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Entrevistas

Juana de Arco en un mundo muy convulso: Una entrevista con la chelista Lori Goldston

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Mejor conocida como la chelista de aquel ya mítico unplugged de Nirvana, una figura que giró y grabó, tanto con el grupo noventero, como con una gran cantidad de bandas y proyectos emergentes del noroeste de Estados Unidos. Lori Goldston es un pilar fundamental para entender la música experimental y contemporánea del país vecino. A lo largo de su carrera ha sido parte de bandas como: la Black Cat Orchestra, o los pioneros de drone metal, Earth, donde fue miembro sobresaliente de una de las facetas más importantes de la banda nativa de Washington. Además de pertenecer a este antecedente marcado por el rock y la etiqueta “alternativo” Goldston ha creado un cuerpo de trabajo que, gravita entre la sensibilidad de la música clásica, y los inalcanzables andares de la improvisación y la experimentación sonora, mismo que le ha dado un gran dimensión a su obra; desde interpretando el trabajo de compositores de vanguardia, hasta ejecutando la de su autoría, se puede escuchar la sutileza y la maestría con la que, la chelista logra amordazar diversos elementos para crear piezas tan complejas como hermosas. En está ocasión, el hablar de Goldston cobra aún más relevancia ya que, está por lanzar un nuevo álbum inspirado en la película de origen alemán de 1928, dirigida por Carl Theodor Dreyer, The Passion of Joan Of Arc; álbum que lleva el mismo nombre, una banda sonora compuesta por 13 movimientos y grabado en una iglesia alemana del siglo XIX, acompañada de 2 músicos de alto renombre: Aidan Baker (Nadja) y Andrea Belfi. Un álbum accesible, que sorprende y encanta, tanto al escucha exigente como al que no ha entrado de lleno a estás músicas. Éste trabajo será lanzado bajo el sello mexicano Substrata, además presentar una serie de conciertos en solitario por nuestro país. Les presentamos esta entrevista con Lori Goldston sobre su nuevo álbum, Juan de Arco, y la relevancia que cobra éste personaje en la actualidad. Sebastian Franco: ¿Cómo nació la idea de escribir un álbum inspirado en la vida de Juana de Arco, y en la película del mismo nombre? Lori Goldston: Fui invitada a componer y tocar el score del filme hace muchos años cuando un amigo en Berkley, California fue invitado a una proyección especial con Marie Faconetti, la hija de la actriz que encarna a Juan de Arco en la película. Ella ya falleció pero fue muy popular en Francia, creo que como escritora y también por ser hija de la actriz; habló un poco antes de la proyección en ese entonces y fue un momento maravilloso conocerla y escuchar historias sobre su legendaria madre.Amo la película, la he visto docenas de veces. Cada ocasión veo algo nuevo en ella. SF: El álbum se grabó en Bochum, Alemania, en una iglesia evangelista del siglo XIX, misma que captura el sonido y la esencia de la obra, por lo menos para mí. ¿Por qué decidieron grabar el álbum en éste lugar? LG: El álbum fue grabado en vivo y al final pequeño tour por alemana. Fue simplemente suerte del promotor que tenía a alguien ahí para grabar todo lo que ocurrió. SF: En éste trabajo  colaboras con Andrea Belfi y Aidan Baker (Nadja), el resultado es asombroso pero ¿De dónde surgió la idea de colaborar con estos dos artistas? LG: No, de hecho fue idea de Robert Schulze (), quien dirige el sello discográfico Adagio 820 y una hermosa tienda de discos en Berlin, llamada “Bis Auf Messer”. El organizó el tour, y fue su idea que tocáramos juntos. Yo no conocía ni a Andrea ni a Aidan antes de que llegarán a Berlin para esos shows SF: Cuando escucho el álbum, da la impresión de que, todo el proceso fue igual de orgánico que el resultado ¿Fue el proceso creativo desafiante? LG: Son unos músicos maravillosos. Fue la intuición de Robert, le pareció que trabajaríamos bien los tres juntos ¡y funcionó! La verdad es que, todo se dio de manera muy natural y con muy poca discusión. Tanto Andrea como Aidan son músicos extremadamente competentes y generosos, los dos crean bellas ideas, muy dimensionales. Me siento muy afortunada de haber trabajado con ellos, de hecho en Diciembre volveré a tocar con Aidan en Europa, estoy muy emocionada por eso. SF: La obra se compone de 13 movimientos, y cada uno provee de sensaciones diferentes entre sí, para ti ¿Qué representa cada movimiento? LG: Gracias, el filme es muy extraño en tantas maneras, además de estar increíblemente bien construido. De verdad, me gusta esa paz tan extraña que me produce la película; la cual creo, siempre sigue la sombra y la dinámica de Arco. SF: Actualmente estamos viviendo un momento muy oscuro para las mujeres alrededor del mundo ¿Crees que la vida de Juana de Arco refleja mucho el momento que si vive en el mundo? LG: Su valentía y compromiso es hermoso, me inspira muchísimo. Estos son tiempos muy difíciles y creo que, todos podemos aprender de compromiso y visión que tenía el personaje. Lo que amo acerca de este filme es que, su historia es contada, no como un cuento de hadas (la cual podría ser una opción), sino, como la historia de una niña de granja iletrada que es abusada cobardemente por hombres arrogantes. Inclusive, aunque fue ejecutada es difícil no verla victoriosa. Ciertamente uno de los personajes más amados e idolatrados de la historia. SF: Tocaste en México hace unos días de mes con una pequeña gira ¿Qué esperabas de estos shows? LG: En serio amo México, me entusiasma tocar y poder estar más tiempo en el país en este tour.   Este próximo 30 de Agosto no te pierdas  a Lori Goldston,  quien estará en el 316 Centro y Depósito Sonoro tendrá los pormenores de este gran show.  Accesos disponibles en: http://soma316.boletia.com  

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Entre el pop y la experimentación, entrevista con Matt Robidoux

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Matt Robidoux es, sin duda alguna, uno de los jóvenes compositores más interesantes en la zona del bay-area de California. El caso de Robidoux, es uno especial, formó parte en sus inicios de Speedy Ortiz, esa banda que muchos medios proclamaron como la promesa del “indie” (si es que eso aún se considera un género) tras tocar con ellos bajo una estructura cerrada y lineal en cuanto a lo musical, el músico decidió abandonar dicho formato y concentrarse en su propia obra, bajo un ejercicio egoísta de explorar constantemente diferentes vertientes sonoras, sin dejar jamás de caer en un cuadro que lo limite sónicamente. Inspirado en gran medida por Pauline Oliveros, lo cual se puede apreciar en 3 Pieces o Irish Collection (Feeding Tube 2016, 2017) donde el músico demuestra lo ecléctico de su obra, tanto la improvisación sonora, esa noción pop y melódica, casi melancólica, como también llevar su obra al límite de escribir piezas apegadas a ensambles contemporáneos, llevando su obra a espacios tan inesperados como arriesgados, sin dejar de perder el sentido inicial. Naturalmente la visión del nativo, Massachusetts, comenzó a escapar del formato del rock, para sumergirse en el sentido de la improvisación, la electrónica abstracta y el ruido, al mismo tiempo que fue escribiendo su propia música, bajo ningún tipo de estructura limitante. “Para mí, era importante alejarme de la estructura del rock n’roll. Yo vengo del este de Massachusetts, y en éste lugar existe una escena muy fructífera en cuanto a la improvisación libre y la experimentación electrónica, por lo que rápidamente me fui mezclando entre esa comunidad, y lo fui absorbiendo, creo que le debo mucho de esa experiencia, a lo que es hoy mi obra, también estar en ocasiones tocando con el colectivo Sunburned Hand of the Man, con ellos aprendí muchísimo, y fue cuando comencé a escribir mis propias canciones” Su obra refleja esa delicadeza y sensibilidad que emanaba Arthur Russell, pero mezclado sobre el vanguardismo guitarrístico de un joven Loren Connors o Alan Licht, esa presencia tremenda de jugar constantemente con la cuestión tonal, sumándose a ese manto popístico que envuelve cada minuto de su obra, donde se salta de lo experimental a lo más melódico. Dichas comparaciones podrían valer menos, y dar una idea de la obra de Robidoux pero, estás comparaciones son solo aproximaciones o reminiscencias, su obra forma una amalgama muy personal, con vibras de alcoba y que se reduce a ese sentimiento entre artista y público. “Siempre que tocó en algún lugar, trato de incluir a músicos locales en mi show, tratar de crear una conexión, una comunidad, también tratar de llevar está música que por lo general siempre se encuentra en nichos, en círculos cercanos al jazz o muy académicos; tratar de llevarlos a comunidades más apegadas al D.I.Y.” “La música experimental como género, no existe, no hay un sonido que se defina como experimental, para mi esa etiqueta significa tomar riesgos, significa también abrazar tu individualidad como compositor, generar tu propia estilo.” Robidoux es uno de los experimentadores sonoros más interesantes de la actualidad, y probablemente de los más accesibles, en su pensamiento no existe la demagogia y el esnobismo que se recrea a través de estos círculos del “avant-garde” y la academia, y eso se aprecia en su música de una manera clara, sin posturas ni pretensiones, sino, experimentando constantemente bajo una estructura similar a la canción pop. El compositor radicado en Oakland, está por lanzar su próximo álbum de estudio, que probablemente liberé a finales de año.   Bandcamp: http://mattrobidoux.bandcamp.com/album/cracker-cuts    

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Datos Duros// Trascender para ser escuchado.

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Toda la tierra se mueve como las olas, en medio del cielo se escuchan ruidos. El hombre se prepara para transformarse y se transforma. Canto Seri. Una canción y una foto bastó para buscar a “Hamac Caziim”, era un poco más de la una de la mañana  y logré contactar a su mánager (Diana Reyes)  que por suerte se encontraba en la Ciudad de México.  De hecho la banda cumplía compromisos en la ciudad, la última parada sería el Zócalo capitalino dentro del foro  de “La feria de la culturas indígenas”. Para entender el contexto de esta banda debemos centrarnos en una zona muy cercana a Punta Chueca, Sonora; México. Es ahí donde los ojos humanos  ven tierra firme, es ahí donde la comunidad “Seri” se organiza  principalmente de la pesca ya que es la más cercana a la Isla Tiburón; una isla de proporciones grandes dentro del Golfo de California. La vértebra de la comunidad “Seri” son  sus valores  que la sociedad moderna esta perdiendo, y estos son: compartir y ayudar para trascender. La comunidad esta en constante lucha por defender y preservar sus raíces entre las que destacan su lengua (‘Cmiique iitom) .   Algunos  “Seris”  son trilingües ya que dominan el español, ingles y su lengua natal. Dentro de esta necesidad de preservación Francisco “El Indio” Molina (Voz), Eliezer Barnett  (batería), Anselmo Morales (guitarra eléctrica) y Jeremías López  (bajo) decidieron formar una banda cuyo objetivo es  comunicar al mundo su cosmovisión, su historia, sus tradiciones y mantener  su lengua viva a través de un genero que como nos dice “El indio”, fue clave para ellos,  nos referimos al Metal. Todos éramos danzantes  en nuestro pueblo, la inmersión y conocimiento de culturas por alguna razón nos llevo a escuchar otra música en diferentes idiomas. Es ahí donde nos dimos cuenta que a los niños de la comunidad les gustaba el rock, nos comentó “El indio” Es así que decidieron formar a “Hamac Caziim” que significa fuego divino.  La bandera ideológica de la banda es concientizar a los pueblos de México para que conserven y mantengan viva su cultura y sus raíces. Eran las 7 de la noche y el cielo estaba un poco gris. La lluvia es una constante aquí en la ciudad no  cómo en su natal Sonora donde la lluvia no se ven a menudo.  El escenario esta listo y  “Hamac Caziim” también, decenas de personas poco a poco se congregaban. Cada uno vestido con trajes tipos de la comunidad “Seri” , también veo maquillaje en sus rostros representando figuras geométricas. Los instrumentos están listos , no hay más que esperar. Comienza el repertorio, una especie de ceremonia auditiva , la gente sigue llegando; mientras tanto “El Indio” canta, gran parte de estas canciones  giran en torno al mar, los tiburones, la mujer (como pilar dentro de la comunidad) y las antiguas hazañas de héroes y guerreros. Conforme avanza el concierto ví  gente bailar, ser libres. “El Indio” hace headbanging con su enorme cabello, los ritmos son precisos y llenos de energía. No hay voces guturales , todo parece un sonido que nos invita a perdernos de manera tranquila. Durante la presentación “El indio” nos habla en “Seri” nadie ó casi nadie entiende pero, sabemos cuando gritar y cuando no. La noche siguió y posterior a este cumulo de energía, entré con “El indio” a una pequeña sala improvisada para hablar de la historia que los llevo hasta aquí. Metallica, Overkill, Testament, Cannibal Corpse, Sepultura son bandas que marcaron la vida de “El Indio” y fueron parte de su conocimiento e incursión al metal. “El Indio” ríe pero a la vez  se le ve tímido, disfruta en demasía  el momento  las  charlas. Al preguntarle si le gustaría estar en algún festival de metal en México  o en el mundo respondió emocionado que, sí. Al final el objetivo sigue siendo compartir junto  con los demás integrantes  la magia de sus cantos con un genero que a su sentir los representa por la fuerza y energía. Para este año continuarán con la promoción de su álbum debut “Hamac Caziim (Fuego Divino)” pero el “El indio” nos deja la primicia que el próximo año habrá música nueva y prometen regresar a la ciudad para Enero o Febrero del 2019.

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Datos Duros // La transformación del ser.

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Los sábados parecen más lunes que sábado, tráfico, stress, mi tiempo se ve mermado en el metro debido a una persona que se lanzó a las vías, obviamente murió. Que mal día para aventarse. Humo Negro by Desollado 40 minutos después de la cita por fin me encontré con Fabián Guitarrista de un proyecto que fue fundado recientemente con ex miembros de lo que fue “Muluc Pax”, “Tloke-Nahuake” y “Weedsnake”. Derivado a las ganas de seguir creando y vislumbrando un camino con raíces mexicanas nace  “Xipe Tótec” nuestro señor “El Desollado”. Llegamos a unos departamentos enormes hogar Ix Caban baterista de la banda, al entrar observe   un conglomerado de pequeñas sociedades aisladas de las avenidas cercanas, era una ciudad dentro de otra. Subimos un piso, entrando se encuentra  la mesa, una botella de ron, hierba  y hielos eran nuestros aliados esa noche, el motivo hablar con 3 de los integrantes de El Desollado. Buscar en internet  la palabra DESOLLADO da un contexto gráfico a horripilantes imágenes que no precisamente van con la banda.   Me gusta preguntarle a las bandas mexicanas si están orgullosos de ser mexicanos. Zip Pax bajista, nos comenta que su trabajo como músico ha sido comúnmente muy narrativo de México, es el aderezo a su trabajo. Ix Caban  explica que el nombre da origen a la transformación , al cambio de piel “Xipe Tótec”. El nombre de la banda  va más allá de la desgracia,  “Xipe Tótec” es algo positivo, es renacer,  es sembrar una semilla y ver crecer a una planta, nos platica Fabián bajista. El género que El desollado interpreta es  Doom-Stonner-Metal aunque los integrantes invitan a la gente a verlos sin estereotipos musicales  para que descubran la propuesta que estos tienen.  La linea creativa nace de sesiones Jam lo que permite que sus shows sean distintos ya que convive la improvisación  influenciada por la gente. A esto le sumamos la potente voz de Erick (Kan Balam Ahau) cuyo sonido hacen una atmósfera oscura.   Los tragos empiezan , la botella baja y los hielos se acaban, en el cuarto junto con nosotros conviven el gato y el perro Ix Caban, él es amante de los animales por lo que expresa estar en desacuerdo en la humanización de estos.  El soundtrack sigue y la platica continua mientras vemos videos  de Sleep, Revocation hasta Horse The Band.     El desollado ha participado en varios eventos del círculo resaltando la sexta edición del festival Lxs Grises donde fueron invitados a tocar en vivo y participar en el  álbum que conmemora la reunión con la canción “Implosión” sencillo que le ha permitido estar dando la vuelta en la escena metalera.   Hay mucho grupos mexicanos con una  gran calidad, en un corto plazo la gente será testigo de esto ya que muchos proyectos se les ve futuro, comenta Zip Pax.       Para la banda no ha sido fácil y lo viven, es ahí donde todos coinciden en  que para seguir generando y hacer sólida la escena la gente debe darse la oportunidad de ir y consumir lo nacional. Es importante que exista una retroalimentación donde alimenten los proyectos y no se enfríen. Por ahora están preparando un EP que saldrá en todas las plataformas disponibles , continuaran con giras tocando en lugares como El Mundano y siendo parte de distintos carteles con bandas del genero, estén pendientes de más noticias de El Desollado.

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Entrevista a Michelle Garza, cineasta y comprometida con la escena punk

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Conocí a Michelle Garza Cervera en su celebración de cumpleaños número 24. Era el año 2011 y esa noche de septiembre, gracias a algunos amigos con los que comencé a salir a tocadas de punk y fiestas por diferentes lugares de la Ciudad de México, fue como terminé al sur de la metrópoli, cerca de la carretera Picacho Ajusco, en el hogar de los padres de “Mich”, como suelen llamarla sus más allegados a esta joven cineasta que realiza cortometrajes desde 2009, destacando Isósceles (2012) y La Rabia de Clara (2016), los cuales han sido proyectados en distintos festivales alrededor del mundo. En la fiesta convivían músicos ligados al punk chilango, cineastas y viejas amistades de Mich. Y, algunos meses después, recuerdo que ella misma, la propia ex vocalista de Especie Fallida y, también, guitarra de Secreto Público, debido a nuestras amistades en común, a mí y a un amigo norteño (Mito da Pawa) nos pidió ayudarle a mover algunos muebles en una casa abandonada de la colonia Roma, donde filmaba escenas de Isósceles. La sorpresa fue que en ese acogedor hogar donde al parecer alguien se había suicidado (por eso ya nadie habitaba ahí), terminamos encontrando expedientes y fotos del asesinato de Luis Donaldo Colosio Murrieta, haciendo que ese día fuera más inolvidable. Ahora, cuando ya han pasado casi siete años de la fiesta de cumpleaños y que el miedo nos invadió en la casa de la colonia Roma, Mich, quien también en su carrera como cineasta a formado parte de México bárbaro II (2017), se encuentra desarrollando su primer largometraje, en Londres, gracias a una beca que obtuvo a finales de 2017. Entonces, y a la distancia, me puse en contacto con Mich, recordando algunas platicas que iban de David Cronenberg al punk rock que nos marcó de por vida en nuestra adolescencia, para así hablar de lo que se encuentra haciendo en el viejo continente, sus inicios en el séptimo arte, cómo ve las cosas dentro de la industria cinematográfica siendo mujer, entre otras cosas.   Hola, Mich. ¿Cómo estás? Parece ser que estás cumpliendo tus sueños de la infancia: escribes historias y las estás llevando a un formato audiovisual. Hola, gracias por tomarte el tiempo de hacer esto. De hecho, cuando era una niña quería ser dentista. Y eso que me daba terror ir porque no se me caían los dientes y tenían que inyectarme anestesia para arrancármelos. Igual de ahí decidí dejar el sueño de la odontología por el cine de terror.   ¿Recuerdas algunas historias que llegaste a escribir o imaginar de pequeña? Sí. Tengo varios cuentos guardados que escribí de niña. El que se me viene más a la mente, es El mundo secreto de mi amiga Katia. Katia fue mi primera amiga. Recuerdo que solía ser misteriosa y no contarme a detalle lo que le pasaba. Entonces, escribí una historia en la que ella me invitaba a un mundo secreto al que escapaba cada tarde, me daba una llave mágica para entrar y todo eso. El mundo consistía en un jardín salvaje donde todo sucedía al revés: la gente caminaba de manos, hablaba al revés, etcétera. Creo que estaba influenciada por la canción de Chabelo [“El reino del revés”], y también por la película de El jardín secreto [risas].   ¿Siempre quisiste hacer cine o en algún momento de tu vida te inclinaste por la literatura o algún otro tipo de expresión similar a lo que hoy en día haces con una cámara? Siempre estuve inclinada a escribir, sólo que mis ideas eran muy visuales y me costaba trabajo describirlas. Dibujaba al lado de mis textos para tratar de explicar lo que quería decir. Lamentablemente mis dibujos eran feos [risas]. Entonces, supongo que la solución, inconscientemente, fue que encontré el cine.   Lo pregunto porque, si no me equivoco, tus papás y hermanos también están envueltos dentro del arte y la creatividad. Así es. Lo chistoso es que a nadie más de mi familia le importa mucho el cine. Mis papás se dedicaban al diseño gráfico e industrial. Mi mamá hizo mucho grabado y, de hecho, sus imágenes tendían a ser fantásticas. ¡Era medio Sci-Fi mi jefa! Tal vez de ahí me vino algo.   ¿En qué momento decidiste dedicarte a la dirección y entrar al Centro de Capacitación Cinematográfico? ¿Qué cosas crees que tuvieron que influir para comenzar una carrera dentro de este medio? Primero tomé un taller de video en la preparatoria. El maestro era chido, recuerdo que me prestó un DVD de GWAR, el cual nunca regresé [risas]. A partir de ese curso creo que me obsesioné. En aquel entonces tenía un novio con el que me pasaba los días viendo películas. Nuestra meta era ver 20 a la semana. Luego descubrí el CCC [Centro de Capacitación Cinematográfico] y valió madre, tomé mi primer curso en 2006 con Gustavo Montiel, y me quedé hasta que me titulé, hace dos años, en 2016. Y, ahora, estás en el proceso de hacer tu primer largometraje. ¿Cómo vas con eso? ¿De qué va la historia? La verdad es muy loco ver como ya han pasado más de diez años desde que empecé a dedicarme a esto y aún me siento una novata. Cada vez pienso que está más cabrón hacer buen cine. El largometraje, por el momento se llama Huesera. Es un proyecto que me ilusiona mucho y que estoy desarrollando con dos amigas a las que admiro un chingo. Se trata de una mujer que tiene miedo de convertirse en madre, y ese miedo toma la forma de un monstruo que no la deja tranquila. Incluso te encuentras en la Universidad de Goldsmiths, en Londres, a donde llegaste gracias a obtener una beca. ¿Cómo se dio esto y en qué te estás preparando, aparte de desarrollar tu largometraje? ¡Cuando me dieron la beca no me la creía! Creo que la vendí con el argumento de que casi no hay mujeres en México que hagan cine fantástico, lo cual es verdad. Vine

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Datos Duros// Debo irme antes de que sea demasiado tarde.

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La dificultad de mantener viva una banda bajo las reglas y normas de las disqueras malditas o de empresarios que hacen y deshacen la labor artística de quienes generan ideas musicales es complicada, más viviendo en un país como México.  La contraparte es que a pesar de todo el cáncer que evita la difusión de cientos de proyectos en este país existen bandas que enfrentan al establishment musical y le pintan “Güevos” en la cara, utilizan todos los medios posibles para llevar su música a otros continentes ya sea de manera oficial ó pirata eso no les  importa.Es un sábado cualquiera en la CDMX, finaliza el ensayo de Black Overdrive me dispongo a hablar con ellos. -¿Que les enorgullece de ser Mexicanos?-Jajajajajajajajajajajajajajajaja -Los sopes, jajajaja, comenta Rene. Todos aceptan que no son nacionalistas, de hecho si hubieran nacido en cualquier parte del mundo, su sentimiento sería el mismo. Hay un minuto de reflexión y entre risas Ivan Nieblas aclara,  “Si contestamos esa pregunta la neta sería que estamos orgullosos de no vivir en un lugar con tantas restricciones como Venezuela o Israel, eso si esta cabrón”.    Esta banda es originaria de la ciudad de México y comenzó su historia  como cualquier proyecto. Las ganas de tocar y compartir con la gente sus influencias fue vértebra en el comienzo, tocaron covers de  Black Sabbath, Motörhead, Fu Manchu, Kyuss, Down, Anthrax y Slayer pero no contaban que estos no cumplían con las expectativas, es ahí que entre la improvisación e ideas  la banda logró armar maquetas interesantes que dieron vida a un primer álbum llamado “Discord” Mike Sandoval diseñó la portada de “Discord”  con tan solo ver las letras y escuchar una idea de los integrantes.  Rene Villanueva (lira), JC Pintor (las ollas), Ivan Nieblas (los suspiros)  y Ángel Castillo (en el me agarras) describen a Black Overdrive como una banda llena de odio y sed de venganza. La mayoría de las letras hablan de las cosas que les molestan y han sido cuestionados “por los fans” de usar el idioma Inglés para transmitir su mensaje aunque aclaran que  es un tema que corresponde más a que así el género es mejor auditivamente y la mayoría de las bandas que han escuchado durante toda su vida cantan en inglés. Platicamos entre otras cosa de  cual es la opción de Black Overdrive  sobre cómo utilizan las bandas ciertos foros para llevar mensajes de protesta. Recordamos aquella presentación de Gwar en el Hell and Heaven de este año o ahí mismo a Tenacious D siendo  los únicos que a través de su show levantaron la voz en México para decir que su presidente es un pendejo. Los Black Overdrive creen en la idea de que a través de una canción no pueden mejorar las cosas, pero esa opinión no limita las ganas de usar todo el material que te hace enojar para crear letras contestatarias  por ejemplo:  La guerra de calderón , la represión ordenada por Miguel Ángel Mancera ante eventos de protesta en la CDMX, la Iglesia como  punta del iceberg en temas de pederastia como no enojarse ante tantas injusticias.  La canción  “War Weather Worshipper” habla de la gente que hace política y guerra sucia complementamos esta rola con un video hecho por “El Rata” Rodriguez donde se ven imágenes  de Trump hasta algunas de  Lopez Obrador.Pasan los minutos y la plática da pie para hablar de cómo los recibe la escena Stoner en México.La pregunta surge ya que  hace tiempo platicando con una amigo que pertenece a una banda de surf me comentaba de la tan conocida “Policía del Surf”, las carcajadas de todos  se escuchan. Les platico que este grupo de personas  constantemente  organizan a bandas Surf a ser lo que es políticamente correcto para  mantener una imagen dentro de la escena  por ejemplo: usar cierta marcas de guitarra o de platillos para la batería, comprar discos en ciertos lugares o incluso sugieren  vestir ciertas cosas o marcas de ropa ya que  de lo contrario serán expulsados gradualmente y no tocaran en ciertos festivales que ellos organizan.Es gracioso para Black Overdrive ya que afirman que  eso ha existido de siempre y en todos los géneros, bandas que solo tocan juntas o en festivales donde siempre va hasta la misma gente, en el metal por ejemplo gente que si no es *TRVE no los dejan participar en ciertos eventos.  Un sector de la escena Stoner en México nos considera “La Stoner Elite” porqué no los invitamos a tocar con nosotros, porqué cobramos o porqué no tocamos en lugares culeros en donde no existen los medios para poder dar un buen show eso es una mamada, Ivan Nieblas. “Siempre habrá gente que se cree dueños de las escenas musicales y la neta qué weyes los que permiten esto” nos comenta J.C. Para este año 2018 Black Overdrive nos presentará el sucesor de Discord la fecha tentativa es para agosto la banda nos pide estar muy pendientes de sus redes sociales. *TRVE es un termino  que usan para decir que una persona compra y/o consume el genero de una manera exagerada suele ser un critico duro ante cosa que no consume.

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Datos Duros // De nuevo en casa

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  Es una tarde cálida de esas que a varios nos gustan. Con cerveza en mano y el teléfono en la otra espero la voz de Manuel Castellón  (vocalista de Sierra León) que se encontraba aquella tarde de viernes terminando unas entrevistas con algunos colegas periodistas. En aquella llamada su mente y su concentración se enfocaría  en dos eventos sumamente importantes que marcarían la carrera de esta banda de Tepic Nayarit. Me refiero al festival internacional Vive Latino y el Hell and Heaven. Pero, ¿Por qué esta banda  estaba compartiendo cartel con otras bandas de la talla de Gorillaz, QOTSA, Tenacious D?   La principal carta de presentación de  Sierra León son sus shows en vivo. La energía que emiten arriba del escenario, es parte fundamental para lograr entender los motivos por los que su carrera va en ascenso motivo por el cual son considerados en  estos festivales.   Esta banda es conformada por los hermanos Kenji Hino en las percusiones y  Seijo Hino en las secuencias y sintetizadores, Juan Zavala en la guitarra, Mario Bustamante en el Bajo y Manel Castellón en la Voz y guitarra. Los caminos de Sierra León han sido complejos, primeramente tener que dejar atrás familia,  amigos y algunos amores para tratar de compartir lo que más aman a un séquito de fieles fans   Manuel Castellón se escucha contento y ansioso a la vez, hablamos un poco de cómo ve a Tepic Nayarit y se nota en sus palabras  que lo extraña, pero sabe que ese sacrificio le ha ayudado a trascender en lo que aún siguen buscando. Resulta que Manuel es un melómano exigente, su conexión con la música  radica en conocer y entender lo que sucede en un acto en vivo de una banda. Le gustan los sonidos honestos y eso es lo que ha tratado de hacer junto con cada mente que forma Sierra León, de hecho cada uno de ellos son partes autónomas que hacen match en momentos para coincidir y explotar en sus live sets.   Si a una banda le importa más sudar la camisa que cuidar su  peinado, aunado a letras y ejecución sin igual. Eso para mí, es una buena banda. Manuel Castellón                                                                 Manuel nos platica que ha tenido oportunidad de ver algunas bandas en vivo, muchas de ellas lo han llevado a buscar ese detonante que hace que el espectador explote, brinque y mueva la cabeza aun sin conocer la canción, eso  es un gran reto y motivación. Todos los lugares  donde ha vivido los integrantes de Sierra León han definido sin duda su sonido. “Nayarit fue la esencia y  las ganas de buscar nuevos horizontes por lo que nos fuimos a Guadalajara, este cambio nos hizo pensar una vez más que es posible  vivir de la música y tomar decisiones para luchar con ciertos prejuicios” nos dijo el vocalista de Sierra León.   El origen del nombre Sierra León viene del lugar donde se desarrolla la trama de la película de Edward Zwick “Blood Diamond” pero la connotación de palabras se conectan con el sonido de la banda.     “Vivir ahora en  la Ciudad de México es un reto” nos dice. Se convirtió en una revelación de identidad nacional, también nos explica que ese cambio cultural  les llevó a crear un EP doble llamado “El otro lado” donde exponen el sentir y la fusión de identidad. Ya estando en forma apostaron por una producción que definió su camino musical, un sonido que  hoy es clave en su carrera, sonidos un tanto más agresivos que invitan a la gente  a brincar y mover la cabeza y coros que provocan  cantar sin parar y repitiéndolos como si fueran familiares.   “Nunca existió un plan en nuestra carrera” comenta Manuel, chocamos con la realidad y nos dimos cuenta que es más difícil pero eso da fuerza para hacerlo en serio y mejor.     Sierra León ha participado en SXSW, Ruido Fest en Chicago, Vive Latino y H&H  la clave para seguir enfocado es recordar todos los días porque decidiste estar ahí, es una búsqueda interminable. El día que perdamos el piso ese día se habrá terminado este viaje.      Hablamos de sus más recientes sencillos “Lucia” y “Lacerado”  Manuel nos comenta que en el caso de “Lucia” habla de una representación de  luz que les devolvió la inspiración. “No es una persona tal cual es una fuerza que nos ayudó a conectar con todo”.  Por otro lado “Lacerado” cuyo video presenta a un hombre que está a punto de enfrentar sus retos en  un ring de box, visualmente hay muchos  mensajes tanto conscientes e inconscientes que invitan a una lucha interna y ser fuerte ante las adversidades. El video se puede aplicar a muchas metáforas menciona Manuel.     Hablamos un poco de como pinta el 2018 para la sociedad y fue inevitable hablar de las próximas selecciones. Manuel  nos invita a no ser indiferentes en el tema, hay que informarnos y tomar una buena decisión, “no hay que ser indiferente”. Hoy en día el  sector más importante de electorado nacional  son los Millenials, Manuel nos comparte que las cosas son clave en ellos y ve en esta generación una forma de buscar un nuevo camino y ser la inspiración para generaciones subsecuentes. Particularmente en el ámbito artístico hay muchas aportaciones que  están marcando la pauta. Manuel entiende  que hay un sentimiento colectivo por lo que insiste “debemos  dejar de ser egoístas”.   Estamos pasando por un punto crítico en este 2018 y es bueno luchar por las ideas y por lo que queremos, eso lo hemos tenido claro en Sierra León.     Actualmente Sierra León se encuentra preparando todo para presentar su más reciente álbum “Hipersomnia Pt1” esto se llevará a cabo el  próximo 16 de junio en la capilla de los Muertos en Doncelles

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Entrevistamos a Le·Mat tras su regreso después de 4 años

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Le·Mat es una banda de Monterrey que se le puede catalogar de muchas maneras, pero con bases provenientes en el hardcore punk. Hace algunas semanas anunciaron su regreso después de 4 años de pausa, y por ello nos dimos a la tarea de realizarles esta entrevista.  1.- Nos dimos cuenta que están de vuelta, ¿por qué se detuvieron a seguir tocando?   Hola, sí, es verdad, estamos de vuelta, estuvimos en un coma profundo durante un tiempo deambulando en la atmósfera del recuerdo.   En nuestro último show de la la gira sudamericana 2014 (Brasil, Argentina,Uruguay, Chile), en Santiago de Chile uno de los guitarristas de aquel tiempo decidió dejar la banda. Al sufrir esa fractura se le sumó una más, la batería. Ante la separación de dos piezas importantes quedamos con un vacío intangible, era un hueco que veíamos complicado llenar…y más con el apremio de los planes que yacían en aquel tiempo, ya que teníamos un disco nuevo en mente, sesiones de estudio y giras planeadas en aquel distante pasado; ante este escenario, los 3 restantes decidimos entrar en un coma para realizarnos en otras áreas de nuestras vidas y no volver al escenario hasta que de manera natural aquel vacío volviese a llenarse, cosa que está sucediendo justo ahora, la lluvia está cayendo nuevamente en aquel viejo balde vacío y estamos preparando nuestra primera presentación 4 años después.   2.-¿En qué año se formaron y cuál era el objetivo de la banda?   Es una historia que data ya desde muchos años atrás, 2009-2011 aproximadamente, podría decir de manera concreta que allí se forjó una enorme raíz que con el paso de los años se ha ido haciendo mucho más profunda, se abre paso entre la humedad y sequedad de la tierra. Después de toda esa andanza llega la transformación a lo que hoy nosotros nombramos LE·MAT, y nuestro primer show bajo esta máscara que lleva todos los viajes consigo fue un memorable sábado 10 de Agosto de 2013. Y sobre el objetivo, siempre lo vimos como un viaje, el objetivo mismo es en sí la experiencia del instante, uno va aprendiendo en este trayecto a cada paso que cada grano de arena es distinto al otro, sin embargo son uno mismo. El objetivo, el viaje mismo.   3.-¿Cuál es su discografía? Únicamente llevamos bajo nuestro brazo un disco, nuestro Diálogos de Sol y Luna.   4.-Nos llama mucho la atención lo que escriben, ¿en qué están inspiradas sus letras?   Son viajes poéticos, observaciones hacía lo ínfimo, un viaje a las profundidades del Ser (en este caso del autor thomDíaz) y en esas profundidades palpar todas las texturas tersas y corrosivas que llevamos con nosotros mismos, versos y estrofas que invitan a valorar la magnificencia de una luciérnaga por nombrar un detalle de los infinitos que existen en la vida natural. Y por otro lado hasta sentir el dolor más profundo por el precipicio ardiente llamado La Condición Humana Actual.   5.-¿Todos los miembros son vegan straight edge?   No, pero recuerdas de los cimientos de los cuales te hablé en una de las preguntas más arriba, bueno, aquellos cimientos comenzaron siendo una idea unificada sobre la ideólogía Vegan Straight Edge. LE·MAT hoy en día son cinco personas de diferentes concepciones del pensamiento humano. Dos de nosotros seguimos siendo Vegan Straight Edge y uno más solamente vegano.   6.-¿Qué bandas o corrientes musicales influenciaron para crear Le-Mat?   Definitivamente todo lo relacionado con el hard core–punk fue la semilla para la creación musical, quizá una respuesta más concreta para esta pregunta se daría si la contestará cada una de las personas que crearon la música para cada una de las canciones.   7.-Después de este reencuentro, ¿qué sigue para la banda?   Tenemos un plan en especifico, y es componer un nuevo disco y tomarnos la cantidad de tiempo necesaria para crear la música, en cuanto a las letras incluso nombre de disco ya lo tenemos, ahora es crear toda una atmósfera de templanza y estruendos para estos pensamientos.   Y de presentaciones en vivo o giras hemos pensado en reducirlas, porque deseamos fervientemente entrar en un pensamiento de composición, así que de manera un tanto “dolorosa” hemos decidido sólo hacer el show a finales de primavera en Monterrey, presentación símbolo de que hemos despertado, y una mini gira con una banda de Estados Unidos llamada Lord Snow en Agosto, después de esa gira no tendremos presentaciones y nos enfocaremos en crear un disco nuevo, ya que habita en nosotros un cúmulo monumental de pensamientos e ideas para lograr un disco nuevo, creemos que es necesario para que hable nuestro interior que lleva en silencio muchos años ya.   8.-¿Cómo perciben su escena en México?   Dos de nosotros tenemos yendo a shows de hc/punk desde el año de 1998, y haciendo música juntos desde el año 2001. Entonces hemos visto toda esta transformación desde la parte ideológica, tecnológica y de producción musical en nuestra ciudad de origen Monterrey, en algunas otras de nuestro país. Estamos ante una oportunidad inigualable para producir música en cualquiera de sus ramificaciones. Ante esto, las personas interesadas por comenzar a crear bandas son cada vez más y cada vez más hay talentos impresionantes, nos parece que México tiene un potencial muy fuerte musicalmente incluso como país, ya que tenemos la dicha de que si así se desea con facilidad puedes hacer un mes de gira por todo el territorio mexicano, cosa que en otros países no cuentan con tantas ciudades para ir y presentar tu música en vivo. Ahora lo más importante sería el profesionalizar cada aspecto de aquello en lo que crees en este caso (tu banda). Componer, ensayar, producir un buen disco de estudio y salir a tocar.   9.- ¿Qué bandas actuales nos podrían recomendar?   Desde ya recomendamos escuchar a Heterofobia, Los Mundos, Danzantes, Lilith, Chimera, Reptoides, Frägments, Drowned at Dusk, Crimson Trip, Hellmaistroz por mencionar algunas de Monterrey; y de México Annapura, Corporeal, Tajak, K., Cardiel, Svärd

Entrevistamos a Le·Mat tras su regreso después de 4 años Leer más »

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