música hace que se pierda esa conexión al dar un mensaje. Al final, las personas agarran lo que quieren de nuestras letras, las entienden de manera personal. 4. ¿De dónde proviene el nombre? MM: El nombre en esencia es una pared de humo, una columna de humo. Nos gusta el nombre, no hay algo tan pensado detrás de eso. La fumata es usada cuando eligen a un Papa nuevo, sale del Vaticano. Pero en otras partes del mundo una fumata es asignado para alguien que fuma marihuana. 5. Estarán en el NRMAL. Festival que ha apostado por talentos nacionales de estos géneros. ¿Cómo se sienten al respecto? JT: A mí me emociona mucho porque estuvimos ahí con Terror Cósmico, Nazareno el Violento y Vinnum Sabathi en 2014; para mí era algo increíble. Con el paso de los años fueron incluyendo menos bandas de este tipo, por eso me emociona mucho que vuelvan a voltear a estos lados, para darle apertura a bandas pequeñas. Nos gusta que nos tomen en cuenta.  6. ¿Cómo estará su presentación en el NRMAL 2020? JT: Estamos cocinando un nuevo track que presentaremos, más los clásicos castigadores: canciones largas y cortas. 7.- De México, ¿cuáles consideran que son bandas que merecen estar también en este tipo de festivales? JT: En lo personal tengo unas bandas muy queridas, como MalaMadre, de Yucatán; y Saturno Grooves, de Durango.  MM: Yo ando escuchando mucho a una banda llamada The Depressick, del Estado de México, tocan depressive black metal.  8. ¿Cuál es su material discográfico? JT: La perfección de la muerte, que es nuestro álbum debut de 2017; en 2019, sacamos un split con una banda húngara que se llama Torn From Earth y ya. Ahora estamos componiendo nuestro segundo material. 9.- También sabemos que son una banda muy activa en los tours.  JT: Sí: llevamos tres tours nacionales y uno por Europa, que hicimos el año pasado.   10. ¿Qué tan sencillo es irse de tour a Europa? MM: Es hacer lo mismo que haces aquí, pero allá y en otro idioma.  JT: De repente es complicado porque hay que dormir en pisos, mal nutrirse dos meses; lidiar con la policía. Pues sí, lo mismo que aquí, pero allá. 11.- ¿Qué recomendaciones le darían a las bandas que quieran tourear? JT: Estar dispuestos a sacrificar muchas cosas. En nuestra experiencia nadie va a venir a decirte: “¿Se quieren ir a Europa?”. Hay que estarle rascando y estar dispuesto a sacrificar cosas. Pero si tienen el objetivo sí se puede lograr. MM: En realidad es es una inversión de tiempo, dinero, esfuerzo, pero vale la pena si es en realidad lo que te gusta, y si se trata de llevar tu música a donde más se pueda. Vale la pena.  JT: En cuanto a dinero hay que llevar “el colchón”, pero hay que tratar de gestionar los gastos con el mismo tour. Sí es importante llevar algo de dinero para cualquier improvisto. JT: Los tours, al final, son un aprendizaje: siempre te sorprenderán y aprenderás a resolver situaciones al momento. Eso es un pago también. JT: Caigan al festival NRMAL y a nuestro show; esperemos les guste nuestra música. Fumata se presentará el sábado 7 de marzo en el Festival NRMAL a las 12:30 pm.  Ya puedes adquirir tus entradas en este link.

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21 años del disco And Then Nothing Turned Itself Inside-Out, de Yo La Tengo

Un disco iluminado con una paleta sónica mágica y cargada de añoranza de principio a fin; un álbum que por su título y portada transmite una sensación surrealista y metafísica And Then Nothing Turned Itself Inside-Out, cuyo título está tomado de una cita de Sun Ra, que significa algo así como: “Al principio no había nada … luego nada se volvió del revés y se convirtió en algo”, presenta ilustraciones de Gregory Crewdson, un fotógrafo conocido por el surrealismo cinematográfico de sus imágenes. Un álbum de tal grandeza con sonidos minimalistas y, que es sorprendentemente difícil de precisar. Es surrealista, fantástico. Su noveno álbum de estudio que se mueve entre planos y capta el poder sobrenatural de la música para llevarnos abruptamente a distintos estados del ser: para hacernos felices y tristes a la vez. Eso, en general, es Yo La Tengo y más en este disco. Las numerosas referencias de Yo La Tengo a la cultura pop hablan de otra cosa que hace que este álbum sea genial: la forma en que atenúa los momentos de melancolía ambiental con sorprendente ligereza. La tierna lágrima, apropiadamente titulada Tears Are in Your Eyes, que cuenta con la voz sedosa de Hubley acompañada de la armonía de Kaplan en el coro y el zumbido, más guitarras atmosféricas. Aunque … And Then Nothing … es más tranquilo que los discos con los que Yo La Tengo hizo su nombre, como Painful de 1993 y Electro-Pura de 1995, todavía obtenemos el ruidoso banger “Cherry Chapstick”. En cierto sentido, la paleta sonora más silenciosa y limitada de An Then Nothing Turned Itelf Inside-Out es lo que lo hace único. Un disco que establece un estado de ánimo sonoro sostenido con desafíos. Al hacer música dominada por el ambiente y la textura, es importante tener un ancla. Yo La Tengo sabe cómo anclar una canción y cómo construir a partir de ella para crear paisajes sonoros atractivos. Leyendo un poco sobre su historia, algunos críticos de la época (2000) se quejaron de que este disco no era tan cautivador o dinámico, pero la historia le hizo justicia y aquí seguimos hablando de él: seguimos cautivados, el autor de este texto continúa haciéndolo con cada una de sus escuchas. Disfruto ponerlo en plataformas digitales y un poco más en el vinilo 12″ que compré en un viaje a Barcelona en el 2012. Aunque, sin duda, más allá del formato, mi momento favorito es darle play en las noches. Es similar a lo que hacen que las fotografías de Gregory Crewdson sean tan inmersivas. Tanto Crewdson como Yo La Tengo crean mundos inmersivos, iluminados por lo surrealista y anclados por momentos especiales.  

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30 años del lanzamiento del disco debut de Naked City

El álbum debut de Naked City cumplió 30 años; la obra que inauguró la brecha atemporal que allanó el camino para la fusión jazz-metal y otras mezclas. Escucha el disco completo en el video de Youtube de aquí abajo.  Naked City fue un grupo de música de vanguardia, inicialmente activo en la ciudad de Nueva York entre 1988 y 1993. Fue iniciado por el saxofonista y compositor John Zorn como un “taller de composición”​ para probar los límites de la composición e improvisación. Su música incorporaba elementos del jazz, surf, classical, heavy metal, grindcore, country, punk rock y otros géneros. Mucho antes de que el quinteto increíblemente versátil anunciara su álbum debut homónimo hace 30 años, Zorn ya había pasado años experimentando con conceptos que definirían el sonido de la banda, particularmente, su estética. Sin embargo, Naked City fue el proyecto que más sobresalió hasta ese momento para el compositor y saxofonista y el que le permitió llegar a un público más amplio y joven. La banda Naked City estuvo conformada por John Zorn, Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz, Joey Baron, Yamantaka Eye y, en ocasiones, Mike Patton. El disco debut de Naked City incluía 26 pistas y fue lanzado por el sello Elektra-Nonesuch, que colisionó con la versión de Zorn de los sonidos hardcore que había protagonizado en ese momento, sumado a temas de películas de personajes como Ennio Morricone, Henry Mancini, John Barry, Jerry Goldsmith y Georges Delerue. En 1989, la banda actuó en la Civic Opera de Chicago y su actuación perfecta dejó a la mayoría de la audiencia con la boca abierta. El álbum debut se desviaba por todas partes en sus diferentes estilos, pero a pesar de las fuentes dispares, la adaptación del hardcore en Naked City sirvió como el núcleo de la grabación. Zorn también se convirtió por aquellos tiempos en un gran admirador del grindcore, particularmente, de la banda británica Napalm Death. Poco después del lanzamiento del primer álbum de Naked City, Zorn formó Painkiller con el bajista Bill Laswell y el baterista de Napalm Death, Mick Harris; y tanto Naked City como Painkiller publicaron música en Earache, el influyente sello del Reino Unido. De hecho, Zorn siempre ha creado distintas oportunidades para los miembros de su propia comunidad musical, ya sea a través de los álbumes que publicaría con su propio sello Tzadik a partir de 1995. Es difícil imaginar las fusiones continuas del metal y jazz complejos representados por personas tan dispares, pero Naked City lo fomentó y realizó a la perfección.

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Escucha Spare Ass Annie and Other Tales, el disco del escritor William S. Burroughs

El disco Spare Ass Annie and Other Tales se publicó en 1993, a los casi 80 años del escritor. Es un álbum que recopila textos del escritor y los fragmentos con música de fondo Spare Ass Annie and Other Tales es una colaboración de palabra hablada con William S. Burroughs leyendo extractos de sus libros, con música de The Disposable Heroes of Hiphoprisy,  banda de hip-hop estadounidense, activa durante la década de los noventa. El álbum fue producido por Hal Willner y la respuesta crítica al álbum en general fue positiva. La grabación de Burroughs de “The Junky’s Christmas” se usó como la banda sonora de un cortometraje de animación stop-motion del mismo título en 1993, dirigido por Nick Donkin y Melodie McDaniel, que también incorporó imágenes de acción real de Burroughs. William Burroughs (1914-1997) siempre tuvo un espíritu rebelde. Fue un escéptico por naturaleza que publicó en su música mensajes de desesperanza. “Soy un narrador de miserias”, afirmaba. En 1942, el ejército de Estados Unidos lo rechazó por paranoico, trasladándose a México para seguir una imaginaria ruta del peyote. Allen Ginsberg lo obligó a plasmar las ideas, y así surgió Yonqui, su primera novela editada bajo seudónimo en 1953. Después vendrían Almuerzo desnudo y Expreso Nova, algunas de sus obras cumbres. Como novelista, artista visual, ensayista y crítico social renovó el lenguaje narrativo y fue una de las principales figuras de la Generación Beat. Fue durante 15 años adicto a diferentes opláceos y psicofármacos sintéticos, estando profundamente ligado en otros periodos de su vida al alcohol, al hachís y la heroína. Renegando su etiqueta en la generación beat buscó la verdad en las entrañas del rock y de la literatura, para así poder golpear con la “hipócrita moral burguesa”. En general el disco oscila entre géneros como el funk, R&B, hip hop y pinceladas de jazz. Algunas pistas sólo cuentan con una duración de 25 segundos; mientras que la pista más larga con duración de 15 minutos, es el cuento “The Junky’s Christmas”. Con un total de 15 canciones fue publicado por Island Records en 1993. Se considera el primer disco del llamado Spoken Word.

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Mira el documental que comprueba la relación entre Julio Cortázar y el jazz

Julio Cortázar (26 de agosto de 1914- 12 de febrero de 1984) fue un escritor, traductor e intelectual argentino nacionalizado francés, quien tuvo afición por el jazz al grado de tener impacto y relación con algunas de sus novelas, como lo es en la icónica Rayuela La literatura debe tener el beat del jazz, el swing del jazz, decía Cortázar, para quien la improvisación fue un reflejo en su literatura. “El jazz es para mí una especie de presencia continua, incluso en lo que escribo. Mi trabajo de escritor se da de una manera en la que hay una especie de ritmo, que no tiene nada que ver con las rimas y las aliteraciones; sino, una especie de latido, de swing, como dicen los hombres de jazz, que si no está en lo que yo hago, es una prueba de que no sirve y hay que tirarlo”. Se dice que Julio Cortázar tuvo varios amores en su vida; entre ellos la música y el jazz. En su obra hay algunas analogías entre música y su literatura. Es sabido que Charlie Parker, fue quien lo inspiró para construir el personaje de Johnny, en su increíble relato El perseguidor, aquel que decía: “esto lo estoy tocando mañana”. En este video, Cortázar lee un pequeño fragmento de este cuento; señalemos que la música de fondo es el tema “Out Of Nowhere”, de Charlie Parker.

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Perfil: Emma Ruth Rundle, entre la devastación emocional y la belleza ominosa

Emma Ruth Rundle tiene una interesante carrera en solitario y, en algunas de las bandas más prominentes como Red Sparowes, catalogados como los pilares del post rock y post metal actual. Ruth comenzó su carrera como solista en 2008 y, a partir de entonces, ha creado discos legendarios Su tercer álbum como solista Marked for Death es el que quizá  tiene el mayor peso. Sus ocho canciones están sumidas en la devastación emocional y la belleza ominosa. Grabado durante el invierno de 2016 en el desierto de California, su atmósfera escalofriante y, a menudo sombría, refleja el entorno en el que se realizó. Sus canciones evaden la fácil categorización: folk gótico, por un lado, y, doom metal y ambiental por el otro. Su sonido oscila entre ascensos y caídas embrujadas a baladas esqueléticas, pasando por algunos golpes emocionales que dejan marcas profunda y dolorosas. Hay también canciones devastadoras, que marcan el beat con la desesperación de la inminente muerte. Su carrera consta de cuatro discos de larga duración y un EP; todos en el ojo de una tormenta de guitarras arremolinándose. En términos generales su música es una espiral descendente continua hacia la desesperanza. En un registro en el que la oscuridad es una constante, envuelta sobre cualquier cosa y todo. Emma Ruth Rundle retrata una dependencia no correspondida en términos tanto evocadores como poco glamurosos: mientras roza fondos, nosotros explotamos en poderosos clímax musicales al escucharla. Discografía: Como solista: Electric Guitar: One (2011) Some Heavy Ocean (2014, Sargent House) Marked for Death (2016, Sargent House) The Time Between Us – EP split con Jaye Jayle (2017, Sargent House) On Dark Horses (2018, Sargent House) Con Nocturnes Wellington EP (2008, self-released) A Year of Spring (2009, self-released) Aokigahara (2011, The Errant Child) Con Red Sparowes The Fear Is Excruciating, but Therein Lies the Answer (2010, Sargent House) Con Marriages Kitsune EP (2012, Sargent House) Salome (2015, Sargent House) En marzo se presentará con Cult of Luna en la Ciudad de México.

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