Depósitio Sonoro

Sebastián Franco

El vacío de la vida cotidiana: una entrevista con Memory Leak

Cuando se habla de semilleros de bandas y proyectos en México, siempre se toman en cuenta 4 ciudades grandes del país: CDMX, Monterrey, Guadalajara y por último, Tijuana. Si bien existen excepciones a la regla, el último caso, es uno de los nichos más interesantes en cuestión de música independiente nacional, ya que por su cercanía con la frontera las propuestas nacientes, de éste “laboratorio fronterizo” conservando un sabor diferente a las del resto del país, y que bien podría atribuirse a ese clima tan diluyente que sucede entre California y la ciudad. Un ejemplo claro de esto, son Memory Leak, un joven cuarteto de Tijuana que mezcla la nostalgia y la melancolía de alcoba que en momento hace recordar a Slowdive o incluso reminiscente a los primeros Eps de My Bloody Valentine; pero aunado a un despliegue agresivo y enérgico que se mezcla entre las capas de ruido, y que denota esa influencia de músicas más cercanas al hardocre o el metal. El sonido de la banda podría ser un tanto difícil de categorizar, obtienen esa tristeza de los ecos dejados por la movida noventera británica, pero a la vez cargan con una presencia más violenta, misma que en envuelve el sonido de la banda en un círculo tan sensible como contundente. La banda representa ese cruce tan especial que en ocasiones pasa en la frontera, su sonido y su forma de crear canciones es una manifestación intrínseca de lo que es la vida entre San Diego y Tijuana. Su sonido puede ser fácil, la banda sonora de un día en la ciudad, esa melancolía de la monotonía, donde el inglés y el español se borran en las largas colas para cruzar “al otro lado”. Memory Leak, acaba de lanza su primer Ep, Graduate Into Nothing, grabado por el productor angelino Jack Shirley  y mezclado por Patrick Alexander (quien ha trabajado con bandas como Whirr, Loma Prieta, o responsable de haber grabado el Sunbather de Deafheaven) Está es una pequeña entrevista con Memory Leak, sobre sus orígenes, su experiencia como banda, y sus próximos planes: ¿Cuándo y cómo se formó Memory Leak? Memory Leak comenzó hace un año… La idea principal era formar algo bonito entre amigos, así que nos reunimos en casa de René (guitarrista/vocalista) para ensayar y combinar sonidos. Siempre hemos estado metidos en la música, ya sea tocando en otras bandas, escuchando a nuestros amigos o siguiéndoles la pista a músicos que nos gustan. El sonido de la banda refleja rápidamente influencias claras como el shoegaze o el dream pop de los 90, pero también está una fuerte presencia de música más agresiva o pesada, ¿Cómo se dio este impulso por mezclar dichos mundos? Queríamos tocar shoegaze; a Laura (guitarrista/vocalista) le gusta crear atmósferas y sonidos clásicos con sus pedales, Miri (bajista) encuentra atractivo el clima del dream pop ligado al rock alternativo, René (guitarrista/vocalista) y Zeki (baterista) vienen de escuelas hardcore/screamo; es algo que se queda sin querer. ¿Qué influenció en una primera etapa a la banda? Todo, nuestro estilo de vida, la música que escuchábamos dependiendo del mood, los shows a los que constantemente íbamos. También nuestra situación emocional y ciertas vivencias fueron de gran influencia. ¿Creen que vivir en TJ/SD es un factor importante de su sonido? Tijuana es una mezcla de todo y nos ha funcionado el dinamismo de la ciudad para inspirarnos. El poder ir y venir, ya sea shows o simplemente tener un mercado más amplio de instrumentos, nos ha abierto las puertas para experimentar sonidos y experiencias nuevas. Como también nos ha complicado un poco la vida cuando nos tenemos que poner de acuerdo para ensayar, ya que Zeki (baterista) y Laura (guitarrista/vocalista) trabajan en San Diego, es un poco de todo… ¿De dónde vienen las letras de la banda? Laura (guitarrista/vocalista) lo puede definir en una palabra: autoterapia. Viene de sentimientos acumulados a través de los años y escribir era una autoterapia de cómo se sentía en circunstancias que no podía explicarse. Constantemente preguntan por qué las letras de las canciones están en inglés y lo chistoso es que escribir en español hacía muy complicado poder expresar sentimientos; es un idioma muy romántico y fue más fácil generalizar lo que sentía en el momento usando un lenguaje que no conozco tan profundamente, como para tantear la superficie de algo muy complejo que daba miedo expresar. Fue un proceso de meses en el que no se esperaba que terminara en canciones, sólo escribía lo que sentía al momento, por lo general notas en el teléfono, como una manera de desahogo. Su primer EP, Graduate Into Nothing, fue producido por Patrick Alexander y mezclado por Jack Shirley, ¿Cómo se dio esta experiencia? Fue un proceso complicado, tuvimos dificultades para programar las grabaciones por nuestras distintas actividades y se dejó a medias la grabación durante algún tiempo. Fue poco después de nuestro primer show (en Blonde Bar/ SD) que nos motivamos a regresar al estudio y finalmente terminar nuestro primer demo. ¡Patrick se la rifa! Es una persona muy paciente y prácticamente lo consideramos nuestro quinto integrante, (si estás leyendo esto, gracias por los consejos). ¡Jack es increíble! Nos fascina su trabajo, así que no pensamos dos veces en contactarlo. Fue muy agradable trabajar con él, aportó muchísimo con su estilo y experiencia. Logró perfectamente el sonido que buscábamos para nuestro primer EP y por eso siempre le estaremos agradecidos.   Me imagino eran fans del trabajo del productor, este es un primer adelanto de lo que es la banda ¿Esperan en algún momento lanzar un disco de larga duración? Definitivamente un disco de larga duración sería lo próximo. No es algo sencillo de lograr, requiere de mucho esfuerzo y dedicación, pero sabemos que al final vale la pena. Tratamos de hacer todo con mucho cariño y de corazón. Aún no tenemos una fecha planeada, pero es algo que hemos platicado y estamos de acuerdo en continuar con un nuevo reto. ¿Qué es lo que sigue para Memory Leak? Divertirnos mucho,

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Juana de Arco en un mundo muy convulso: Una entrevista con la chelista Lori Goldston

Mejor conocida como la chelista de aquel ya mítico unplugged de Nirvana, una figura que giró y grabó, tanto con el grupo noventero, como con una gran cantidad de bandas y proyectos emergentes del noroeste de Estados Unidos. Lori Goldston es un pilar fundamental para entender la música experimental y contemporánea del país vecino. A lo largo de su carrera ha sido parte de bandas como: la Black Cat Orchestra, o los pioneros de drone metal, Earth, donde fue miembro sobresaliente de una de las facetas más importantes de la banda nativa de Washington. Además de pertenecer a este antecedente marcado por el rock y la etiqueta “alternativo” Goldston ha creado un cuerpo de trabajo que, gravita entre la sensibilidad de la música clásica, y los inalcanzables andares de la improvisación y la experimentación sonora, mismo que le ha dado un gran dimensión a su obra; desde interpretando el trabajo de compositores de vanguardia, hasta ejecutando la de su autoría, se puede escuchar la sutileza y la maestría con la que, la chelista logra amordazar diversos elementos para crear piezas tan complejas como hermosas. En está ocasión, el hablar de Goldston cobra aún más relevancia ya que, está por lanzar un nuevo álbum inspirado en la película de origen alemán de 1928, dirigida por Carl Theodor Dreyer, The Passion of Joan Of Arc; álbum que lleva el mismo nombre, una banda sonora compuesta por 13 movimientos y grabado en una iglesia alemana del siglo XIX, acompañada de 2 músicos de alto renombre: Aidan Baker (Nadja) y Andrea Belfi. Un álbum accesible, que sorprende y encanta, tanto al escucha exigente como al que no ha entrado de lleno a estás músicas. Éste trabajo será lanzado bajo el sello mexicano Substrata, además presentar una serie de conciertos en solitario por nuestro país. Les presentamos esta entrevista con Lori Goldston sobre su nuevo álbum, Juan de Arco, y la relevancia que cobra éste personaje en la actualidad. Sebastian Franco: ¿Cómo nació la idea de escribir un álbum inspirado en la vida de Juana de Arco, y en la película del mismo nombre? Lori Goldston: Fui invitada a componer y tocar el score del filme hace muchos años cuando un amigo en Berkley, California fue invitado a una proyección especial con Marie Faconetti, la hija de la actriz que encarna a Juan de Arco en la película. Ella ya falleció pero fue muy popular en Francia, creo que como escritora y también por ser hija de la actriz; habló un poco antes de la proyección en ese entonces y fue un momento maravilloso conocerla y escuchar historias sobre su legendaria madre.Amo la película, la he visto docenas de veces. Cada ocasión veo algo nuevo en ella. SF: El álbum se grabó en Bochum, Alemania, en una iglesia evangelista del siglo XIX, misma que captura el sonido y la esencia de la obra, por lo menos para mí. ¿Por qué decidieron grabar el álbum en éste lugar? LG: El álbum fue grabado en vivo y al final pequeño tour por alemana. Fue simplemente suerte del promotor que tenía a alguien ahí para grabar todo lo que ocurrió. SF: En éste trabajo  colaboras con Andrea Belfi y Aidan Baker (Nadja), el resultado es asombroso pero ¿De dónde surgió la idea de colaborar con estos dos artistas? LG: No, de hecho fue idea de Robert Schulze (), quien dirige el sello discográfico Adagio 820 y una hermosa tienda de discos en Berlin, llamada “Bis Auf Messer”. El organizó el tour, y fue su idea que tocáramos juntos. Yo no conocía ni a Andrea ni a Aidan antes de que llegarán a Berlin para esos shows SF: Cuando escucho el álbum, da la impresión de que, todo el proceso fue igual de orgánico que el resultado ¿Fue el proceso creativo desafiante? LG: Son unos músicos maravillosos. Fue la intuición de Robert, le pareció que trabajaríamos bien los tres juntos ¡y funcionó! La verdad es que, todo se dio de manera muy natural y con muy poca discusión. Tanto Andrea como Aidan son músicos extremadamente competentes y generosos, los dos crean bellas ideas, muy dimensionales. Me siento muy afortunada de haber trabajado con ellos, de hecho en Diciembre volveré a tocar con Aidan en Europa, estoy muy emocionada por eso. SF: La obra se compone de 13 movimientos, y cada uno provee de sensaciones diferentes entre sí, para ti ¿Qué representa cada movimiento? LG: Gracias, el filme es muy extraño en tantas maneras, además de estar increíblemente bien construido. De verdad, me gusta esa paz tan extraña que me produce la película; la cual creo, siempre sigue la sombra y la dinámica de Arco. SF: Actualmente estamos viviendo un momento muy oscuro para las mujeres alrededor del mundo ¿Crees que la vida de Juana de Arco refleja mucho el momento que si vive en el mundo? LG: Su valentía y compromiso es hermoso, me inspira muchísimo. Estos son tiempos muy difíciles y creo que, todos podemos aprender de compromiso y visión que tenía el personaje. Lo que amo acerca de este filme es que, su historia es contada, no como un cuento de hadas (la cual podría ser una opción), sino, como la historia de una niña de granja iletrada que es abusada cobardemente por hombres arrogantes. Inclusive, aunque fue ejecutada es difícil no verla victoriosa. Ciertamente uno de los personajes más amados e idolatrados de la historia. SF: Tocaste en México hace unos días de mes con una pequeña gira ¿Qué esperabas de estos shows? LG: En serio amo México, me entusiasma tocar y poder estar más tiempo en el país en este tour.   Este próximo 30 de Agosto no te pierdas  a Lori Goldston,  quien estará en el 316 Centro y Depósito Sonoro tendrá los pormenores de este gran show.  Accesos disponibles en: http://soma316.boletia.com  

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World Music: guía de los sellos más importantes de la actualidad

Hoy en día, las formas en que consumimos música expanden nuestras librerías de manera notoria, los medios y las ofertas a disposición son muchos, por lo que rápidamente vamos pasando desde el rock, electrónica, y por diferentes subgéneros, y cruces antes inimaginables. Sumergirnos a ese mar tan ríspido como puede ser el internet, ha cambiado por completo la forma en que nos relacionamos con la música, y de cómo ésta – de alguna manera- va construyendo nuestra vida. Uno de los principales horizontes más interesantes y probablemente para muchos, fascinantes, es esa etiqueta llamada “World Music” o música del mundo, (alguna vez David Byrne escribió una columna titulada “yo odio la música del mundo”) la etiqueta es por demás pretenciosa, condescendiente, y colocada por la industria para englobar a todo aquello que se salga de los estándares definidos, en ocasiones algunas de las música que encontramos bajo este membrete, son las más conmovedoras que alguna vez podríamos escuchar o bien, mucho más divertidas que lo que se encuentra en las superficies. Desde finales mediados de los años 60 existen disqueras etnográficas que se han dedicado arduamente a recolectar grabaciones, hacer registros originales, e investigar acerca de la música o los artistas que presentan, como en su momento lo hizo Ocora disques, con Charles Devuelle, o el mismo Marcel Cellier; quienes marcaron la pauta de cómo llevar a cabo una labor tan dedicada. La influencia de estás música ha sido importante, sobre saliente, y se puede constatar en álbums de David Byrne (Rei Momo) Peter Gabriel (The Last Temptation of Christ), Arto Lindsay (quien coquetea con la música brasileña desde hace años) o los incansables Dead Can Dance, por mencionar algunos, además de los músicos que han emergido de estas disqueras y que ahora se mantienen constantes fuera de su origen, presentándose en los grandes festivales. Esta es una guía por el sendero de los sellos más importantes en la actualidad. Luaka Bop Fundado en 1988 por David Byrne, y administrado por Yale Evelev. En la actualidad, el sello es una caja de pandora, uno de los responsables de presentarle al mundo el Tropicalismo (Os Mutantes, Tom Zé, etc..) de abarcar diferentes vertientes sonoras, desde electrónica vanguardista, funk africano (William Onyeabor), cruces musicales como el de Alice Coltrane en su último y exitoso lanzamiento, como también por ser descubridores en su momento de Los Amigos Invisibles. Uno de los sellos más eclécticos, accesibles y profundamente encantadores en la actualidad. https://luakabop.bandcamp.com/ Sublime Frequencies Sitiada en Seattle, Washington, este sello, presidido por Alan Bishop (Sun City Girls, Alvarius B.) y Hisham Mayet; en lo que podría ser el sello más esotérico de todos, enfocándose en gran parte por compilar grabaciones de campo y collages radiales del Sureste de Asia, Norte y Este de África, y Medio Oriente. Sin ellos no podríamos haber conocido algún día a Omar Souleymann o incluso a Bombino, músicos hoy con exposición mundial. La disquera se enfoca en ir más allá de lo musical, extender el disco como una pieza extra-geográfica, una experiencia que se acompaña de texto sobre los lugares, los problemas sociales, la religión, el viaje al lugar; la música se vuelve un pretexto para hablar de otras inquietudes geográficas. Cada lanzamiento del sello es garantía. https://sublimefrequencies.bandcamp.com Finders Keepers De Londres, Inglaterra, Finders Keepers se ha mantenido bajo el rigor de muchos coleccionistas, ya que, Andy Votel, su fundador, se ha dado la vertiginosa tarea de explorar y recolectar música olvidado de diversas partes del mundo. Esta labor de archivista, ha dejado en el catálogo del sello placas francamente hipnóticas, como lo pueden ser compilaciones de psicodelia turca de finales de los 60 o el primer álbum de la legendaria Selda. Si bien, la disquera es más un sello de archivo, donde existen soundtracks o lanzamiento que no tienen nada que ver con el tema, se han orientado con persistencia en explorar la música turca con sus etiquetas Anatolian Invasion y Sound Of Wander! https://finderskeepersrecords.bandcamp.com https://www.facebook.com/theFindersKeepers World Circuit/ Explorer Series (Nonesuch) Dos clásicos que no pueden faltar en ninguna colección, éste par de etiquetas que forman parte del sello de Nonesuch, se han encargado de forjar toda una escuela en cuanto a música global se refiere. La primera, encargada de lanzar artistas como, al africano Toumani Diabaté, al legendario ensamble búlgaro Le Mystére Des Voix Bulgares, el también mítico, Buena Vista Social Club, entre otros muchos álbumes de estudio bajo su catálogo, por lo que el sello actualmente funciona independiente del sello que emergió. Por otra parte, Explorer Series, se encargó de llevar las cosas a la vieja usanza. Desde finales de los 60, su catálogo –vasto- albergo una gran cantidad de música de campo que va desde Indonesia, Rhodesia, Burkina Faso, Medio Oriente, Grecia, e incluso México, acompañado de textos introductorios que ilustraban y acompañaban el recorrido musical. https://www.discogs.com/es/label/221084-Explorer-Series Awesome Tapes From África Sello estadounidense fundado por el archivista y DJ Brian Shimkovitz, quien ha ido por el mundo tocando música de su propia disquera – el cual hace algunos años visitó México-la cual se encarga de lanzar exclusivamente música del Norte y Este de África, en la cual compilan artistas olvidado, bajo una labor de archivista claro está. Por lo que sus géneros van desde el funk y soul más energético, pasando por cantos cercanos al Motown, y toques de jazz, al estilo más africano posible; su catálogo es una malgama de espacios completamente bailables y momentos conmovedores. https://awesometapesfromafrica.bandcamp.com/

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Magia tribal en Paris: ¡Celebrando 15 años de Sublime Frequencies!

Ha pasado el tiempo en los estantes de las tiendas de discos, de revisar con dedicación esa sección oculta y extrañamente llamada “música del mundo” donde el sello Sublime Frequencies –entre otros- se ha ganado un lugar preferencial en dicha categoría. Lanzando música de diversas partes del mundo, desde el sureste Asia, norte de África y Medio Oriente, y haciendo especial referencia a los collages de las radios locales o registros de campo de urbanos y rurales. Responsables de presentar al mundo algunos de los nombres más relevantes en la escena global, como lo pueden ser: Omar Soueymann, Bombino, Group Doueh, y más. El sello fundado en Seattle, por Alan Bishop (Sun City Girls) y Hisham Mayet, se ha posicionado como uno de los más importantes en los últimos 10 años, publicando álbumes tan especializados como intrigantes, donde no solo se presta atención al registro, sino, también al texto que acompaña dicha aventura sonora, una premisa de garantía. Sublime Frequencies, está por cumplir 15 años de trayectoria, y lo está por celebrar en parís, el próximo 9, 10 y 11de noviembre, 3 noches que prometen ser inolvidables para los asistentes, por un lado la presencia del ensamble, Baba Comandant And The Mandingo Band, en lo que promete ser una de las pocas presentaciones en vivo del grupo proveniente de Burkina Faso; el proyecto artístico y multidisciplinario Group Porest, El músico y capturista sonoro, Robert Mills acompañado de Jesse Paul Miller, además de Bothers Unconected; Alan y Sir Richard Bishop, en su faceta como tributo a lo que fue Sun Cirty Girls y al legado de su baterista Charles Gocher, quien falleció hace un par de años; aunado a exposiciones efímeras, dj sets y proyecciones documentales. El sello además anunció el lanzamiento de 3 discos que acompañaran dicha celebración, el segundo material de Baba Comandant, registros sonoros de Calcuta, y Madagascar y el primer lanzamiento de Senyawa (indonesia), quienes también se presentarán en vivo en dicha celebración

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La poesía sonora de Gaspar Peralta: Entre el Clamor a Coro de las Estrellas del Alba

Gaspar Peralta es, por sí solo, uno de los artistas baja californianos más llamativos de los últimos 4 años. Peralta de 28 años ha logrado crear un obra basada en lo onírico, en esas tomas largas y contemplativas de la neblina, el bosque y el horizonte en el alba. Entre el Clamor a Coro de las Estrellas del Alba by Gaspar Peralta Peralta ha resonado como una joven promesa dentro del circuito nacional de la música contemporánea. En 2016 el joven nativo de Tijuana y de extracción clásica, lanzó su primer Ep, titulado, Prontuario Sosiego Míriada (Otono) expuso la complejidad de su obra, mismo material que tuvo la oportunidad presentar en el MUTEK MX de dicho año. Ahora Peralta se prepara para presentar su próximo álbum, Entre el Clamor a Coro de la Estrellas del Alba, el cual cuenta con la colaboración del cuarteto de cuerdas Virá; bajo el legendario sello tijuanense, Static Discos, el 24 de septiembre. El álbum que, cuenta con 8 movimientos o tracks, es la cara de un compositor maduro; la obra posé la narrativa y melancolía de algún lejano film soviético, donde la tristeza y la esperanza se intercalan alrededor de todo el álbum. Un disco donde se cruza la alquimia compositiva del pianista, aunado al silencio, el cual juega como un integrante más de éste corte, mismo que acompaña toda la obra y se convierte en ese respira para pasar de página y dar respiro al escucha. Éste corte, funciona, no como un disco, sino, como una pieza larga de 8 movimientos como tal, como un respiro largo y profundo, como la última exhalación de un personaje ficticio. El cuarteto acompaña de manera magistral el letárgico piano, y los electrónicos envuelven todas las piezas entre ondas y texturas que abrazan cada movimiento bajo la poética del compositor. Un disco que sobrepasa por mucho, la expectativa del compositor, y que si bien viene de un campo fértil como lo es Baja California, la envergadura del pianista se viste de un paño diferente al resto, con este disco Gaspar Peralta logra consagrar su propia voz, su propio sello, y se separa de su propia obra, como si la misma cobrará vida por sí sola, mientras el álbum avanza. Con este álbum, Peralta se convierte en un elemento indispensable en la escena musical de vanguardia en México, logrando entregar lo que, seguramente será uno de los mejores discos del año.

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Memory Leak, una banda que danza entre el ruido y la melancolía casi palpable

Tijuana siempre ha sido considerado un semillero de bandas propositivas, bandas que se diluyen entre la influencia nacional y la extranjera, teniendo una mezcla sonora natural originaria de su propia condición geográfica. Un caso nuevo y exaltante, es el de Memory Leak, una banda joven proveniente de la frontera más visitada en el mundo, que por sí sola carga con un sonido intrigante y cautivador. Que por momento da saltos entre la emotiva nostalgia del shoegaze más meloso, pasando por capaz de guitarras abrasivas conjunta a una batería llena de una eufórica lentitud, y acompañado de voces que endulzan todo este trayecto a la perfección. La banda podría recordar en momentos a bandas como Slowdive, o incluso a Whirr, aun así la banda mantiene un sello especial y fuera de cualquier comparación evidente, se mantiene bajo un manto de melancolía y coqueteos con músicas que denotan un poco más de agresividad. Memory Leak, acaba de lanzar su primer Ep, Graduate Into Nothing, grabado y producido por Patrick Alexander, mezclado por el afamado productor angelino Jack Shirley (mejor conocido por su trabajo con Deafheaven en Sunbather, y con bandas como Oathbreaker, Loma Prieta o los antes mencionados Whiir). Con esta placa, la banda introduce a su sonido antes mencionado, con una producción sobresaliente, toques agresivos empañados de una tristeza casi palpable, como es el caso de Patterns o bien, Dream Queen, donde la influencia pop es inevitable de rescatar. Graduate Into Nothing, está ya disponible en todas las plataformas digitales y se puede escuchar en el bandcamp de la banda. Memory Leak, es una de las bandas que darán de que hablar pronto, una suerte de agresividad y de esa sensación de sentirse tan solo en un mundo tan rutinario, una banda propositiva, auténticas y que debe de estar en la vista de muchos.

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XX años de Crisálida Sónica: Compilación 1, el disco que reflejó el undeground peruano de los 90

Los mediados de los 90, para muchos latinoamericanos – incluyendo México – fueron muestra de una avanzado en cuanto a su escena musical, ya sea en la superficie o en el subsuelo, se avecinaba el cambio radical a las tendencias musicales del momento, misma avanzada influenciada en su gran mayoría por lo que acontecía en Inglaterra y Estados Unidos, con el dream pop, el shoegaze, el krautrock, o el ambient, y en gran medida por sellos como 4AD y Warp. Compilación I by CRISÁLIDA SÓNICAEscucha en su totalidad el compilado directamente aquí: Crisálida Sónica – Compilación I. Así mismo pasó en el lejano Perú, donde un grupo de jóvenes formaron el hoy legendario, y extinto colectivo Crisálida Sónica, lanzando lo que fue un disco parte aguas en la escena peruana, el titulado “Compilación I” el cual recopilaba varios de los nombres más populares de la escena entonces, como: Catervas, Espira, Fractal, etc. El colectivo lanzó dicho cassette en 1997 y significo una amalgama de sonidos tan vanguardistas como arriesgados en su momento, una suerte arriesgada, de cruces entre discursos, que hoy en día prevalece y continua sonando innovador, si consideramos que eran finales de los 90, y que aún el internet no globalizaba la música de una manera tan rapaz como hoy día estamos acostumbrados a consumirla. Los ecos del disco se pueden apreciar hoy en día en la fructífera escena peruana donde, las pesquisas del álbum se convierten palpables en disqueras como Superspace Records o Buh Records. Superspace re-lanzó el material, hoy de culto y difícil de conseguir en formato de cassette, el cual es sin lugar a dudas una de las grandes manifestaciones del underground latinoamericano de finales de los 90 y que muestra cómo se gestó lo que es por hoy, uno de los países con una de las escenas emergentes más interesante.  

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Entre el pop y la experimentación, entrevista con Matt Robidoux

Matt Robidoux es, sin duda alguna, uno de los jóvenes compositores más interesantes en la zona del bay-area de California. El caso de Robidoux, es uno especial, formó parte en sus inicios de Speedy Ortiz, esa banda que muchos medios proclamaron como la promesa del “indie” (si es que eso aún se considera un género) tras tocar con ellos bajo una estructura cerrada y lineal en cuanto a lo musical, el músico decidió abandonar dicho formato y concentrarse en su propia obra, bajo un ejercicio egoísta de explorar constantemente diferentes vertientes sonoras, sin dejar jamás de caer en un cuadro que lo limite sónicamente. Inspirado en gran medida por Pauline Oliveros, lo cual se puede apreciar en 3 Pieces o Irish Collection (Feeding Tube 2016, 2017) donde el músico demuestra lo ecléctico de su obra, tanto la improvisación sonora, esa noción pop y melódica, casi melancólica, como también llevar su obra al límite de escribir piezas apegadas a ensambles contemporáneos, llevando su obra a espacios tan inesperados como arriesgados, sin dejar de perder el sentido inicial. Naturalmente la visión del nativo, Massachusetts, comenzó a escapar del formato del rock, para sumergirse en el sentido de la improvisación, la electrónica abstracta y el ruido, al mismo tiempo que fue escribiendo su propia música, bajo ningún tipo de estructura limitante. “Para mí, era importante alejarme de la estructura del rock n’roll. Yo vengo del este de Massachusetts, y en éste lugar existe una escena muy fructífera en cuanto a la improvisación libre y la experimentación electrónica, por lo que rápidamente me fui mezclando entre esa comunidad, y lo fui absorbiendo, creo que le debo mucho de esa experiencia, a lo que es hoy mi obra, también estar en ocasiones tocando con el colectivo Sunburned Hand of the Man, con ellos aprendí muchísimo, y fue cuando comencé a escribir mis propias canciones” Su obra refleja esa delicadeza y sensibilidad que emanaba Arthur Russell, pero mezclado sobre el vanguardismo guitarrístico de un joven Loren Connors o Alan Licht, esa presencia tremenda de jugar constantemente con la cuestión tonal, sumándose a ese manto popístico que envuelve cada minuto de su obra, donde se salta de lo experimental a lo más melódico. Dichas comparaciones podrían valer menos, y dar una idea de la obra de Robidoux pero, estás comparaciones son solo aproximaciones o reminiscencias, su obra forma una amalgama muy personal, con vibras de alcoba y que se reduce a ese sentimiento entre artista y público. “Siempre que tocó en algún lugar, trato de incluir a músicos locales en mi show, tratar de crear una conexión, una comunidad, también tratar de llevar está música que por lo general siempre se encuentra en nichos, en círculos cercanos al jazz o muy académicos; tratar de llevarlos a comunidades más apegadas al D.I.Y.” “La música experimental como género, no existe, no hay un sonido que se defina como experimental, para mi esa etiqueta significa tomar riesgos, significa también abrazar tu individualidad como compositor, generar tu propia estilo.” Robidoux es uno de los experimentadores sonoros más interesantes de la actualidad, y probablemente de los más accesibles, en su pensamiento no existe la demagogia y el esnobismo que se recrea a través de estos círculos del “avant-garde” y la academia, y eso se aprecia en su música de una manera clara, sin posturas ni pretensiones, sino, experimentando constantemente bajo una estructura similar a la canción pop. El compositor radicado en Oakland, está por lanzar su próximo álbum de estudio, que probablemente liberé a finales de año.   Bandcamp: http://mattrobidoux.bandcamp.com/album/cracker-cuts    

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