Depósitio Sonoro

Entrevistas

Sonidos Eléctricos: una conversación con DANKO JONES sobre su nuevo álbum

En una época en la que la fusión sonora está a la orden del día, lo “grandioso” del rock ‘n’ roll sigue en pie de lucha a través de bandas como DANKO JONES, trío formado en Toronto en 1996 que ha hecho casi de todo durante el último cuarto de siglo. Impulsados ​​por el espíritu del DIY, Danko Jones  (voz y guitarra), John Calabrese (bajo) y Rich Knox (batería) han construido una colosal base de fans y se ha convertido en una de las agrupaciones en vivo más aclamadas. Desde los fanáticos del rock hasta los metaleros más apasionados se han sumado a las filas de seguidores de la banda, la cual ahora presenta Electric Sounds, su undécimo  álbum de estudio, el último de su prolífica carrera y que llegará a plataformas el 15 de septiembre a través de AFM Records. Checa el video para “Good Time”, primer sencillo del álbum que, según Danko, es la canción que necesitas escuchar cuando no estás listo para tirar la toalla. Electric Sounds fue producido por Eric Ratz y cuenta con la participación de Tyler Stewart (Barenaked Ladies), Damian Abraham (Fucked Up) y el guitarrista Daniel Dekay (de las leyendas del thrash canadiense Exciter). En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con el frontman Danko Jones sobre su actual, gira europea, la gran experiencia de haber sido teloneros para monstruos como Guns n’ Roses y Mötorhead, influencias, inspiraciones y por supuesto, su nueva placa.   Checa AQUÍ la entrevista completa. Para más información:  https://www.dankojones.com https://www.facebook.com/dankojones https://www.instagram.com/danko_jones https://www.tiktok.com/@dankojonesofficial https://www.afm-records.de https://shop.afm-records.de

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Entrevista al productor Tycho

Tycho es un músico electrónico conocido por su enfoque en la música ambiental y downtempo, que combina elementos electrónicos con guitarras y melodías envolventes. Su estilo distintivo y relajante lo ha convertido en una figura influyente en la escena de la música electrónica contemporánea. Su música se caracteriza por su atmósfera relajante y sus paisajes sonoros envolventes. Sus canciones a menudo presentan ritmos suaves y sutiles, combinados con capas de sintetizadores y guitarras etéreas. Esta combinación crea una experiencia auditiva que es a la vez estimulante y relajante. Después de cinco años de ausencia, Tycho sacó un nuevo single llamado “Time to Run” y tuvimos la oportunidad de hablar con él acerca del último lanzamiento y su recorrido por la música. 1. ¿When did you start making music?Scott: It was pretty late in life, I think I was 20 or something like 1990 maybe 1999, I made CD’s and stuff for my friends and family but I put out my first release in 2002. 2. ¿What were your musical influences?Scott: Starting out, I was really into German bass, like Roni Size, LTJ Bukem, and that whole full cycle crew and all that stuff but mostly logical progression was like why I started making music. But then, DJ Shadow came out during that time and I was really into that. But then I heard Boards of Canada a few years later after I started making music and that’s when I was really like “this is the kind of music I wanna make”, so that’s been my biggest influence since. 3. ¿How did you go from a solo project to a full band?Scott: I’ve been doing the kind of bedroom producer thing for a long time and then I was really interested in guitars and rock music was kind the kind of genre that I listen to the most is like indie rock or something so, I’d always wanted to find a way to incorporate guitars into the music and I play guitars on the keyboard, like a sampled guitars and then I finally got a guitar and started messing around. Then I wrote “Daydream” and “Ascension”, like some of those earlier guitar songs and then it came time to go play them live and so I was like “oh yeah,I could play the guitar in the studio and get by, but I couldn’t play it live” so I hooked up with Zach, the guitarist and bassist and then we started working together for shows and then we started actually recording and writing songs together. When we really started touring was like around 2010, 2011 after “Dive” came out and that’s when we met Rory.And then, same thing. We played a lot of shows with Rory and then decided “okay, let’s try to record together in the studio”. 4. Your music generates a kind of inner peace and a serene escape for listeners seeking solace and introspection, ¿Is that a goal planned from its creation?Scott: No, not at all. I think that’s just kind of what naturally comes out. I’m trying to speak to beauty, nature and things like these, overarching, calming subjects. So, I think that’s what I’m going for personally, just because it’s like a meditation for me, and to hear that other people find it calming and meditative is really meaningful. 5. It happens that some artists have favorite albums of their own creation. ¿Is that your case? Do you have a favorite record of yours?Scott: That’s tough. I mean, there’s different things I like about all the records. I think “Dive” is obviously a special record for a lot of reasons, but I also have a hard time seeing that as an album, because It was so many years that I wrote that album, over five years or something, so It wasn’t like this really intense eight month process of “let’s sit down and write a record”. I think “Awake” was kind of pure in that respect where it was all written and recorded in a very short amount of time, so that feels to me more like an album. I guess that’s not a real answerbut I think it’s hard to say. I do appreciate “Dive” for what it is, It’s a special album. 6. Tell us a bit about your latest single: Time to runI’ve been kind of taking a break for a while. Well, not a break but just messing around in the studio for the last five years. I haven’t had like a deadline or anything to put an album out andI just kind of decided to take a break and spend some more time like I did with “Dive”. Really just trying new things, experimenting and trying to evolve and change. That’s kind of what came out of it, I was really inspired by funk style drumming and trying to find different rhythmic patterns and structures than before, and that kind of just opened up this different style of song. Zach Brown sent me the guitars, he made a riff in a demo and I was like “Oh, I was you working on this other song” and put them together, and they sounded really cool. We went from there. 7. We also see in your most recent video that you have a love for racing or sports. Did music replace this discipline?It was right when I started music when I stopped running in college. I think for me, I didn’t really have an athlete, I drew a lot as a kid but for whatever reason I didn’t feel like that wasn’t something I was super obsessed with. I just did it as a habit almost, but running was racing and competitive running. I’ve been doing that since I was a really little kid, like 8 years old, so that was always kind of my thing or like how I identified, that was part of my identity to me. I was a runner and like that was the thing I did, so that

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Entrevista con Victor Pichardo y Ramón Amezcua sobre su disco ANCONADA

Anconada es el resultado de la colaboración entre Victor Pichardo y Ramón Amezcua que nos presentan un viaje de música clásica contemporánea hacia el espacio, tomando como inspiración a György Ligeti, compositor de 2001: Odisea en el espacio. ¿Es la primera vez que se aventuran a crear música de este género?Víctor: Más o menos yo compongo cosas similares, de hecho creo que eso me ayudó mucho cuando comencé la colaboración con Ramón, la vez que él me mandó la primer pista sonaba mucho al sonido que ya trabajo. Resultó algo muy placentero, fluyó mucho el proyecto y las ideas. La música clásica contemporánea y las secuencias electrónicas es algo que tenemos en común. 2. ¿Cuáles son algunas de las principales influencias y referencias musicales que han dado forma a su sonido?Ramón: Cuando comenzamos el proyecto la intención era divertirnos y después proyectar nuestras influencias que tenemos en común. En las charlas que tuvimos en redes coincidimos mucho con artistas como: György Ligeti, Béla Bartók y Luciano Berio. Estaban muy adelantados a su tiempoy experimentaban con música contemporánea con algunos sonidos experimentales electrónicos.Por mi parte le mandaba improvisaciones con sintetizadores y modulares, Victor se encargaba de incorporar instrumentos que se han usado en música de cámara o música orquestal e incorporarlos y plasmar los sonidos en estas piezas. 3. ¿De dónde surge la inspiración para crear música relacionada con una película?Víctor: La inspiración se fue dando, tengo una característica que al componer canalizo mucho a Ligeti (compositor de Odisea), los instrumentos que elegí son Ligetianos, así que hay una conexión con ese mundo 2001. Muchas veces cuando compongo tiendo a ser un tanto programático, no estoy pensando en imágenes, pero veo que muchas veces es la reacción que tiene el público.No hablamos mucho de cómo iba a salir, queríamos que fuera algo más improvisado y “orgánico”, no tan estructurado. 4. ¿Entonces no pensaron en alguna escena en particular mientras componían alguna canción?Ramón: Había conexiones, todo empezó con un post de portadas del soundtrack de Odisea 2001, este disco marcó a mucha generación, en ese tiempo yo era casi un adolescente y marcó mucho de mi vida. En ese tiempo bailaba mucho con mi hermana los Vals de Strauss, pero ya cuando llegaba la parte experimental me sacaba mucho de onda y yo no sabía nada de música electrónica. 5. ¿Qué tipo de ambiente o emociones esperan que la gente experimente al escuchar su música?Víctor: Lo que yo busco es que la música transmita una emoción, pero la reacción es distinta a cada quién, alguien se puede imaginar en el mar y otra persona en el bosque.Aunque si estamos hablando mucho del espacio, de hecho una canción se llama “cosmic”, entonces hay un poco de eso, pero en realidad con que la gente sienta algo, siento que yo ya cumplí con mi labor. Puede que suene anticuado o muy romántico, pero sí creo que la música tiene que transmitir una emoción. ¿Tienen algún plan para tocar en vivo?Ramón: Al principio no, pero nos hemos sorprendido mucho con la respuesta y han surgido muchas ideas de una segunda parte, de cómo pudiéramos ejecutarlo en vivo, aunque sería muy complicado porque las improvisaciones son irrepetibles, cuando usas tecnologías antiguas como sintetizadores modulares son sonidos que salen a la vez y es difícil volverlos a recrear, pero ver la manera de ejecutarlo en vivo. En el texto donde presentan su EP, mencionan que “la tecnología nunca estará por encima del espíritu creativo de la humanidad”. Me surge la pregunta: ¿Cuál es su opinión sobre la música y el arte en general creados por la inteligencia artificial?Victor: Siendo una persona que siempre ha trabajado con las computadoras, ahora vemos que si cambian las cosas, muchos lo ven como una amenaza, creen que los van a sustituir y en algunas cosas creo que sí. Hace poco estaba viendo un video comercial para la ciudad de Rosarito, y era el tipo de música que dije: “hemos escuchado muchas veces ese tipo de temas, fácilmente una máquina podría reproducirlo”. Vengo pensando que esto de la IA está provocando un renacimiento humanista, en sentido que la gente quiera aprender a tocar un instrumento por el gusto de hacerlo, independientemente de que puedas tener un sintetizador. Ramón: Es una herramienta poderosa en muchas disciplinas, y en cuestión de arte es importante tener una consciencia de que el IA es una herramienta que puede ser usada para cuestiones creativas, pero al usarla para arte, en cuestiones de derechos de autor o intelectuales pierdes mucho porque el hecho de que tu pongas un contexto en la IA para que te haga cierta música, todos pueden escribir algo similar y siempre va a salir lo mismo. Al final deldía van a haber muchas cosas iguales creadas por distintas personas, y eso es la pérdida del estilo, la pérdida de algo que te vaya a recordar en un futuro.Hay que tomarla como una herramienta que te inspire para hacer otras cosas y ahí le vas a dar tu propio carácter, en donde vas a hacer una pieza donde en un futuro va a ser recordaba y te va a diferenciar de los demás. Yo estoy de acuerdo con la IA como una herramienta pero no para usarla como un producto final y lo presentes como tuyo. Además de plataformas digitales éste material salió en formato cassette, a través de Antimateria Sonora.

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La exploración como modus operandi: Torso Corso en el 5to aniversario de Depósito Sonoro

Depósito Sonoro cumple cinco años de existir como un medio dedicado a la música alternativa. Con la intención de celebrar el camino recorrido, Depósito celebrará su aniversario el próximo sábado 20 de mayo en Maquiladora Estudio. El evento contará con los shows en vivo de Torso Corso y Mentira Mentira. También, habrá venta de vinilos, DJ sets, conferencias, proyecciones y más. Conoce el cartel completo aquí.  Con motivo de su cercana presentación platicamos con Dali Sánchez (Batería), Bernardo Moctezuma (Piano y Guitarra) y Ernesto del Puerto (Sax) de Torso Corso. En entrevista para Depósito, los tres músicos nos compartieron sobre sus inicios, su especial amistad, inspiraciones que rodean el mundo de la banda y más.  Torso Corso es una banda originaria de la Ciudad de México, sus seis integrantes conforman un ensamble acelerado y dinámico. El jazz, el punk, rock, no-wave, metal y noise son elementos que construyen sus interesantes composiciones. En el 2022 compartieron su primer EP “ Torso1”. El cual los colocó como una de las bandas más propositivas  de la escena local alternativa.  Para su próximo concierto en la fiesta de aniversario, Torso Corso estará tocando material inédito. La banda debutará su próximo material discográfico.  Checa aquí la entrevista completa: Compra tus entradas para el Aniversario de Depósito Sonoro, recuerda que el evento es cupo limitado. Para adquirirlas manda un mail al correo [email protected] o escribe al WhatsApp: 5539716437.   

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“El arte es la expresión más genuina de tu corazón”: entrevista a Love Ghost en su viaje a México

Platicamos con Finnegan Bell, el músico detrás de Love Ghost, banda estadounidense que fusiona elementos del grunge con los del hip hop y trap. Conversamos sobre su relación con México y cómo ha influido en su música y en su vida personal, así como su experiencia cultural y personal en nuestro país, las personas que ha conocido y sus planes futuros.   Fotografía: Marco Rocha (@makerocha)   ¿Por qué elegiste México como inspiración para tu música?   En realidad, sucedió de manera natural. Comencé a lanzar música y poco a poco comenzó a tener éxito en México. Comencé una amistad en línea con Adán Cruz e hice una canción con él. Él me dijo: “ven a la Ciudad de México y toquemos juntos”. Y lo hice, había como 3000 personas, ese fue el concierto más grande que he tenido y el amor y la conexión que obtuve de los fans mexicanos me inspiró tanto que pensé que debería enfocarme en México.   Me sentía un poco deprimido en Estados Unidos y pensé que si me fue tan bien durante el show, tal vez debería hacer un álbum completo aquí, y eso es lo que he estado haciendo. He hecho más de 20 canciones y honestamente amo la cultura y la gente y me sentí tan inspirado por ese concierto que quiero capitalizarlo.   ¿Cómo te hiciste amigo de Adán Cruz?   A través de internet, de Instagram. Fue bastante fácil, simplemente nos enviamos mensajes directos en Instagram e hicimos una canción juntos llamada Noviembre. Esa canción ya está disponible si quieren escucharla.     ¿Qué has descubierto en tu viaje a México en términos musicales, culturales y personales?   En cuanto a lo musical, como he estado haciendo tantas canciones diferentes, trato de expresarme de la manera más variada posible, de diferentes partes de mí mismo, escribiendo canciones que expresen una parte de mí que se siente segura, incluso agresiva a veces.   Culturalmente, descubrí que si algún día tengo una familia, no querría criarlos en Estados Unidos después de pasar tanto tiempo aquí. Siento que existe, sin tratar de ser político, demasiada violencia armada y odio en Estados Unidos.   En lo personal, lo que he descubierto de mi, creo que ya era algo que ya sabía, pero creo que como he estado trabajando tanto por tantas horas, cuando estoy aquí abajo, encontré una nueva forma de resiliencia que sólo funciona cuando me siento cansado, pase lo que pase.   ¿Qué personas has conocido en México que te han ayudado en tu viaje musical?   El primer amigo que hice aquí fue Shantra, el productor. Él ha sido muy útil y su estudio es genial. También he conocido a muchos artistas geniales, como Ritorukai, Dan García, Go Golden Junk y Blnko, lo amo, es como mi gemelo.     ¿Cuándo regreses a México, planeas tocar en un festival o un show local?   Voy a estar de gira en octubre con Ritorukai y Blnko, será increíble.   ¿Consideras a México tu segundo hogar?   Ya se convirtió en mi segundo hogar. Sucedió naturalmente y luego decidí ser agresivo y aprovecharlo. Así que sí, la Ciudad de México es absolutamente mi segundo hogar.   ¿Te mudarías a México?   Tal vez algún día. Las cosas van bien aquí, así que ¿por qué no?   Fotografía: Diego Navarrete (@diegonavza)   Tu música es una mezcla de cosas pesadas y hip hop, ¿crees que tu viaje a México cambiará tu sonido hacia otro ámbito en la música?   Eso espero. Ese es siempre el objetivo, crear algo que nunca antes se haya escuchado, eso es un poco sorprendente. Siempre digo “tienes que dejar que Dios entre en la habitación” y ni siquiera soy una persona religiosa, pero es como si tuvieras que entrar en el estado en el que tu subconsciente se hace cargo, y siento que cada vez que lo he hecho, he sido capaz de crear el arte del que estoy más orgulloso. Ese sería el objetivo, crear algo que sepas que nadie ha escuchado antes.   Me inspiro en diferentes artistas con los que estoy trabajando en este momento. Solo espero que juntos podamos crear un sonido que sea realmente único y genuino. Esa sería mi meta.   El arte es la expresión más genuina de tu corazón, entonces siento que deberías intentar crear la música más genuina que puedas y no pensar demasiado.   Fotografía: Diego Navarrete (@diegonavza)   Conoce la música de Love Ghost a través de sus redes sociales: FacebookInstagramSpotify

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La música ya se acabó, solo hay reductos, pequeños brotes: entrevista con El Pan Blanco

El Pan Blanco es un golpe en la cara de la realidad en la que vivimos, música transgresora inspirada por el Glam. El hito de una generación de rockeros inadaptados, la cumbre de la música independiente. El mito que todos queremos ver pasar. Platicamos con Miki Guadamur, payaso principal de la banda. ¿Cómo decides sobre qué temas escribir? Elijo canciones que me dicen algo y siento que pueden decirle algo al público. De repente, la gente puede pensar que es solo un chiste lo de Christina Aguilera por ejemplo, pero se trata más bien del Mainstream. Que está putrefacto, hoy más que nunca, por hipócritas. En tiempos de Christina Aguilera por lo menos continuaban entreteniendo a la gente. La música ya se acabó, ya no hay música, solo hay reductos, pequeños brotes. La vida miserable que tienen las estrellas promedias de Hollywood, estas personas son una bola de pervertidos y creen que tienen la estatura moral para estar regañando al resto del público. Para escribir letras trato de enfocarme en contar historias que van más allá. Que la gente lo detecte o no ya no depende mucho de mí. Trato de causar ese efecto. Es como si ves a Naranja Mecánica y dices que es una película de matanzas, que son unos gueyes que se dedican a madrear. Es una pieza clave de lo que llamo Glam Cinema y te revela una serie de cosas sobre la realidad de aquella época, finales de los 60 principios de los 70 y la vida en general. A partir de una anécdota, en este caso sobre una pandilla de culeros, se derivan otras tantas cosas. Intento que mis letras sean así. 2. Christina Aguilera volvió a orinar en la tele. ¿Es el GG Allin del pop? Ya es tradición. Pero es más humillante terminar de juzgado en American Idol, lo más humillante de la carrera de Christina Aguilera es que terminó de Lolita Cortés. 3. ¿De donde salió la idea para Bluff? Por cierta banda nacional sobrevalorada. Si el vocalista, drogadicto perdido que es, con su percepción distorsionada de la realidad, si realmente escribiera honestamente, el resultado sería una canción como Bluff. Si escribiera sus experiencias, como alguien echar a perder, sería una banda muy interesante, pero supongo que nunca se lo permitirá. 4. ¿Cuál sería tu consejo para convertirte en un gran frontman? Ten en cuenta que eres un payaso, tienes que partirte el lomo, tienes que abusar de tu físico y más que un frontman, tienes que ser un payaso. Tienes que pensar que lo que estás haciendo es Vodevil, como los espectáculos que había a finales del siglo 19, principios del 20, y de donde salieron todos los comediantes como Charles Chaplin, Harold Lloyd, Fatty Arbuckle, Buster Keaton, ellos eran personas que abusaban de su físico para entretener a la gente. O piensa en artistas como Cab Calloway de los 30, por ejemplo. La gente así parte el eje frente al escenario, eso es lo a que tienes que tirar para ser un buen frontman. No te subes al escenario todo apestoso recién levantado, te lo ganas. O sea ahora si, a la escuela Kurt Cobain no va. A lo que va, es la escuela Bowie, la escuela Jagger. Tienes que justificar tu presencia en el escenario, si no, cualquiera puede estar en tu lugar. 5. Entre tus influencias personales mencionas a Gary Glitter y Alice Cooper. Hay muchas cosas que atribuyen al punk-rock al estar en contra de todo el rollo del rock progresivo aburrido, pero cuando el rock se convirtió en algo serio con reconocimiento académico en los años 70, la primera respuesta contra esta vuelta al rock & roll primigenio fue el Glam Rock, no el Punk Rock. 6. ¿Qué puede esperar la gente de su show en vivo? Para mí son sesiones de higiene ciática, es una situación donde realmente se trata de exorcizar todos los malos espíritus que la gente trae encima. Esa es la función de una presentación del Pan Blanco. No se trata simplemente de un concierto, lo que se busca es transfigurar la percepción de la realidad. Tal vez suena pretencioso, pero si solo fuera tocar y nada más, no tendría sentido. La función que debían cumplir las religiones era la de ponerte en contacto con otro ascendente. Para mí esa es la función del Pan Blanco así como de los dibujos feos que hago. Si no sirven como puente hacia lo divino, no tiene sentido. Si nada más hice una exhibición simplemente para ver a mis cuates y luego ir al picadero a chupar y drogarnos – digo no está mal hacerlo – pero si es tu único interés, tienes una perspectiva muy unidimensional de las cosas Hay que provocar algo en la gente, y si es asco lo que provocamos, se vale también. Vas a un concierto, a una película, te expones a un cómic exactamente por eso. Para encontrar el otro lado de la realidad o para descubrir otras realidades. Si causas asco, ya causaste algo, pero si nada más haces música de fondo, es demasiado unidimensional. El espectáculo era parte del medio. Ahora con las estúpidas redes sociales se pierde todo el misterio. Antes no sabías cómo viven los actores de Hollywood por ejemplo, ese era el misterio y la atracción. Ahora están tan expuestos y accesibles, publicando sus pendejadas en las redes, que ya no hay estrellas en Hollywood. 7. ¿Por eso no andan más presentes en las redes sociales? Yo tengo Twitter, pero eso de Twitter es más para escribir pendejadas y pelear con la gente. Para publicidad lo que sirve es esta madrinola de Instagram. Estuve en Facebook hace mucho tiempo y ya tenía mucha audiencia, realizaba transmisiones con frecuencia, les llamada Consultorios Sentimentales donde la gente me mandaba preguntas sobre el tema que quería, y yo contestaba. Pero me di cuenta de la censura en el puto Facebook que se estaba volviendo cada vez más maciza. ¿Para que voy a usar su puta

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“He vuelto a no pensar demasiado, a seguir más mi instinto”: entrevista con El Último Vecino

Platicamos con Gerard Alegre, la persona detrás de la banda española El Último Vecino. Gerard explora su evolución musical y personal después a 10 años de iniciar el proyecto. Además, nos explica el porqué el post-punk ha sido el género base de su música y cómo ha sido la experiencia de llevar el peso de la banda sobre él. También nos habló sobre su regreso a México para tocar en el Foro Indie Rocks. Gerard nos cuenta cómo es su proceso de trabajo musical y nos revela el origen del nombre de la banda.   A diez años de iniciar el proyecto ¿qué consideras que ha cambiado más en ti, tanto musicalmente como personalmente?   Musicalmente, creo que todos podemos ver los cambios que ha habido escuchando lo que hemos ido sacando. Cuando empecé, era más puro en el sentido de que hacía realmente lo que quería hacer. Después de sacar “Voces”, el segundo disco, sacamos un EP llamado “Parte Primera”, y creo que a partir de ahí, con los singles “Nostalgia”, “Qué Caro” y “Mi Nombre”, empecé a pensar más en lo que quería hacer y en lo que no quería hacer, y a ser menos puro en ese sentido. Ahora he vuelto a no pensar demasiado, a seguir un poco mi instinto, y creo que eso me está dando poco a poco la razón. Actuar así me hace más feliz y me hace sentirme mejor.   ¿Por qué crees que el post-punk ha sido el género base en los últimos años?   Durante los años 80 en España, había una gran ola de punk agresivo, contestatario y divertido, pero el post-punk siempre fue más de “me siento mal, pues que te jodan”. Creo que es muy propio de los románticos sufrir y darle la vuelta a ese sentimiento, revolcarse en esa tristeza. Creo que es un género que permite ser vulnerable. Soy una persona que sobre piensa mucho las cosas y es nostálgica, entonces creo que la música encaja bien.   En una época en España, la música era demasiado alegre, muy folclórica, y creo que había una expectativa de ser así también. Pero cuando inicié el proyecto, no quería eso. La crisis había sido algo bastante duro, y quería hablar sobre esos temas. Quería hacer música con guitarrazos llenos de chorus y bajos sintetizados.   Cuando se busca información de la banda, todas las notas hablan de ti, Gerard, como la persona detrás de la banda. ¿Cómo ha sido la experiencia de llevar el peso de la banda sobre ti?   Si bien el proyecto es mío, no dejo de lado a los demás músicos. Bernat, Pol y Alejandro me ayudan a dar vida a las canciones. El proceso es que yo las escribo y luego llego con ellos y se las enseño. Tanto Pol como Bernat son los que terminan encontrando los acordes y arreglos de las canciones. Cuando las escribo, realmente no sé qué acorde estoy haciendo; ellos me ayudan en eso.   También he aprendido a delegar en estos años. Es bueno aprender a hacerlo, pero últimamente me he sentido como en los inicios del proyecto, donde me gustaba hacer el arte de los sencillos, los carteles y la idea del video. He vuelto a tomar más el control de la dirección en el proceso de hacer las cosas.   He percibido cierto “boom” de música hecha en España que pega aquí en Latinoamérica como Depresión Sonora, Rojuu y incluso Rosalía. ¿Qué está sucediendo en la escena española?   La verdad, no sé. Te mentiría si te hablara de la escena de acá porque soy muy raro y no me enfoqué mucho en las cosas que estaban pasando alrededor. No soy muy melómano y no podría recomendarte muchas bandas de acá. Pero una de las bandas que más me llamó la atención era El Último de la Fila, es de esas bandas, como Mecano, que son extrañas y que no sabes por qué a todos les gusta si son así.   ¿Cómo te sientes regresando a México a tocar en el Foro Indie Rocks?   Me da miedo que no se llene, es un escenario más grande y no sé cómo reaccionará la gente.   ¿Cómo es el trabajo en tu proceso musical?   Considero que es más “trabajo” preparar las canciones en el estudio y todo eso, es decir, componerlas. Cuando estoy preparando las canciones para que salgan y haciendo los beats y todo eso, es cuando considero que estoy trabajando más.   Voy a tocar durante 5 días, 4 días seguidos, y no me va a dar tiempo de hacer nada que no sea estar en el escenario o viajando en furgoneta, así que sí, va a ser mucho trabajo.   Leí que el nombre de la banda salió a partir de un libro que estabas escribiendo cuando tenías 18 años. ¿De qué iba ese libro?   Sí, fue un libro que comencé a escribir y que nunca voy a terminar. La premisa era sobre un pastor que tenía un rebaño de ovejas, caía una tormenta eléctrica y todos se morían, menos 5 ovejas. Al final buscaba que esas ovejas trascendieran la ficción y se encontraran conmigo en la realidad.   El Último Vecino se presentará en el Foro Indie Rocks el 4 de mayo en compañía de Prismatic Shapes y Vacíos Cuerpos. Promocionando su último sencillo “Demasiado”, el cual será parte del próximo álbum de la banda, que demuestra una vez más su habilidad para crear melodías nostálgicas y llenas de sentimiento.   Adquiere tus boletos en este enlace   Escucha el sencillo “Demasiado” en todas las plataformas de Streaming.

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Leyda Luz: “Me enamoré de la música a través de los ojos”

Leyda Luz fotografa conciertos entrevista

Esta artista visual regiomontana, amante de la cultura drag y la moda, descubrió, muy joven, su amor por el rock y la fotografía musical, actividad que actualmente combina con su trabajo como ilustradora, diseñadora gráfica y docente. No sabes cuándo, cómo ni dónde te va a llegar, pero cuando el rock se hace presente en tu vida y te atraviesa, no hay vuelta atrás. Esto fue precisamente lo que le pasó a Leyda Luz, artista visual a quien a los 10 años de edad la música de Queen, Rolling Stones y Kiss le dieron la bienvenida a un mundo hasta ese momento desconocido y del que no tiene la menor intención de salir. Con una década como fotógrafa musical Leyda ha cubierto festivales y conciertos, tanto en Nuevo León como en la Ciudad de México y Estados Unidos, profesión que no estaba en sus planes ejercer y que hoy la ha puesto frente a artistas de talla mundial a quienes ha inmortalizado a través de su lente. Platicamos con ella sobre qué la puso en el camino del rock, sus primeros trabajos con la lente, cómo se convirtió en fotógrafa oficial de Apocalyptica durante su visita a la CDMX en 2019 y cómo fue ver uno de sus diseños sobre la portada de un CD al interior de un Mixup. ¿Cómo nace tu amor por el rock y la fotografía? Siempre digo que me enamoré de la música por los ojos. A mí lo que me encanta y lo que me obsesiona todos los días son las imágenes de músicos, verlas, hacerlas, diario pienso en eso, un gusto que viene de mi infancia. Cuando era niña había mucha música en mi casa, desde las canciones de señora hasta rock clásico. Para ayudarle a mi mamá me encargaba de acomodar los discos y me gustaba mucho ver sus portadas. Como a los 10 años, tal vez, encontré unos álbumes de mi papá con recortes de fotos de músicos que sacaba de revistas que compraba en Estados Unidos. Hacía collages con ellas, sobre todo de Rolling Stones. Cuando vi esas imágenes pegadas por primera vez, muchas ya de color amarillo por el paso de los años, me hicieron querer viajar en el tiempo para poder ver a todas esas bandas y vivir lo que mi papá vivió. Fue una inspiración muy grande. A los 12 o 13 años, el dinero que me daban mis papás para el lounh lo usaba para comprar revistas de música como la Switch y la Mosca, y también CD’s y era padrísimo mirar las fotos de los grupos. Y ya más grande, como a los 16, pude ver a los Rolling Stones en vivo. Después de escucharlos gracias a los casetes de mi papá y tras haber ido a ese concierto me dije “quiero que de esto se trate mi vida”. Así que mi gusto por la foto musical nació con todo esto. ¿En qué momento ese gusto por la foto se volvió algo serio y lo llevaste hacia lo profesional? Estudié Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León, y aunque todos los años el plan de estudios cambia en ciertas materias, siempre había fotografía. En segundo semestre aprendí a usar cámara análoga, aunque no era mi tirada tomar la asignatura otra vez. Ya en séptimo semestre, al no abrirse la materia de Filosofía, tuve que volver a cursar foto. Y aunque al inicio no me atraía mucho, un profesor me hizo darme cuenta que la cámara era otra herramienta del diseño para hacer imágenes, así que empecé a agarrarle el gusto. En ese mismo periodo comencé a buscar dónde hacer mis prácticas profesionales y me enteré que en EXA Radio estaban solicitando un diseñador, así que apliqué, conseguí una entrevista y me aceptaron. En una de mis idas a la estación, literal estaba engrapando mi tarea de fotografía y la chica que me contrató me dijo que le gustaban mis fotos y que se las enseñaría a Raúl Coca, quien en aquel entonces era el gerente de EXA Monterrey. Las vio y me pidió que tomara las fotos en los eventos de la estación. Podría decir que fui privilegiada porque mis primeros trabajos profesionales fueron en la Arena Monterrey, con la mejor iluminación, fotografiando a Belinda, Enrique Iglesias y otros artistas pop, pero no era fan de ellos, solo iba a hacer mi trabajo y quería que vieran podía hacer un buen trabajo. Mientras contestaba teléfonos y ayudaba en la programación de rolas en un espacio de rock de la estación, buscaba cubrir conciertos de artistas que me gustaban. Pero luego de un tiempo renuncié porque quería seguir aprendiendo en otros lugares. Al salir de ahí trabajé en la agencia de diseño Tridente Brand Firm que, curiosamente, lleva varios proyectos de Tecate Pal’Norte, lo que me ha permitido participar en el festival desde su primera edición. Haber trabajado en EXA me dejó muchos contactos, por lo que empecé a pedir acreditaciones para algunos conciertos y así pude publicar mis fotos en varios medios como Marvin, Vice, en una revista local que se llama Vinil TV y otros. Y luego de un tiempo me encargaron una sesión de fotos de estudio para Jumbo, imágenes que un año después salieron en Rolling Stone México y yo fascinada a mis 23 años. Por esto digo que la foto me eligió porque no era mi meta ser fotógrafa. ¿Quiénes son tus influencias fotográficas? Mi primera influencia fue Fernando Aceves, un buen amigo que hasta la fecha sigue siendo una inspiración para mí. Desde muy chica veía sus fotos y ubiqué su nombre de inmediato. Del lado de las mujeres otra influencia es Toni Francois. En el momento en que conocí su trabajo ella era la única mujer haciendo fotografía de conciertos. Si nos vamos a lo internacional, Alberto García-Alix, fotógrafo español, es otra gran artista que me inspira. Pero sin duda mi fotógrafo musical favorito es Mick Rock, a quien pude

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