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Entrevista con Descartes a Kant: entre el romanticismo del Victims of Lovepropaganda

Descartes a Kant es una de las bandas más irreverentes y entusiastas de los últimos tiempos en México, han sabido renovar sus ideas y el contacto con su público siempre ha sido muy importante para ellos, el registro perfecto fue el Victims of Lovepropaganda, del que platicamos a fondo en la siguiente entrevista. El cual, sin duda, es uno de los proyectos más ambiciosos y más extraordinarios que han hecho. 1.- Victims of Love Propaganda es un gran nombre, ¿a quién y cómo se les ocurrió?   Gracias. ¡Me gusta también! El título estaba en un top 5 de otros títulos que tenía escritos. Les mostré a los demás la lista y todos votamos por este porque era el que mejor explicaba lo que era este álbum. Otro título era Emotional Porn hahahaha y en cierta manera es lo que es para mí todo esto. Exhibir a la audiencia lo que pasa en nuestro mundo psicoemocional. Oscar Wilde dijo: “El arte es la forma más intensa del individualismo que el mundo ha conocido.”   La concepción de este disco es el resultado inspiracional de una investigación que hice sobre el amor a partir de una devastadora experiencia personal. Mi investigación buscaba observar este fenómeno no sólo desde el punto de vista romántico, poético, filosófico y humano, sino también desde un marco psicológico, científico, social y de marketing.   Tal vez el amor sea universal, pero la manera en que cada cultura lo interpreta está definida, tanto literal como figuradamente. En los mensajes que se dan sobre el modelo del amor occidental y cómo se ha fijado a través de la historia de la literatura, la cinematografía, la música y la humanidad en general.   Lo que quiere decir Victims Of Love Propaganda es que no es solo nuestra culpa salir tan decepcionados de nuestras relaciones, ya que las vivimos basándonos en nuestro concepto de amor; y eso está fijado en idealizaciones y conceptos pre existentes de la consciencia colectiva. Somos herederos del romanticismo. 2.- ¿Cómo nace la idea de llevar al en vivo y conectar con sus fans la concepción por esa vía sobre el amor moderno?     Siempre nos gusta crear un universo para cada disco y cuando terminamos la grabación de este, hubo un espacio creativo solo para imaginar cuál sería la mejor manera de ensamblar estos mensajes. Algo que trascendiera la música y la experiencia de solo escuchar un disco. Al pensar en videoclips pensaba en una historia un tanto cinematográfica que al final sería el meta mensaje sobre todas esas cosas que aprendemos de las películas. Visualicé cuadros oníricos representados por una pareja ficticia y a través de ellos contaríamos la historia. Eso nos daría mucha libertad para explorar y concretizar el mensaje a través de diálogos concretos, un alter ego con una voz en off comunicando desde lo sensorial hasta lo racional, sus propias ideas acerca del amor, el dolor y la decepción. Siendo un trabajo no conclusivo, el encanto era que el público completara la historia según su propia experiencia en el amor. 3.- ¿Qué los llevó a referenciar un espectáculo o musical de Broadway pero con su visión para que Victims of Love Propaganda fuera una realidad?     Es un tema del disco pasado que existe cuando se sembró en mí la idea de que en un concierto de punk debería sería genial, de la nada, incluir un solo de tap, referenciando los musicales de broadway. Era en un tiempo en el que no dejaba de escuchar Chicago. Me enamoré y me aprendí todas las canciones, incluso tuve que estudiar musicalmente la estructura del musical. Fue todo un reto. Es una completa rapsodia de 8 minutos y medio que jamás habíamos logrado tocar en vivo por el nivel de complejidad. Pensamos que sería una de esas canciones que solo existen en el disco pero, los fans siempre pedían que la tocáramos. Este show hecho a la medida para un teatro sería el mejor pretexto para lograrlo. Era una deuda hacia ellos y hacia nosotros mismos. Pensamos que no lo lograríamos con todo y bailarín de tap, ¡pero después de mucho esfuerzo en el montaje se logró! 4.- Victims of Love Propaganda es lo más ambicioso que han hecho, sin duda, y parece que prepararlo fue todo un reto, ¿qué fue lo más difícil pero también lo más satisfactorio de estos conciertos?   Ciertamente, la dualidad siempre presente. Para mí lo más difícil fue tener que ser tan multitask como grupo. No solo teníamos que preocuparnos por la producción y ejecución musical, por diseñar una narrativa visual, por diseñar vestuarios y ensayar montajes coreográficos, sino que también vender boletos y hacer promoción para llenar el teatro, y generar contenidos para nuestras redes sociales y contestar varias entrevistas diarias, así como tener juntas con el equipo de producción constantemente. Afortunadamente se hizo todo con mucho corazón y con un equipo pequeño de trabajo de gente cercana al grupo. Al final la sensación fue como un triunfo para todo el equipo que nos apoyó en momentos muy estresantes. Y cada segundo valió la pena lo más satisfactorio fue sentir que crecimos no solo músicos y creadores sino como equipo de trabajo autogestivo. Todo se compensó cuando al final del show la gente llora y te abraza y te dice que es lo más conmovedor que han presenciado en mucho tiempo. Hasta el día de hoy los fans y amigos se remueven al recordar el concierto y eso por eso que queremos compartirlo con el mundo. 5.-Se hace mucho énfasis al amor/desamor en el concierto y en todo el concepto a fondo, desde el encanto hasta la ruptura, ¿sirvió de catarsis personal de alguna manera?     Indudablemente, todo este trabajo es una catarsis. El arte tiene la capacidad de llevarnos a otros lugares. Como artista tomas lo que ves y vives todos los días y lo elevas fuera de lo ordinario. Cada artista se apropia del mundo, y al hacerlo lo eleva y

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“El Camino”, nuevo vídeo de Sei Still evoca un recorrido por la trivialidad de la CDMX

La banda capitalina Sei Still estrenó vídeo para su nuevo sencillo titulado “El Camino”, una pieza que sigue la línea de su sencillo anterior Tácticas Guerrilla Urbana infusionando ese ritmo motorizado de los 70, al lado de arreglos cósmicos modernos. El vídeo, dirigido por Txema Novelo y fotografiado por Michel Hadad es un recorrido por lugares icónicos de la CDMX y que evoca a la nostalgia bajo filtros antiguos de la imagen, un recorrido letárgico pero a la vez armonioso con por los pasajes triviales de la capital del país. El Camino fue grabado en Progreso Nacional, por Hugo Quezada, al igual que su material anterior, una muestra del despliegue sonoro de la banda. Sei Still es una de las propuestas más prometedoras de la escena nacional, y que se estará presentando en la próxima edición del Festival Hipnosis; una banda que no deja sorprender con apenas dos sencillos, usando recursos por demás alucinantes, creando canciones repetitivas y llenas de una delicadeza casi palpable. Una banda que sin duda alguna se vuelve uno de los nombres clave de la efervescencia de la escena emergente nacional, un conjunto que no hay que perder de vista de nuestro radar.

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La sensibilidad y la fuerza de la honestidad: Una entrevista con Balms

San Francisco, California, y la zona de la bahía; siempre ha sido reconocido como un semillero de bandas frescas y propositivas. Desde principios de los 60 con la avanzada psicodélica y el derroche del “verano del amor”, hasta la escena de principios de los 2000, donde los círculos del punk y el metal comenzaron a cubrir gran parte del territorio. En los últimos 8 años, bandas como Deafheaven, Loma Prieta, King Woman, entre muchas otras, han salido del cascaron de la costa este y han posicionado su música como parte de una escena fuerte y trascendente a nivel global, abrazando las raíces musicales e históricas del territorio. De éste mismo panorama tan fértil, nace Balms; un trío conformado por John (batería), Mike (bajo) y Jared (guitarra y voz), un trío que bien podría encasillarse dentro de etiquetas trilladas y obvias como “shoegaze” o “dream pop”, pero Balms va más allá de dichas etiquetas. El trío californiano amalgama diversos elementos para crear un sonido tan atmosférico como crudo y poderoso, donde las capas de sonido, se mezclan con arreglos sutiles y delicados que desembocan en olas de sonido gigantescas, donde claramente se mezclan tanto la psicodelia como la agresividad de la música pesada. Balms, lanzó el primero de Febrero, su primer álbum de larga duración, Mirror, un disco doble, grabado por Jack Shirley (aclamado productor de Deafheaven,,Oathbreaker, Whirr, o recientemente Gouge Away) el sonido del álbum, encapsula por completo la identidad de la banda, canciones maduras y fuertes, que llevan consigo una carga de sensibilidad pop, que transportan al oyente a la inmediata nostalgia, recordando a esa escena de mediados de los noventas en la costa este de los Estados Unidos, un disco que como premisa solo pretende, invitar al oyente a sumergirse en un viaje y soltarlo en el infinito mar sonido creado por Balms, con canciones que son difíciles de olvidar y que se quedan grabadas por días, como “Bones”, “Plane” o “Candle”. Una banda que al escuchar es difícil evitar o escapar de ella. Balms, se encuentras actualmente de gira por EUA, y en su paso tuvieron una algunas fechas por Baja California. Está es una pequeña platica con la banda. Mirror, es su primer álbum de larga duración, y tengo entendido, tardaron un buen tiempo en armarlo y publicarlo ¿Cómo fue el proceso creativo? Jared: Lo comenzamos a escribir en finales del 2015, tal vez algunas de las canciones fueron escritas antes, pero mayormente nos tomamos todo ese año en escribirlas. Cuando escribo una canción yo no voy y le digo a Mike (bajista) “Hey Mike, mira tengo esto” nunca llego con algunas cuestión de composición, en ocasiones hay algún riff o una melodía vocal, pero la mayoría del tiempo las canciones son escritas a base de la improvisación entre la banda, simplemente tocamos juntos todo el día, ¿sabes? Nos quedamos pegados en ocasiones de algún riff o algo así y de ahí se comienzan a desarrollar canciones, las trabajamos por meses y continuamente van evolucionando. Muchas veces primero desarrollamos la música, trabajo sobre melodías vocales, como un instrumento, que simplemente voy cantando, y de la nada se forman frases o palabras que terminan convirtiéndose en parte fundamental de la canción, como los coros; sin duda, la parte final de todo son las letras. Fue un proceso muy largo, nos tomó todo un año; y después nos tomó un rato más grabar el álbum. Lo grabamos con Jack Shirley, él estaba en una banda de hardcore muy importante en la zona de la bahía a principios de los 2000, llamada Comadre, se puede decir que él fue de los principales pioneros de escena DIY de donde nosotros somos; y siempre estuvimos muy conectado con él por la escena y todo eso, sabíamos de su trabajo en la producción y como trabaja, entonces queríamos grabar con él. Sabíamos que él agregaría un toque especial al disco, pero que es un álbum mucho más pesado que nuestro primer Ep. Cuando grabas con Jack, todo es en vivo, baterías, guitarras, TODO. Lo grabamos en cuatro días en total, todos los instrumentos y algunos ruidos ambientales, y órganos. Lo grabamos durante las elecciones, entramos al estudio en noviembre del 2016, y prácticamente estábamos encerrados, aislados, mientras toda esta locura de las elecciones pasaba, grabábamos un disco muy intenso y oscuro, fue una experiencia de locos al salir y ver la realidad, fue como si el mundo se hubiera acabado. Después, escuchamos las mezclas como por 6 meses, y tuvimos algunos problemas con ellas así que, de la nada, azarosamente; recibimos un e-mail del manager de un tipo llamado: Justin Garrish en Brooklyn, Nueva York. El manager había escuchado el Ep y le había gustado mucho, y nos preguntó que si teníamos algo nuevo, que él tenía un ingeniero que estaría encantado en trabajar con nosotros, y daba la casualidad que a travesábamos por la problemática de la mezcla de las canciones; después nos dimos cuenta que el Justin había trabajado con bandas como Bran New, Vampire Weekend, The Strokes, por lo que estábamos muy intimidados, pero aceptamos y viajamos a Brooklyn, estuvimos en su estudio 3 días y mezclamos junto con él la mayoría del disco, he hizo un trabajo increíble, todo sonaba casi cristalino. Eso fue a finales del 2017, mientras escuchábamos el disco y teníamos algunos tours por Estados Unidos, practicábamos las canciones, y a finales del 2018, el disco estaba disco. Entonces decidimos sacar el disco el primero de Febrero de éste año, lanzamos algunos un par de sencillos previos y después el vinilo. Al escuchar el disco, se puede apreciar claramente el sonido y las texturas de la aproximación a géneros como el shoegaze y las capas de sonido, o incluso arreglos un poco más sutiles. Pero en el disco también se perciben claramente las raíces de la banda, la música un poco más pesada, y eso se puede traducir en la energía que desprenden las canciones. Jared: ¡Sí! Crecimos en ese entorno, escuchando punk y

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Deerhunter estrenó “Meath in Midsummer”

Deerhunter tiene un nuevo sencillo que se desprende de su nuevo álbum llamado Why Hasn’t Everything Already Disappeared?. El álbum saldrá a la venta el 4 de enero a través del sello 4AD, la canción está aparentemente inspirada en la Revolución rusa de 1917, que alcanzó su centésimo aniversario el año pasado, todo en conjunción con él caracteriztico sonido de la banda y el nuevo molde que quieren dar. Aquí el vídeo oficial:

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The Jesus And Mary Chain trabajará en un nuevo disco

Jim Reid de The Jesus and Mary Chain declaró que después de su gira junto con Nine Inch Nails grabarán un nuevo álbum. JAMC volvió a reunirse en 2017 para lanzar su álbum de regreso: Damage and Joy. Afortunadamente, parece que los fanáticos no tendrán que esperar tanto tiempo entre registros nuevamente, ya que Jim Reid reveló planes para comenzar pronto a trabajar en un nuevo álbum.   Según Reid,  llegarán al estudio poco después de su gira con Nine Inch Nails. Apunta su cantante: “Estamos pensando en hacer un nuevo álbum poco después de esta gira”. “Creo que será lo próximo que hagamos”. “Será en su mayoría nuevo”, pero también habrá algunas canciones que hemos tenido durante un tiempo”, agregó.   En términos de contenido, el nuevo álbum podría interpretarse de la misma manera que Damage and Joy, que presentó algunos materiales que datan de hace varios años. Será “en su mayoría nuevo”, pero también habrá “algunas canciones que hemos tenido durante un tiempo”, agregó.   Esperemos que ésta icónica banda de los 80 entregue un material a la altura de su historia, ya que pocas veces decepcionan.

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25 años del Siamese Dream de The Smashing Pumpkins

Se cumple un cuarto de siglo del Siamese Dreams de The Smashing Pumpkins, una de sus obras más viscerales previo a su gran éxito comercial. Han pasado 25 años desde que Siamese Dream fue lanzado,  un álbum en donde la ira y la tristeza son el motor predominante, la saturación sónica y sonora de estruendosas guitarras apasiguadas por cuerdas acústicas de igual forma, notas frescas y rasgueos viscerales, como si el solo hecho de escribir e interpretar estas canciones reabriera las heridas de Billy Corgan y de cualquiera que se sienta identificado. El disco abarca temas tales como el abuso infantil, el desamor, la soledad y la lucha continua contra las cosas jodidas de la niñes, la adolescencia y la vida, en el, en esta obra,  la banda convierte el furioso resentimiento del cantante en una exhibición de auto empoderamiento purificador. En Siamese Dream The Smashing Pumpkins perfeccionaron el arte de encontrar el triunfo en la tragedia, por lo que sigue siendo un audaz manifiesto de su ascensión a la historia del rock alternativo.

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Stereolab, pura genialidad difícil de describir en el tiempo

Hay pocos grupos que recordamos por su peculiar posicionamiento en su época musical. La agrupación francesa, Stereolab es uno de ellos. Con la creación de su sexto álbum, “Dots and Loops” (1997), Stereolab marcó un significativo hito en su trayectoria. Manifestándose como un grupo con un pie en épocas musicales pasadas, y otro pie en probablemente épocas musicales futuras. Con pie acá y el otro allá. Stereolab comienza debido a la pareja conformada por el inglés Tim Gane (previamente guitarrista de McCarthy) y la francesa Laetitia Sadier a principio de los noventa, bajo la influencia de McCarthy, que efectuó como un prototipo sonoro de Stereolab. Fue así como Stereolab fue creciendo dentro de la escena subterránea de pop/rock alternativo de Francia e Inglaterra, permaneciendo como una anomalía en las categorías musicales. Fue hasta “Dots and Loops” que Stereolab encontró la perfecta mezcolanza de sonidos, ritmos e influencias para autodescribir su idiosincrasia. Con una gama de ritmos de jazz en las percusiones, sonidos en guitarra que imitan un poco al bossa nova pero también a The Velvet Underground en sus inicios; el uso de sintetizadores análogos que remiten a la escena pop francesa e inglesa de los años 60 y nuevos sonidos electrónicos con un futurista sabor de boca, Stereolab había encontrado su perfecta fórmula. También es importante recalcar que este es el momento en que la agrupación decide experimentar con nuevos instrumentos como el xilófono, nuevos sintetizadores e instrumentos de cuerdas para los fondos. Y así crean una obra de 65 minutos de pura genialidad, difícil de describir en el tiempo de la música. Este próximo 26 de octubre se presentarán en HIPNOSIS 2019. 

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