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Shuffle

Platicamos con Joliette sobre su gira de más de 2 meses por Europa

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¿Qué es irse de tour? ¿Cómo lo logra una banda mexicana de manera independiente? Fueron más de 2 meses de gira de la banda Joliette por países y ciudades que ya conocían y otras más por primera vez. Platicamos con ellos para que nos cuenten cómo estuvo esta enorme travesía. 1. Vemos que este tour de Verano 2018 por Europa ha sido súper extenso. ¿Por dónde anduvieron? Estuvimos en casi toda Europa Central. Fuimos por primera vez a Suecia, hicimos el Reino Unido por segunda ocasión y también estuvimos en los países balcánicos y un poco más hacia el este. Visitamos países como Letonia, Lituania, Bulgaria y Macedonia por primera vez también. 2. Nos imaginamos que siempre es exótico ver a gente de México en países como Rumania o Hungría, por mencionar, ¿les pasa que se sacan de onda de verlos hasta allá? Más que sacarnos de onda como tal, nos sentimos sorprendidos de encontrar gente de nuestro país a veces en ciudades muy pequeñas o incluso en pueblos medio recónditos de Europa. Muchos de ellos se han acercado a shows nuestros por allá sin conocernos realmente, eso también nos ha caído de sorpresa. 3.-¿Alguna experiencia peculiar o chistosa que les haya sucedido durante el tour? Podríamos decir que hubieron varias peculiaridades en cuanto a los lugares en los que tocamos en este tour. Todos estos lugares nos ofrecieron experiencias nuevas. Desde tocar en el ático de un edificio de 5-6 pisos, o en un festival en medio del bosque, en un escenario construido con piedras en medio de la campiña, todo nos pareció increíble. Tuvimos demasiadas experiencias chistosas a lo largo del tour. De nuestros momentos favoritos fue ver a Gastón meterse desnudo a un río en la madrugada para recuperar la pelota de fútbol que le regalaron durante el tour. 4.. Una pregunta básica y que cientos de bandas se preguntan: ¿cómo organizar un tour DIY? ¿Cómo es la conexión para poder estar de tour casi diario por diferentes ciudades? Similar a México y varios lugares más, todo es un circuito, de gente que se conoce y que todos tienen gusto por escuchar música nueva, de donde venga y a lo que suene. Aunque es un circuito independiente, centrado precisamente en el DIY, siempre va a haber un intermediario a la hora de planear un tour. La primera vez que fuimos a Europa no conocíamos a absolutamente nadie, logramos ir gracias a que Zaga Zaga de Israel aceptó hacer un tour con nosotros y ellos tenían todos los contactos. Esta vez también tuvimos ayuda externa de un booking que nos ayudó a concretar la gran mayoría del tour. Siempre van a haber intermediarios, pero dentro de un circuito independiente, no hay grandes empresas involucradas en esto. Por otro lado, en el caso de poder tocar casi todos los días, la diferencia grande entre Europa y México es la diferencia de foros y centros culturales para llevar shows a cabo. En México los hay, claro, pero no en la magnitud que existe en Europa, y muchos de estos centros culturales y foros también tienen apoyos externos, por lo que pueden ofrecerte un espacio para tocar un lunes o un martes y con una garantía económica que te permite llegar a la siguiente ciudad. Además las distancias son mucho más cortas y eso representa una ventaja en cuanto a todo lo que puedes abarcar en menor tiempo. 5.-Ya nos explicaron la logística de planeación, ahora cuéntenos cómo es el día a día de estar tocando, ¿traen alguien que maneje la camioneta para trasladarlos, en dónde duermen, les dan de comer, les dan dinero por los shows? En el primer mes del tour hubo una persona extra con nosotros manejando y ayudando con merca y la logística de cada show. Los lugares para dormir varían como en cualquier tour. Pisos, alfombras, sillones, camas, hostales/hoteles, camioneta, etc… Siempre hay dónde quedarse. 6.¿Ha sido su tour más extenso? En cuanto a cantidad de shows, sí. 7.- ¿Cuáles han sido su top 3 de tours más chingones y por qué países o ciudades? Este tour definitivamente se queda entre uno de esos 3 mejores. Colombia es otro de los mejores, es la única probada que hemos tenido de Sudamérica y estamos muy ansiosos por ver más de Latinoamérica. El tour de Principia por México también ha sido de nuestros favoritos. Fue un shock para nosotros ver después de unos años el recibimiento que ese álbum tuvo y ha tenido, sigue siendo difícil de creer. 8.-Cambiando de tema, ¿viven de la música? ¿se imaginan viviendo de esto en unos 10 años? Todos vivimos de algo relacionado a la música hasta ahora, pero no de la banda. No imaginamos que Joliette pueda pagar nuestras cuentas alguna vez, pero nos gusta pensar que en 10 años seguiremos tocando juntos. 9.-Recomiéndenos música y/o bandas que los hayan influenciado para componer o incluso que los haya influenciado para iniciar la banda. Glassjaw, Deftones, Thrice, At The Drive-In, Capsule, Dillinger Escape Plan, Converge, Radiohead, The Mars Volta, Refused, Mastodon, etc. 10.-¿Cómo sienten la vibra musical en México en la escena en que se mueven? Siempre hay muy buenas bandas saliendo en México, todas las ciudades tienen algo chingón que ofrecer. No somos parte de un solo círculo como tal, y nos da la oportunidad de aprender de bandas muy distintas a nosotros. 11. ¿Qué bandas con las que han tocado les ha gustado mucho? En este tour por Europa tuvimos la oportunidad de tocar y convivir con muchas bandas que nos parecen increíbles. Cassus, Nionde Plågan, Tengil, Tuco, Birds In Row, Majority Rule, Kid Feral, Rutka Laskier, Suffocate For Fuck Sake, Loma Prieta, Bastos, Infall, Zeus, Respire y muchas muchas más.  

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FABRICLIVE se despide con Kode9 y Burial

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A principios este año Burial se asoció con The Bug para un proyecto en colaboración que siguió a un 2017 lleno de lanzamientos como Rodent, el sorpresivo Subtemple EP y el Pre Dawn / Indoors. Ahora la leyenda del dubstep se ha alidado al productor del Reino Unido Kode9 con quien lanzará la centésima y última entrega de la serie de mezclas FABRICLIVE del club nocturno Fabric.  La mezcla de 74 minutos se lanzará el 28 de septiembre y solo en ese momento se dará a conocer la lista de temas. Tambien el álbum estará disponible digitalmente en CD y en vinilo.  Aunque se dice que la serie FABRICLIVE ha llegado a su fin, se especula que una nueva era de mezclas comenzará el próximo año después de que FABRICLIVE 100 salga a la venta en octubre. 

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FLUXUS, el azar como forma de composición

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La palabra fluxus fue creada por George Maciunas, arquitecto, diseñador, promotor, coordinador y organizador de muchas de las actividades de este grupo. Inicialmente, el término daba vida a una publicación; posteriormente, fue usado para nombrar la labor de artistas y músicos. Fluxus fue una revolución creativa, un movimiento artístico controversial y provocativo del siglo XX que partía de la idea de que cualquier persona podía ser “artista, porque el arte deber ser para todos”. Una capacidad de implicación Búsqueda del azar Presencia en el tiempo Musicalidad Este movimiento neo-dadaísta, surgió en oposición a los principales movimientos internacionales de la época: arte-pop, neo realismo y minimalismo. En 1962 se realizó el Festival Internacional Fluxus de Música Contemporánea en Wiesbaden, Alemania. Éste trataba de un conjunto de conciertos, actividades y performances. A partir de entonces, diversos artistas se integraron a esta corriente para realizar investigaciones desde muy distintos enfoques. Las obras eran interpretadas y reinterpretadas libremente por otros creadores, lo que formó una red internacional de cooperación artística e intercambio de ideas, aún con las herramientas poco accesibles de la época. “Un aspecto clave de la experimentación de Fluxus fue el azar”. El sentido de llamar algo como aleatorio o casual es conocido como una tradición con un legado que se remonta de artistas como Marcel Duchamp y John Cage. En la música, muchas obras poseían un diseño en sus partituras, como obras que podían ser ejecutadas por artistas que no sean el propio creador.     En la música y en el cine la intención del creador son elementos claves de la obra. La cuestión de la importancia de la mano del artista y la improvisación sólo es pertinente en la medida en que la habilidad de la ejecución afecte a la obra. La musicalidad está vinculada al experimentalismo y al método científico, y los experimentos deben funcionar de la misma forma. Tal y como sucedió en la siguiente obra precursora del movimiento, creada y musicalizada por Marcel Ducham y John Cage.     Algunos de los artistas más relevantes, involucardos y relacionados al Fluxus fueron: Peter Brötzmann, Yoko, Ono, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik, La Monte Young, Gustav Metzger y Genesis P-Orridge.  

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Ayudemos a que Un rêve mastericé su álbum 2018 a través de Kickstarter

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Un rêve significa “un sueño”, en francés, es un proyecto solista de música ambient de la Ciudad de México. Por 10 años ha sido un escape emocional y de autorreconocimiento para el autor, quien ha producido en su mayoría desde la intimidad de su cuarto. Género: Ambient – Electronic Hace 4 años publicó su primer álbum de estudio “Por la hierba que besa mis tobillos cansados”, permitiéndole conocer, colaborar, aprender y compartir con diversos músicos y artistas tanto en estudio como escenarios de MUTEK MX, Fascinoma y Bahidorá; así como apreciados escondites y eventos tanto en la capital como Tlaxcala, Puebla, Guadalajara y Morelos. Este año el sueño es publicar su segundo álbum de estudio, una bitácora de estos últimos 4 años; canciones que brotaron de improvisaciones y terminaron madurando bajo un cultivo de sentimientos y vivencias. Para enaltecer el sueño trabajamos para que éste pueda ser publicado en formato vinil y masterizado por Taylor Deupree del sello 12K, quien ha trabajado con músicos como Ryuichi Sakamoto, William Basinski, Ariel Kalma, Alva Noto, Lubomyr Melnyk, entre muchos otros. K I C K S T A R T E R Para hacer posible este sueño necesita de la ayuda de todos a través de una campaña de crowdfunding en Kickstarter México. Una serie de recompensas con mucho amor y en su mayoría hechas a mano a cambio: postales sonoras, pósters, fotografías impresas, libros fotográficos, cd’s, cassettes y boxset edición limitada; la musicalización de tu sueño, obra o pieza; una presentación en tu evento o casa, y obviamente, el vinil del nuevo álbum. La campaña concluye el 10 de septiembre, al reunir el dinero se mandará a masterizar para que sea publicado oficial y digitalmente en noviembre de 2018 y en formato vinil en 2019. ¡Da clic en aquí para ayudar a lograr la meta de este proyecto!

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Art Ensemble of Chicago, del jazz a la gestión del free-jazz

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Art Ensemble of Chicago es un grupo estadounidense de jazz nacido en 1966, considerado uno de los iconos del free jazz. Art Ensamble of Chicago derribó de todo el concepto que existía en torno al jazz en la década de los años 60. Siempre estuvieron en la vanguardia. Roscoe Mitchell y Don Moye se mantenían con la cara la cara con colores de guerra, des-domesticar el jazz y vuelven a demostrar por qué su nombre va junto con el de Ornette Coleman, Albert Ayler, Cecil Taylor, Sun Ra, Rahsaan Roland Kirk o Anthony Braxton.  Alternaban en su música la historia del jazz con la vanguardia, desplegada con humor y espectacularidad en escena (pinturas, ropajes, iluminación). El grupo exhibió desde sus comienzos un interés obsesivo por la improvisación y en los sonidos heterodoxos de sus instrumentos atípicos, como carillones, cocteleras, para pájaros y hasta bocinas de coches. El grupo consiguió una sólida reputación dentro del mundo del free jazz y colaboró ocasionalmente con otros músicos, como la francesa Brigitte Fontaine, la cantante Fontella Bass, o los pianistas Muhal Richard Abrams y Cecil Taylor The Art Ensemble tuvo sus primeras raíces en la banda experimental del pianista Muhal Richard Abrams, un grupo de ensayo (tristemente no grabado) dedicado a explorar las ideas compositivas de los jóvenes músicos de Chicago. Tres de estos intrépidos creadores, los saxofonistas Roscoe Mitchell y Joseph Jarman y el bajista Malachi Favors, estuvieron entre los primeros miembros de la Asociación de Abrams para el Avance de los Músicos Creativos (AACM) desde sus inicios en 1965. Favors, tenía ya ha estado tocando en conjuntos de jazz de área desde mediados de la década de 1950; Jarman y Mitchell se conocieron en el programa de música en Wilson Junior College antes de que cada uno hiciera una temporada en el ejército. Y así continua una historia de 5 décadas. Lanzaron alrededor de 40 discos hasta el año 2006, en el que iniciaron una pausa de casi una década. Basta de historias y dejemos que su música hable por sí sola. Es momento de que escuchemos a fondo uno de sus conciertos en vivo. A continuación. 

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Crass, los creadores de una identidad distinta para el punk

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Corría el año 1978 y mientras estaba activa la generación punk, el famoso punk del 77, creyentes en el caos, las tendencias y la destrucción social e individual, Crass (1978-1984) vino a generar una nueva identidad: derechos de los animales, ecologismo, autosuficiencia, feminismo, antirracismo y pacifismo. Crass criticó la cultura mainstream.   La primera oleada del punk, encabezado principalmente por Ramones, Sex Pistols, The Clash y Blondie, en 1978 ya se encontraba en los anaqueles de las tiendas en Londres. Empezaban a vender camisetas con la cara de Sex Pistols y lo que había empezado como una reacción política había perdido sentido. Hubo cierta desinformación por parte de la prensa y cuando el movimiento punk apareció como algo atrayente para los jóvenes, muchos de los aspectos estéticos empezaron a ser objeto de apropiaciones sin sentido; sin embargo, cualquier movimiento que se aprecie de ser “contracultural” en el siglo XX debe entender que esa contracultura maneja códigos generales que son entendidos por muchos.     Las acusaciones de una y otra corriente fueron muy parecidas: lo que había empezado como un movimiento con una filosofía política terminó convirtiéndose en una excusa para vestirse de cierta forma y disfrutar de algunos usos y consumos. Crass apareció en 1978 con una bandera diferente. La banda fue crítica de la misma subcultura punk, así como de la cultura juvenil en general. Promovía el anarcopacifismo que a la larga seguirían otras bandas de la escena musical punk.​ También se los relaciona con el género art punk,​ debido a su uso de collages de cassettes, gráficos, grabaciones y poesía e improvisación.   Crass llevó más lejos todo lo referente al activismo y la acción directa. Era una banda abiertamente política y lo transmitía en distintas maneras aparte de la música, no era una banda, sino más bien un colectivo. Vivían en una granja en donde aplicaban la ética Do it yourself. Quizá éste fue el principio de los okupas que se encuentras regados en todo Europa entre la comunidad punk, principalmente. Hacían su propia ropa y sembraban sus propios alimentos. Apoyaban el vegetarianismo, grababan sus álbumes de manera independiente y vendían sus creaciones a precio justo, solo para poder hacer más discos.   Sus críticas no solo tenían que ver con Inglaterra, la reina y la sociedad británica, más que ningún otro grupo, Crass hablaba de la sociedad del consumo, de la religión, de los medios, del feminismo y de todo tipo de temas sociales. Musicalmente hablando, aunque son conocidos como una banda de hardcore-punk o punk-rock, su música es menos convencional de todos sus similares de la época.   El mensaje de Crass llegó en el momento más indicado, cuajó perfecto con la decepción que parecían sentir todos los que vieron nacer el movimiento. En 1982 Crass hizo esta pieza subversiva, juntaron grabaciones de Margaret Thatcher y Ronald Reagan para crear una falsa conversación telefónica entre estos dos personajes conservadores.     No todo era música, sino trasfondos mayores: Do They Owe Us A Living? La práctica de la ética punk tiene uno de sus orígenes en la incansable labor de Crass.

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¿Estamos ante la muerte del CD o sólo en su proceso de transformación?

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Durante los últimos años, se ha prestado mucha atención al ‘retorno’ del vinilo (aunque en varios países y géneros jamás desapareció), con cifras de ventas para el formato que alcanza niveles nunca antes vistos desde que el disco compacto se hizo popular. Sin embargo, mientras se celebra “el renacimiento del vinilo”, vale la pena preguntarse ¿hay futuro para el CD? También nos preguntamos: ¿cuántos de ustedes tienen un aparato para tocar un CD en la actualidad? Las respuestas más comunes son: en un auto o en una computadora. El aparentemente abandonado del CD es un hecho. El viejo reproductor de CD parece aburrido y poco funcional. Además, como formato físico cada vez pierde más peso, evidentemente también porque las plataformas digitales absorbieron su consumo.   Un CD típico tiene un diámetro de sólo 12 cm y en él pueden almacenarse casi 80 minutos de audio.En 1979, Phillips y Sony iniciaron un trabajo con la finalidad de proyectar un disco de audio digital con una gran performance de velocidad y capacidad. Después de un año de trabajo y muchos experimentos y discusiones, nació el disco compacto. En agosto de 1982, el primer CD con finalidades comerciales fue producido en una fábrica de Phillips en Alemania. El primer título musical que fue liberado en un CD fue `Los visitantes” de ABBA. Inmediatamente después, en octubre del mismo año, los CDs players de Sony también llegaron a los mercados.   El nuevo concepto fue un éxito en el mercado. Los consumidores estaban entusiasmados con la calidad del audio en los CDS. El precio de los reproductores de CD cayó rápidamente, teniendo como resultado una popularidad aún mayor.   Casi 4 décadas después de esto, vemos que ya no todas las casas o apartamentos tienen en dónde reproducirlos. El viejo reproductor de CD parece aburrido. Casi nadie tiene un discman para escucharlos en su andar. Otro fact que se hace evidente es cuando alguien se muda de casa y tiene que reducir espacios (mayormente gente entre 25 y 40 años). Lo primero que le puede venir a la mente es dejar atrás sus CDs; tirarlos o en el mejor de los casos dejarlos en una caja olvidada.   Aunque podríamos salir en su defensa y decir que no enterremos a este pequeño chico por el momento, quien actualmente no es tan genial como su hermano el vinilo, ni tan vital como sus hermanos más jóvenes: las plataformas digitales. El futuro del CD no es brillante, ¿pero seguirá a flote? Puede ser, ya que el tiempo de fabricación y los costos en términos de producción hacen que siga siendo una buena opción para bandas con bajos recursos de producción o en la inmediatez para compañías musicales, aunque las compañías deben de saber que ya a muy pocos les interesa pagar $300, $400 o $500 pesos por un disco compacto, como lo fue todavía hace algunos años.    ¿Puntos a favor? Los CD son más fáciles, generalmente no tiene que preocuparse tanto por ellos. El “meh” dentro del mundo de la distribución de música grabada. Y no hay nada malo con un poco de “meh” en nuestras vidas de vez en cuando.   El CD quizá sólo debe sobrevivir a una relativa pausa. Los costos del vinilo (para fabricar y comprar) están aumentando, por lo que la demanda podría disminuir nuevamente, lo que significa que el CD podría volver a aparecer como el producto físico en unos años más, aunque a cierta distancia de los picos de ventas de décadas pasadas. Por su parte, el consumo de música digital llegó para quedarse, o al menos hasta que no llegué una nueva revolución musical así será. Como se dijo al principio fuera del hogar, los CD todavía sirven para el viaje, en lugares sin internet o con poca recepción. De la misma manera que la radio FM no ha desaparecido todavía. También hay quienes los siguen coleccionando y atesorando, el gasto de años y la búsqueda de artistas lo amerita. El CD vive años cruciales. ¿Ustedes qué relación tienen con este formato en la actualidad?  

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Edición XV de Mutek México + playlist especial de 15 años

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Celebrando su aniversario número 15, uno de los festivales más reconocidos a nivel internacional y único dentro del campo multidisciplinario en la creación digital contemporánea, música electrónica, nuevos medios y cultura, el festival MUTEK en su versión mexicana se celebrará durante siete días desde el lunes 19 hasta el domingo 25 de noviembre sin aun revelarse el cartel que comprenderá está edición especial de aniversario número 15.  Se espera un cartel extraordinario para este año lleno como siempre de innovación en el arte digital y la música. Mientras se da a conocer el cartel de esta edición 2018 tenemos una playlist rica y diversa con algunos de los artistas que se han presentado desde la primera edición de MUTEK en México. 

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