Depósitio Sonoro

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50 años de experimentación en México: homenaje-residencia a Ana Ruiz, pionera del free jazz

4 conciertos históricos para celebrar a la pianista en el Foro Alicia, de la Ciudad de México. En el subterráneo universo del free jazz contemporáneo, donde la disonancia, la intuición y el riesgo trazan nuevas cartografías sonoras, la mexicana Ana Ruiz se ha posicionado como una voz singular. Pianista, improvisadora y artista sonora, su trabajo es un constante acto de exploración y ruptura: una búsqueda por liberar al instrumento de las estructuras convencionales sin renunciar a su potencia expresiva. Ana Ruiz ha encontrado en la improvisación libre su lenguaje más honesto. Influenciada tanto por la escuela europea de improvisadores (como Cecil Taylor, Alexander von Schlippenbach o Irène Schweizer) como por tradiciones latinoamericanas experimentales, su enfoque escapa del academicismo para abrazar lo crudo, lo vivo, lo visceral. Ana Ruiz es una Leo, apasionada y creativa, que nació el 2 de agosto de 1952 en la Ciudad de México y es una figura fundamental en la historia del jazz mexicano, reconocida como la primera pianista en practicar el free jazz en un contexto cultural donde las mujeres enfrentaban enormes barreras para destacar como instrumentistas. Ana Ruiz creció en un entorno familiar profundamente musical. Su abuela, pianista formada bajo la tutela de Alba Herrera y Ogazón, y su tía, casada con el célebre compositor Carlos Chávez, la introdujeron al mundo de la música desde temprana edad. Ella comenzó a estudiar piano con un teclado mudo, aprendiendo técnica y solfeo antes de pasar al piano acústico. Ingresó al Conservatorio Nacional de Música para formarse como pianista clásica, pero su espíritu inquieto y su rechazo a las estructuras rígidas la llevaron a abandonar esta vía tradicional. En el México de los años setenta, donde la música para mujeres estaba limitada al canto y las mentalidades conservadoras dificultaban la incursión femenina en roles instrumentales o compositivos, Ruiz decidió explorar un camino propio, guiada por su fascinación por la libertad expresiva del free jazz. El punto de inflexión en su carrera llegó al encontrarse con el saxofonista Henry West, quien había estudiado en Berklee y colaboró en la supervisión musical de La Montaña Sagrada de Alejandro Jodorowsky. Ruiz, West y Mann fundaron Atrás del Cosmos en la década de 1970, el primer grupo de free jazz en México. El nombre del grupo, inspirado en su lugar de ensayo atrás del Cine Cosmos (hoy Faro Cosmos) en la Ciudad de México, reflejaba su conexión con la contracultura y su carácter cósmico y experimental. El grupo, que en su mayor apogeo incluyó hasta doce músicos, se caracterizaba por sus improvisaciones espontáneas, guiadas por la interacción intuitiva entre sus miembros. Sus presentaciones, que podían extenderse por hora y media sin interrupciones, combinaban influencias del free jazz, el surrealismo de Jodorowsky y elementos de la música folclórica mexicana, creando una experiencia sonora única que capturaba la energía de la audiencia. En 1977, Atrás del Cosmos marcó un hito al invitar al trompetista Don Cherry, figura clave del free jazz y colaborador de Ornette Coleman, a realizar talleres de “Música Orgánica” y una serie de conciertos en México, incluyendo presentaciones en el Teatro El Granero y el Auditorio Nacional. La presencia de Cherry, acompañado por su esposa Moki, galvanizó la naciente escena del free jazz en México, atrayendo a músicos, rockeros de vanguardia y artistas de diversas disciplinas. La agrupación grabó un único casete, Cold Drinks / Hot Dreams (1980), con una alineación conformada por Ruiz, West, Mann y el bajista Claudio Enríquez, que durante mucho tiempo fue inencontrable y reeditado en vinilo por Blank Forms en 2024. El álbum es un testimonio de la intensidad y la audacia del ensamble. Desafortunadamente, tras la separación de Ruiz y West en 1984, el grupo se disolvió, y gran parte de su música quedó en el olvido durante décadas. Su trabajo abarca la composición para cine, documentales y coreografías, así como la creación de espacios para la improvisación, como el Centro de Experimentación e Improvisación Sonora en Tepoztlán, fundado en 2021. Como improvisadora y compositora, Ana Ruiz continuó su carrera y participó en proyectos como La Cocina, Radnéctar, Cihuatl (ensamble de free jazz exclusivamente femenino) y en la actualidad dirige la orquesta Kóryma. Durante la pandemia, lanzó los álbumes And the World Exploded Into Love (2020), un trabajo de piano solo, y All & Everything, de música electroacústica, demostrando su versatilidad y compromiso con la experimentación. Ana Ruiz no solo es una pionera del free jazz en México, también es una figura que transformó el panorama musical del país a través de su trabajo con Atrás del Cosmos y su incansable dedicación a la improvisación. Ella es un símbolo de resistencia y creatividad, cuya influencia perdura en la escena del jazz y la música experimental mexicana, inspirando a quienes buscan romper con las convenciones y explorar los límites de la expresión sonora. 50 años de Experimentalismo en México es el homenaje-residencia que El Alicia ha curado y el ciclo ha conjuntado una pléyade de exponentes de diferentes generaciones para celebrar a la pianista. El 7 de agosto inaugura la sesión ARMS (Ana Ruiz y Mauricio Sotelo), quienes han tocado juntos ya en varias ocasiones y encontrado entre ellos una química sin par. Contarán con el saxofonista Carlos Greco y el baterista Emilio “Piscuis” Gordoa, como invitados. Como banda abridora estará Carlos Marks, quienes luego de unos años de ausencia, regresan como dueto a los escenarios. En agosto 14 Ana Ruiz y la Cocina (Ariel Guzik, Evodio Escalante, Alain Derbez y Jazzamoart), en un momento histórico se reunirán luego de años de no encontrarse juntos sobre un escenario. Abre la sesión Bardo Thodol, dueto progresivo-electrónico integrado por los igualmente legendarios Carlos Vivanco y Alex Eisenring. El 21 de agosto, el turno será para el Ana Ruiz Cuarteto con Milo Tamez, Roberto Tercero y Luis Chino Ortega. El grupo invitado de la anfitriona es Deborah Silberer y Los Perros de la Luna de Moondog. Cierra 50 Años de Experimentalismo en México con la presencia de Kóryma, el grupo actual de Ana Ruiz integrado por Misha

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Historia del free jazz y algunos de sus artistas más importantes

El free jazz es un subgénero del jazz que surgió en la década de 1960 y se caracteriza por la improvisación libre, la ausencia de estructuras armónicas y rítmicas predeterminadas, y un enfoque experimental que rompe con las convenciones tradicionales del jazz. A continuación, se presenta un resumen de la historia del free jazz y algunos de sus artistas más importantes. Historia del Free Jazz Orígenes y Desarrollo Artistas Principales del Free Jazz Ornette Coleman John Coltrane Cecil Taylor Albert Ayler Sun Ra Pharoah Sanders Archie Shepp Legado del Free Jazz El free jazz ha dejado una huella duradera en la música contemporánea. Su enfoque en la improvisación y la libertad artística ha influido en numerosos géneros y ha abierto nuevas posibilidades para la experimentación musical. Aunque inicialmente fue recibido con escepticismo y controversia, el free jazz ha sido reconocido como una forma vital de expresión artística que continúa inspirando a músicos de todo el mundo.

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Entrevista a Torso Corso, banda interesada en la exploración y fuera de parámetros académicos

Entrevistamos a Torso Corso, grupo nace a partir de los intereses estéticos/musicales y de creación de cada integrante, quienes están interesaba en explorar la composición e improvisación fuera de los parámetros académicos establecidos o convencionales. En estos días acaban de lanzar su EP “Torso1” 1.- Háblenos de sus influencias musicalesLa improvisación ocupa un lugar fundamental en la musica que hacemos, de ahí nuestra empatía por jazz, especialmente el post-bop de los años 1960s y el free jazz; la estética del punk, rock, no-wave, metal y noise está presente en prácticamente toda nuestra musica. La influencia de la musica clásica contemporánea en la manera de componer las piezas y de concebir algunos parámetros como textura y timbre siempre ha sido de gran importancia para nosotrxs. 2.- ¿Cómo es el proceso de composición de su música?Desde el inicio nos ha interesado el balance de 2 parámetros a la hora de componer: la manera intuitiva que tienen géneros como el punk, rock y jazz de llegar a conclusiones musicales y la notación musical que ocurre en la música clásica contemporánea. Componer de manera intuitiva en el momento de los ensayos: proponer y organizar las ideas en tiempo real. Esto se balancea con la parte “práctica” de la composicion: cada quién puede traer una pieza con cada parte completamente escrita en papel. Ambos acercamientos nos funcionan. 3.- Cuéntenos un poco sobre el proceso de elaboración y creación de éste nuevo lanzamiento.Las piezas que conforman “Torso 1”, nuestro primer EP, son piezas que hemos estado tocando y puliendo durante algún tiempo. En “Pedro el Ratón” y “Ginebra” cada parte está escrita y son detalles los que han ido cambiando, mientras que “#1” y “Metamorfosis Perruna” las hemos abordado desde la intuición a la hora del ensayo. “Metamorfosis Perruna” es nuestro ultimo single, el cual completa el EP. 4.- ¿Qué planes tienen a corto y mediano plazo?Después del lanzamiento de “Torso 1” nos interesa dar conciertos con regularidad a la par que continuamos trabajando nuevo material para nuestro primer disco. Este material lo hemos trabajado por algunos meses y nos emociona bastante. 5.- ¿En qué circuito de la CDMX se mueven?No nos interesa movernos en un circuito especifico. Sin embargo creemos que nuestra música funciona en distintos contextos: punk/rock, música experimental, improvisación, etc. 6.- ¿Qué proyectos y/o bandas podrían recomendar a nuestros lectores? Sean nacionales o internacionales.-James Chance and the Contortions-Echo Mask, su sencillo “WHY”-The Flying Luttenbachers con Brando Seabrook-The End-Les Claypool and the Holy Mackerel, su disco “High Ball with the Devil”-Hospital de México, su disco “Chapultepec” 7.- Además de la música, ¿qué otras artes o pasatiempos los inspiran?El cine, la literatura y poesía, gastronomía, historia de la ciencia e historia ambiental, fotografía, caminar, bailar cumbias y andar en bicicleta.

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Densidad 20.25 celebra 3 años de vida con copilado de música experimental latinoamericana

Para celebrar el tercer aniversario de densidad20.25, decidieron lanzar un compilado de artistas emergentes, artistas que no tienen mucha cobertura en otros medios, así como aquellos/as ya tengan tiempo activas/os. En este copilado trataron de abarcar diferentes estilos dentro de la música experimental, que van desde free jazz, ruido, techno, dark ambient, drone, grind y piezas creadas a base de loops en cinta.  Según informa Jorge Castro Ortega, creador del copilado: “contienen piezas de lxs tijuanenses, Hidhawk, Gabriel de la Mora y AV Godoy no pertenecen a ninguna obra previa. De igual manera, el aporte de Rodrigo Ambriz es un tema inédito, así como el de la artista hidalguense, Sunnesther.  Fiorella16 aportó un track de su próximo lanzamiento Ida y Vuelta a la Tierra de los Insectos, mientras que las contribuciones de 1MFS y Tokyo Eye forman parte de álbumes ya existentes”. Tokyo Eye fue una de las bandas más antiguas del copilado, originarios de la Ciudad. de México tocaron del 2002 al 2004 con influencias de John Zorn, Fantömas, Sonic Youth, Napalm Death y Melt Banana. Se incluye, además, el set improvisado de Spunk Trio con Ana Ruíz, reflejo de la soltura del free jazz. Israel Martínez contribuyó con un track que no se encontraba de manera digital, pues su lanzamiento original fue por medio de discos grabados del 2006. El músico leonés Hic Svnt Dracones compartió un corte que formaba parte de un álbum que nunca vio la luz. El track “dream machine” de la tijuanense Supersadfish fue una propuesta que envió al ADAF (Athens Digital Arts Festival) y que fue seleccionada para su decimoséptima edición que se celebró en septiembre. La idea detrás de MASS + VOLUME, sostiene Jorge Castro, no es presentar “lo mejor de” o “nuestros artistas favoritos” al mundo, sino expandir las formas en que promovemos música nueva y atrevida que podría pasar por alto por no ajustarse a una determinada imagen o tendencias actuales. También puede escuchar el copilado en el siguiente link: https://densidad2025.bandcamp.com/releases

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Neurociencia estudia el free jazz y cómo la improvisación da forma a la creatividad

La improvisación del jazz es últimamente un tema de interés para la neurociencia, y no es de extrañar: “la improvisación musical es una de las formas más complejas del comportamiento creativo”, escriben los autores de un estudio publicado en Brain Connectivity. La investigación sobre los cerebros de los improvisadores ofrece “un paradigma de tarea realista para la investigación de la creatividad en tiempo real” Los investigadores estudian a los músicos de jazz por la misma razón por la que toman imágenes de resonancia magnética de los cerebros de los raperos de free style: ambos implican la creación de trabajos espontáneos “en los que la revisión no es posible” y sólo unas pocas reglas formales rigen la actividad, ya sea rima y estructura de acordes y armonía. Aquellos que dominan lo básico pueden saltar a hazañas interminables complejas de improvisación en cualquier momento.

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“Canicas, música en las periferias”, festival en Oaxaca que apuesta por la música fuera de convencionalismos

Leyendas del free jazz como Peter Brötzmann (iniciador del free jazz en Europa y quien ha tocado con casi toda figura relevante del free jazz internacional); y Moor Mother (cuyo disco Fetish Bones fue seleccionado por la revista The Wire y por Rolling Stone como dentro de los 10 mejores del 2016), entre otros artistas de música experimental y de vanguardia, se presentan este 22 y 23 de marzo en Oaxaca.  CANICAS, música en las periferias, quieren mostrar música más allá de canales convencionales. Quieren ver florecer distintas expresiones y corrientes en el estado de Oaxaca, México. Y buscan que las formas periféricas de expresión sonoras sean más interesantes con una audiencia involucrada. CANICAS, música periférica 2019, quiere examinar el proceso de diferentes artistas que crean su propio espacio y términos sonoros más allá de prototipos y convencionalismo. Oaxaca impulsa una escena musical que continúa desarrollándose y explorando; debido a que hay un campo fértil para la exploración sonora entre el público y el artista. La primera edición de CANICAS, un festival independiente de músicas nuevas, experimentales y de improvisación con sede en Oaxaca, tendrá 4 actos internacionales y nacionales, 9 artistas y 2 noches: marzo 22 y 23 de 2019. – DÍA 01 acto I, 8pm Nani Satoshima (Japón) + Gustavo Nandayapa (México) + Milo Tamez (México) – trío de baterías, improvisación libre – acto II, 9.30pm Peter Brötzmann (Alemania) + Heather Leigh (EU) – improvisación libre DÍA 02 acto III, 8pm Makoto Kawabata (Japón) + MSHR (EU) – avant rock + instalación sonora – acto IV, 9.30pm Moor Mother (EU) – spoken poetry, electrónica experimental, afrofuturismo – Sede: CONVIVIO, Avenida Benito Juárez #805, Oaxaca Centro – Puertas abren 7pm – boleto día 1-> $300MXN boleto día 2-> $300MXN boleto día 1+2 -> $500MXN – Boletos físicos a la venta en Convivio.  Organiza: El Huacal (espacio -actualmente itinerante- para la experimentación sonora, el encuentro de procesos creativos centrados en la improvisación y la curaduría independiente. Trabaja en colaboración con otros espacios autónomos de Oaxaca y ocasionalmente con instituciones) + Olivier Benyahya.

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Greg Fox, el hombre que creó un universo en sus manos

Greg Fox es un artista multiinstrumentista interdisciplinario con sede en Nueva York que crea música que se autoarticula en el proceso mismo de hacerse, es decir, es música que se centra en la creación de la música en sí. Como músico, Greg Fox no es nada más que un intrépido. Su estilo de percusión dentro y fuera de sus proyectos mas conocidos y en compañía, le ha dado una perspectiva intrigante y única. Una mezcla explosiva entre la energía de la música experimental electrónica y la pirotecnia del jazz que hacen que sin duda, la música de Greg Fox sea difícil de ubicar y comparar con cualquier otro baterista, logrando evocar a aquellos momentos en los que la mente se vuelve incapaz de percibir el detalle sonoro que recibe pero que es capaz de identificar al artista como un cuidador del ritmo.  Greg Fox ha recurrido a la ayuda de un desarrollo tecnológico llamado “percusión sensorial” que le permite activar líneas de sintetizadores secuenciadas al tocar su batería para generar texturas melódicas a su expresivo estilo de percusión permitiéndole acompañarse de material melódico prefigurado. Combinado con el virtuosismo polirrítmico, este método permite a Greg Fox filtrarse dentro de un “post-free jazz” en el que los resultados sonoros son verdaderamente emocionantes. Sin embargo, las estructuras melódicas que él mismo va trazando (que son sumamente interesantes), al mismo tiempo pueden ser sombrías progresiones sonoras que a menudo se sienten serpenteantes y olvidables cuando aparecen por su cuenta. Este problema Fox lo solucionó con el apoyo de otros músicos con extrañas yuxtaposiciones de guitarras y saxofones que se filtran a través del telón de fondo sintético activado por las percusiones de Fox proporcionando un misterioso remolino de sonidos creando un universo sonoro. Mientras que los jazzistas convencionales a menudo parecen abrirse para permitir que una energía espiritual fluya a través de ellos en forma de música en toda su expresión rítmica y física, Greg Fox parece que se está esforzando en impulsarse a sí mismo en virtud de su propia habilidad, esfuerzos que especialmente en el jazz llaman la atención ya que es un género en el que el sonido de los músicos se desliza y enreda sobre los movimientos de los demás. La percusión sensorial de Fox, en la que cientos de sonidos se activan con la batería, no permite eso, por lo que los sonidos son mucho más envolventes cuando otros músicos se unen a la refriega. La música de Greg Fox es un capricho que definitivamente tiene la sensación de que él está haciendo un intento inconsciente de contribuir con la evolución de la música, una declaración descarada de progresión. Aunque no siempre esto es exitoso, uno tiene que admirar siempre este tipo de ambiciones. Greg Fox ha creado música que es difícil de describir tanto en términos genéricos como teóricos y por eso debemos agradecerle.     

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10 impresionantes discos lanzados en octubre de 2018

Estamos casi en la recta final del 2018 y hemos seleccionado los discos más atractivos e interesantes de octubre 2018. Fue un mes muy interesante entre Jazz, Thrash, Stoner, Dream Pop, Punk, mucha experimentación, etc. Si no lo has escuchado, dales una oportunidad. Aquí va.   1. Makaya McCraven – Universal Beings Sello: International Anthem Recordings Makaya McCraven es un científico del beat así como un reconocido productor en la escena de Chicago. Universal Beigns es una base sólida de jazz contemporáneo. Son sesiones grabadas en vivo que suelen tener una alta sensibilidad al hip hop, lo cual hace que los tracks sean muy digeribles y agradables. Un trabajo bastante coherente, ecléctico, audaz, inventivo y magistralmente concebido.  Universal Beings by Makaya McCraven   2. Uncle Acid And The Deadbeats – Wasteland Sello: Rise Above Records ¡Uno de los más esperados regresos de este año! La banda se ha superado una vez más, con una producción análoga en su totalidad suena fuerte y simple, su creatividad y musicalidad son evidentes en cada track. Riffs con un buen gusto y oscuridad desbordante.      3. Fucked Up – Dose Your Dreams Sello: Merge Records  Esta banda canadiense se la acaban de volar con este nuevo disco. Contiene una extraordinaria paleta de sonidos que van desde el Noise Rock, Psych, Kraut y el Hardcore. Las 18 pistas eclécticas se unen debido a una alegre alegría de vivir y son las mejores canciones de la carrera de la banda.  4. High On Fire – Electric Messiah Sello: eOne Records La banda originaria de Oakland CA que ha subsistido por más de 20 años ha entregado un extraordinario álbum. Con su sonido Sludge / Thrash Metal han homenajeado magníficamente a Lemmy Kilmister de Motörhead. Regresaron renovados con una producción impecable en manos de Kurt Ballou. Es quizás su disco más maduro que muestra sus monstruosas vibraciones de fatalidad con unos riffs claros que dejan una impresión para siempre.   5. Daughters – You Won´t Get What You Want Sello: Ipecac Records Daughters se habían separado a finales de los años 2000, en la década pasada, justo antes de editar su álbum homónimo, pero 8 años más tarde los tenemos sumamente renovados con un giro total y un sonido más noise y death rock atmosférico. Es un disco de vanguardia y asombroso, emocionante e irritable. Esperanzador como esperanzado, un álbum para disfrutarse de principio a fin.      6. Belzebong – Light In Darkness Estos maestros del Doom polacos más pachecos crean un ambiente de riffs lentos salpicados de Wah y Overdrive que fluye perfectamente en notas cósmicas. Su sonido es enorme y balanceado. Stoner instrumental duro para fumadores en potencia.       7. Julia Holter – Aviary Domino Recording La diversidad que contiene este material acentúa el crecimiento lúdico por parte de Holter. Aquí hay un sin fin de elementos, Art-Pop, Drones espeluznantes, Post-Punk, Dream Pop. Es un álbum de 90 minutos que se inspira en la poesía libanesa, música medieval y Blade Runner. Es caótico y ruidoso sin dejar de lado lo experimental.   Aviary by Julia Holter   8. Cloud Nothings – Last Building Burning Label: Carpark Records Un Álbum de 8 canciones con gran fuerza e impulso. Es un Indie Rock-Punk sencillo con una lírica increíble y que nunca se vuelven lentos y mantienen el `Going` emocionante. La producción es del magnífico Randall Dunn (Earth, Sunn O))), Wolves In The Throne Room). Una gran bocanada de aire fresco. Es un himno implacable tras otro en un total de 35 minutos. Visceral, directo y vulnerable, Cloud Nothings está en su mejor momento y eso se agradece.   Last Building Burning by Cloud Nothings 9. Unknow Mortal Orchestra – IC-01 Hanoi Sello: Jagjaguwar Records  De entrada no es un disco de free jazz ni nada que pretenda ser, es un álbum nacido en las sesiones improvisadas en el estudio de grabación y el resultado es favorecedor. Es un disco de pop con movimientos adyacentes al jazz. Un gran viaje alegre y prometedor al nuevo sonido de la banda.    10. Abyssal – Misanthrope  El nuevo álbum de esta banda de Funeral Doom oriunda de Tijuana, Baja California. Es hermoso y decadente. Su quinto álbum de estudio con un solo corte de 45 min que pasa de una melancolía a masivos tonos de guitarra. Un disco oscuro, letargico y repetitivo. M I S A N T H R O P E by A B Y S S A L

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