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Hecklers Choice: Big Gums and Heavy Lifters — Pavement revisitado

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Qué es exactamente este lanzamiento Hecklers Choice: Big Gums and Heavy Lifters no es un álbum nuevo con material inédito, sino la segunda colección tipo “best-of” de Pavement, publicada digitalmente ya (18 de septiembre de 2025) y prevista para salir en formatos físicos — vinilo y CD — el 14 de noviembre de 2025, bajo el sello Matador Records. Esta compilación llega 15 años después de su primer gran recopilatorio, Quarantine the Past (2010). Así que Hecklers Choice funciona como una actualización: incorpora canciones que trascienden su catalogo clásico, así como “sorpresas” que se han vuelto importantes para los fans especialmente recientemente. Contenido destacado La selección de pistas reúne clásicos consolidados, algún tema viral reciente, y piezas que subrayan la amplitud del legado de la banda. Algunas cosas interesantes: El tracklist de Hecklers Choice es el siguiente: Contexto de Pavement: pasado, presente y relevancia Para entender por qué esta compilación importa, conviene repasar un poco la historia de Pavement: Qué aporta Hecklers Choice Potenciales retos y observaciones críticas En vísperas a su primera visita a México En vísperas a su primera visita a México, en Festival Hipnosis. Boletos: https://feverup.com/m/359217?srsltid=AfmBOoo24zgOdfLwej5etSKOmrdmc0m1iIvUGHG7oeZ4RYotjjFqFzJk

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Igorrr: de lo extremo a lo ceremonial

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Igorrr desde hace años ha ido rompiendo las barreras entre géneros extremos: breakcore, black metal, música barroca, electrónica experimental, glitch, música folclórica y más. Con cada álbum, Serre no solo mezcla estilos, sino que crea mundos sonoros propios, retorcidos, absurdos, hermosos, violentos, teatrales. Algunos hitos en su carrera incluyen: Amen (2025): un nuevo capítulo oscuro Estilo y atmósfera Según Igorrr, Amen es más oscuro, solemne y pesado en su vibra que trabajos anteriores. Esa oscuridad no solo es sonora, sino temática: hay una densidad emocional, una gravedad y solemnidad que buscan explorar sensaciones profundas, inquietantes, incluso ritualísticas. Se retoman elementos que Igorrr ya había explorado, como el uso de coros grabados en iglesias reales, instrumentos poco convencionales, y se suman algunas técnicas más extremas de producción sonora. Hay contraste entre pistas extremadamente pesadas/abrasivas y otras con texturas más juguetonas, casi absurdas, para relajar la tensión o romperla de golpe. Instrumentación, colaboraciones y experimentación sonora Amen incluye curiosidades notables que lo distinguen: Lista de canciones Aquí el tracklist: Lo que hace de Amen un disco especial Algunos puntos débiles o riesgos Conclusión Amen se perfila como uno de los trabajos más ambiciosos de Igorrr hasta la fecha. No sólo porque intenta ir más allá en oscuridad, solemnidad, y en la experimentación sonora, sino porque traza un punto de inflexión: un disco que exige al oyente, que busca inquietar tanto como fascinar. Para fanáticos del metal extremo, la electrónica experimental, de lo raro, lo espectacular, Amen será una cita obligada. Y incluso para quienes no están acostumbrados, podría ser una introducción potente a un universo donde la música no se conforma con ser background.

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Chip Wickham: reseña de su nuevo disco The Eternal Now

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Roger “Chip” Wickham es un músico británico (saxofonista, flautista, compositor y productor) cuyo trabajo ha transitado desde el breakbeat, hip-hop, electrónica y funk hacia una expresión más centrada en el jazz espiritual, modal y soul-jazz. The Eternal Now (2025): contexto y propuesta Elementos sonoros y temáticos destacados Colaboradores y producción Evaluación: lo que lo hace destacar Datos útiles prácticos Conclusión The Eternal Now es una obra que reafirma a Chip Wickham como uno de los nombres más interesantes del jazz contemporáneo. Un álbum que mira adelante sin dejar atrás sus raíces, que combina técnica, emoción y riesgo. Es música que invita a detenerse, a respirar, a estar presente. Porque en tiempos en que lo urgente domina, Chip propone redescubrir el valor de lo eterno, lo ahora.

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La profundidad electrónica de Djrum con su nuevo disco Under Tangled Silence

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Djrum ( estilizado DjRUM ), nombre real Felix Manuel, es un productor, DJ y músico británico, originario del Reino Unido, que ha desarrollado una trayectoria marcada por la exploración sonora, la mezcla de géneros y la inclusión de instrumentación en vivo en la música electrónica. Desde niño estudió piano (a los 7 años) y más tarde se interesó también por el DJing, mezclando géneros como jazz, trip-hop, jungle, dubstep, drum & bass, techno, ambient, etc. Sus primeros lanzamientos (EPs, singles) mostraban ya esa versatilidad: sampleo, ambientes oscuros, tensiones rítmicas, texturas atmosféricas. Álbumes como Seven Lies (2013) y Portrait With Firewood (2018) fueron escalones importantes hacia una expresión más madura, con producción pulida, y la integración progresiva de sonidos orgánicos. Además, su EP Meaning’s Edge (2024) marcó un retorno luego de varios años sin álbum largo, actuando como una antesala para lo que sería su siguiente gran obra. Algunas canciones que definen el álbum: “A Tune for Us” — apertura suave, con piano, que gradualmente se desliza hacia rupturas rítmicas y texturas ambientales; establece el tono. Publicación, formato y gira Under Tangled Silence representa una de esas obras que marcan una evolución palpable en la carrera de Djrum. No es solo su regreso después de varios años sin álbum largo: es un disco de reconstrucción, de madurez emocional, de confianza artística. Felix Manuel logra combinar lo íntimo (piano, improvisación, sensibilidad) con lo expansivo (ritmos potentes, influencias de club, ambient amplio). Para quienes siguen su obra, será un punto de inflexión importante; para quienes lo descubren ahora, una entrada profunda al mundo de la música electrónica que busca más que solamente mover pies, sino tocar el corazón.

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Modern Hymns For Modern Things (2025): Una nueva oda electrónica

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El 5 de septiembre de 2025, Funki Porcini estrenó su más reciente obra, Modern Hymns For Modern Things, disponible en formato digital via Bandcamp y otras plataformas. Con una duración de aproximadamente 1 hora y 5 minutos, el álbum despliega 13 pistas que combinan estructuras downtempo, ambient, abstract beats y nu-jazz. Entre los títulos destacados se encuentran: Bee Bop Aluha, San Luis Obispo, Theme From God, Nervous Breakdown in Sainsbury’s, Swirl, Visualised Bass y Brian’s Discomfort at the Party. Musicalmente, el álbum cuenta con colaboraciones puntuales: Este lanzamiento amplía el universo sonoro de Funki Porcini con texturas ricas y orgánicas, conservando su estilo introspectivo y evocador. discografía Origen y primeras obras (1990s–2000s) Con Ninja Tune Etapa independiente / posteriores Último lanzamiento Modern Hymns For Modern Things (2025)Un mosaico contemporáneo de downtempo, ambient y jazz electrónico; íntimo, elegante y colaborativo, reafirma su madurez creativa.ve del downtempo electrónico con influencias de jazz, trip-hop, ambient y beats abstractos. Su sonido se caracteriza por collages sonoros, ambientes cinematográficos y una mezcla de lo orgánico con lo sintético. Panorámica de su evolución sonora Etapa Obras destacadas Características clave Ninja Tune (1995–2002) Hed Phone Sex, Love…, Empty Million Pounds, Fast Asleep Downtempo cinemático, jazzy, visual y atmosférico Independiente (2009–2022) On, One Day, Studio 59, Where the Sauce Is Deluxe Exploración personal, ambient introspectivo Últimos lanzamientos Incredible Vinyl (2023), Modern Hymns… (2025) Refinamiento sónico, instrumentación colaborativa, emocional Datos relevantes Modern Hymns For Modern Things no solo es una nueva entrada en la discografía de Funki Porcini; también representa una reafirmación de su habilidad para reinventarse manteniendo coherencia estética. Con toques instrumentales cuidadosamente insertados y una ambientación orgánica, el álbum invita a una escucha más íntima y contemplativa, reforzando su legado como arquitecto del downtempo moderno. Funki Porcini se caracteriza por su visión del jazz, al que fusiona de manera impensable con la electrónica, ritmos inspirados en el drum & bass, en el hip hop, y una puesta en escena musical con evocaciones cinematográficas. En 1996 publica su siguiente álbum, Love Pussycats and Carwrecks (Ninja Tune, 1996). Menos dub y más drum’n’bass conceden a este álbum el nuevo aire de disco urbano, como oposición al lanzamiento de su primer trabajo (el ambiente vibrante de The Afterlife, la elegancia sexual de Venus, el montaje etéreo de 12 Points Off Your License. Bradell comienza, con cortes a base de saxos y bajos como en Carwreck, Groover y The Last Song, claramente un nuevo estilo artístico más allá del trip-hop.

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Anna von Hausswolff anuncia Iconoclast junto a Iggy Pop, Ethel Cain y Abul Mogard

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La artista sueca Anna von Hausswolff, reconocida por su capacidad de conjugar lo sacro con lo experimental, ha anunciado su nuevo proyecto titulado Iconoclast, un álbum que reúne colaboraciones de figuras tan disímiles como legendarias: Iggy Pop, Ethel Cain y Abul Mogard. La noticia ha encendido la expectativa en la escena musical internacional, pues promete un encuentro poco común entre generaciones, géneros y sensibilidades artísticas. Von Hausswolff ha construido a lo largo de su carrera un lenguaje único, anclado en el uso del órgano de tubos como instrumento principal, y en una voz que oscila entre lo etéreo y lo ceremonial. Con Iconoclast, parece dispuesta a llevar esa estética más allá, expandiéndola hacia terrenos donde convergen el post-punk, la electrónica ambiental y la narrativa confesional. La presencia de Iggy Pop —“el padrino del punk”— supone un contrapeso terrenal, visceral y cargado de historia, frente a la espiritualidad y densidad sonora de Hausswolff. Por su parte, la participación de Ethel Cain aporta una mirada fresca y profundamente emocional desde la nueva generación de cantautoras que exploran los límites entre el pop, el gótico y lo autobiográfico. Abul Mogard, en tanto, representa el componente más abstracto y atmosférico: su sonido de sintetizadores modulares y texturas electrónicas promete envolver al disco en un halo de misterio. Aunque aún no se conocen todos los detalles sobre el lanzamiento —como la fecha exacta o el listado completo de temas—, Iconoclast se proyecta como una obra de fuerte carga conceptual. El título ya anticipa un gesto de ruptura: una invitación a desafiar lo establecido, a desmantelar viejos símbolos para erigir nuevas formas de expresión. En un panorama musical donde la colaboración suele obedecer a estrategias de mercado, la reunión de Anna von Hausswolff, Iggy Pop, Ethel Cain y Abul Mogard parece responder más a una búsqueda estética que a un cálculo comercial. Es un cruce de caminos que une lo profano y lo sagrado, lo clásico y lo contemporáneo, lo íntimo y lo monumental. El anuncio de Iconoclast confirma a Anna von Hausswolff como una de las artistas más inquietas y visionarias de la actualidad, capaz de tender puentes insospechados entre mundos sonoros distantes. Si sus discos anteriores —como Dead Magic (2018) o All Thoughts Fly (2020)— ya habían consolidado su lugar en la vanguardia, este nuevo trabajo parece destinado a trascender aún más, colocándola en el centro de una conversación global sobre los límites del arte sonoro contemporáneo.

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Devo: El documental que reivindica al arte-pop pionero

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En su cincuenta aniversario, la banda de Ohio vuelve a la conversación global con el estreno de Devo, un documental en Netflix que explora con detalle su trayectoria y el impacto cultural que dejaron en la historia de la música. Dirigido por Chris Smith (conocido por Fyre y American Movie), el film se estrenó en Sundance 2024 y llegó al servicio de streaming el 19 de agosto de 2025. 1. Más que una banda: un manifiesto visual y filosófico Devo rastrea el origen de la agrupación, fundada en Akron a principios de los 70 por Mark y Bob Mothersbaugh, Gerald y Bob Casale, y Alan Myers. Su filosofía de “de-evolución” nació tras presenciar la masacre de Kent State en 1970, un momento que transformó su visión satírica en una crítica cultural urgente. RANGEAP NewsIndie Hoy La película combina entrevistas exclusivas y material de archivo nunca antes visto, profundizando en cómo la banda convirtió a la música, las imágenes y el performance en un sistema complejo de crítica social mediante cultura pop y vanguardia artística. RANGEAP NewsPrimary Wave Music 2. Estética e ironía como herramienta de provocación El documental revela cómo Devo utilizó elementos visuales provocadores—como los icónicos “energy domes”, overoles grises y videos cargados de sátira—para desmontar paradigmas de conformismo y consumo en plena era Reagan. Temas como “Beautiful World” criticaban la realidad política, mientras que “Whip It” mezclaba humor e inconformismo en lo que criticaron como la visión tóxica de la masculinidad política. AP News+1RANGE 3. Voz autorizada y legado intacto Gerald Casale resume el espíritu del documental: “Nos trivializaron y encajonaron. Esta película nos da oportunidad de expresar lo que pensábamos y motivaba nuestra creatividad.” AP News El film también cuenta con testimonios de figuras admiradoras como David Bowie, Iggy Pop y Neil Young, aportando una mirada externa al legado de Devo como pioneros del videoclip, N.Y.T. rock absurdo, y estética multimedia. AP NewsRANGE 4. Celebrando 50 años de disrupción… y una gira final El estreno no es casual: coincide con el adiós de la banda con la gira Cosmic De-Evolution Tour, que arrancará el 24 de septiembre junto a The B-52s. Además, está en marcha un proyecto paralelo llamado Devolutionary Times, una serie de restauraciones en alta definición de sus videos, lanzados directamente en YouTube cada dos semanas. 5. Reacción crítica y sensorial La crítica ha alzado Devo como un modelo de cine musical: Rolling Stone lo elogió como el retrato definitivo de ese proyecto artístico y provocador. IndieWire lo definió como un viaje en el tiempo para la Generación X, y Variety resaltó su fusión de kitsch, ironía y optimismo salvajemente original. En resumen Devo no es solo un documental: es una reivindicación audiovisual de una banda que entendió que la sátira, la estética y la crítica podían existir bajo el paraguas de la música pop. A más de cinco décadas de su fundación, el film convierte su “de-evolución” en reflejo perturbador de nuestro presente cultural.

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Burial regresa con dos paisajes sonoros: “Comafields” e “Imaginary Festival”

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Tras un silencio creativo de dieciocho meses, Burial, el enigmático productor británico, devuelve el eco de lo nocturno con Comafields / Imaginary Festival, su nueva entrega de dos piezas que suman casi 23 minutos de exploración emotiva. Editado por su hogar discográfico Hyperdub, este lanzamiento marca un nuevo ciclo en su catálogo, consolidando su singularismo dentro de la electrónica contemporánea. Comafields — Un trance etéreo y ritualístico “Comafields” despliega un paisaje sonoro de apabullante belleza espectral. Percusiones taciturnas, drones sombríos y arpegios melancólicos convergen en una atmósfera que se desliza entre lo ambiental y lo trance, con una pulsión 4/4 que recuerda a latidos lejanos. La presencia de fragmentos vocales distorsionados, sobre todo la frase “You put your arms around me”, genera un centro emocional turbio, como una despedida suspendida en el tiempo.Pitchfork+1beatportal.com El tratamiento sonoro, con su vinilo crepitante y sintes erosionados, mantiene el ADN del Burial más conmovedor, pero con una pulcritud nueva. Según Pitchfork, esta canción es uno de sus trabajos más impactantes del último tiempo —una “trance ambiental como manta pesada para el alma”—, mientras que Beatportal la define como un retorno al reino espectral que lo hizo necesario hace dos décadas.Pitchforkbeatportal.comMusicRadar Imaginary Festival — Fragmento inquietante entre sombras En contraste, Imaginary Festival explora una sensación más esquiva. Pese a mantener pads reconfigurados, golpes rítmicos minúsculos y voces distantes, su trance se siente más disperso. Un ejercicio de sugerencias sonoras que no se culmina del todo, donde la atmósfera nocturna predomina sin el dramatismo contenido de su cara A.albumoftheyear.org+1 Voces de la comunidad En foros de escucha, varios fans coinciden en que “Comafields” representa uno de los mejores lanzamientos recientes de Burial —una obra etérea, profundamente cinemática que reintroduce cierta vitalidad faltante. Imaginary Festival recibe críticas más tibias, señalando su desbalance atmosférico pese al encanto hipnótico de sus texturas.albumoftheyear.org+2albumoftheyear.org+2 En perspectiva Este lanzamiento es el primero desde su EP Dreamfear / Boy Sent From Above de 2024 y el soundtrack para Baby Invasion de Harmony Korine. Forma parte de una serie discreta pero coherente de piezas que, pieza a pieza, construyen su cosmos sonoro.PitchforkMusicRadar Burial reafirma que no pretende redescubrirse: cada nota sigue siendo una grieta honesta en su mundo espectral, donde la inmersión supera la forma, y lo inaudible vuelve urgente. Conclusión Comafields e Imaginary Festival revelan que Burial continúa siendo el arquitecto del sonido nocturno: uno que no se repite, sino que profundiza. La primera es un abrazo oscuro al abismo, la segunda, un atisbo inquietante de espacios apenas habitados. Ambas se sienten más como estados emocionales que canciones, y eso es exactamente lo que las hace vitales.

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