Depósitio Sonoro

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Escucha la primera grabación de la voz humana (1860)

Cuando el inventor Édouard-Léon Scott de Martinville cantó una rima infantil en su fonograma de programa en 1860, no tenía planes de volver a reproducir esta grabación. Un precursor del cilindro de cera, el fonoautograma tomó entradas para el estudio de las ondas de sonido, pero no se pudo convertir en un dispositivo de salida. Qué asombroso entonces, más o menos 150 años después, podemos escuchar la voz de Scott en lo que ahora se considera la primera grabación de sonido humano.   Lo que escucharás en el video de arriba son las diversas etapas de reconstrucción e ingeniería inversa de la voz que se cantó ese día de abril de 1860, hasta que, al igual que limpiar décadas de suciedad se revela el arte original.

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La historia (homenaje) de un verdadero artista, Daniel Johnston

No Daniel Johnston, una figura de culto de la música underground que ha extendido sus influencias a otras corrientes musicales y que su arte tiene una calidad que, aunque quizá no es universal, resuena en otros artistas ¿Qué tienen en común Pearl Jam, Tom Waits y Beck?, además de ser figuras icónicas en sus respectivos géneros musicales, todos han interpretado alguna canción de Daniel Johnston. El mismo Kurt Cobain promocionó con profundo impacto el estilo musical de Johnston e incluso dijo que Yip/Jump Music era uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos. Larry Clark usó parte de la música de Johnston para crear la banda sonora de su controvertida película Kids en 1995. Lana del Rey produjo una breve biografía que narra la enigmática y peculiar vida de Johnston. La lista continúa, pero ¿quién es el hombre detrás de la musa de tantos artistas?. Nacido en 1961 Daniel Johnston creció en las colinas rurales del oeste de Virgina, es el menor de cinco hermanos. Después de no tener éxito en el curso de arte de la Universidad Estatal de Kent, se mudó a Austin, Texas para continuar con su carrera musical. Rápidamente reunió a un público local pequeño pero dedicado repartiéndoles cintas con su música en el McDonald´s dónde trabajaba. Sus fanáticos acudían con fervor a sus presentaciones no tradicionales, por ejemplo en sótanos y así, poco a poco, Johnston amplió su alcance al aparecer en un programa de MTV que promovía la Nueva Sinceridad en Austin, un movimiento cultural y musical que sería la clave para entender el atractivo de Johnston, sin embargo, fue hasta que Cobain apareció en los MTV Video Music Awards de 1992 con una camiseta con la portada del álbum Hi How Are You de Johnston hasta que realmente su popularidad comenzó a despegar. A pesar de que Johnston residía en un hospital psiquiátrico en ese momento por sufrir esquizofrenia y episodios maniacos intensos, los sellos discográficos mostraron gran interés en su música. Después de negarse a firmar un contrato de varios álbumes con Elektra Records porque creía que estaban asociados con satanás y lo lastimarían, finalmente llegó a un acuerdo con Atlantic. Por problemas comerciales Johnston tuvo que dejar el contrato y volvió a grabar su música a su manera: solo y por su propia cuenta.  Para Johnston, escribir canciones es una compulsión. A lo largo de toda su carrera su discografía total actualmente es de 29 álbumes, el último lanzado en el 2013. En resumen, el estilo de escribir canciones de Johnston es, en todo caso, verdaderamente honesto. No intenta oscurecer el significado de sus letras a través de la ironía o el cinismo. Debido a esto se puede identificar a Johnston como la voz del principal del movimiento de la Nueva Sinceridad tanto en la literatura como en la música. No todo lo escribe lo ha experimentado, tanto física como mentalmente, pero cuan estrechamente esté vinculado a la realidad o sus experiencias, es otra historia.  Cuando se escucha a Johnston existe la impresión de que su mente está plagada por las voces internas características de la esquizofrenia, llena de palabras e historias que él intenta expresar con desesperación. Hay un discernible sentido de urgencia en su voz y música a medida que sus pensamientos caóticos ocupan lugar central en sus temas. La instrumentación rudimentaria y simplista define su estilo, a menudo categorizada por los críticos como experimentación pop o folk que parece ser adecuada para sus letras de expresiones crudas con energía infantil. En sus actuaciones en vivo, Johnston parece frágil, colocado delicadamente en un escenario frente a una multitud que parece demasiado grande para el tipo de nicho que él quisiera.  Con la edad, Johnston adquirió un temblor permanente y debilitante como resultado de su tratamiento antipsicótico, se ha retirado de su carrera con una última gira en el 2017 y se encuentra en su casa dibujando y escribiendo cartas a sus familiares. En una entrevista para New York Times, Johnston dijo que no podía dejar de escribir, si dejara de hacerlo no habría nada. Tal vez todo parara.  Actualmente Johnston continua viviendo en Austin, a lo largo de su vida se ha convertido en una figura de culto de la música underground, su influencia se extiende a otras corrientes musicales y su arte tiene una calidad que, aunque quizá no es universal, resuena en otros artistas.   

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Música de mierda o de: ¿Cómo llegamos a odiar a Céline Dion? entrevista con el autor Carl Wilson

Carl Wilson es autor de uno de los libros más provocativos de los últimos años. Hablar de los gustos musicales, siempre trae consigo una ola de opiniones, entre lo que nos gusta, lo que no nos gusta y lo que odiamos. Para el autor y para un grosor de las audiencias, Céline Dion es una de las artistas más odiadas en el mundo y es en ella en quien basa su libro ¿Qué lleva a la canadiense a ganarse ese título? Bueno, a través de su texto “Música de mierda” Wilson nos sumerge por una serie de argumentos que van desde los históricos, hasta el rigor de un periodismo musical documentado. A lo largo de sus páginas, el libro nos encara a la construcción de nuestros gustos musicales, los esnobismos culturales y los gustos culposos. ¿Qué es tener mal o buen gusto musical? ¿Cuáles son los criterios para determinar eso? Y sobre todo ¿Por qué odiamos tal tipo de música? Aquí las impresiones del autor sobre Céline Dion, los snobs y la música de mierda.   1.- Sabemos que el título original de tu libro era “Hablemos del amor” pero la casa editorial catalana Blackie Books decidió traducirlo como “Música de Mierda” ¿Te gusta este título?   Nunca estoy muy seguro que pensar de eso, la gente de la casa editorial me dijo que es una frase muy común en España, y que la palabra mierda no es tan fuerte como en inglés. Me parece muy simpático, y decidí confiar en sus instintos cuando me lo sugirieron. Aunque me preocupa que pierda la ambigüedad del título original. Se llama “Hablemos del amor” porque es el título del álbum de Céline Dion y era el formato de la serie 33 ⅓ para usar el título del álbum como el nombre del libro. Sin embargo, me gusta temáticamente, ya que el gusto es un sistema de amores y antipatías, y para mí significa “Hablemos del gusto”. El título original y los títulos de los capítulos eran más simétricos. Tengo miedo de que el título en español haga enojar más a los fans de Céline Dion de lo que yo quería.   2.- Henry Raynor dice que “Estar lo bastante al tanto de cierto tipo de música como para detestarla, es estar influido por ella” ¿Estás influenciado por Céline Dion?   Ella ha tenido una gran influencia en muchos años de mi vida, al menos profesionalmente. De hecho siento un profundo afecto por Céline en este momento. Me he comprometido y vivido mucho con su presencia. Regresando a la pregunta, también es verdad que lo que no nos gusta nos influencia en muchas maneras: Afecta nuestra imagen cuando uno se define en contra de ciertas cosas. Puedes ver esto políticamente, y se extiende dentro de la cultura. Mucho del objetivo del libro es cuestionar esos reflejos, e imaginar una estética que no se define a ella misma contra las cosas. Mientras sigo perdonando lo que no me gusta por diversión, ya soy más cauteloso de ello ahora, especialmente cuando parece que me hacen ser mejor o más auténtico que los demás. Ese proceso es uno donde Céline me ha influido mucho, no solo como mi caso de estudio, sino en las cualidades que ella tiene. Su urgencia para calmar el conflicto o su deseo de universalidad.   3.- En el libro hablas acerca del principio de tu odio hacia Céline Dion, y tiene una relación directa con el artista de culto Elliot Smith. Cuentas como Smith defendió a Dion por ser amable y modesta. Si un músico como Elliot Smith lo dice, ¿hay una posibilidad de que nosotros estemos equivocados acerca de Dion?   Bueno, el ejemplo de Elliot Smith fue una forma de poner mis sentimientos en la historia más que hablar de él individualmente, lo que sí, es que me sorprendió como defendió a Céline. Al final, esa historia sugiere desde el principio que Smith tenía razón y yo estaba equivocado, y es de lo que trata el resto del libro; discutir porqué.   4.-Si pudieras entrevistar a Céline Dion ¿Cuál sería tu primera pregunta?   Lo que más me gustaría preguntarle es cómo maneja toda la negatividad y burla dirigida hacia ella, particularmente en los años 90, y qué pensó que lo provocaba. Intenté un par de veces hablar con ella, pero creo que su equipo la protege de cualquier cosa que sugiera algo negativo. (Precisamente por esas experiencias). También me gustaría preguntarle que caminos musicales seguiría si pudiera quitarse la presión comercial de su carrera.   5.- ¿Qué caso odiarías más: Tu vecino usando una playera de tu banda favorita sin saber nada de música, o tu vecino escuchando todo el día “Let’s talk about love” de Céline?   Asumiendo que puedo escuchar a través de las paredes, es terrible cada vez que un vecino escuche la misma música una y otra vez, no importa si es Céline o alguien que me guste. Ése sería el problema más grave. Creo que lo de la playera no me molestaría en lo absoluto. Ya no quiero ser el policía de los gustos de otras personas, ni siquiera de los míos. No es una buena forma de relacionarse con la estética.   6.- Si tuviéramos que cocinar al perfecto snob de la música ¿Cuáles serían los tres ingredientes principales que escogerías?   El perfecto snob de la música sería como un monstruo, un psicópata de la estética. Mis tres ingredientes serían: falta de empatía, una obsesión por ser cool y una buena memoria para trivias obscuras.   7.- Dicen que los millenials escuchan de todo, desde Kendrick Lamar a Westlife. ¿Todavía hay espacio para el odio hacia la música?   La gente definitivamente sigue odiando canciones, ya sea por sobre exposición, razones ideológicas u otras asociaciones, pero creo que hay menos de eso actualmente de lo que solía haber antes. Estamos en un estado poco inusual de apertura, lo cual me hace feliz. Por otro lado, creo que generalmente la música no significa tanto para la

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Mattel lanza barbie David Bowie para conmemorar el 50 aniversario de “Space Oddity”

El fabricante de juguetes Mattel está lanzando la muñeca de edición limitada Ziggy Stardust en honor al 50 aniversario del innovador éxito de la cantante de 1969, “Space Oddity”.   La nueva muñeca presta mucha atención a la estética icónica de Stardust, con una melena roja lisa, un esmalte de uñas negro, sombras de ojos azules y naranjas, pendientes de plata y la pintura de la esfera de la esfera dorada de Bowie. La muñeca también viene con el famoso traje espacial del cantante y las botas rojas de plataforma. El diseño pretende rendir homenaje a Bowie, quien “era y sigue siendo una presencia única en la cultura contemporánea” y “cuyas dramáticas transformaciones musicales continúan influyendo e inspirando”, según un comunicado de Mattel.   Esta no es la primera vez que Barbie experimenta con un nuevo estilo. En los últimos años, la compañía ha lanzado una variedad de muñecas especiales en un intento por diversificar la marca Barbie y llegar a audiencias más grandes y cambiantes.   La compañía también se ha asociado con varias casas, incluyendo Christian Dior, Givenchy, Vera Wang, Ralph Lauren y Oscar de la Renta, para crear muñecas especiales.   En este enlace puedes comprar la barbie David Bowie. 

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Se cumplen 50 años de Space Oddity, la estrella brillante en el firmamento de David Bowie

En una carrera por el estrellato de la ciencia ficción que había crecido a principios de los años 70, el joven David Bowie escribió el himno de un astronauta en el espacio de 1969, quizá la canción mas hermosa de el. En la oscuridad del Casino Cinerama de Londres, David Bowie de 21 años miraba impactado a un embrión espacial flotando en la enorme pantalla del teatro, era verano de 1968 y esta era la tercera vez que el cantautor había visto 2001: A Space Odyssey, estrenada en abril de ese año, Bowie relacionó esa escena con la sensación de aislamiento, de fluidez. Si bien la película de Stanley Kubrick proporcionó el escenario y titulo para el primer éxito de Bowie, hubo otras inspiraciones que dieron forma al sonido y visión de la canción. Ese verano Bowie se enamoró del álbum Bookends de Simon & Garfunkel, especialmente al tema Old Friends cuyas notas de viento fueron tomadas para la parte en donde el Mayor Tom sale de su nave. Más significativa fue la relación decadente de Bowie con su novia, la actriz Hermione Farthingale quien lo hizo escribir para y sobre una persona específica. La ruptura con ella produciría un puñado de canciones, pero el vacío solitario que Bowie sintió por la ausencia de Hermione fue la metáfora perfecta al estar un astronauta a la deriva abandonado en una cápsula espacial.  Nunca se supo de dónde salió el nombre del astronauta pero hay una teoría intrigante. Cuando Bowie era niño y crecía en Bromley vio carteles que anunciaban la presentación del conocido interprete de música de sala Mayor Tom, momento en el cual ese nombre se alojó en su memoria. Cualquiera que sea la fuente, el comandante Tom se convirtió en el primero de una larga lista de personajes míticos que flotan en el universo musical de Bowie.  El demo fue lanzado el 11 de julio de 1969, nueve días antes de la llegada del Apolo 11 a la luna. Miles de copias fueron enviadas a los Estados Unidos pero a pesar de los esfuerzos para llevar a cuestas el momento más glorioso de la NASA hasta ahora, el tema tuvo poco éxito en los Estados Unidos, sin embargo, su aceptación en Inglaterra fue mucho más cálida, por ejemplo, fue usado por la televisión británica como música de fondo durante la transmisión del aterrizaje del Apolo 11 en la luna, aunque a Bowie se alegró mucho de que lo hicieran, él estaba consciente que en ese momento la música era lo que menos le interesaba a la gente.  Space Oddity sigue siendo el sencillo más vendido de Bowie en el Reino Unido hasta la actualidad. Ha sido interpretada por más de veinte artistas incluidos Def Leppard, Tangerine Dream y Cat Power, ha aparecido en juegos de video y se iba reproduciendo continuamente en el auto Tesla lanzado al espacio en el 2018. Canción de cuna intergaláctica, melodía de ruptura o de nuevos caminos, conexión de la NASA, Space Oddity es todo esto y más. Una canción de cinco minutos tremendamente tentativa que comenzó la fértil vida de Bowie dentro del pop innovador. Un tema que quizá no fue algo que nadie hubiera hecho antes y que quizá es por eso que sigue siendo un clásico hermoso, que habla sobre el gran sueño de la humanidad que empujó al hombre al espacio pero que una vez que llegó ahí no estaba tan seguro de haberlo logrado. Space Oddity, un ícono de la música y una estrella brillante en el firmamento del legado de Bowie.       

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Recordando al padre del bossa nova João Gilberto (1931-2019)

João Gilberto, quien murió el sábado 6 de julio de 2019 a la edad de 88 años, fue uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Él y su compañero y colaborador Antonio Carlos Jobim ayudaron a crear y popularizar la música bossa nova, una versión tonificada y romántica de música de samba brasileña. Joao Gilberto (Juazeiro, 10 de junio de 1931- Río de Janeiro, 6 de julio de 2019)​ fue un cantante, compositor y guitarrista brasileño, considerado como uno de los creadores de la bossa nova. En el mundo era frecuentemente es llamado padre del bossa nova y en su país de origen, Brasil, es referido como “O Mito” (El Mito) o (La Leyenda).     La influencia de Gilberto es incalculable y ha “resonado en el trabajo de artistas como Caetano Veloso, Sade, Gal Costa, Leonard Cohen, Joni Mitchell, Stereolab, Seu Jorge y casi todos compositor brasileño desde 1960. Su compatriota Veloso ha dicho: “le debo a João Gilberto todo lo que soy hoy. “Incluso si yo fuera algo más y no un músico, diría que le debo todo”.   Muchas personas han dicho cosas similares a lo largo de los años sobre John Lennon o George Harrison, pero ¿un cantante acústico sin pretensiones que canta en portugués? ¿Podría realmente tener ese tipo de influencia cultural en todo el mundo? Puede que sea difícil verlo ahora, pero bossa nova se integró a la conversación global de la misma manera que lo hizo el rock and roll. Sin embargo, en lugar de rebelarse, se vistió; en lugar de aumentar el ritmo, la actitud y la energía, lo calmó y lo sedujo. Le inyecto dulzura a sus notas y dejó soundtracks que pueden perdurar en la memoria.  Bossa nova proporciona un contrapunto a la energía cruda del rock estadounidense y británico, se convirtió en su propio lenguaje popular. Elvis Presley incluso intentó sacar provecho de la creciente popularidad de la música en 1963 con su “Bossa Nova Baby” de la película Fun in Acapulco.   Bossa nova tiene un sonido creado para pequeños espacios y pequeños movimientos. El estilo tranquilo de Gilberto “se desarrolló en 1955 cuando se secuestró dentro de un baño en la casa de su hermana para no molestar a su familia”, escribío Félix Contreras en NPR, “y para aprovechar la acústica proporcionada por el azulejos del baño”. Dejando de lado ésta historia de origen íntimo, también podemos decir que es de un estilo que demarcaba líneas de clase en la música pop. En Brasil, la bossa nova atrajo por primera vez a “una nueva clase adinerada que deseó alejarse del sonido de samba más tradicional de los tambores explosivos y el canto grupal”. En su influencia sobre el jazz estadounidense con su ambiente profundamente relajado y exuberantes texturas sin prisas.    “En sus inicios, el término se usó para designar una nueva manera de cantar y tocar samba y vino a ser una reformulación estética dentro del moderno samba urbano carioca. Basándose en una instrumentación simple y un elegante manejo de las disonancias, desarrolló un lenguaje propio con un íntimo lirismo.   Con el pasar de los años, la bossa nova se convirtió en uno de los movimientos más influyentes de la historia de la música popular brasileña, llegando a alcanzar proyección mundial. El camino del género continuará, pero el legado de João Gilberto quizá será irrepetible.   

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La productora Live Nation acabará con el uso de plásticos de un sólo uso en Festivales

El promotor de eventos Live Nation se comprometió a prohibir los plásticos de un solo uso en todos sus festivales para 2021.   La medida se tomará en un periodo de inicio en varios festivales del Reino Unido bajo el control de la compañía, incluidos Latitude, Wireless, Download y Reading & Leeds. La compañía también se ha comprometido a extender la prohibición a todos los lugares donde opera, con el objetivo de convertirlos en espacios sin desperdicios para el 2030.   “Con más de 35,000 conciertos y festivales cada año, Live Nation tiene la oportunidad y la responsabilidad de brindar a nuestros artistas y fanáticos una experiencia de música en vivo que protege nuestro planeta“, dijo Michael Rapino, CEO de Live Nation Entertainment. “Los efectos adversos del cambio climático son innegables, y queremos usar nuestro lugar en el escenario mundial para ser parte de la solución. Juntos, nuestros conciertos, lugares, festivales y oficinas en todo el mundo están estableciendo nuevos estándares de sostenibilidad para eventos en vivo”.   La promesa se extenderá a todos los espacios de oficinas de la compañía, y también los verá a la mitad de sus emisiones de gases de efecto invernadero para 2030. La medida se produce después de que Glastonbury impusiera una prohibición similar sobre los plásticos de un solo uso para el festival del mes pasado.   Sin duda es una medida que debe de despertar la consciencia de promotoras en todo el mundo, ya que la música y el medio ambiente deben de convivir en armonía. Un tema por demás complejo, pero la punta de lanza de plásticos de un sólo uso en un Festival es una buen inicio.

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Mira la película Space is the Place, filme sobre la filosofía y música de Sun Ra

Mira la película de la versión original autorizada por Sun Ra con una duración de 64 minutos. Un vehículo para la filosofía y la música de Sun Ra & His Intergalactic Solar Arkestra. Uno de los primeros trabajos cinematográficos afrofuturistas.  A fines de los años 60 y principios de los 70, Sun Ra y su conjunto hicieron varias incursiones. En 1971, Sun Ra impartió un curso, “El hombre negro en el cosmos”, en la Universidad de California, Berkeley. En el transcurso de estas visitas a California, Sun Ra llamó la atención de Jim Newman, quien produjo la película Space Is the Place, protagonizada por Sun Ra & his Arkestra, y se basó, en parte, en las conferencias de Sun Ra’s Berkeley.    “Sun Ra (Herman Sonny Blount, Alabama, 22 de mayo de 1914-30 de mayo de 1993) fue un músico de jazz estadounidense. Figura destacada de la vanguardia jazzística (en sus vertientes experimental, de free jazz y de fusión), tocó el órgano, el piano y el teclado, además de liderar la Sun Ra Arkestra. Sun Ra fue igualmente un prolífico escritor de poesías, que aparecían en las portadas de los discos o en fanzines editados por él mismo”.   Space Is the Place es una película de ciencia ficción de Afrofuturist, realizada en 1972 y estrenada en 1974. Fue dirigido por John Coney, escrito por Sun Ra y Joshua Smith, y presenta a Sun Ra and his Arkestra. Mírala a continuación.  

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