Depósitio Sonoro

jazz

Art Ensemble of Chicago, del jazz a la gestión del free-jazz

Art Ensemble of Chicago es un grupo estadounidense de jazz nacido en 1966, considerado uno de los iconos del free jazz. Art Ensamble of Chicago derribó de todo el concepto que existía en torno al jazz en la década de los años 60. Siempre estuvieron en la vanguardia. Roscoe Mitchell y Don Moye se mantenían con la cara la cara con colores de guerra, des-domesticar el jazz y vuelven a demostrar por qué su nombre va junto con el de Ornette Coleman, Albert Ayler, Cecil Taylor, Sun Ra, Rahsaan Roland Kirk o Anthony Braxton.  Alternaban en su música la historia del jazz con la vanguardia, desplegada con humor y espectacularidad en escena (pinturas, ropajes, iluminación). El grupo exhibió desde sus comienzos un interés obsesivo por la improvisación y en los sonidos heterodoxos de sus instrumentos atípicos, como carillones, cocteleras, para pájaros y hasta bocinas de coches. El grupo consiguió una sólida reputación dentro del mundo del free jazz y colaboró ocasionalmente con otros músicos, como la francesa Brigitte Fontaine, la cantante Fontella Bass, o los pianistas Muhal Richard Abrams y Cecil Taylor The Art Ensemble tuvo sus primeras raíces en la banda experimental del pianista Muhal Richard Abrams, un grupo de ensayo (tristemente no grabado) dedicado a explorar las ideas compositivas de los jóvenes músicos de Chicago. Tres de estos intrépidos creadores, los saxofonistas Roscoe Mitchell y Joseph Jarman y el bajista Malachi Favors, estuvieron entre los primeros miembros de la Asociación de Abrams para el Avance de los Músicos Creativos (AACM) desde sus inicios en 1965. Favors, tenía ya ha estado tocando en conjuntos de jazz de área desde mediados de la década de 1950; Jarman y Mitchell se conocieron en el programa de música en Wilson Junior College antes de que cada uno hiciera una temporada en el ejército. Y así continua una historia de 5 décadas. Lanzaron alrededor de 40 discos hasta el año 2006, en el que iniciaron una pausa de casi una década. Basta de historias y dejemos que su música hable por sí sola. Es momento de que escuchemos a fondo uno de sus conciertos en vivo. A continuación. 

Art Ensemble of Chicago, del jazz a la gestión del free-jazz Leer más »

John Zorn celebra sus 65 años con 4 días de conciertos

El saxofonista de vanguardia John Zorn celebrará sus 65 años con una serie de conciertos. En la mayoría él forma parte de los proyecto, como son Masada y Secret Chief. Zorn nació y creció en New York. Su fama en el mundo de la música de vanguardia comenzó en la década de los 80, gracias a que supo meter a la licuadora varios géneros en boga: el jazz, música agresiva como grind core y noise, cultura japonesa (de la que él se ha declarado seguirdor), y cinefilia. Sus proyectos prominentes fueron  Naked City, Spillane, inspirado en el célebre detective, o Spy vs. Spy, donde trituraba el legado de Ornette Coleman. Neoyorquino de sepa más no poder él ha dicho de su ciudad lo siguiente: “Lo que mejor define a Nueva York es el cambio. Llevo toda la vida aquí y aún descubro algo nuevo cada día”. Cuenta con una disquera llamada Tzadik Records (en hebreo se interpreta como “fe de los justos”). En Tzadik Zorn ha lanzado parte de sus intereses musicales y estéticos. Actualmente organiza Filmworks (25 álbumes de música para películas), Hermetic Organ (discos de órgano solo) o la serie Radical Jewish Culture, en la que trabaja “a través de la experimentación y la vanguardia”. También mediante la revisión de la obra de compositores judíos como Marc Bolan, Serge Gainsbourg o Burt Bacharach. Entre los proyectos que ha lanzado destacan Cobra, Naked City, Masada, Bar Kokhba Sexted, Electric Masada, Painkiller, Moonchild y Hemophiliac. E inagotable lanzamientos como solista y en su FilmWork Series.

John Zorn celebra sus 65 años con 4 días de conciertos Leer más »

Turning Jewels Into Water, explosión sonora retrofuturista de New York y Haití

Turning Jewels Into Water es un dueto iniciado por el percusionista neoyorquino Ravish Momin y por la ingeniera electrónica experimental Val Jeanty , de Haití. Su misión recae en exponer la realidad contaminante del presente distópico con una explosión sonora infecciosa y retrofuturista. Mitad orgánica, mitad maquinista, en su debut Which Way is Home? se plantea un camino de liberación empática. La unión del dúo inició en el Otoño del año pasado en Brooklyn, Nueva York, durante una sesión de jam en Pioneer Works, plataforma creativa y aventura multidisciplinaria en la que Momin realizó una residencia que rápidamente evolucionó hacia una revelación ritual y profunda ceremonia. Voces, beats dislocados y una amalgama digital se descifraron entre sueños linguísticos y fantasmas espaciales; como si el imaginario de Bladerunner se encontrará con la poesía negra de Nathaniel Mackey, para desencriptar cifras gnósticas desde un cableado quemado. El surgimiento espiritual del proyecto se nutre de tradiciones afroamericanas y la infancia en Mumbai de Ravish Momin, así como el voodoo nativo de Jeanty: juntos vuelan hacia nuevos mundos y estallidos musicales.   Así, Turning Jewels Into Water es un nuevo inicio con raíces futuristas que dan lugar a dubs mutantes, ondas senoidales, percusiones polirrítmicas e interferencias estáticas de una consola áerea, mediante tornamesas embrujadas y sintetizadores post-apocalípticos fundidos en la herencia del jazz, el illbient y la afroelectrónica. Turning Jewels Into Water es Ravish Momin (batería electrónica, loops en vivo, programaciones) y Val-Inc (tornamesas y percusiones electrónicas). Which Way Is Home? ve un lanzamiento en vinil y formato digital en verano de 2018, vía FPE Récords.

Turning Jewels Into Water, explosión sonora retrofuturista de New York y Haití Leer más »

Una carta para John Zorn

Este 2021 cumples 68 años, quizá sabiendo que mucho de tu trabajo ha generado frutos y ha desencadenado una serie de influencia y resonancia alrededor del mundo.  Te conocí en el lejano año 2002, en una edad muy temprana de mi vida, gracias a un video VHS que tenía un gran amigo sobre un concierto de Naked City (1988-1993), en The Marquee Club de New York, con aquella grandiosa alineación: Bill Frisell, Wayne Horvitz, Fred Frith, Joey Baron y Yamatsuka Eye. Una noche vi a ese dream team y me voló los sesos, sencillamente cambió mi forma de ver y apreciar la música, fue un antes y un después. Naked City mezclaba todo lo que me gustaba entonces –punk, hard core, grind-core– con cosas que aún no conocía. Bossanova, jazz y free jazz en estado puro más todo lo mencionado antes.  Un par de años después, en 2003, te vi en México con tu ensamble Cobra y 2 días después en Bellas Artes. Recordemos esto como algo que marcó una generación de gente joven y asidua por escuchar algo de vanguardia que tú venías años atrás encabezando con otra serie de artistas.  Años más tarde con Painkiller y en 2013 con Moonchild; en fin, cada que has venido. Y con entusiasmo te seguí también gracias a los releases de tus sellos Tzadic Records, que tratar de enlistarlos aquí sería por demás extenso y seguramente dedicaré una nota especial para hablar de los favoritos.   Esta vez quiero ser breve y mencionar parte de lo que aprendí con tu trabajo: *Sí hay futuro (y presente) para la música experimental. *El mundo es de los arriesgados. *Todo músico debe trabajar con lo que tenga a su alcance, con los otros que están ahí y ser feliz dando pasos como un bebé, uno tras otro. *Escribir música es una oleada de éxtasis. *Cada momento es un duelo y una analogía al free jazz: constantemente se deben tomar decisiones. Tampoco hay momentos iguales en la vida. *El Klezmer se puede en Occidente. *Los viajes inspiran, el el suyo de 10 años por Japón para formar Tzadick Records es una muestra cristalina. La música de *Japón ha inspirado al mundo.  *Un obsesivo de la música debe saber explorar muchos terrenos. *Tu método de crear momentos e imágenes musicales que luego se condensan en estructuras y momentos de repeticiones es una excelente forma de composición. *Despedacemos la música, reinventémosla y creemos nuevas formas. *NO TODO ESTÁ DICHO EN ESTE MUNDO. Y por último, gracias a Zorn conocí el trabajo de Cyro Baptista, Anthony Coleman, Sylvie Courvoisier, Dave Douglas, Annie Gosfield, Erik Friedlander, Fred Frith, Pauline Kim, David Krakauer, Ikue Mori, George Lewis, John Medeski, Evan Parker, Fred Sherry, Trey Spruanc, Derek Bailey, Otomo Yoshihide, Tim Sparks, Keiji Haino, Merzbow, Gordon Mumma, Kayo Dot, Time of Orchids, Syzygys,Yoshida Tatsuya, Noah Creshevsky. John Zorn & Ennio Morricone

Una carta para John Zorn Leer más »

Mira la sesión audiovisual de la banda Futuremen

El pasado 1 de julio entre el horario del cierre de las casillas electorales y la espera de los resultados de las tendencias de los que serían los nuevos gobernantes en México, Futuremen transmitió una sesión audiovisual por medio de Facebook Live. Como medio para hacerse presente y sumarse a todo el ruido de información y desinformación generado durante las elecciones, la banda decide hacer esta transmisión en vivo. El resultado es una sesión improvisada que usa como elemento principal 3 secuencias de base a los que se suman diversos elementos sonoros y visuales creando una experiencia de ánimo diferente para cada versión. Siguiendo esta estructura, Futuremen planea continuar desarrollando música nueva con lanzamientos esporádicos.

Mira la sesión audiovisual de la banda Futuremen Leer más »

Stereolab, pura genialidad difícil de describir en el tiempo

Hay pocos grupos que recordamos por su peculiar posicionamiento en su época musical. La agrupación francesa, Stereolab es uno de ellos. Con la creación de su sexto álbum, “Dots and Loops” (1997), Stereolab marcó un significativo hito en su trayectoria. Manifestándose como un grupo con un pie en épocas musicales pasadas, y otro pie en probablemente épocas musicales futuras. Con pie acá y el otro allá. Stereolab comienza debido a la pareja conformada por el inglés Tim Gane (previamente guitarrista de McCarthy) y la francesa Laetitia Sadier a principio de los noventa, bajo la influencia de McCarthy, que efectuó como un prototipo sonoro de Stereolab. Fue así como Stereolab fue creciendo dentro de la escena subterránea de pop/rock alternativo de Francia e Inglaterra, permaneciendo como una anomalía en las categorías musicales. Fue hasta “Dots and Loops” que Stereolab encontró la perfecta mezcolanza de sonidos, ritmos e influencias para autodescribir su idiosincrasia. Con una gama de ritmos de jazz en las percusiones, sonidos en guitarra que imitan un poco al bossa nova pero también a The Velvet Underground en sus inicios; el uso de sintetizadores análogos que remiten a la escena pop francesa e inglesa de los años 60 y nuevos sonidos electrónicos con un futurista sabor de boca, Stereolab había encontrado su perfecta fórmula. También es importante recalcar que este es el momento en que la agrupación decide experimentar con nuevos instrumentos como el xilófono, nuevos sintetizadores e instrumentos de cuerdas para los fondos. Y así crean una obra de 65 minutos de pura genialidad, difícil de describir en el tiempo de la música. Este próximo 26 de octubre se presentarán en HIPNOSIS 2019. 

Stereolab, pura genialidad difícil de describir en el tiempo Leer más »

“The Final Tour: The Bootleg Series Vol. 6”, recopilación de últimos conciertos de Miles Davis y Coltrane

  Era la década de los años 60 y el jazz moderno estaba en crisis. Este cambio fue en gran parte gracias a los avances artísticos que Miles Davis y su quinteto habían logrado cuando lanzaron Kind of Blue, un documento de restricción y expresión melódica  que a la fecha sigue asombrando por ser considerado como uno de los álbumes de jazz más importantes de todos los tiempos. Por eso en esta época fue tan importante una reunión entre los dos genios del jazz para crear este disco que ahora ha sido relanzado alrededor de 60 años después. Género: Jazz Label: Columbia/Legacy Recordings Lanzamiento: 23 de marzo de 2018 Ese mismo año, John Coltrane también se centró en su álbum en solitario, Giant Steps. Distinto por el sonido moderado y frío, Coltrane estaba en su propia trayectoria cuando Miles Davis lo invitó a una gira europea reservada por el empresario de jazz Norman Granz, que también contó con Stan Getz en saxo tenor y Oscar Peterson en piano. Marcó la primera vez que Davis haría una gira con su propia banda, y se encontraron con casas llenas y aplausos entusiastas cada noche. Y este es el resultado de aquello, una recopilación de más de 3 horas. The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6 ofrece cinco de los mejores conciertos grabados durante la decisiva gira de 1960 (La última de Coltrane como músico de sesión): dos conciertos en el Teatro L’Olympia de Paris el 21 de marzo; dos conciertos de la noche siguiente en el Konserthuset de Estocolmo; y uno del Tivolis Koncersal de Copenhague realizado tres días después, el 24 de marzo. Para los amantes del formato físico está disponible en una caja recopilatoria de 4CD o LPs el formato digital, en esta recopilación que reúne por primera vez en una edición autorizada cinco míticas actuaciones de Miles Davis según las escuchó el público que tuvo la suerte de estar presente durante la Gira Jazz At The Philarmonic por Europa en la primavera de 1960. Aquí pueden obtener los discos.

“The Final Tour: The Bootleg Series Vol. 6”, recopilación de últimos conciertos de Miles Davis y Coltrane Leer más »

Lo nuevo de Borgore es jazz en estado puro

De hacer dubstep para las masas -pasando por festivales de EDM en todo el mundo- a jazz para nuevas generaciones: el último álbum de Borgore combina el sonido clásico del jazz moderno con un formato de canciones en pequeñas dosis. Género: Jazz | Jazz Contemporáneo | Post Bop País: Israel ★★★★★ La mayoría de nuestros lectores han de acordarse de Borgore por su trayectoria en el mundo del dubstep y el EDM, teniendo sobre todo sencillos exitosos durante el apogeo del género allá más o menos por 2010, con Borgore sacando sencillos como Nympho o Decisions que le harían ser conocido (y muchas veces repudiado), por su contenido lírico explícito y notoria sencillez en su estilo musical, tanto en melodía como en producción y estética, estilos de los cuales acaba de divergir rotundamente el pasado 30 de mayo con su nuevo lanzamiento: Adventures in Time es un corto álbum cuyo estilo es identificable totalmente con el sonido ya clásico del jazz sesentero y setentero, (al menos de las facetas del sonido más mainstream). Enteramente instrumental y grabado en un formato de trío con piano, contrabajo y batería que pasa en 6 canciones tramos de post-bop, bebop, éste álbum tiene durante todas sus canciones una tendencia casi tributo al estilo del cool jazz que recuerdan a lo publicado por el sello Blue Note, con toques de fusión en la batería que recuerdan el trabajo en percusiones de P. Collins con su proyecto Brand X, y utilizando cambios de tiempo constantes de la mano a repentinos y variados grooves con influencia de jazz posmoderno, junto a un intercambio constante de estructuras y matices en el piano, que hacen eco al sonido de otros pianistas de Oriente Medio como Tigran Hamasyan, e incluso añadiendo ese sonido de post-bop setentero a solos modales de contrabajo y piano tocados durante el disco. Éste es un álbum que cualquier fan del jazz podría disfrutar sin problemas, y que por su duración inspirada directamente en sus propios cortes dubstep, e influencias de jazz de nuevas generaciones y otros géneros, cualquier persona no tan afín al jazz y su virtuosismo también podría digerir y disfrutar sin pensar demasiado.

Lo nuevo de Borgore es jazz en estado puro Leer más »

Scroll al inicio