Depósitio Sonoro

Nostalgia

30 años del disco Siamese Dream

“Siamese Dream” de Smashing Pumpkins cumple sus primeros treinta años y es innegablemente uno de los discos más importantes de su generación así como una pieza clave para entender la música “alternativa” de la década de los años 90. Un cliché popular que el segundo disco para cualquier banda es uno de los más difíciles y para los Smashing Pumpkins lo fue en términos de tensión y dificultades en la grabación, pero resultó ser un éxito ante la crítica y el público en general.  El 2º material de estudio de la banda vino acompañado de cuatro sencillos: “Cherub Rock”, “Today”, “Disarm” y “Rocket”, el último quizá el menos popular de los cuatro, pero probablemente el de mejor video. Más allá de los sencillos este es un álbum que puede (o mejor dicho debería), disfrutarse de principio a fin para entender la obra completa, sus momentos agresivos, melancólicos, enojados y los pocos esperanzadores que vienen a lo largo de un material que en el cual fácilmente cualquier track podría ser un gran sencillo, incluso canciones como “Geek U.S.A” o “Mayanoise” se han vuelto canciones emblemáticas de la banda a pesar de que nunca figuraron como sencillos estrictamente.  Para este disco Billy Corgan tenía muy claro el sonido del álbum por lo que en diferentes tracks, grabó overdubs de instrumentos como bajo y guitarra. Se dice que algunos tracks como “Soma” incluyen más de 100 guitarras apiladas, también existen dos ingredientes claves para el sonido de este disco, ambos con nombre y apellido. El primero de ellos es el trabajo de mezcla, ingeniería y co-producción de Butch Vig y el segundo es Alan Moulder quien fue reclutado por Corgan gracias a su trabajo en “Loveless” de My Bloody Valentine. Tanto Corgan como Vig no participaron en la mezcla de “Siamese Dream” debido al exhausto emocional que la grabación les dejó. Alan Moulder tardó alrededor de 36 días en terminar la mezcla del disco, el cual se salió por mucho de presupuesto bajo los estándares de otros materiales populares de la época.  Quizá las nuevas generaciones no estén familiarizadas con este segundo disco de la banda pero muy probablemente han visto la icónica portada de dos niñas abrazadas y sonriendo tomada originalmente por Melodie McDaniel quien ya había trabajado con artistas como Suzanne Vega o Mazzy Star. Es difícil explicar por qué esta es una gran portada, pero se alinea completamente con el concepto del disco y con la dualidad que él mismo maneja. Más fotos de esta sesión se pueden ver en el interior del álbum así como en otras ediciones especiales y extendidas que han salido recientemente. Hay quienes aseguran, de una manera muy tajante y hasta cierto punto desproporcionada que es el último gran disco de Smashing Pumpkins, ya que “Mellon Collie & The Infinite Sadness” es un álbum concepto en el cual la banda tenía otro enfoque, otro objetivo y fue el material que los llevó a una popularidad global, dando a conocer por medio de un disco doble todas las posibilidades que en ese momento la banda podía lograr sónicamente. Demasiado esto, demasiado el otro para algunos fans que se enamoraron del sonido de los primeros dos discos: Gish siendo el más psicodélico de ellos.  Si tú estás familiarizado con este disco quizá es buen momento para volver a escucharlo completo, con más bagaje emocional, cultural, tratando de imaginar que es 1993 y Smashing Pumpkins aún era una banda joven y no tan diferente a lo que se presenta hoy en día. Si tú nunca has escuchado este disco o mejor aún a Smashing Pumpkins te vas a encontrar con una pieza increíble. 

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Mira un video con entrevistas íntimas que celebra el 30 aniversario del disco Souvlaki, de Slowdive

Hace algunos días se celebró el 30 aniversario del disco “Souvlaki”, e Slowdive. Este video cuenta con entrevistas íntimas que examinan las historias detrás de este clásico. Directed By Michael GarberProduced By Ash SlaterDirector Of Photography – Jim LarsonArt Direction By Jon LeoneMix By Jeff CurtinEdited By Michael GarberExecutive Producer – RJ BentlerCamera By Michael Garber, Jim Larson, David KaplowitzAssistant Editors – Garrett Weinholtz, William Herrick, Max Rosen

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Los videos más destacados dirigidos en The Work of Director, de Michel Gondry

Durante el año 2003 se lanzó un DVD que recopilabael trabajo de dirección, idea y producción de uchos videos musicales de Michael Gondry. De The White Stripes, Chemical Brothers, Beck, Bjork, Foo Figthers, Cibo Mato, Daft Punk, etc. Fue una brillante colección de videos musicales dirigidos por Michel Gondry. Gondry fue hombre responsable de muchos de mis videos musicales favoritos, como el Lego de The White Stripes, en el que Kylie Minogue caminando por la calle y se encuentra con muchos otros. Kylies y los Chemical Brothers ‘Let Forever Be’. También incluye algunos franceses más oscuros (trabajo anterior de Gondry). Uno de los videos más destacados probablemente es ‘Bachelorette’ de Bjork, un espeluznante y hermoso cuento de hadas posmoderno con capas sobre capas de realidad y ficción. Checa aquí abajo algunos de los videos de esta brillante saga lanzada durante el apogeo del DVD, a finales de los años 90 y a principios de los años 2000. Fue lanzado en octubre de 2003.

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Adiós Ryūichi Sakamoto (1952-2023)

Ryuichi Sakamoto, un compositor y productor pionero que fue uno de los primeros músicos en incorporar la producción electrónica en la creación de canciones populares, murió a la edad de 71 años. Sakamoto murió el 28 de marzo después de una batalla de varios años contra el cáncer, según un comunicado publicado en su sitio web el domingo 2 de abril: “Nos gustaría compartir una de las citas favoritas de Sakamoto”, decía el comunicado. “’Ars longa, vita brevis’. El arte es largo la vida es corta”. Durante los últimos 40 años el compositor y productor japonés Ryuichi Sakamoto cautivó al publico con sus álbumes variados, proyectos aventureros y partituras apremiadas. Como uno de los pioneros de la música electrónica comenzó con el legendario grupo glamuroso Yellow Magic Orchestra y a lo largo de su ilustre carrera estuvo envuelto en una increíble diversidad, arriesgada y audaz de proyectos musicales que le llegaron y desarrolló de forma natural. El compositor japonés tuvo una carrera excepcionalmente amplia: fue alternativamente un ídolo del synth-pop, el compositor tanto de bandas sonoras de películas como de ambientes sonoros tranquilos y suaves, y colaborador de artistas como David Bowie, Iggy Pop y Bernardo Bertolucci. . Como miembro de la enormemente influyente banda japonesa Yellow Magic Orchestra y como solista, fue el abuelo de la música pop electrónica, y creó canciones que influyeron en los inicios del hip-hop y el techno. Nacido el 17 de enero de 1952, Sakamoto disfrutó de una infancia culturalmente rica; su padre fue editor de novelistas japoneses de posguerra como Kenzaburo Oe y Yukio Mishima. Comenzó a tomar lecciones de piano cuando tenía 6 años y luego comenzó a escribir su propia música. Cuando era adolescente, se enamoró de la obra de Claude Debussy, un compositor que se había inspirado en la estética musical asiática, incluida la de Japón. Se encontraba enfocado en su carrera como solista, en la que debutó con el álbum de música experimental fusion The Thousand Knives of Ryūichi Sakamoto (1978); posteriormente publicó el álbum pionero B-2 Unit (1980), que incluye el clásico de la música electro Riot in Lagos. Después de la separación de YMO en 1983, produjo más álbumes en solitario, incluyendo colaboraciones con varios artistas internacionales a través de los noventa. Comenzó a actuar y a componer música para cine con Merry Christmas Mr. Lawrence (1983), en la que interpretó uno de los personajes principales y realizó la banda sonora de la misma. La canción Forbidden Colours que compuso para el filme se convirtió en éxito a nivel mundial y ganó un premio BAFTA por la banda sonora del filme.7​ Después ganó un Óscar y un Grammy por la banda sonora de El último emperador (1987),8​ y también ganó dos Globos de Oro por su trabajo de música para cine.7​ Adicionalmente compuso la música para la apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992.

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Una versión extendida de 6 horas del disco Música para Aeropuertos de Brian Eno, ideal para meditar, relajarse, estudiar

Para aquellos que piensan que 50 minutos es demasiado corto y que esas notas de piano son demasiado reconocibles, les sugerimos esta versión del álbum de 6 horas y con el tiempo extendido, creada por el canal de YouTube “Slow Motion TV“, al disco de Brian Eno Ambient 1: Music For Airports. El campo tonal es el mismo, pero ahora las notas no son de ataque, todo decae. Es muy granular, pero podrías imaginar que toda la pieza se desenrolla sin que te des cuenta en una terminal mientras un vuelo se retrasa por tercera vez. A diferencia de Music for Films, que presentaba varias pistas que Eno había dado a cineastas como Derek Jarman, Music for Airports tardó un tiempo en realizarse en la ubicación prevista: en una terminal en La Guardia, Nueva York, en algún momento del 1980. El álbum parecía destinado solo para uso personal, pero luego, en 1997, el conjunto moderno Bang on a Can lo tocó en vivo, traduciendo la aleatoriedad de los bucles de cinta desincronizados en notación musical. A lo largo de los años la han presentado en aeropuertos de Bruselas, Holanda y Liverpool, y en 2015 el grupo la llevó a la Terminal 2 de San Diego International. Creado en 1978 a partir de bucles de cinta de segundos de duración de una sesión de improvisación mucho más larga con músicos como Robert Wyatt, Music for Airports inició la idea de música lenta y mediadora que abandonaba las escalas mayores y menores típicas, aportó ambigüedad melódica y comenzó la exploración de sonidos que fueron diseñados para existir en algún lugar en el fondo, más allá del alcance de la atención total. Con información de: Open Culture Aquí abajo el disco original Music for Airports con una duración de 48 minutos:

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Mira la película Ennio, el maestro retrato sobre el prolífico compositor Ennio Morricone

Hace casi 1 año salió la película “Ennio, El Maestro”, el cual habla de su legado musical, el cual marcó una peculiar vida musical. En su registro musical quedan aproximadamente 520 bandas sonoras, 14 álbumes de estudio, 11 discos en vivo, 116 compilaciones, 61 sencillos, 18 discos tributo. Ennio, el maestro (Ennio: The Maestro, Italia-Bélgica-Países Bajos-Japón-China-Alemania/2021). Dirección y guion: Giuseppe Tornatore. Con testimonios de, entre otros, Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Dario Argento, Bernardo Bertolucci, Bruce Springsteen, Oliver Stone, Hans Zimmer y John Williams. DMorricone trabajó con casi todos los realizadores contemporáneos más importantes, las fuentes son impecables y construyen, además de la biografía del artista italiano, una radiografía de la historia grande del cine del último medio siglo.

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Recordando a Keith Levene (1957 a 2022): arquitecto del post-punk con PiL

Quizá fue por el sentimiento del inminente “fin del rock” conferido por la separación de Sex Pistols que John Lydon, exvocalista de este grupo, y Keith Levene, guitarrista recién expulsado de The Clash, apostaron por hacer una banda representativa del “inicio de algo nuevo”. Así unieron fuerzas y temprana experiencia para formar Public Image Limited (PiL). Por ello, casi 40 años después de este momento —mucho mejor narrado por Simon Reynolds en su libro ‘Rip It Up’ (2005)—, es entendible por qué PiL se mantiene como la piedra angular del post-punk ortodoxo. En Public Image Limited, sin ser estrictamente un supergrupo, se enfrentaron ideas entonces poco comunes para la música de guitarras, cuya confluencia marcó la pauta del desarrollo de un nuevo modelo de expresión artística. Mientras Lydon trasladó la energía del punk heredada de los Pistols, el bajista Jah Wobble encontró a este último género con la esencia del dub y el reggae y, especialmente, Keith Levene aprovechó el lienzo para crear el sonido de guitarra que habría de darle al post-punk parte de su identidad última. Ferviente admirador del academicismo de Yes —y roadie de éste grupo durante su adolescencia—, Levene supo renunciar a la ejecución ortodoxa de su instrumento en pos de una forma particular de virtuosismo, que hace más sentido para nuestra época que para la suya. Descrito por Reynolds en el citado libro, el suyo era un “modo de tocar basado en improvisación, que deliberadamente incorporaba los ‘errores’. Cuando Levene tocaba una nota incorrecta, inmediatamente repetía el error para descifrar si la equivocación podía convertirse en otra forma de acierto”. El paso de Levene por The Clash fue breve, insuficiente para conocer cuánto hubiera influido en el sonido de una banda que, a su modo, trascendió de igual forma la etiqueta del punk. Sin embargo, Public Image Limited, fue el espacio donde las disonancias y las desviaciones armónicas de Levene, expresiones últimas de la inquietud de dicho estilo por traspasar los límites del buen gusto, se desarrolló en el equilibrio suficiente para dejar atrás el mero ruidismo. Así, la contribución de Keith Levene a Public Image Limited se extendió por tres álbumes —entre los que se cuenta el archi influyente ‘Metal Box’ (1979), el más atinado documento póstumo del guitarrista—, antes de que las diferencias creativas terminaran por minar el grupo y John Lydon, en palabras de Levene, “se convirtiera una vez más en Johnny Rotten y se tomara de forma literal la línea ‘The Public Image belongs to me’” [“la Public Image me pertenece”, de la canción “Public Image”]. Qué tanto Public Image Limited siguió siendo relevante después de 1981 es un tema para otra discusión. Sin embargo, la exploración de los primeros álbumes del grupo refleja el inicio de inquietudes estéticas, de disrupción y búsqueda, que hoy se han adecuado al mapa contemporáneo. Particularmente, Levene dejó rastro de su estilo en agrupaciones que hoy izan la bandera del post punk, como Fontaines DC, Dry Cleaning, Yard Act, o en su momento Franz Ferdinand y The Libertines. Oídos más avezados han encontrado ecos de su estilo incluso en Godflesh y los múltiples proyectos de Justin K. Broadrick. La evolución del post-punk, desde su concepción como la idea de trascender la mera ruptura de los cánones del rock hasta su actual degeneración como término paraguas, ocupa una historia de cientos de páginas y bifurcaciones. Pero Keith Levene, fallecido este 11 de noviembre, es el hombre quien, quitándose el miedo de “tocar una mala nota”, logró permanecer como uno de sus arquitectos.

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Galaxie 500: Recordando a la banda que precedió al shoegaze

A propósito de la reciente visita a México de Dean Wareham, ex líder de Galaxie 500, es casi imposible sacudirse los ánimos y pensar, quizá ingenuamente, en otra banda que haya influido tanto en su terreno. La realidad es que cuando Galaxie apareció en el mapa del rock estadounidense independiente de los años 80, ya estaba marcado el terreno de lo que posteriormente se conoció como dream pop. No así con el shoegaze, a quien se le atribuye buena parte de su influencia.El sonido de Galaxie, tan característico por ese aparente descuido vocal e instrumental, el cual crea capas de ruido con solos que flirtean con la idea del virtuosismo, compaginó bastante bien con los sonidos del mapa sonoro de su época. ‘Today’, su primer álbum, lanzado casi al filo de los 90, no suena tan diferente a lo que entonces estaban haciendo otros grupos del estilo dulce y guitarrero conocido como jangle pop, con una declaración de principios más cercana al mainstream. Sin embargo, un elemento de misticismo que envuelve a la música de Galaxie, quizá visto a posteriori, la acerca mucho más al sonido experimental entonces abanderado por A.R. Kane y Spacemen 3 (los últimos, influencia declarada de Wareham). Como sea, es cierto que Galaxie 500 nunca fue shoegaze. Si bien “Listen, the Snow is Falling” se le acercaba bastante, el verdadero mérito del trío de Boston para influir en este estilo fue permanecer en un punto medio entre el pop ruidoso de Hüsker Dü y los pasajes de ensueño de The Sundays. Fue en este espacio liminal, donde se gestó una predilección por el intimismo casi surrealista, que el shoegaze contemporáneo y parte del de “primera ola” tomaron elementos para construir su identidad definitiva. Por supuesto, a Galaxie 500 se le atribuye más bien una influencia en el slowcore, estilo frecuentemente asociado con el shoegaze, caracterizado por una renuncia a la velocidad del rock en pos de escenarios de calma y una búsqueda por llegar más lejos en aquel intimismo lírico. Ejemplos están Low y Codeine, el segundo más cercano al ruido, pero ambos principales herederos del sonido de Wareham y compañía. Que Galaxie 500 se separara con tan solo 5 años de carrera y 3 álbumes bajo el brazo no hizo más que, como ha ocurrido con un centenar de bandas, potenciar su estatus de culto. De acuerdo con testimonios de Dean Wareham en su libro Black Postcards (2008), y de Damon Krukowski (batería) y Naomi Yang (bajo) en la historia oral Temperature’s Rising (Mike McGonigal, 2013), la ruptura ocurrió de forma arbitraria, con el cantautor simplemente cansado de las dinámicas del grupo y sus compañeros sin saber cómo atender una indiferencia cada vez mayor, la cual culminó en llamadas de teléfono sin responder. “¿Qué sentí con la partida de Dean [de Galaxie 500]? ¿Bromeas? ¡Sólo escucha [el álbum de Damon & Naomi] ‘More Sad Hits’”, comenta Damon en Temperature’s Rising. Los proyectos consecuentes de los integrantes restantes, Damon & Naomi y, sobre todo, Magic Hour, exploraron de lleno los terrenos del shoegaze y el dream pop, lo cual, ante todo, se sintió como la continuación lógica del cierre asentado por Galaxie con “Listen, the Snow is Falling”.Pero, sobre todo, la música de Magic Hour fue el cierre poético ante la historia narrada primeramente por Galaxie; una muestra de la aceptación de lo inevitable que era la evolución de su propia sensibilidad. El sendero de vuelta, por supuesto, apunta siempre a Galaxie 500, un nombre que, al día de hoy, goza del privilegio de no ser del todo comprendido.

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