Depósitio Sonoro

Estrenos

GoGo Penguin – Necessary Fictions: una reinvención luminosa del jazz electrónico

La banda británica GoGo Penguin regresa con Necessary Fictions, un álbum que reafirma su lugar como una de las propuestas más innovadoras del jazz contemporáneo. Con este nuevo trabajo, lanzado en 2024 bajo XXIM Records, el trío de Mánchester —conformado por Chris Illingworth (piano), Nick Blacka (contrabajo) y Jon Scott (batería)— demuestra que su búsqueda sonora no conoce fronteras: si en sus discos anteriores ya habían desdibujado las líneas entre el jazz acústico, la música electrónica, el minimalismo y el post-rock, en Necessary Fictions llevan esa mezcla a un nuevo plano de intensidad emocional y precisión matemática. El arte de reimaginar El título Necessary Fictions es, en sí mismo, una declaración conceptual. Alude a las narrativas que creamos para darle sentido a la experiencia humana, incluso cuando no hay una verdad absoluta a la que aferrarse. En ese sentido, el disco es tanto una construcción sonora como una metáfora: cada pieza es una ficción necesaria para la banda, una arquitectura emocional tejida entre notas y silencios, impulsos rítmicos y texturas digitales. Musicalmente, el álbum transita entre la composición orgánica y el diseño sonoro digital, algo que GoGo Penguin ha perfeccionado con el tiempo. La influencia de Aphex Twin, Radiohead, Massive Attack y Steve Reich sigue presente, pero ahora matizada por un enfoque más introspectivo y narrativo. Diseño sonoro como narración Uno de los grandes logros de Necessary Fictions es su equilibrio entre lo cerebral y lo emocional. Si bien cada composición está estructurada con rigor casi arquitectónico, el resultado nunca suena frío o distante. Al contrario: hay una calidez en los silencios, una humanidad en las imperfecciones deliberadas, una intención poética en cada pausa y repetición. La producción del disco —a cargo de la banda junto con Joe Reiser y Brendan Williams— es limpia, expansiva y rica en matices. GoGo Penguin vuelve a demostrar que es capaz de sonar moderno sin caer en el artificio, usando la tecnología como aliada de la sensibilidad, no como sustituto. Un disco de contemplación y precisión Necessary Fictions no es un disco que busque el aplauso fácil ni los clichés del jazz de vitrina. Es un trabajo que invita a la escucha activa y profunda, ideal tanto para quienes buscan la complejidad técnica como para los que desean simplemente sumergirse en una atmósfera musical envolvente. En tiempos de saturación sonora y velocidad digital, GoGo Penguin propone detenerse, construir ficciones necesarias que nos devuelvan al presente. En ese gesto, el trío reafirma su compromiso con una música que evoluciona, respira y sigue soñando.

GoGo Penguin – Necessary Fictions: una reinvención luminosa del jazz electrónico Leer más »

The Messthetics: el triunfo de lo instrumental, de Fugazi al nuevo jazz-punk junto a James Brandon Lewis

The Messthetics es, sin lugar a dudas, una de las asociaciones más extraordinarias que han aparecido en el panorama de la música independiente en los últimos años. La banda —formada en Washington, D.C. en 2016— tiene en sus filas a Joe Lally (bajo) y Brendan Canty (batería), veteranos de Fugazi, así como al virtuoso guitarrista Anthony Pirog, reconocido en el circuito de jazz de vanguardia. La fórmula resultó en algo más que la simple suma de sus partes: The Messthetics es una expresión viviente de cómo el post-hardcore, el jazz, el punk y el rock experimental pueden fundirse en algo nuevo, enérgico pero maduro, emotivo pero sin dejar de sonar feroz. Lo que más atrae en The Messthetics es justo ese estilo difícil de clasificar. Por un lado están las raíces de Lally y Canty en el post-hardcore de Fugazi, que proporciona una base rítmica pesada pero también elástica; por otro están las habilidades de Pirog en la guitarra —un músico capaz de ir de lo más melódico a lo más disonante en cuestión de compases—. Así, el resultado es una música instrumental que tiene toda la urgencia de una banda de punk pero también toda la complejidad de una formación de jazz. Esto proporciona a The Messthetics una identidad muy particular: están más cerca de grupos como Tortoise o Explosions in the Sky en el planteamiento de “canciones sin voces”, pero están vivificados tanto por el ruido como por el groove de raíces más salvajes. Este estilo, tan difícil de encasillar pero tan reconocido en el circuito de la música alternativa, alcanzó nuevas vertientes cuando James Brandon Lewis, destacado saxofonista de la escena de jazz de vanguardia, comenzó a colaborar con ellos. La sinergia que se logra en el nuevo material junto a Lewis es tan sorprendente como natural. Por un lado, el saxofón proporciona una expresión melódica más directa, más vocal en comparación con el paisaje más abstracto de Pirog; pero, en lugar de dejar atrás el estilo de The Messthetics, lo que hace es llevar ese estilo más lejos, ampliándolo, dándole una dimensión más emotiva pero también más salvaje.James Brandon Lewis tiene una fuerza expresiva enorme en el saxofón —un estilo que puede ir de lo más emotivo y soul a lo más free, más intenso—, y junto con The Messthetics logra encontrar un territorio en el que el jazz de vanguardia y el post-hardcore están en permanente diálogo. Este encuentro tiene varias vertientes de interés. Por un lado, revela que el estilo de The Messthetics tiene una base lo suficientemente robusta como para dejar lugar a nuevos voces sin perder identidad. Por otro, deja claro que James Brandon Lewis es más que un solista de jazz; es también alguien dispuesto a dejar atrás lo purista para encontrar nuevas voces en contextos más eléctricos, más abrasivos, más abiertos. La música resultante es así una especie de paisaje sonoro híbrido, en el que el saxofón deja de funcionar como “solista” en el sentido clásico, para convertirse en una pieza más de la maquinaria colectiva —un elemento tan indispensable como el bajo de Lally o la batería de Canty—. Este encuentro tiene una importancia especial en el paisaje de la música actual, en el que están surgiendo grupos dispuestos a dejar atrás las categorizaciones y a buscar nuevas vías de expresión. The Messthetics junto a James Brandon Lewis muestran que el espíritu de aquel Washington, D.C. de los años 90 —el lugar en el que el hardcore vivió una de sus más fértiles transformaciones— continúa vivo pero en permanente mutación. La música que están produciendo revela que el punk y el jazz comparten más de lo que creen, que el estilo más “callejero” puede encontrar en el estilo más “sofisticado” a su compañero de aventuras. En definitiva, The Messthetics están demostrando que el pasado puede vivificar el futuro cuando deja atrás el purismo. La colaboración con James Brandon Lewis es la prueba viviente de que el arte más intenso nace de asociaciones valientes, de músicos que están más pendientes de lo que están creando en el presente que de las historias que puedan llevar en la maleta. Ese es el triunfo de The Messthetics: sonar como ellos mismos, pero a la vez dejar que nuevas voces sean parte de aquel paisaje sonoro en permanente expansión.

The Messthetics: el triunfo de lo instrumental, de Fugazi al nuevo jazz-punk junto a James Brandon Lewis Leer más »

Brian Eno & Beatie Wolfe – Luminal / Lateral: poesía para los sentidos

En Luminal y Lateral, la colaboración más reciente entre Brian Eno con la artista británica Beatie Wolfe, Eno no entrega solo un disco doble: ofrece un diagrama sensorial de la emoción, el tiempo y el espacio. Luminal: nombrar lo innombrable Luminal es un trabajo radicalmente íntimo que parte del ejercicio tan esencial como esquivo de traducir emociones en música. Wolfe grabó las vocales y texturas en Los Ángeles; Eno, por su parte, contribuyó desde Londres con su característico tratamiento electrónico, creando un diálogo no solo transatlántico, sino también transpersonal. El concepto detrás del disco es casi conceptualista en sí mismo: traducir 12 emociones —algunas sin traducción directa al inglés— en piezas sonoras. “Duende”, “mono no aware”, “commuovere”… no como definiciones, sino como atmósferas. Eno, desde los días de Ambient 1: Music for Airports, nos ha enseñado a percibir la música como un espacio. Aquí, ese espacio es el lenguaje emocional sin palabras. Las composiciones de Luminal poseen la cualidad del tiempo suspendido: guitarras tratadas, pads de sintetizador que flotan como niebla temprana, voces que se disuelven en capas y texturas vaporosas. Es una experiencia más cercana a la escucha contemplativa que a la narrativa tradicional del pop o incluso del ambient estructurado. Lateral: expansión espacial, escucha extática Donde Luminal es introversión emocional, Lateral es exploración cósmica. El segundo álbum de este binomio, dividido en ocho movimientos titulados “Big Empty Country”, podría entenderse como un vasto campo de resonancia donde la música se convierte en fenómeno atmosférico. Eno lo describe como “ambient–landscape–dream–music”, y no es una hipérbole: la música aquí se comporta como clima, como una arquitectura invisible que modifica la percepción. Hay una intención de lentitud, de profundidad, de inmersión. Lateral podría leerse como una continuación espiritual del On Land de 1982, pero con la sensibilidad postdigital del siglo XXI. Cada fragmento parece diseñado para escucharse no desde el intelecto, sino desde la sensación pura, como si los oídos no bastaran y el cuerpo entero fuera necesario para percibirlo. Más allá del sonido: arte, conciencia, materialidad Ambos discos fueron lanzados en bio-vinilo, reafirmando el compromiso de ambos artistas con la sustentabilidad. No es un detalle menor: en la obra de Eno, la ética y la estética se entrelazan. Su asociación con Wolfe se gestó en encuentros en SXSW y durante la exposición “From Green to Red” en el Barbican, donde Wolfe exploró los cambios climáticos a través del arte. Ese espíritu está presente en la música: lo emocional y lo ambiental no son opuestos, sino vectores del mismo proceso creativo. Conclusión: experiencia auditiva como cartografía de lo humano Luminal / Lateral es una obra que resiste las formas tradicionales de escucha. Es una música para permanecer, no para consumir. En un momento donde lo efímero domina el campo sonoro, Eno y Wolfe invitan a la profundidad. Para los oyentes que han seguido la evolución del ambient, del art-pop y de la música conceptual, estos discos representan no un punto de llegada, sino un continuo: otra bifurcación en el extenso y siempre personal mapa sonoro de Brian Eno. Aquí, la emoción se convierte en espacio, y el espacio, en música. Como siempre con Eno, se trata menos de lo que suena y más de cómo escuchamos.

Brian Eno & Beatie Wolfe – Luminal / Lateral: poesía para los sentidos Leer más »

Birthing, el nuevo disco de Swans: Un viaje introspectivo

Birthing se gestó durante una gira de un año entre 2023 y 2024, donde las composiciones evolucionaron a través de la improvisación y la interacción en vivo. Michael Gira, líder de la banda, inició el proceso componiendo con guitarra acústica en su estudio, desarrollando las ideas que luego se transformaron en las piezas finales. El álbum consta de 7 pistas que suman alrededor de 2 horas, ofreciendo una experiencia inmersiva que oscila entre la intensidad y la contemplación. Análisis de las pistas destacadas Producción y colaboradores Michael Gira produjo el álbum, grabado en Soundfabrik Berlin y mezclado en Candy Bomber Studio por Ingo Krauss. La masterización estuvo a cargo de Doug Henderson en Micro-Moose, Berlín. El elenco de músicos incluye a miembros habituales como Phil Puleo, Kristof Hahn, Dana Schechter, Christopher Pravdica, Larry Mullins y Norman Westberg. Además, colaboraron artistas invitados como Jennifer Gira, Laura Carbone, Lucy Kruger, Andreas Dormann y Timothy Wyskida. Ediciones especiales y contenido adicional Las primeras ediciones en triple vinilo y doble CD incluyen un DVD con el concierto Swans Live 2024 (Rope) The Beggar, dirigido por Marco Porsia, y el documental I Wonder If I’m Singing What You’re Thinking Me To Sing, que sigue la gira en solitario de Gira en 2022. Recepción y legado Birthing ha sido recibido con entusiasmo por la crítica y los seguidores, considerándolo una de las obras más destacadas de Swans en años recientes. La combinación de intensidad sonora y exploración emocional ha resonado profundamente con la audiencia. Futuro de Swans Michael Gira ha anunciado que Birthing será el último álbum de Swans con su enfoque actual de “mundos sonoros absorbentes”. Después de una gira final en este estilo a finales de 2025, la banda continuará con una forma significativamente más reducida. Gira de otoño 2025 Swans ha confirmado una gira por UK y Europa. Birthing se erige como un testimonio del compromiso inquebrantable de Swans con la exploración sonora y la expresión artística, marcando el cierre de un capítulo significativo en su evolución musical.

Birthing, el nuevo disco de Swans: Un viaje introspectivo Leer más »

Stereolab – Instant Holograms on Metal Film: Radiografías del futuro a través del pop retrofuturista

Veintitantos años después de haber definido una estética que parecía pertenecer al futuro y al pasado al mismo tiempo, Stereolab regresa con Instant Holograms on Metal Film, un álbum que revalida su papel como alquimistas del pop conceptual. Lejos de ser un simple regreso nostálgico, el disco expande su paleta sonora con una claridad casi holográfica, como si los sonidos vinieran impresos sobre el mismo material reflectante del título: pulidos, brillantes, en capas, pero con un mensaje que atraviesa el tiempo. Filosofía retrofuturista en alta resolución Desde los primeros segundos del corte de apertura, “Anti-Gravitational Days”, queda claro que Stereolab no ha perdido la capacidad de componer desde una lógica propia, una que conecta el krautrock motorik con loops electrónicos al estilo Broadcast, sintetizadores analógicos burbujeantes, y la voz suave de Lætitia Sadier operando como guía filosófica más que como vocalista. En este disco, Stereolab suena menos vintage y más transdimensional. La textura analógica sigue ahí, pero ahora pareciera que han absorbido las lecciones de las generaciones que ellos mismos influenciaron: desde el post-rock glitch de Tortoise hasta el art-pop de Cate Le Bon, pasando por la psicodelia sintética de Melody’s Echo Chamber. Corte y montaje: estructura en collage Instant Holograms… no es un álbum que funcione en línea recta. Su estructura recuerda a un montaje cinemático. Temas como “Le Son Géométrique” y “Eternal Scanning Apparatus” se fragmentan, se recomponen, mutan sobre sí mismos, como si Stereolab hubiera tomado ideas del cubismo sonoro y del collage dadaísta, un recurso que ya venían trabajando desde Dots and Loops (1997), pero que aquí se siente más refinado. Los arreglos de cuerdas digitales conviven con percusiones sintéticas minimalistas, guitarras limpias con delays al estilo bossa nova de ciencia ficción y textos hablados en francés e inglés que alternan entre lo poético y lo político. Utopía crítica: pensamiento dentro del pop Como ha sido su marca durante décadas, Stereolab no se limita a hacer música “bonita”; su pop es una plataforma de reflexión. “All holograms are real in the eye of the system”, recita Sadier en “Ontology Loops”, una pieza que desentraña la idea de la imagen simulada como herramienta de poder. Hay aquí una crítica a la era digital sin caer en sermones, sino tejiendo conceptos filosóficos dentro de melodías dulces. En lugar de denunciar desde lo explícito, Stereolab sugiere, pregunta, insinúa. El título del álbum es revelador: Instant Holograms on Metal Film es una imagen ambigua, pero poderosa, que podría aludir a la forma en que nuestras realidades se proyectan y se registran—una crítica sutil a los dispositivos de la memoria contemporánea y al archivo como forma de control. Relevancia en 2025: más actuales que nunca Stereolab ha sido constantemente redescubierto por nuevas generaciones. Su reactivación a mediados de la década de 2010, impulsada por reediciones y festivales, se ha transformado en una nueva etapa creativa que evita el cliché del “revival”. Este nuevo álbum no solo revitaliza su legado: lo reactualiza. Mientras bandas nuevas copian su estilo superficialmente, Stereolab demuestra por qué su música sigue siendo radical: porque nunca fue sobre la estética, sino sobre el pensamiento. Conclusión: un manifiesto sónico Instant Holograms on Metal Film es, en el mejor de los sentidos, un disco difícil de etiquetar. Es pop intelectual, electrónica orgánica, krautrock meditativo, arte conceptual disfrazado de canción. Como toda obra importante, no busca complacer de inmediato: exige escucha, reflexión y tiempo. Y en ese proceso, Stereolab vuelve a hacer lo que siempre ha hecho: expandir los límites del pop como forma de pensamiento.

Stereolab – Instant Holograms on Metal Film: Radiografías del futuro a través del pop retrofuturista Leer más »

Flickering Resonance, el nuevo disco de Pelican, una etapa madura

Flickering Resonance, el séptimo álbum de estudio de Pelican, marca un hito significativo en la evolución de la banda de post-metal instrumental de Chicago. Lanzado el 16 de mayo de 2025 a través de Run for Cover Records, este trabajo representa el regreso del guitarrista fundador Laurent Schroeder-Lebec, quien no había participado en una grabación de estudio desde What We All Come to Need en 2009. Un Renacimiento Sonoro Desde su formación en 2001, Pelican ha sido reconocida por su capacidad para fusionar la pesadez del metal con paisajes sonoros atmosféricos. En Flickering Resonance, la banda continúa esta tradición, ofreciendo composiciones que equilibran la intensidad con la introspección. La producción, a cargo de Sanford Parker en Narwhal Studios, captura la esencia orgánica del grupo, destacando la interacción entre las guitarras de Schroeder-Lebec y Trevor de Brauw .Wikipedia+3MusicRadar+3Wikipedia+3 Composiciones que Invitan a la Reflexión El álbum consta de ocho pistas que exploran una variedad de emociones y texturas:MusicRadar+1Wikipedia+1 Cada pieza se desarrolla con una narrativa instrumental que permite al oyente sumergirse en paisajes sonoros ricos y dinámicos. Por ejemplo, “Evergreen” y “Indelible” evocan las raíces doom-metal de la banda, mientras que “Cascading Crescent” ofrece una experiencia más melódica y expansiva .The Flenser Recepción Crítica La crítica ha recibido Flickering Resonance de manera positiva. Kerrang! destacó que el álbum es “una obra energizante” que muestra a Pelican operando en la cima de sus capacidades . Echoes and Dust señaló que el disco presenta a una banda revitalizada, manteniéndose fiel a su sonido característico sin dejar de evolucionar .Kerrang!Echoes And Dust Sin embargo, algunas opiniones han sido más críticas. En foros como Reddit, algunos oyentes expresaron que el álbum carece de momentos de explosión o innovación, describiéndolo como “genérico” en ciertos aspectos . A pesar de ello, muchos fanáticos de larga data han encontrado en Flickering Resonance una continuación satisfactoria de la trayectoria de Pelican. Conclusión Flickering Resonance representa una etapa madura en la carrera de Pelican, donde la banda equilibra su legado con nuevas exploraciones sonoras. El regreso de Schroeder-Lebec aporta una dimensión adicional al sonido del grupo, y la producción cuidadosa permite que cada instrumento brille. Para los seguidores del post-metal instrumental y aquellos interesados en composiciones que invitan a la introspección, este álbum ofrece una experiencia auditiva rica y gratificante.

Flickering Resonance, el nuevo disco de Pelican, una etapa madura Leer más »

Escucha el nuevo soundtrack de la miniserie The Bombing of Pan Am 103, creado por Mogwai

Mogwai, célebre por sus paisajes sonoros post-rock, firma la partitura original de la serie británica The Bombing of Pan Am 103, estrenada el 18 de mayo de 2025. El soundtrack fue publicado digitalmente el 18 de mayo a través de Rock Action Records, coincidiendo con el debut en BBC One y Netflix. La música acompaña con sutileza dramática la reconstrucción del atentado de Lockerbie de 1988 y las investigaciones subsiguientes, combinando guitarras reverberantes, capas de sintetizador y momentos de quietud contemplativa. The Bombing of Pan Am 103 es una dramatización británica de seis episodios sobre el atentado aéreo de Lockerbie en 1988. Estrenada el 18 de mayo de 2025 en BBC One (Reino Unido) y distribuida mundialmente por Netflix, la serie reconstruye la investigación anglo-estadounidense que siguió a la explosión del vuelo Pan Am 103, subrayando tanto el rigor forense como el impacto humano de la tragedia Contexto Histórico El 21 de diciembre de 1988, una bomba en la bodega de Pan Am Vuelo 103 explotó sobre la ciudad escocesa de Lockerbie, causando la muerte de 259 pasajeros, 16 tripulantes y 11 habitantes de la localidad NBC. La serie aborda cómo se coordinó la investigación entre la policía de Strathclyde y el FBI, y cómo emergió la compleja batalla jurisdiccional que culminó en el juicio del principal sospechoso en Camp Zeist, Países Bajos The Guardian. Identidad musical de Mogwai Desde su formación en 1995, Mogwai ha establecido un lenguaje sonoro caracterizado por crescendos épicos y texturas detalladas Wikipedia. Su experiencia en bandas sonoras de proyectos como Zidane: A 21st Century Portrait (2006) y Atomic (2016) los posiciona como artesanos de atmósferas sonoras capaces de narrar emociones sin necesidad de letra Wikipedia. Proceso de composición y estilo Según Film Music Reporter, Mogwai comenzó a trabajar en la partitura en los primeros meses de 2025, sincronizando imágenes de archivo y recreaciones dramáticas para tejer un entramado sonoro que oscila entre la tensión y la melancolía filmmusicreporter.com. El grupo aprovechó su estudio en Glasgow, Castle of Doom, para experimentar con guitarras tratadas y sintetizadores modulares, buscando una paleta sonora que enfatizara tanto el drama judicial como la intimidad de las víctimas y sus familias filmmusicreporter.com. Temas y pistas destacadas Estas composiciones ejemplifican la manera en que Mogwai utiliza el silencio y los pasajes de energía contenida para potenciar la narrativa visual

Escucha el nuevo soundtrack de la miniserie The Bombing of Pan Am 103, creado por Mogwai Leer más »

Entrevista a Vida Vella

Tras años de ser el motor rítmico de influyentes bandas de culto, el músico tijuanense radicado en Nueva York, Luis Gabriel Illades, da un giro audaz en su trayectoria y asume el rol de cantautor con Vida Vella, su nuevo e inspirador proyecto. Su álbum debut, “Panorama”, vió la luz el pasado 21 de marzo de 2025 a través de Beso y Abrazo Records y estará disponible en todas las plataformas de streaming. Además, el vinil llegará a tiendas mexicanas en mayo de 2025. Tuvimos una charla con èl sobre su nuevo lanzamiento. 1. Luis, llevas más de 20 años viviendo en Nueva York. ¿Cómo influye tu identidad tijuanense en tu forma de componer, aún estando tan lejos del lugar donde creciste?Todavía vivo en Tijuana parte del año y en Nueva York parte del año. Una cosa que noté al escribir las canciones y ser de una cultura fronteriza es el uso de “pochismos” a veces. Es algo mas aceptado ahora pero cuando era niño y íbamos de visita al interior del país, nos veían como idiotas o degenerados hablando así.La canción (Sin Alivio en Atlántida) está fuertemente influenciada por Tijuana y pasar por playas hermosas pero muy contaminadas por plásticos y aguas residuales, lo que genera una sensación de desesperanza de inminente ruina ecológica. No puedo afirmar que esto sea un hecho, pero mi reacción inicial es siempre culpar al consumismo estadounidense por esto. 2.Tijuana y Nueva York son ciudades fronterizas, pero de fronteras muy distintas. ¿Cómo ha dialogado esa dualidad en tu música a lo largo de los años?Un aspecto que refleja esto es la canción “El Chico Francés” del álbum que trata sobre tener un encuentro romántico con un extranjero que llega a un pueblo y luego deja al protagonista varado y abandonado. Esto es también un reflejo de las variaciones en el acceso a la movilidad. También es una interpretación de intentar expresarse con alguien que no habla su idioma y encontrar amor y puntos en común en ausencia de palabras. Esto lo vimos más en Tijuana con los estadounidenses, pero en Nueva York también es común con personas de todo el mundo. 3.¿Qué aspectos de tu herencia mexicana sientes que cobran más fuerza cuando los reinterpretas desde el contexto neoyorquino?Luché mucho con la identidad en mi juventud. ¿Qué significa ser hombre y salir del closet? ¿Cuáles son las expectativas de la herencia mexicana cuando uno viaja y siente curiosidad por otros caminos? Siento que me dieron una lista de reglas sobre las expectativas al nacer y luego pasé años tratando de liberarme de las expectativas, solo para obtener otra lista de reglas en cada subcultura sobre la que tenía curiosidad: identidad LGBT, identidad punk, identidad masculina o no binaria, identidad urbana, identidad artística. Con el tiempo aprendo que dos verdades opuestas no se anulan, esa es la dialéctica: encontrar la síntesis entre esto que eres tú. ¿Puedes apreciar a Vicente Fernández y también ser skater? ¿Puedes ser un hombre gay y también tener una relación de respeto mutuo con tu padre heterosexual, tus primos y tus tíos? 4.Grabaste tu disco con músicos estadounidenses y una banda del estado de Guanajuato. ¿Cómo surgió esa colaboración y qué buscabas con ese contraste de estilos y sensibilidades?La mayor parte de mis años de gira y grabación han sido en Estados Unidos y Europa, nombraré ese contexto de inmediato. Traje a mis músicos favoritos con los que he tocado durante los últimos 30 años para este proyecto. Estos músicos estadounidenses aportaron al álbum una influencia de “indie rock” y una especie de “southwest” que evoca la frontera. Invitar a algunos de los músicos de Guanajuato que trabajan en círculos folclóricos y orquestales parecía recordar una tradición de la época de mis padres en la Universidad de Guanajuato y la rica tradición del pueblo centrada en el Teatro Juárez y el desarrollo a la modernidad de ellos. 5.¿Qué retos y descubrimientos tuviste al combinar estos dos mundos sonoros tan diferentes? ¿Hubo momentos de “choque” cultural en el estudio que terminaron aportando algo nuevo?Curiosamente fue una gran combinación. Hubo algunas dificultades, como que los estadounidenses usaran notas como A, E, F y los músicos mexicanos hicieran referencia a “Fa, Sol, Re”, pero al final llegamos a una hermosa síntesis y comprensión. 6.¿Qué papel jugó el idioma (español/inglés) en la composición del álbum? ¿Lo ves como una herramienta expresiva, una barrera o un puente?Siempre quise expresar algo como una experiencia bilingüe. La mayor parte de mi vida ha sido una experiencia bilingüe. También noté diferentes lados de mí que se manifestaban en los dos idiomas. Las palabras en español terminan en vocales y eso se presta a un efecto más romántico y soñador. El inglés es una lengua germánica que termina en más consonantes y por tanto es más precisa y prudente en su presentación. Había diferentes formas de decir lo mismo con variaciones en el efecto y fue muy divertido jugar con eso. 7.Musicalmente, ¿qué géneros, sonidos o artistas fueron clave para dar forma a este disco? ¿Hay alguna influencia que te haya sorprendido encontrar durante el proceso?Al sentarme y darle forma a los demos de la canción buscaba la atmósfera. Como baterista, mi estilo de composición es parecido al de un simio, simple y rítmico en su composición. Una vez que se escribió la base de las canciones, establecer el tono fue una experiencia separada. Escuché mucho a Brian Eno y Massive Attack con respecto a preparar el escenario atmosférico. Le pedí al guitarrista Doug Hilsinger que participara porque él toca una orquesta de Brian Eno en San Francisco y eso me pareció muy relevante. Pero también estaba escuchando un disco de Charles Mingus ”The Black Saint and the Sinner Lady” y me gusta la brusquedad de cómo algunos de esos instrumentos entran y salen de las canciones y las canciones de óxido y sintonía como desarrollo del carácter en la comprensión de los instrumentos como un personaje. 8.¿Cómo describirías el sonido del álbum a alguien que nunca ha escuchado tu música pero quiere entender

Entrevista a Vida Vella Leer más »

Scroll al inicio