Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

La historia detrás de la portada del primer disco de Rage Against The Machine

La portada del primer álbum de RATM tiene la controvertida fotografía del Thích Quảng Đức inmolándose en protesta al tratamiento de los budistas bajo el gobierno de Vietnam del Sur en vísperas de la Guerra de Vietnam   La historia de la foto es la de un hombre llamado Quang Duc, monje bonzo (monje budista vietnamita), quien se inmoló en una calle muy transitada de Saigon el 11 de junio de 1963, en protesta contra las persecuciones que sufrían los budistas por parte del gobierno de Ngô Đình Diệm, presidente de esta nación de 1955 a 1963 y figura central al principio de la Guerra de Vietnam. Dicho acto fue honrado por otros monjes budistas. El fotógrafo David Halberstam, reportero del New York Times, describió el suceso de la siguiente manera: “Estaba viendo de nuevo la señal, pero una vez fue suficiente. Las llamas estaban surgiendo de un ser humano; su cuerpo fue marchitándose lentamente, su cabeza se ennegrecía. En el aire había un olor a carne humana quemada; el hombre se quemó sorpresivamente rápido. Detrás de mí pude escuchar el sollozo de los vietnamitas. Estaba demasiado sorprendido para llorar, demasiado confundido para tomar notas o hacer preguntas, además desconcertado para inclusive pensar… Mientras se quemaba él nunca movió un músculo, nunca pronunció un sonido, su calma exterior en agudo contraste con la gente que se lamentaba alrededor de él”. En la sucesión de fotografías se muestra cómo el monje budista salió del vehículo y adopto la posición del loto; a su vez que algunos monjes le ayudaron a rociarse con gasolina y encendiendo una cerilla se prendió fuego muriendo en cuestión de minutos. La comunidad budista incinero su restos en un ritual funerario, su corazón permaneció intacto. Así se le consideró sagrado y fue puesto bajo el cuidado del Banco Nacional de Vietnam. Por otra parte, éste es el auto que aparece en el fondo de la fotografía y en el que aparentemente fue en el que el monje arribó para realizar su acto de protesta.   Este disco de Rage Against the Machine fue su debut publicado el 3 de noviembre de 1992, considerado como uno de los primeros en fusionar géneros tan dispersos como el hip hop, el rap, el metal y el rock. El álbum marcó el precedente para el tan popular género new metal de mediados y finales de los años noventa.

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La poesía sonora de Gaspar Peralta: Entre el Clamor a Coro de las Estrellas del Alba

Gaspar Peralta es, por sí solo, uno de los artistas baja californianos más llamativos de los últimos 4 años. Peralta de 28 años ha logrado crear un obra basada en lo onírico, en esas tomas largas y contemplativas de la neblina, el bosque y el horizonte en el alba. Entre el Clamor a Coro de las Estrellas del Alba by Gaspar Peralta Peralta ha resonado como una joven promesa dentro del circuito nacional de la música contemporánea. En 2016 el joven nativo de Tijuana y de extracción clásica, lanzó su primer Ep, titulado, Prontuario Sosiego Míriada (Otono) expuso la complejidad de su obra, mismo material que tuvo la oportunidad presentar en el MUTEK MX de dicho año. Ahora Peralta se prepara para presentar su próximo álbum, Entre el Clamor a Coro de la Estrellas del Alba, el cual cuenta con la colaboración del cuarteto de cuerdas Virá; bajo el legendario sello tijuanense, Static Discos, el 24 de septiembre. El álbum que, cuenta con 8 movimientos o tracks, es la cara de un compositor maduro; la obra posé la narrativa y melancolía de algún lejano film soviético, donde la tristeza y la esperanza se intercalan alrededor de todo el álbum. Un disco donde se cruza la alquimia compositiva del pianista, aunado al silencio, el cual juega como un integrante más de éste corte, mismo que acompaña toda la obra y se convierte en ese respira para pasar de página y dar respiro al escucha. Éste corte, funciona, no como un disco, sino, como una pieza larga de 8 movimientos como tal, como un respiro largo y profundo, como la última exhalación de un personaje ficticio. El cuarteto acompaña de manera magistral el letárgico piano, y los electrónicos envuelven todas las piezas entre ondas y texturas que abrazan cada movimiento bajo la poética del compositor. Un disco que sobrepasa por mucho, la expectativa del compositor, y que si bien viene de un campo fértil como lo es Baja California, la envergadura del pianista se viste de un paño diferente al resto, con este disco Gaspar Peralta logra consagrar su propia voz, su propio sello, y se separa de su propia obra, como si la misma cobrará vida por sí sola, mientras el álbum avanza. Con este álbum, Peralta se convierte en un elemento indispensable en la escena musical de vanguardia en México, logrando entregar lo que, seguramente será uno de los mejores discos del año.

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Edge Day 2018, un día de música, veganismo y cero alcohol

El straight edge es un estilo de vida libre de drogas como diría Tiempo de Afrontar, este movimiento nació por la canción que también se llama “straight edge” de la banda de estadounidense Minor Threat, donde no se buscaba hacer otra cosa más que plasmar el estilo de vida de Ian McKaye, poco a poco varias personas comenzando por sus seguidores fueron adoptando este estilo de vida, donde la base es el rechazo a cualquier tipo de droga y llevar una vida sana. Este estilo rápidamente se esparció por todo el mundo y actualmente se puede encontrar gente de muchos países que se identifican con el straight edge. Este movimiento que cambio la perspectiva de vida de muchas personas dentro del punk y el hardcore principalmente tiene una celebración anual y por fin en este 2018 el edge day llega a la Ciudad de México. Este evento es totalmente autogestivo y en el están involucradas varias personas comenzando por Valmiki Das quien es mejor conocido por hacer el New Hope y por su marca de ropa xDecisión Personalx, además hay más involucrados desde gente que tiene marcas de ropa como XTNCTN y Stay Positive Clothing hasta gente que forma parte de bandas y medios de difusión. Para realizar la primera edición del Edge Day se busco un patio ya que no se quiso realizar en ningún bar donde se vendiera alcohol. Además de compañerismo y buen ambiente habrá proyecciones de películas, platicas, venta de mercancía, comida vegana y para amenizar este evento en la música estarán 4 bandas de hardcore que son xJustified Hatex, xLos Hijos de la Luchax, xBoys Against Drugsx y xHasta El Finalx, además de xRencorx y PresxRap que son dos raperos. La cita es en El Refugio Records (Avenida Plutarco Elias Calles #1649 muy cerca de metro Portales) a las 4:00 pm y el cover para poder sustentar este evento esta en $50. Texto por: Ricardo Andrés Illescas

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David Bowie: el hombre que bajó de las estrellas

A 400 metros de distancia del Muro de Berlín, se cocinaba en “Hansa Studios” uno de los álbumes más emblemáticos del músico y compositor David Robert Jones, mejor conocido en la historia como David Bowie, uno de los músicos más grandes que han existido. Heroes es considerado por los críticos de la música como uno de sus mejores aportaciones dentro del Art Rock, aunque para otros sobresalgan obras maestras como el “The Rise and Fall of Ziggy Stardust” o el “The Man Who Sold the World”. Algunos datos curiosos que hay alrededor de la grabación, es que Bowie desembarcó en la vieja Alemania en el momento que sufría una de sus peores crisis contra la cocaína, se alejaba de la locura pero la rozaba con los dedos y mantenía una disputa legal con su ex esposa. Aunque a simple vista no parecía muy buena idea hospedarse en el mismo piso del toxicómano Iggy Pop, estos hechos inspiraron a Bowie para la composición del disco, el cual engloba un virtuosismo instrumental idílico, y no es para menos, pues fue elaborado en colaboración de leyendas de la talla de Robert Fripp, Tony Visconti y Brian Eno. Durante este proyecto, Brian Eno llegó a usar sus estrategias oblicuas, una serie de aforismos en forma de cartas que él mismo realizó con Peter Schmidt, las cuales aplicaba cuando requería de una perspectiva fresca durante momentos de poca creatividad. Aquellas sesiones de grabación berlinesas, captaron el espíritu del tiempo que se vivió durante los años setentas: un contexto decadente a finales de la guerra, donde guardias soviéticos se escabullían vigilantes en edificios, mientras la vida de noche era iluminada a través de las luces de neón de cualquier bar. La interminable vida bohemia, los efectos de las drogas y el alcohol, llevaron a Bowie y a Visconti a recorrer los cabarets y bares de la ciudad, lugares en los que descubren a Antonia Mass, una cantante de jazz. Esta es la historia que hay detrás de la canción “Heroes”, una fotografía que registra Bowie desde su habitación: el beso que se llevó a cabo en las cercanías del Muro del apasionado romance que se mantuvo en secreto por mucho tiempo entre Visconti y Antonia Maas. La influencia de este disco fue tan grande que, incluso, se reflejó en la canción “Trans Europe Express” del grupo alemán de música electrónica Kraftwerk, en la que susurran: “From station to station back to Dusseldorf city/ Meet Iggy Pop and David Bowie/ Trans Europe Express, Trans Europe Express…”. Otros datos que valen la pena mencionar es que de la serie de discos que conforman la Trilogía de Berlín: Low, Lodger y Heroes, este último fue el único que en realidad se grabó completamente en dicha capital alemana. Y que a pesar de que Bowie fue conocido por su capacidad histriónica y por su necesidad de incursionar en caminos inexplorados, en este disco no hubo alter-egos, sólo estaba él y su talento. Después de diez años de la grabación, Bowie dio un concierto para toda una generación de berlineses divididos por los conflictos sociales, políticos y económicos del momento, por lo que “Heroes” se convirtió en un himno que representó la unificación, inclusive la cancillería alemana llegó a espetar: “Ahora estás entre los héroes. Gracias por contribuir a derribar el Muro”. Se trata de un álbum que trascendió el pensamiento de toda una época, por lo que héroes como Bowie hoy siguen vivos y recordados en la memoria de la colectividad.

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Bauhaus en México, su primera visita en 1998, entre darks y punks

Un 12 de octubre de 1998, sucedía lo impensable para la escena oscura en México, llegaba el día en que Bauhaus tocaría en nuestra ciudad con todos y cada uno de los miembros originales de la banda. La cita era en el ahora extinto Cine Ópera, que en esa época ya estaba prácticamente abandonado y lo que adentro quedaba lo hacía el venue perfecto para esa gran fiesta oscura. Aproximadamente una hora antes empezamos a entrar, mientras decenas y decenas de darks y punks se quedaban afuera porque, como era de esperarse, los boletos se habían agotado. Ya adentro el calor subía conforme el Cine Ópera se empezaba a llenar y se dejaba ver lo que nos esperaría cuando eso estuviera a su máxima capacidad. Llegó el momento que tanto y tantos habíamos esperado, salía Bauhaus al escenario para iniciar con “Double Dare”, desde ese momento eso fue la locura en su máxima expresión. Ellos tocando impecable cada canción, Peter Murphy cantando tal y como se le escuchaba en los discos y alcanzando notas que hoy ya no logra, era un orgasmo tras otro. La quinta rola sería “Kick in the Eye”, nos volvíamos aún más locos sin saber que para ese momento la banda punk que se había quedado afuera ya había empezado a dar el portazo, al que se sumaron darks y no darks en cuando se dieron cuenta que sí era posible lograrlo… y así fue. Los que estábamos adentro empezamos a ver a mucha banda abriéndose paso a empujones, para llegar lo más adelante que pudieran, pues huían de la gente de seguridad que fue absolutamente insuficiente. Lo que hizo aún más memorable ese momento fue ver a 2 punks cargando un trompo de pastor que se habían robado de un puesto de tacos que estaba afuera del Ópera, algunos le daban mordidas mientras lo rolaban, hasta que no se supo más de él. Eso no fue una leyenda urbana, les juro que yo lo vi. Para cuando sonaba “Dark Entries” eso se convirtió en una escena, de cierta forma, apocalíptica. Los que se subieron a un segundo piso que había en el lugar, y que por supuesto también ya estaba a reventar, brincaban a tal grado que empezaron a caer pedazos de techo y agua, al parecer de alguna tubería que se rompió. A casi 2 horas de haber iniciado el concierto seguíamos esperando “Bela Lugosi’s Dead”, que decidieron guardar para el final. Definitivamente fue el mejor cierre, después de haber escuchado también covers de T. Rex, David Bowie, Iggy Pop y para mi sorpresa, hasta de Dead Can Dance. Fue un concierto perfecto e irrepetible, y hasta con final feliz, todos habíamos felizmente ilesos. Texto por Juan Sordo. 

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El día cuando The Cramps tocó en el hospital psiquiátrico

The Cramps fue una banda de punk rock / psychobilly estadounidense formada en 1976 y activa hasta 2009. El 13 de junio de 1978, con apenas 2 años de existencia, tuvieron una presentación poco habitual en un hospital psiquiátrico. Lux Interior (1946-2009), vocalista y líder la banda, estando ya en el peculiar recinto se dirigió a su audiencia para decir estas palabras ahora famosas: «Nos llamamos The Cramps, somos de la ciudad de Nueva York. Conducimos alrededor de 5000 kilómetros para tocar». Seguido de: «Alguien me dijo que todos ustedes están locos, pero no estoy tan seguro de eso», Fue uno de los conciertos más memorables que una banda puede recordar. The Cramps, con su sonido atronador, tocaron entregados ante un grupo de personas internadas en el hospital mental de Napa State, en un escenario que habían improvisado un poco antes. El lugar fue bastante inquietante: un patio pequeño ubicado en las inmediaciones del hospital psiquiátrico, de Napa State, fundado en 1875 en California. Sonaron «Mystery Plane», canción con la que abrieron, y seguidamente desfilaron «The Way I Walk», «What’s Behind the Mask», «Human Fly» o «Twist and Shout». El motivo del show fue porque los promotores del show pensaban que la música tendría un efecto positivo sobre los internos. Debido a que no es algo tan común es difícil imaginar que éste patio fue el recinto de un legendario concierto de The Cramps.  El 13 de junio de 1978, The Cramps y también The Mutants tocaron un show dentro de esta institución psiquiátrica, destacaban algunos medios especializados. Las imágenes en blanco y negro sólo son una aproximación de lo que realmente sucedió esa noche. La historia cuenta que el audio no fue muy bueno y que fue un espectáculo aterrador. The Cramps no hicieron ningún esfuerzo por apaciguar a los espectadores mentalmente dañados. “De verdad lo único que resalta de toda esa experiencia, fue la sensación de irrealidad en toda la situación”, el guitarrista de The Mutants relata. “La gente se reía de forma inexplicable cuando decías algo por el micrófono, o las personas no podían mantener ningún tipo de contacto visual por más de un minuto. Algunos tenían problemas que eran bastante obvios. Era como ir a Marte, en términos de la interacción con la audiencia”. “Fue una cosa maravillosa”, recordó Jill Hoffman-Kowal de Target Video. “Lo que hicimos por esas personas fue liberador. Realmente se divirtieron. Pretendieron cantar, saltaron al escenario. Fueron un par de horas de libertad absoluta. No juzgaron a las bandas, y las bandas no los juzgaron”. Antes de la era Youtube el video de este concierto era un video era considerado como un filme de culto. Por eso vale la pena rememorarlo y verlo nuevamente. Hasta este día, varios misterios siguen presentes. La razón por la cuál The Cramps aparece en el video y The Mutants no, sigue siendo de las cosas más comentadas. “Todos los días pensé que el abismo del punk era exactamente eso”, Ray el fotógrafo dice. “Fue un periodo épico”. “Existe una palabra para definir el momento en que fantasía y realidad se mezclan: locura” (Laia Soler).

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20 discos esenciales del trip hop

El trip hop es una rama más de la música electrónica que se originó a principios de la década de 1990 en Reino Unido, especialmente en Bristol. Derivando del “post”-acid house con variantes más experimentales de breakbeat e influencias de soul, hip hop, pop, ambient, dub, experimental funk y jazz. Dada su naturaleza es un género que puede derivar a sensaciones de placer y fascinación en cuerpo y mente. Presentamos 20 discos que parte de nuestro Staff considera como esenciales. 1. The Herbalaiser “Remedies” 1995 Ninja Tune Matt Black y Jonathan More son los fundadores de Ninja Tune Records, esta disquera se inspiró en un viaje a Japón y la exploración de sonidos de la escena independiente. De ahí su exploración los llevó a conocer a Jake Wherry y Ollie Teeba creadores de The Herbaliser un proyecto que fusiona el Jazz , el Hip Hop en su máxima expresión. Su álbum debut no dejaba de sonar en todo Londres, la crítica lo describe perfecto, el disco ideal para charlar y beber ,los beats te invitan a una fiesta desenfrenada, la excesiva cantidad de matices, loops e instrumentación ácida harán que sigas conociendo toda la discografía de esta banda. 2. Sneaker Pimps – “Becoming X” 1996 Virgin No podemos negar la importancia de los ingleses en la aportación del género, quizás sean las constantes panorámicas grises y frías que alientan a estas bandas a hacer soundtracks con tonos siniestros llenos de una energía misteriosa. Sneaker Pimps es una banda Hartlepool Inglaterra cuyo álbum debut dio mucho de qué hablar. De entrada su sonido era totalmente orgánico, la afinación de la tarola y sus constantes coqueteos al Pop hacen de este disco interesante en la escena. En este álbum encontraremos “6 Underground” una canción maravillosa con alma posmoderna, perfecto himno para una generación sin rumbo fijo. 3. Bowery Electric – “Beat” (1996). Kranky “Beat” es una gema musical que mezcla elementos del shoegaze, drone y trip hop, se trata de composiciones sincopadas con bajos, teclados y loops programados. Con una duración de 63 minutos, las excelentes cualidades del álbum muestran que la cautivadora y pensativa fórmula del dúo de Nueva York, han estado eclipsadas y criminalmente subestimadas por los escuchas del género. 4. Attica Blues – test. don’t test 1997 Mo’ Wax label 1997 fue año retador para las bandas que buscan definir el género género, a pesar de lo complicado y el poco apoyo de las disqueras hubo proyectos que desde sus trincheras ofrecieron grandes LPs. Uno de ellos fue Attica Blues un prometedor proyecto que tomó su nombre en homenaje al gran álbum del saxofonista de avant-garde jazz Archie Sheep. La disquera británica Mo´Wax los apoyo en la distribución local de este su primer álbum. La voz de Roba El-Essawy de origen egipcio le da un toque delicioso a los beats oscuros. Un disco hermoso que invitaba a la escena a escuchar proyectos con voces femeninas y así definir que el Hip Hop y la mujer es un must del género que con el tiempo se volvió tendencia. “It´s Not Enough” muestra lo envolvente que puede ser el sonido de la banda, después de ese track el disco se torna estremecedor demostrando hasta dónde pueden llegar. 5. Portishead – “Roseland NY Live” 1998 Go! Discs Todo buen fan del Trip Hop considera este disco el Santo Grial del género, su crudeza hace sentir sensaciones indescriptibles , es un disco para escucharse fuerte, no hay más. La banda venía de dos grandes discos y busca confirmar su posicionamiento en el mercado Estadounidense; es ahí donde deciden grabar un disco en vivo dentro del emblemático teatro en Manhattan llamado Roseland Ballroom. En ese lugar pisaron las más grandes estrellas de Jazz tales como Louis Armstrong y Ella Fitzgerlad. Portishead sabía que esto conectaría casi de manera natural con las generaciones que buscaban sonidos más dramáticos y a la vez bellos. Para fortuna de muchos no solo se hizo un registro en audio sino también en vídeo, y de verdad cualquier formato conecta y llena de emoción. La dramatización de sus piezas son responsabilidad de una orquesta de 35 piezas que le dan un matiz mucho más dramático y por supuesto distinto a las discografía de la banda. 6. Tricky – “Angels With Dirty Faces” 1998 Island Records Escuchar “Angels With Dirty Faces” es como beber brebajes tóxicos, dada la densidad temática del disco, la crudeza de las letras y la rugosa voz del cantante. En este trabajo colabora Martina Topley Bird, mejor conocida como la “Dietrich negra del Soul” y PJ Harvey. Es resumen, es un disco críptico, a veces inaccesible para quienes no se han aproximado al hervidero sonoro de uno de los pioneros del sonido de Bristol. 7. Unkle – “Psyence Fiction” 1998 Mo’Wax label La creación del álbum fue dirigida por el dúo británico-estadounidense James Lavelle y DJ Shadow. Este es un sorprendente concepto en el que se mezclan elevados scratches y samples que superan los esquemas del trip hop más convencional. Es un trabajo único, rebosante de originalidad que hoy en día forma parte de los legados más importantes de escena del género. El éxito del álbum se debe en gran medida a la participación de diversos músicos como Thom Yorke, Ian Brown, Richard Ashcroft y Jason Newsted. Sin duda éste es un disco que abrió la mente de una generación completa y que nos permitió descubrir otros caminos sonoros. 8. Handsome Boy Modeling School – “So… How’s your girl?” 1999 Tommy Boy Aun año de la supuesta caída cibernética algunos querían hacer bromas adelantadas, era absurdo creer de un supuesto colapso a vísperas del 2000. Con este contexto Dan the Automator Nakamura, Prince Paul buscaban relajar el ambiente creando uno de los proyectos colaborativos más ambiciosos de la música. Handsome Boy Modeling School un nombre para algunos divertido y para otros egocéntrico. Pero en realidad el proyecto era una crítica al consumo, a la clase alta y al enorme vacío que había en el mundo del modelaje masculino.

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