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Nota por: Paulina Santaella El autoproclamado circuito artístico del Centro Histórico: Infraleve no deja de sorprendernos. En poco menos de un año ha conseguido unir los museos de arte contemporáneo, las galerías y los foros exclusivos. En esta ocasión, una bodega transformada en espacio cultural llamada COA en la Col. Obrera albergará cuatro proyectos de avanzada con géneros muy distintos entre sí, quizá incluso opuestos. Pop Vs Experimentación Sonora es el estandarte que ondea en las tierras de la novedad, donde los géneros son sustancias que, al mezclarse, hacen esculturas sociales. El público de cada uno de estos distintos proyectos formará una escultura social ecléctica que será muy difícil de sorprender, ya que no tiene prejuicios musicales ni etiquetas una vez que se cancelan unos a otros sus géneros opuestos. Sin duda un temible line up, conformado por: Christian Dergarabedian: Fundador de Los Reynols en Argentina. Durante años formó parte de la escena de ‘avanzada’ musical en Barcelona, antes de que todo se hiciera caldo de cultivo para festivales turísticos. Su proyecto ‘Earzumba’ es considerado una de las expresiones pioneras de la sampledelia en hispanoamérica y ya luego con ‘Fred Lorca’ su trabajo se fue por el camino del ‘weirdo pop’, una especie de crítica y a la vez autocrítica suave a la canción de autor; rítmica repetitiva,con letrística reiterativa intencionadamente y una lógica propia a la hora de hacerse canción. Esta es su primera vez en México. Paola Galletta: Es una de las figuras más prominentes del performance actual, y tanto que lo experimenta desde dos facetas: la de artista y la de gestora.  Su obra artística ha ido incluso más allá del performance, integrando los medios visuales, la instalación, el cine expandido y el arte sonoro. Y es que solamente tal diversidad podría expresar la curiosidad humanística de Galletta, quien ha explorado temas epistemológicos, lógicos y psicológicos en sus proyectos.  Sus obra como gestora también trasciende medios, actuando no solo como promotora sino como artivista en acción por la cultura, el medioambiente, la sostenibilidad y la defensa de los derechos humanos. Ambas facetas de su obra han pisado México, Estados Unidos, Alemania, España, Francia, Brasil, Polonia y, más recientemente, China. En este último país ha dejado su huella a través del festival Transmuted que este año tuvo un intercambio de artistas con México y donde Galletta presentó su comentadísima pieza sobre el significado de caminar siendo mujer, analizando cuántos de estos pasos ya no regresan a casa. Gudinni Cortina: En lo intangible, tiene una búsqueda por alimentar el inconsciente, estimulando la animalidad para explorar la divinidad. En lo tangible, trabaja con sonido y medios visuales, usando muy variadas estrategias y tecnologías. Este camino le ha llevado a materializar procesos alquímicos plásticos audiovisuales, por ejemplo a través de sus exploraciones e investigaciones en el campo de la arqueología del formato. Su trabajo requiere permitirse el acto del asombro donde, má que la reutilización, es la ritualización de artefactos averiados u obsoletos, como micrófonos, tornamesas, fonocaptores, cámaras, osciladores, entre otros gadgets, a los caules además estimula o emulsiona con diversas técnicas y procesamientos de señal. Ha editado música para sellos tan diversos como Audition Records y Zoomin’ Night, además de presentarse en festivales alrededor del mundo: Festival Tsonami en Chile, Coded Cultures Fest en Austria, Festival Spektrum en Alemania, No Idea Festival en Estados Unidos. Si hay algo que impulsa el motor creativo del ámbito cultural contemporáneo es el trabajo de artistas como Gudinni que con su experimentación sonora y audiovisual no deja de explorar nuevos horizontes. Apache O’Raspi: Es creador de un pop fronterizo muy propicio para contemplar el atardecer en el desierto. Originario de Torreón, Coahuila y radicado en la CDMX desde el 2008, su música combina el folk mexicano y el estadounidense. Su lírica está influenciada por los dichos y dicharachos, la poesía latinoamericana, la jardinería punk y la hipersensibilidad al sonido. Durante su carrera ha colaborado con distintos productores y proyectos independientes: Suave as hell, Belafonte Sensacional, Volumina, Luisa Almaguer, Los Esquizitos, Lemat, Dorotheo, Los Amparito, Sr. Presidente, Adán Jodorowsky, entre otros. Como solista ha producido 5 álbumes y una variedad de sencillos. En Radio UNAM ha colaborado durante los últimos 10 años como productor y locutor del programa “Cultivo de Jercios“, el cual está enfocado en la promoción de la música emergente de la escena nacional. Arcangelo Constantini: Dedicado las últimas dos décadas a construir artefactos, describimos a Constantini como un inventor artístico y un especulador existencial. Parte importante de su investigación está orientada a la experimentación sonora donde, a través de sus artefactos, alimenta acciones y performance públicos. En la década del 2000 programó el primer foro para la música experimental y arte sonoro en Mexico, conocido como Foro Sonoro y que fue albergado en el Cyberlounge del museo Tamayo. También dirigió el espacio independiente 1/4 (un cuarto), realizando conciertos en inte(r)perie. Actualmente es codirector de Meditatio Sonus y director del Festival Facto. Natalia Montes: Su obra como DJ refleja su pasión como artista: el bajo eléctrico. NatWow creció rodeada de discos, lo que despertó su pasión por la música. Autodidacta en guitarra y bajo, estos instrumentos definieron su papel en las bandas que formaría. Estudió ingeniería en audio, explorando producción, sonido directo y diseño de audio. Como DJ, fusiona estilos eclécticos con líneas de bajo contundentes. Actualmente toca y canta en Viciedumbre, y programa y toca sintetizadores en LuNat. Cupo limitado la asistencia se confirma por registro en @infrafino las redes de Infraleve. La cita exclusiva será a las 9 pm del viernes 6 de dieciembre 2024. BOLETOS: https://www.passline.com/eventos/infralevitacion Nota por: Paulina Santaella

El prolífico cineasta Gary Hustwit, conocido por documentales como Helvetica (2007) y Objectified (2009), presenta su más reciente obra, Eno (2024), un íntimo retrato del legendario músico, productor y artista visual Brian Eno. Reconocido como una de las figuras más influyentes en la música contemporánea, Eno ha dejado una marca imborrable como pionero del ambient, productor de álbumes icónicos y pensador interdisciplinario. Este documental promete adentrarse en las múltiples facetas de su carrera, explorando su impacto en la música, el arte y la cultura global. El Proyecto: Una Mirada Íntima y Experimental Eno se distingue de los documentales tradicionales por su enfoque colaborativo y experimental. Concebido en estrecha colaboración con Brian Eno, el filme ofrece un acceso sin precedentes a su proceso creativo, su pensamiento filosófico y su archivo personal, que incluye material nunca antes visto. Hustwit utiliza esta oportunidad para capturar el espíritu innovador de Eno, no solo como músico, sino también como artista visual y teórico. La película explora tanto sus logros más conocidos como sus proyectos menos convencionales, desde la creación del género ambient con álbumes como Ambient 1: Music for Airports (1978), hasta su influencia en el diseño de experiencias sonoras en espacios públicos. Además, Eno indaga en su filosofía de la creatividad, sus reflexiones sobre la tecnología y el medio ambiente, y su compromiso con el cambio social a través del arte. Brian Eno: Un Visionario Polifacético Brian Eno inició su carrera en los años 70 como miembro de Roxy Music, pero pronto se alejó del rock tradicional para forjar un camino propio como productor y artista. Su contribución como productor de álbumes para artistas como David Bowie (Heroes, Low), U2 (The Joshua Tree, Achtung Baby) y Talking Heads (Remain in Light) redefinió los estándares de la producción musical, combinando tecnología de vanguardia con una sensibilidad artística única. Sin embargo, su obra más revolucionaria probablemente se encuentra en la música ambient, un género que Eno definió como “música diseñada para inducir calma y espacio para pensar”. Desde entonces, sus innovaciones han trascendido la música, incursionando en instalaciones artísticas, proyectos tecnológicos y colaboraciones interdisciplinarias. El Enfoque de Gary Hustwit Hustwit, conocido por su habilidad para narrar historias visuales que conectan diseño, cultura y tecnología, utiliza en Eno una combinación de entrevistas, grabaciones de archivo y segmentos experimentales que reflejan la naturaleza ecléctica del artista. Una de las características más destacadas del documental es el uso de obras visuales creadas por Eno, muchas de las cuales forman parte de sus instalaciones artísticas. Estas piezas, que incluyen proyecciones y obras digitales, no solo ilustran su capacidad para fusionar sonido y visualidad, sino que también sirven como vehículo para transmitir su filosofía de la creatividad como un proceso abierto y evolutivo. Además, la película incluye comentarios de colaboradores y admiradores, como músicos, artistas visuales y pensadores culturales, quienes reflexionan sobre el impacto de Eno en sus propias disciplinas. Explorando los Grandes Temas de Brian Eno El documental se estructura en torno a los temas clave que han definido la carrera de Brian Eno: El Legado de Eno a Través de “Eno” Eno no solo celebra la carrera de Brian Eno, sino que también invita al espectador a reflexionar sobre la conexión entre creatividad, tecnología y humanidad. Más allá de ser un documental biográfico, la obra de Hustwit se posiciona como una exploración de cómo el arte puede transformar nuestra percepción del mundo y nuestro lugar en él. En un momento en el que la tecnología y el arte convergen de maneras nunca antes vistas, el enfoque interdisciplinario y visionario de Brian Eno es más relevante que nunca. Eno captura no solo su legado, sino también su capacidad de inspirar a futuras generaciones a pensar más allá de los límites establecidos. Conclusión El documental Eno promete ser una pieza esencial para entender la trascendencia de Brian Eno como una figura clave en la cultura contemporánea. Con el enfoque distintivo de Gary Hustwit, la película ofrece una ventana única al mundo de un artista cuya obra ha desafiado las categorías tradicionales y ha reimaginado la relación entre sonido, imagen y pensamiento. Para fanáticos de la música, el arte y la creatividad, Eno será una experiencia imperdible que celebra a uno de los grandes innovadores de nuestro tiempo.

La historia de New Order está marcada por su evolución sonora, su legado dentro de la música electrónica y, lamentablemente, por tensiones internas que culminaron en la salida de uno de sus miembros fundadores, Peter Hook. El bajista, conocido por su estilo único y melódico, dejó la banda en 2007, tras años de conflictos. Esta separación no solo impactó a los fans, sino que también reveló la complejidad de mantener una relación profesional dentro de una de las bandas más influyentes de la música moderna. Contexto: De Joy Division a New Order Peter Hook, junto con Bernard Sumner, Stephen Morris e Ian Curtis, fue miembro fundador de Joy Division, la legendaria banda post-punk que marcó la escena musical de finales de los años 70. Tras el suicidio de Curtis en 1980, los miembros restantes decidieron continuar bajo un nuevo nombre: New Order. Con esta transición, New Order integró influencias electrónicas y dance en su sonido, convirtiéndose en una banda innovadora que definió la música de los años 80 y 90. Canciones como Blue Monday y Bizarre Love Triangle catapultaron a la banda a la fama mundial, y Peter Hook se destacó como un bajista con un estilo distintivo, tocando melodías altas y complejas que desafiaban las convenciones del rol tradicional del bajo en el rock. Las tensiones en la banda A pesar del éxito, las relaciones internas comenzaron a deteriorarse con el tiempo. Según declaraciones de Hook, los problemas comenzaron a intensificarse durante los años 90 y principios de los 2000. Diferencias creativas, disputas económicas y la falta de comunicación entre los miembros sembraron discordia. Un punto crítico fue la gestión de Hacienda, el club nocturno y sello discográfico que New Order cofundó en Manchester. El club enfrentó dificultades financieras que afectaron la relación entre los integrantes de la banda, quienes tenían opiniones encontradas sobre cómo manejar la situación. Además, Hook ha mencionado que las dinámicas de poder en la banda comenzaron a cambiar, con Bernard Sumner asumiendo un rol más dominante en las decisiones creativas y administrativas, lo que dejó a Hook sintiéndose marginado. El punto de quiebre: 2007 En 2007, tras el lanzamiento del álbum Waiting for the Sirens’ Call (2005), Peter Hook anunció públicamente que había dejado la banda. Según Hook, la ruptura fue el resultado de una combinación de conflictos personales y profesionales que habían alcanzado un punto de no retorno. En entrevistas posteriores, Hook ha descrito cómo las diferencias con Bernard Sumner se volvieron irreconciliables, llegando al punto de que la comunicación entre ambos era casi inexistente. Hook también criticó la dirección musical de New Order en sus últimos años, argumentando que la banda había perdido su esencia. Por su parte, Sumner y los otros miembros de la banda afirmaron que New Order seguiría adelante sin Hook, lo que marcó el inicio de una disputa legal sobre el uso del nombre de la banda y los derechos económicos relacionados. Después de New Order: Peter Hook and the Light Tras dejar New Order, Peter Hook fundó Peter Hook and the Light, una banda que se dedicó inicialmente a interpretar canciones de Joy Division y New Order. A través de este proyecto, Hook ha mantenido vivo el legado de ambas bandas, ganándose tanto elogios como críticas por reinterpretar material clásico sin la participación de sus antiguos compañeros. Hook también ha sido franco en entrevistas y en su autobiografía Substance: Inside New Order (2016), donde detalla los conflictos internos de la banda y su perspectiva sobre los acontecimientos que llevaron a su salida. La relación actual Aunque han pasado más de 15 años desde la separación, la relación entre Peter Hook y los miembros restantes de New Order sigue siendo tensa. Las disputas legales sobre los derechos de la banda se resolvieron en 2017, pero las declaraciones públicas de ambas partes reflejan que las heridas no han sanado del todo. New Order ha continuado su carrera sin Hook, lanzando álbumes como Music Complete (2015) y realizando giras internacionales, mientras que Hook ha consolidado su propio legado a través de Peter Hook and the Light y otros proyectos. Impacto y legado de la ruptura La salida de Peter Hook de New Order marcó el final de una era para la banda, pero también subrayó la complejidad de mantener relaciones creativas a lo largo de décadas. Mientras New Order sigue siendo una fuerza importante en la música, la ausencia de Hook es palpable para muchos fans, especialmente considerando su contribución al sonido característico de la banda. Al mismo tiempo, Hook ha demostrado que su talento y visión musical trascienden cualquier proyecto específico, consolidándose como una figura clave en la historia del post-punk y la música electrónica. En última instancia, la ruptura entre Peter Hook y New Order es un recordatorio de que incluso las relaciones más prolíficas en la música pueden enfrentar desafíos insuperables, pero el arte que producen sigue resonando en generaciones de oyentes.