Depósitio Sonoro

Facebook Twitter Youtube Instagram Tiktok

Japón

HAMAMATSU cumple 10 años como la “Ciudad Creativa de la Música” por la UNESCO

/ Dejar un comentario / Agenda / / , , ,

Hamamatsu es una ciudad de Japón situada entre Tokio y Kioto, que fue certificada como “Ciudad Creativa de la Música” por la UNESCO en 2014, por su importante contribución a la música en todo el mundo gracias a las legendarias empresas musicales que allí residen: Yamaha, Roland y Kawai. También, debido a las numerosas actividades y lugares relacionados con la música en esta urbe, como el Museo de Instrumentos Musicales (el primero de Japón) y el Yamaha Innovation Road, el museo de la historia de la compañía.    Con motivo del décimo aniversario, la Embajada de México en Japón, Yamaha Music, la Fundación Cultural de Hamamatsu y el Liceo Mexicano Japonés.presentan “Hamamatsu Sounds In 2024”, una exposición multimedia en línea sin fines de lucro para celebrar, a manera de homenaje, su contribución global a la música y a todas las personas involucradas en la industria y la escena musical. Este gran esfuerzo creativo está compuesto por fotografías realizadas por la artista visual Laura Rodriguez. Su colección de fotos ha sido curada para realizar una selección de imágenes de músicos activos en Hamamatsu, tanto profesionales como amateurs, de Japón y del extranjero, personas de todas las edades, incluidos ingenieros y diseñadores que trabajan en la industria musical, maestros y estudiantes, todos interpretando una variedad de géneros sonoros e instrumentos.  Dichas fotografías están acompañadas de composiciones musicales originales arregladas especialmente para “Hamamatsu Sounds In 2024” por artistas mexicanos: el Cuarteto Mexicano de Jazz, la banda de jazz más importante de México creada en 1969 y constituida por Francisco Téllez (Director, compositor y pianista), Marie Anne Greenham (contrabajo), Edy Vega (batería) y Pablo Salas (saxofón tenor). Además, el Liceo Mexicano Japonés, la escuela mexicana-japonesa fundada en 1977, Leo Moreno, músico y responsable de medios y relaciones públicas de medios musicales en la Ciudad de México, y Taliah Armenta Ruiz, una niña de 10 años, originaria de Veracruz.  Este trabajo busca reconocer la importancia de Hamamatsu en el mundo como una ciudad donde los instrumentos musicales y los equipos de audio profesional han sido concebidos, diseñados y fabricados durante más de un siglo, para crear conexiones entre músicos locales, mexicanos y de todo el mundo, y promover la comprensión, la empatía, el respeto y el interés por los demás a través de la música. “Hamamatsu Sounds In 2024” estará disponible al público del 9 de septiembre al 27 de octubre, gracias a la Embajada de México en Japón y a través de la Galería Virtual Kunstmatrix, una empresa con sede en Berlín, líder mundial en exposiciones virtuales con más de 6,000 exposiciones públicas y millones de visitantes, en un espacio multisensorial virtual que combina imágenes y sonido para brindar a los visitantes una experiencia hiperrealista.  Acceso a la Exhibición: Laura Rodríguez / Artista Visual  Concepción, Fotografía y Dirección Artística de “Hamamatsu Sounds In 2024”  Laura Rodríguez, originaria de la Ciudad de México, es una activa artista visual que vive en Hamamatsu desde 2011. Es egresada del Liceo Mexicano Japonés y de la UAM-X, con especialidad en Artes Visuales. Recibió una beca para estudiar en el Instituto de Tecnología de Kioto y fue artista en residencia en el Centro de Arte Kamoe en Hamamatsu. Combina su experiencia en diseño gráfico con su práctica de las artes japonesas, como la caligrafía y las cartas ilustradas. Ha presentado su obra en colectivo e individual en museos y galerías en México y Japón. Es la segunda vez que presenta una exposición virtual. Laura documenta la escena musical de Hamamatsu con fotos y videos, preservando un registro histórico de la importancia de la ciudad en el mundo. Su objetivo es crear conexiones artísticas entre diferentes partes del mundo para promover la empatía, la comprensión y la paz. Laura concibió “Hamamatsu Sounds In 2024” como un encuentro a través de miles de kilómetros entre músicos mexicanos y japoneses y visitantes de todo el mundo.  Para más información detallada, actualizaciones y archivos de alta calidad: [email protected] Instagram: @laura_plattard  WhatsApp: +81 80-3825-5832

HAMAMATSU cumple 10 años como la “Ciudad Creativa de la Música” por la UNESCO Leer más »

ENTREVISTA: la potencia desenfrenada y magistral ejecución de OTOBOKE BEAVER

/ Dejar un comentario / Entrevistas / / , , ,

En 2023, el Foro Indie Rocks! explotó con la potencia de Otoboke Beaver, en una noche memorable, por lo que ahora, para su segunda presentación en la Ciudad de México, las expectativas eran muy altas, ya que el desenfreno sonoro del cuarteto es único en el mundo. Y vaya que cumplieron con creces, con un concierto espectacular en la muy querida House of Vans.      Otoboke Beaver (おとぼけビ～バ～), es una banda japonesa, enloquecida y trastronada, de punk rock y garage, formada en Kyoto en 2009. Su ejecución es magistral y la coordinación de las integrantes es superlativa, con velocidades que te rompen el cuello y una fuerza que te invita al grito. Una propuesta que te vuela la mente.    Esta girl band está conformada por Accorinrin (voz, guitarra), Yoyoyoshie (guitarra, voz), Hiro-chan (bajo, voz) y Kahokiss (batería, voz). Con su álbum debut, Okoshiyasu!! Otoboke Beaver (Damnably, 2016), pasando por su segundo esfuerzo ITEKOMA HITS (Damnably, 2019) y hasta su más reciente placa Super Champon (Damnably, 2022), el cuarteto se ha ganado el respecto de escuchas y la crítica debido a sus energéticas presentaciones en vivo, interesantes y relevantes letras, y un aura de poderío musical que pocas bandas logran alcanzar.    Previo a su portentosa presentación el pasado mes de agosto en House of Vans, Leo Moreno platicó con la banda sobre su precisión musical, el poder desenfrenado de sus canciones, sus músicos y animes favoritos, así como de la emoción por pararse de nuevo ante el público de la Ciudad de México.  ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info:

ENTREVISTA: la potencia desenfrenada y magistral ejecución de OTOBOKE BEAVER Leer más »

Los japoneses Boris celebran 30 años de carrera con Heavy Rock, parte 3

/ Dejar un comentario / Estrenos / / , ,

Boris son una banda con magia. La mayoría de los grupos (y los fans) estarían felices de tener una visión estética y tan amplia como ellos, para encontrar objetos sólidos. Solo para dar la vuelta y producir discos de hardcore punk y avant-rock al mismo tiempo. Ahora anuncian la tercera entrega de su larga serie Heavy Rocks, siempre homónima y casi siempre con una década de diferencia. Se siente como otro de los millones de pequeños desafíos de Boris. Boris durante sus 30 años de historia tiene discos geniales y un registro casi perfecto en numerosos espacios de géneros. Ahora, como todas las entregas anteriores de Heavy Rocks, ésta es una oda al rock pesado más directo que constituye el núcleo de las influencias punk y tempranas de Boris, de grupos como MC5, Motörhead, Black Sabbath, Mountain y más. Su forma de tocar es, desde hace muchas décadas, telequinética, una sola mente que controla múltiples cuerpos. Boris ha sido durante mucho tiempo una de las mejores bandas para explorar su catálogo y discografía. A medida que avanza éste álbum de Heavy Rocks, comienzan a reforzar los riffs, a impulsar las melodías, a concretar los fundamentos de las canciones mientras otros instrumentos se atascan sobre él. Boris no es demasiado indulgente en su uso, el saxofón es de buen gusto. Su trabajo reciente explora el hardcore punk y tiene una presencia más firme aquí que en los Heavy Rocks anteriores, produciendo un ambiente punk prominente. Este aspecto se siente como quizás la mejor justificación para un nuevo disco de Heavy Rocks. El primero fue en el año 2002, el segundo en 2011 y ahora éste tercero en 2022. Esta entrega se siente como un formato bien explorado, como un resumen de sus lecciones aprendidas, ahora aplicadas en un ambiente de rock duro, una especie de estado de unión.

Los japoneses Boris celebran 30 años de carrera con Heavy Rock, parte 3 Leer más »

Escucha una hora de dj set de funk y soul japonés en vinilo

/ Dejar un comentario / Shuffle / / , ,

Al navegar por Youtube nos encontramos con un interesante dj set con tornamesas de funk y soul japonés de los años 70 y 80. Ideal para darle play y comenzar con tus labores diarias Tracklist: Yasuko Agawa – L.A. Night (1980-Invitation) Manna – Yellow Magic Carnival (1980-Epic/Sony) Yumi Arai – Anata Dake No Mono / あなただけのもの (1980-Alfa) Minako Yoshida – Uptown (1983-Alfa) Yumi Seino – You & I (1981-Blow Up) Taeko Ohnuki – Summer Connection (1984 Panam/Crown) Yasuko Agawa – Meant To Be (1980-Invitation) Taeko Ohnuki – 4:00 A.M. (1978-RCA) Aiko ‎- Time Machine (Reissue of 2 tracks from Aiko – “My Home Town” LP on ADY Recording, Inc. (ADY-1990)) Taeko Ohnuki – 海と少年 (1978-RCA) Rie Nakahara – Togire Togirete (1978- CBS/Sony) Haruko Kuwana – そして電話のベルは (1979-Philips) Kimiko Kasai – バイブレイション (1977-CBC/Sony) 当山ひとみ – Sexy Robot (1983-Columbia) Yasuko Agawa – New York Afternoon (Reissue; HMV-1987) En esta playlist se tocan algunos discos relativamente raros de cantantes japonesas de los años 70 y principios de los 80. El canal en Youtube My Analog Jorunal tiene decenas de dj set’s interesantes de diferentes géneros que valen mucho la pena escuchar. Da clic aquí para ir a este canal.  

Escucha una hora de dj set de funk y soul japonés en vinilo Leer más »

Reseña sobre el nuevo disco de Boris “LφVE & EVφL”

/ Dejar un comentario / Estrenos / / ,

La triada poderosa del rock/noise/drone/doom/futurepop/post-rock japonés está de vuelta con un disco que por momentos es una tormenta furiosa y, otras veces, es una lluvia suave sobre el mar Boris es una banda japonesa que ostenta un universo sonoro propio que al día de hoy podría ser fuente de inspiración para interminables oleadas y subgéneros futuros. Ha tocado de todo, desde las impenetrables texturas de su primer material: Absolut Ego, pasando por las poderosas enciclopedias de riffs de Amplifier Worship y Heavy Rocks; hasta sus momentos más caóticos en discos como Vein o Dronevil, o llegar a la sublime belleza de piezas como Akuma no Uta y Flood, adentrándose en el pop más recalcitrante y experimental en Attention Please, Praparat y New Album. O bien, dando una clase magistral con Sunn O))) en el mítico disco Altar. En fin Boris lo es todo. Son Led Zepellin, Hendrix, MC5, Brian Enno, David Bowie, The Stooges, Melvins, son la primera banda de culto del milenio y la última gran banda de culto en la historia. Hace un un par de semanas, el sello Third Man Records nos recetó con el nuevo disco de estos japoneses Love & Evol, un disco ambivalente que abona a las exploraciones sonoras del grupo en terrenos como el drone, ambient y pinceladas de doom. Si bien no es un disco tan contundente como el pasado Dear, continúa una larga serie de ideas que la banda ha trabajado desde hace muchos años. Quizás no sea un disco tan rockero; sin embargo, es un disco meditativo. Es un disco que describiría como monumental, minimalista y brutalista; un gran monolito esculpido a base de enormes sonidos y cantidades colosales de volumen y distorsión, con una energía que emana de las bocinas sin  parangón. ¿Qué podrías esperar de un disco de una banda perteneciente a una escena musical que tiene como lema: El noise es el blues de mi tierra? En fin, no quiero arruinar la experiencia de escuchar uno de los discos más propositivos del año, así que dejo un haiku: Furia y calma. El cielo se desgarra. Relámpagos caen. Ponle play. Cómpralo en este link.

Reseña sobre el nuevo disco de Boris “LφVE & EVφL” Leer más »

Escucha una hora de jazz japonés creado de 1970 a 1979

/ 2 comentarios / Shuffle / / ,

Esta mezcla es una serie de 70s Japanese Jazz Mix, creada por Dckne. Incluye diferentes géneros tomados en conjunto: hard bop, jazz-funk, soul jazz, jazz fusion, drum breaks, easy listening y rare groove Tracklist : 1. 00:00 Takeshi Inomata & Sound L.T.D. — Take Five (Blues March – Drum Battle, 1975) 2. 05:43 Mikio Masuda — Let’s get together (Corazón, 1979) 3. 11:37 Masaru Imada Trio — Green Caterpillar (Green Caterpillar, 1975) 4. 21:38 Rinsyoe Kida, Akira Ishikawa & His Count Buffalos — ソーラン節 (Tsugaru Jongara Bushi, 1973) 5. 25:35 Jiro Inagaki & His Soul Media — Breeze (Funky Stuff., 1975) 6. 30:03 Akira Ishikawa & Count Buffaloes — Pigmy (Uganda, 1972) 7. 37:43 Takeshi Inomata & Sound L.T.D. — Monster (Sounds Of Sound L.T.D., 1970) 8. 42:10 Hozan Yamamoto + Sharps & Flats – Kokiriko Bushi (Beautiful Bamboo-Flute, 1971) 9. 46:15 Akira Ishikawa & Count Buffalos — Stone river (Get Up!, 1975) 10. 50:25 Mikio Masuda — Let’s get together (Mickey’s Mouth, 1976)

Escucha una hora de jazz japonés creado de 1970 a 1979 Leer más »

El aclamado pianista de jazz japonés Yōsuke Yamashita toca un piano ardiendo en la playa

/ Dejar un comentario / Shuffle / / , , ,

La escena del jazz japonés ha producido durante décadas a algunos de los mejores del mundo, desde los tradicionalistas hasta los experimentales. Lo mismo podría decirse de otros países inclinados al jazz (los del norte de Europa, por ejemplo, que han desarrollado escenas especialmente sólidas). Hace unos años el aclamado pianista Yōsuke Yamashita tocó un piano en llamas en la playa. Esta no era la primera vez que lo había hecho. En 1973, el famoso diseñador gráfico Kiyoshi Awazu le pidió a Yamashita que apareciera en su cortometraje Burning piano, tocando el instrumento titular. Al verlo de nuevo 35 años después, Yamashita escribió: “Al verme involucrado en esa extraordinaria actuación, sentí esta ola de emociones que eran como ‘¿Qué fue eso?’ Y así, replicó este espectacular acto por su cuenta. “No pensé que estaba arriesgando mi vida”, dijo Yamashita más tarde, “pero casi me estaba asfixiando por el humo que continuamente me llegaba a los ojos y la nariz. Decidí seguir tocando hasta que el piano dejó de emitir sonidos, así que aunque no lo quise decir, terminé teniendo una batalla de vida o muerte entre el piano y yo “, señaló el pianista. Los dedicados músicos de jazz saben lo que significa sufrir por su arte.

El aclamado pianista de jazz japonés Yōsuke Yamashita toca un piano ardiendo en la playa Leer más »

Estreno. Mono – “Nowhere now here”, la evolución del sonido

/ Dejar un comentario / Estrenos / / , ,

 La banda instrumental japonesa Mono, que por más de 2 décadas, ha evolucionado su sonido a través de 9 álbumes de estudio, cumple totalmente su objetivo “hacer sentir al oyente”, mucha música tiene ese fin común, pero con Mono se escribe en GRANDE. Están celebrando sus 20 años de trayectoria con su décimo álbum de larga duración, editado por la disquera alemana Pelagic Records ¡el día de hoy! Sorprende con un cambio de alineación, un nuevo baterista en reemplazo de Yasunuri Takada. Este álbum encierra 2 décadas de exploración con una contemplación reflexiva, la obra abre a niveles similares, una receta típica de la banda, parece querer refinar su sonido muy establecido, After You Comes The Flood emula un intro fantástico y emocional, cumple su compromiso con el género. Comienza con una explosión auditiva donde convergen todos los instrumentos, una fusión de oscuridad y de luz que se mueven transitoriamente hacia la iluminación, en Breathe el cambio es radical, un corte melancólico que incorpora electrónica y por primera vez en la historia de la banda canta Tamaki Kunishi y no decepciona. Una canción hermosa. En Nowhere Now Here sigue en la misma línea y forma de álbumes pasados, que les funciona tan bien: un intro melódico pasando por un crescendo progresivo y guitarras relucientes; Far and Further es una canción ambiental con un loop electrónico que evoca una sensación de posmodernidad; en el bello corte Sorrow mantiene un ‘going’ edificante que transcurre suavemente a una cima celestial. Parting conmueve con un sonido clásico, lleno de cuerdas y que termina con un movimiento preciso. Meet Us Where The Night Ends muestra su magnífica paleta instrumental que cada vez es más amplia. Es increíble cómo evoluciona con capas de guitarras y baterías y la eficacia con que la banda te lleva a un estado predesible, ¡lleno de grandes gestos melódicos y corrientes ascendentes de distorsión eufórica! Funeral Song funge como una alfombra roja para recibir el corte final Vanishing, Vanishing Maybe donde hay un encanto distintivo en la compleja simplicidad, con un toque shoegazing que fluye a un clímax de rasgueo frenético. Foto por: Chigi Kanbe Hacer música instrumental ‘fuerte’ es un logro en sí mismo. Se siente una madurez en su sonido que ha mejorado con la edad, los 2 álbumes pasados se sintieron con falta de ideas, un poco atascados y sin conexión. Éste regreso es revitalizante, no habían creado un disco tan bien logrado desde For My Parents misma fórmula antigua, pero al escucharlo la fórmula desaparece y todo lo que queda son las imágenes y emociones conmovedoras. monoofjapan.com FB @monoofjapan Twitter : monoofjapan IG: monoofjapan Youtube: Mono (Japan)  

Estreno. Mono – “Nowhere now here”, la evolución del sonido Leer más »

Scroll al inicio